1. Elegir la tierra: color, plasticidad, resistencia. Polvo y agua, remangarse los pantalones y la camisa.

2. Mezclar y amasar: dolor de espalda, sudor, trabajo. Las máquinas entran en acción, en ese momento no es posible oír a Mozart. Mezclar la chamota igual que el cocinero pone sal en el guiso. El gran espaguetti de Leonardo estaba pensado para saciar el hambre de todo un ejército.

3. Dar forma: modelar la frescura de la arcilla, el tacto, el olor. El gesto es la huella y el trazo en el lodo, el de la pincelada de óxido de hierro. El tallado es el surco en el campo, el movimiento de las lombrices de tierra. Son los colores los de la tierra de los campos abrasados. El color de la primavera y la ceniza son los verdes y amarillos. El blanco es el del caolín, el de las nieves del invierno, el de la escarcha sobre la hierba de primavera, el de la flor del ciruelo, el de la luna llena. El negro es del humo y las sombras de la noche, el del hierro, el del carbón, el de la pena. El azul es el de los cielos, el de las aguas, el azul y rojo de los atardeceres.

4. La energía del fuego: la acción en el horno, la llama devoradora de madera, dominar el viento, sujetar el tornado de fuego; sentir el día, la noche, el amanecer y el día de nuevo, la lluvia y el sol, el frío y el calor en la cara.

5. Soportar con paciencia la espera: tapiar y dejar enfriar el horno, elegir, encontrar respuestas, plantearse nuevas preguntas, insistir una y otra vez, el tema adquiere otro significado más allá del objeto. Comenzar de nuevo.

No se habla aquí de objetos decorativos, no de frivolidades.

Disfrutemos pues de esos momentos privilegiados que hacen posible encontrarnos con el lenguaje de la obra de arte. Escuchémosla a ella hablar con toda su fuerza porque nos mantiene alerta, ofreciendo armas para enfrentarse a esta aventura que es la vida del homo faber con toda su complejidad. Sirve para ayudarnos en la búsqueda de respuestas, sirve para abrir los ojos y ver más allá de nuestras narices.

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El interesante ensayo de Rebeca Pérez Sánchez Montañés (ed.Colección NON DISPOÑIBLE, Fundación Luis Seoane): Xavier Toubes Descripciones sin lugar, subtítulo que la autora toma de la obra homónima —realizada en 1989 por el escultor nacido en Galicia, e instalación hoy adquirida por la colección Klaus Peter Fischer en Frankfurt— recoge el resultado de una «observación detenida» a través de la experiencia vital y de elección del artista, los parámetros de: reflexión, motivación y visión, así como las características y el sentido de la obra de Xavier Toubes (A Coruña, 1947), artista internacional o «nómada» como él mismo se define. Una obra que, aunque a veces o también pertenezca al medio de la fotografía o la pintura, preferentemente se materializa mediante la escultura de arcilla; una obra creada por la necesidad que siente su autor de vivir en compromiso con el arte pues tal compromiso le sirve como «herramienta para el conocimiento» (en palabras de Toubes, recogidas por la autora del ensayo, ser artista es “una forma de entender, de ser y de estar en el mundo, una herramienta para el conocimiento”).

Además de reparar en el carácter poético que se percibe al contemplar la obra de Toubes, es decir, en su carácter funcional para el espíritu, Rebeca Pérez subraya algunas cuestiones de vital importancia:

No obstante, la obra de Toubes no solamente ocupa el terreno inmaterial, sino que aspira a hacerse tangible y visual, para lo que el artista transmite un fuerte sentido de materialidad a sus piezas, como una forma de protesta por la ruptura entre mente y cuerpo en la identidad del artista y en el proceso creativo.

El conocimiento de la experiencia vital de un artista, sobre todo el conocer sus motivaciones y su elección, seguramente y en cierto modo sirve de ayuda para entender más profundamente su universo. Por ejemplo, para analizar y entender la obra actual de Miquel Barceló, la perspectiva no alcanza la misma profundidad si no se conoce la convivencia y la relación del artista con el país Dogón. Del mismo modo la elección que Toubes hace en momentos claves de su vida delatan una personalidad energética, un coraje y una capacidad de elección que consecuentemente se refleja en su trabajo. En ese sentido, apunta la autora del texto que comentamos, que el arte le sirve a Toubes como una herramienta para enfrentarse a las contradicciones que van surgiendo en su vida.

Mas son precisamente esas contradicciones, entre el entorno y sus convicciones, las que le llevan a la acción, a no doblegarse ante la comodidad, y a proseguir la búsqueda de nuevos horizontes… Hubo un tiempo en que el compromiso político y su creencia en la libertad le llevaría a un “exilio” más o menos voluntario en un momento oscuro de nuestro país (1967), cuando España sufría la represión franquista. Durante su estancia en Londres se encuentra con el arte, y el arte cambia su vida (cursa estudios, durante 1974-77, en Goldsmith College University of London). Pero ese compromiso con el arte le lleva, en un momento que se cuestionan los procedimientos, a salirse de las casillas hasta indagar en la periferia (la cerámica para los círculos artísticos en aquellos momentos en los que imperó la tendencia minimalista y conceptual resultaba insoportable). Y resulta que él precisamente decide involucrarse con la cerámica: en 1978 trabaja en Winchcombe Pottery.

