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El balance de COLLECT’09, en su nueva ubicación en the Saatchi Gallery: todo un éxito de público y adquisiciones

Por • 22 de mayo, 2009 • Tema: Noticias, Recomendados

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Reino Unido, Londres: 15-17 de mayo 2009

Este año el Crafts Council, institución inglesa que se encarga del fomento y la preservación del arte y la artesanía contemporánea de excelencia presentó la edición de Collect en Saatchi Gallery (imágen izqda). El cambio de fecha del invierno a la primavera, así como el cambio de ubicación (mayor amplitud de espacio expositivo), sin duda han favorecido aun más si cabe este encuentro anual.

La verdad es que con los aires de recesión económica que han soplado especialmente en los últimos meses y que tanto han afectado a la economía británica y a la estadounidense, la preocupación estaba en el aire (no podía ser de otro modo). Sin embargo, el pasado fin de semana Collect se celebró con todo su esplendor. Resultó un éxito de público y adquisiciones; un total de trescientos artistas representados por treinta y siete galerías (esbozaron un ámbito internacional, con participantes del Reino Unido, Irlanda, Europa Central y Escandinavia, Australia, Japón, Estados Unidos).

A esta cita anual, dedicada al arte y la creación artesana, no faltaron ninguna de las más prestigiosas galerías habituales de esta muestra, y, además este año han debutado dos más: Collection d’Ateliers de France, y la galería noruega Kunst1 (que entre otros trabajos incluyó cerámica de Caroline Slotte, Jens Erland y Beth Wyller).

Resumiendo la participación, toda ella como de costumbre de una cuidada selección, podemos citar algunos de los trabajos que llaman nuestra atención. Entre ellos los trabajos de cristal presentados por ‘Bullseye Gallery’ (Portland, US): J. Bruce, C. Cockburn, J. Longhlin, J. Sarmiento, y A. Sargent.

Obra de Cobi Cockburn representado por Bullseye Gallery

También fueron bastantes los compradores que se interesaron por obras y artistas representados en la galería japonesa ‘Yufuku’ (en lo que se refiere a la cerámica, obras de Suehary Fukami, Masahiko Ichino, Ken Mihara, Shigekazu Nagae, Atsushi Takagaki).

Fukami Sueharu, representado por la galería Yufuku

En la rama de alfarería de estudio, una vez más ‘Joanna Bird Pottery’ cumplió las expectativas de aquellos coleccionistas que buscan nombres consolidados en lo que la tradición inglesa ha denominado studio pottery; en su stand encontramos nombres consagrados: Richard Batterham, Svend Bayer, Clive Bowen, Carina Ciscato, Pippin Drysdale, Annie Turner, Michael Cardew, Joanna Costantinidis, Hans Coper, Shoji Hamada, Bernard Leach, Lucie Rie y Tatsuzo Shimaoka, son tesoros que esta galería puso al alcance del coleccionista o del museo.

Richard Batterham, tarro con tapa y vaso; en el stand de Joanna Bird Pottery

Otra de las noticias relevantes a subrayar son los premios adquisición (Art Fund), que para la edición de este año incrementaron su presupuesto de £50.000 a 75.000 (libras esterlinas). Y es que en el mundo anglosajón, por lo que se puede apreciar, sí se sienten de verdad motivados por esta rama del arte que implica a la creación artística (la expresión personal) con los métodos de creación artesana (en los que, con naturalidad y sin perjuicios, conviven las nuevas y las ancestrales tecnologías).

Beth Wyller, Galería Kunst1 / Mia E. Göransson, Galería Flow en Collect 2009

Aquí y ahora, en Londres, existe la utopía: los museos continúan incrementando sus colecciones con importantes adquisiciones (es decir, literalmente “comprando”); !ésta es sin duda la mejor manera de preservar y potenciar la creación!, puede haber otros modos… pero éste es práctico y auténtico.

Se trata de una feria de un alto valor cultural que no elude la importancia y la necesidad de obtener un éxito comercial; muestra un arte del presente, pensado y hecho para la vida actual, desde especialidades de profunda tradición como: cerámica, joyería, cristal, madera, fibras naturales, metal… con la visión del artista de hoy. Estas actitudes, contemplan y disfrutan de lo que el momento nos ofrece: la expresión personal de sus autores, como en otro “renacimiento” para acercar la riqueza del lenguaje de una tradición renovada que un día apostó por el movimiento Art&Crafts, y que ahora, eso sí, lo encaja con nuestro tiempo y con los conceptos de libre expresión que nos atraen. En Collect es donde una joya, una prenda de vestir, un mueble o un jarrón (sí un jarrón ¿porqué no?)… se transforman en algo más que un objeto de ‘uso’ o ‘decoración’, trastocando conceptos, límites, o celebrando sencillamente la belleza. Utopia para un mundo feliz. Y es que, como diría Magritte, «Ceci n’est pas… une pipe».