(…) su actitud es de rechazo a unas formas de entender el arte que ponen demasiado énfasis en el proceso y que con el tiempo han empujado al arte a su desmaterialización y llevado al objeto al borde de la extinción. El enfoque que Toubes da a su trabajo, sin que niegue su aspecto intelectual, busca que el cuerpo se involucre (…)

En este proceso intelectual y físico que menciona la autora, la historia hace un recorrido por su trayectoria: después de Inglaterra vendrá Nueva York (1978), el Master en Alfred University (1980-83), el ejercicio de la docencia en la Universidad de Carolina del Norte (Chapell Hill, 1983-93), hasta que en 1989 activa la creación del EKWC en Holanda de cuya dirección artística se hará cargo desde 1991 hasta 1999, fecha en la que regresa a Chicago como profesor de Arte en la School of Art Institute. La experiencia y los logros que Toubes consigue en el EKWC sin duda supondrán una piedra angular en su obra; por consiguiente, del periodo en el que Toubes se hace cargo de la dirección artística en el Centro Cerámico de Hertogenbosch, donde desarrolla objetivos y postulados, ocupa un apartado en el que la autora se detiene especialmente. Incluye, por supuesto, una descripción de unas obras que por los recursos allí disponibles Toubes realiza enfrentándose a una mayor escala, al tiempo que explora problemas «escultóricos y tecnológicos».

(…) Toubes deja a un lado la naturaleza irreconciliable y el afán de resolución de la escultura figurativa para conducir su estudio hacia el objeto en proceso de transformación (…)

A la entrada del 7 de abril, Las Terracottas de Anthony Caro, le hemos añadido el artículo publicado en EL CULTURAL (28 Junio, 2000), «Anthony Caro El Juicio Final». Una colaboración que agradecemos a Kosme de Barañano, autor de dicho texto.

El Juicio Final resume cincuenta años de trabajo, a la vez que se emparenta con los grandes relatos dramáticos, desde el propio Juicio Final de Miguel Ángel, pasando por el Guernica de Picasso o por los trípticos de Max Beckman. En palabras del propio Caro, en una conversación con Carandente, “no es posible producir arte hoy en día sin ninguna clase de referencia visual a una obra suprema como el Guernica de Picasso”. El Juicio Final de Caro desarrolla en el plano, como en sus anteriores Mesas, o en Olympia, un gran relieve que se convierte en arquitectura, un relieve horizontal que adquiere una armonía de arquitectura monástica, de contención religiosa, a pesar de la audacia de composición articulada, separada en varios sintagmas que parece que nada tienen que ver entre sí si no aparecen organizados en una frase.

Para acceder al archivo PDF que contiene el artículo volver a dicha entrada o entrar directamente en el mismo desde este enlace adjunto:

Anthony Caro El Jucio Final, Kosme de Barañano

En Bibao, hasta el 11 de Junio de 2006 el Guggenheim dedica una de sus exposiciones temporales en homenaje a Eduardo Chillida. La muestra, comisariada por Kosme de Barañano, bajo el enunciado Homenaje a Chillida reúne 43 obras (fechadas entre el 2002 y 2003 -después del 19 agosto de 2002, fecha del fallecimiento del artista vasco) que pertenecen a los fondos de la Fundación Grupo Urvasco. Trabajos realizados in memoriam por 45 artistas internacionales, entre ellos: Richard Serra, George Baselitz, Anthony Caro, Tony Cragg, Manolo Valdés, Miquel Barceló, Antoni Tàpies, Robert Rauschenberg, Ron Kitaj, Christo, Zao Won Ki, Miquel Navarro, A.R. Penk, Rafols Casamada, Magdalena Abakanovizc, Eduardo Arroyo, Gonzálo Chillida (hermano del escultor), Pedro Chillida y Eduardo Chillida (dos de los hijos del artista homenajeado), así como escritos de arquitectos que trabajaron con Chillida como Norman Foster, I. M. Pei, y Frank Gehry entre otros que se han sumado a este homenaje. Una exposición que se basa, en palabras de su comisario, «no en la retórica de las palabras, sino en la sencillez de unas obras que hablan a Chillida en el lenguaje particular de cada uno de los artistas presentes (…)».

En Santander, hasta el 11 de junio de 2006, la Fundación Marcelino Botín dedica también una muestra a Chillida con obra perteneciente al museo Chillida-Leku: entre las obras que pueden contemplarse 26 grabados, 36 obras de papel, 13 gravitaciones y 15 esculturas en hierro y tierra cocida.

En San Sebastián, hasta el 25 de septiembre de 2006, en el Museo Chillida-Leku, podrá contemplarse la exposición Chillida: Homenajes. Más de cuarenta obras, homenajes realizados por Chillida a diferentes autores pertenecientes al mundo de las artes plásticas, del pensamiento, de la música y de la poesía como Heidegger, san Juan de la Cruz, Vivaldi, Bach, Giacometti, Brancusi, Calder, entre otros.

Sir Anthony Caro (Reino Unido, Surrey 1924) es el más importante escultor británico vivo y una de las figuras clave de la historia del arte contemporáneo. Su obra, desprovista de pedestal, se inserta dentro de la abstracción; se acerca así al sujeto contemplador y le ofrece mediante una narrativa poética una fuerte conexión con los materiales que emplea. Según sus palabras, «comprender el material es un buen punto de partida para los artistas». La narrativa y poética de Caro va por consiguiente muy unida a esa estrecha relación que el artista establece con lo que se trae entre manos y de este modo él crea una figuración para el siglo XXI sin por ello abandonar su carácter abstracto. Acero pintado, plomo, papel, madera, plata, o terracotta (material que en esta exposición pretendemos abordar), le sirven al artista para desarrollar su personal lenguaje y para profundizar a través de una narrativa que se articula entre los límites internos y externos de la materia y sus cualidades.

Desde 1975, Caro trabaja con cerámica. Un material más de los que hasta entonces había utilizado para construir su lenguaje. Utilizará la tierra en su apariencia más austera, gres cocido con leña. Abordará con la tierra temas épicos; es el mencionado material, trabajado con naturalidad y con su aguda percepción, el que la mayor parte de las veces le inspirará el «tema». Tan complicada aventura, me refiero la de trabajar la tierra y manejar el gran fuego del modo en que lo ha hecho, llevaría toda una vida de exclusiva dedicación para enfrentarse a los problemas técnicos así pues le asisten otros artistas conocidos expertos, especializados en dicha disciplina y en la técnica que le interesa: lo hace en la Universidad de Siracusa con Jim Walsh, con Paul Chaleff (artista experto en anagama y autor de las piezas de torno de las que se ha servido Caro para construir sus Pot Ladies); y, en Grasse, al sur de Francia, con Hans Spinner (con quien Caro ha realizado entre otros trabajos sus instalaciones épicas: the Barbarians, Lastdjudgement, Tartar War), trabajando con bloques macizos de tierra chamotada.

La colosal instalación Lastjudgement (el Juicio Final), que por cierto ha sido comparada en importancia con el Guernica de Picasso, pudo contemplarse en la Bienal de Venecia de 1999. Sobre esta obra incluimos un artículo publicado en El Cultural, colaboración que agradecemos a su autor K. de Barañano / Anthony Caro El Jucio Final

El 27 de Marzo de 2006 llegaba a nuestro país Sir Anthony Caro para recibir del IVAM el Premio Internacional Julio González (2005), una distinción que desde el 31 de octubre de 2000 se creó por iniciativa de Kosme de Barañano —quien en ese momento tenía la responsabilidad de la dirección del centro. Distinción que el artista recibió, por su aportación al arte contemporáneo, agradecido y emocionado por lo que para él ha representado la obra de Julio González (en sus palabras, el primer escultor cubista) y en cuya tradición escultórica junto con la de Picasso se reconoce.

El grupo escultórico The Barbarians (1999-2002), seis jinetes guerreros de casi dos metros de altura con un viejo carro tirado por un buey y guiado por una figura femenina (¿símbolo del tiempo perdido?), obra del genial escultor británico Sir Anthony Caro (Surrey 1924), podrá contemplarse hasta el 23 de abril de 2006 en el IVAM.

Tierra cocida (gres de gran fuego), madera, cuero y acero han sido los materiales empleados para la mencionada obra. Ensamblaje realizado con materiales considerados no tradicionales en la escultura que el artista «rescata» (potros de gimnasio encontrados en un almacén de King`s Cross), «amasa» (cuerpos de tierra, cocida con leña en el horno de Hans Spinner), «ensambla y viste» (con elementos industriales: acero y cuero) y «piensa» (homenaje al poeta Constantino Kavafis, nacido en Alejandría y piedra angular de la poesía griega del siglo XX).

Bárbaros, porque hoy en el siglo XXI, en la periferia de la llamada civilización, armados con látigos y porras, Golom, Kharjaar, Jiloo, Saardag, Sulde y Dooro junto a Kharsag que conduce el antiguo carro mongol, dan metafóricamente una bofetada al entramado corrupto de esta supuesta «civilización».

Del catálogo de la exposición celebrada en el 2002 en galería Mitchell-Innes and Nash extraemos las palabras del artista:

Through the ages, civilizations have often been subject to unexpected assaults from warrior tribes. This happened when the Tartars overran Asia and the Huns and Goths plundered Rome. My Barbarians allude to this history.

Anthony Caro

(«A través de los tiempos, a menudo las civilizaciones han sido atacadas inesperadamente por tribus guerreras. Esto ocurrió cuando los tártaros invadieron Asia y los unos y los godos asaltaron Roma. Mis bárbaros son una alusión a esta historia»)