Stand de la galería Yufuku (Japón) en Collect ’09 Londres

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SOFA, The Art Fair Company

Por • 16 de mayo, 2009 • Tema: Noticias, Recomendados

Foto izqd. Obra de Pippin Drysdale en la galería de Joanna Bird Pottery, SOFA’NY, abril 2009

La feria de arte SOFA, con sus tres ediciones (en Nueva York, Chicago, y por primera vez este año en Santa Fe), está considerada como una de las más importantes ferias internacionales dentro de la especialidad de Escultura Objetual, Artes Decorativas y Diseño Contemporáneo.

Mientras aún festejamos el éxito de público y ventas de la última edición de Nueva York, celebrada el pasado abril en Park Avenue Armory, su fundador y director Mark Lyman presenta su expansión hacia el Oeste americano: se trata de la nueva y próxima edición que abrirá sus puertas próximamente en Nuevo Méjico: SOFA West: Santa Fe se celebrará del 11 al 14 de Junio 2009.

Dentro de esta rama del arte que comprende la escultura objetual y las artes decorativas, el ámbito internacional cuenta con importantes artistas: creadores de excelencia que nos permiten disfrutar y además confiar en la buena salud del arte y la artesanía de calidad de nuestro tiempo. La ventaja de estos eventos es que se pueden ver reunidas en un mismo espacio algunas de las más prestigiosas galerías especializadas en dicho campo (las cifra estimada de visitantes en la última edición de SOFA New York contabilizó a 17.000 coleccionistas, curators, arquitectos, interioristas, y otros visitantes entusiastas); sin duda, tanto el coleccionista como el conocedor, todos los que nos consideramos entusiastas de esta rama del arte, podemos sentirnos tranquilos. La razón es porque el éxito confirma que, por encima de la incertidumbre de la economía, la creación sigue adelante… y el interés por la calidad siempre será un valor seguro, en alza.

En lo que se refiere a la cerámica, se expusieron en Nueva York muchos conocidos nombres internacionales: entre otros artistas, también extraordinarios, identificamos obra de Hans Coper (representado por Galerie Besson), Miyashita Zenji (r.p.: Joan B. Mirviss, Ltd), Sergei Isupov (r.p.: Ferrin Gallery), Bernard Leach (r.p.: Joanna Bird Pottery), Warren Mackenzie, Don Reitz, Michael Lucero (rs.p: Lacoste Gallery)…

Elizabeth Fritsch – Annie Turner – Carina Ciscato

Pippin Drysdale – Helen Beard – Natasha Daintry

Artistas representadas por Joanna Bird Pottery, en SOFA’09 New York

Mientras esperamos la inauguración de SOFA WEST: Santa Fe, es posible ver un pase de fotos que resumen los resultados de la última edición de SOFA:

SOFA New York’ 2009: Imágenes de obras adquiridas

Resulta gratificante y significativo que, a pesar de un momento tan delicado para la economía internacional, este tipo de feria es de las que menos han sufrido; en palabras de Mr. Lyman: «estamos encantados que incluso en esta época de retroceso económico los coleccionistas vinieron [a Nueva York] dispuestos a comprar, y la mayor parte de los expositores vendieron bien. (…) Estamos seguros que el potencial de SOFA irá creciendo, así pues confiamos plenamente en el éxito de nuestra nueva feria SOFA WEST: SANTA FE el próximo junio».

Más imágenes de SOFA (en Flickr, 334 elementos)

Próximas ediciones

SOFA WEST: SANTA FE 11-14 Junio 2009
SOFA CHICAGO 6-8 Noviembre 2009

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Presentación de la ‘nueva web’ de Helena Andersson

Por • 24 de marzo, 2009 • Tema: Anteriores portadas, Destacados, Noticias, Recomendados

Helena Andersson
Ceramic Sculpture

Una página web, o página en Internet, es un documento de información y una herramienta que actualmente consideramos muy recomendable para la comunicación, por no decir que resulta imprescindible en el ámbito en que nos movemos.

Helena Andersson (1969 Linköping, Suecia), artista de Galería Azul (presente en nuestra Exposición en la Web), -ceramista de estudio, a quien nuestros lectores ya conocen- actualiza su web inaugurando una nueva página en Internet: galería de imágenes y texto (en inglés y sueco).

La primera vez que vi trabajar a Helena Andersson, en el verano de 2007, me percaté que era una artista muy interesante. Al mes siguiente de este encuentro, cuando vino a España como nuestra invitada desde Suecia, en el tiempo que pasó trabajando en el estudio de San Cibrián de Ardón (León) se reafirmó esta convicción; así pues pensamos que sería conveniente que otras personas tuviesen la oportunidad de ver como realizaba su obra. Y así fue, en junio de 2008 la artista sueca participó como artista invitada en un workshop celebrado en León durante el I Curso anagama-noborigama, en San Cibrián de Ardón: modeló -en directo- algunas esculturas ante nuestra atenta y admirada mirada.

Verdaderamente resultó muy interesante ver como Helena realizaba su trabajo; me consta, -y me incluyo porque tuve la suerte de asistir como espectadora- que todos los allí presentes quedamos encantados con tan «energética» demostración.

El trabajo de H. Andersson se estructura en dos vertientes complementarias entre sí: por un lado la obra escultórica, y por otro el trabajo de piezas artísticas de carácter utilitario. No obstante, es necesario subrayar que la artista dedica el mismo cuidado, o lo que es lo mismo concede idéntica importancia a una vertiente que a otra. En estos dos géneros realiza piezas «únicas», y todas sus obras están concebidas desde una notable sensibilidad, virtuosismo, e intención artística, como se puede comprobar a la vista de los resultados.

Piezas de gran escala

Descriptivamente y a grandes rasgos, la obra escultórica de Helena Andersson se resuelve en piezas de gran formato o en instalaciones de múltiples (es decir compuestas por varias piezas que dialogan entre sí). En el aspecto técnico, una característica de su trabajo que me parece muy interesante es la utilización de churros(o cuerdas de arcilla) y pellizcos, como método constructivo para la creación de la forma: un procedimiento que, lejos de quedar oculto, la artista potencia al dejarlo visto como elemento plástico en-sí (estas técnicas de urdido, rescatadas de la alfarería primitiva, en este caso pueden verse en algunas de sus obras emblemáticas, por ejemplo en: Spirited of the Mountain, Bergtaen). Otros de los procedimientos a destacar, son el uso de engobes y esmaltes combinados entre sí, en interacción con la tonalidad natural de la arcilla y su desarrollo cromático en la atmósfera de cocción.

El lenguaje escultórico establece una relación interesante con la gran escala, o por medio de la composición y distribución de la instalación (lo vemos en Wall Collage, Vikafjellet, The Seal, Made in Pankow, Mar de la estrella…).

Helena Andersson Vikjafjellet, 2007-2008; earthenware
Adquirida para la colección del Museo Röhsska (The Röhsska Museum, Göteborg, Sweden)

Las formas orgánicas de Helena Andersson retoman la inspiración a través de la orografía y la geología de su país (las siluetas de las islas, la costa escandinava vista desde el aire), sin embargo la intención no se detiene en una acción descriptiva, por el contrario se resuelve entendiendo a ‘la naturaleza y sus fuerzas’ como un lenguaje personal: entre la liberación de una carga de profundidad que, aunque no está exenta de aspectos poéticos, nos da la impresión que concentra toda la tensión en fuerzas donde, sobre todo, se potencian aspectos del inconsciente y los sentidos; en consecuencia, podemos situar sus esculturas en un cruce de caminos entre la inspiración que utiliza una tradición cerámica desde la libertad de las vanguardias contemporáneas: el llamado arte puro, donde el artista se sitúa en las estancias del instinto que permite aflorar la «expresión» sin ninguna otra contaminación, como una «fuerza de la naturaleza». Sobre esto último habría que profundizar mucho más y desde luego la reflexión nos llevaría a terrenos propios de la filosofía del arte, sin embargo no es nuestra intención en este momento seguir este camino…; así pues, dejándolo para otra ocasión, continuaremos con los detalles técnicos característicos de este trabajo.

Resumiendo, técnicamente la obra de H. A. se desarrolla indistintamente en horno de leña o gas (en atmósfera de reducción), emplea arcillas y esmaltes de temperatura baja o media,earthenware(loza). Es necesario decir que las calidades que la artista obtiene a través de unos procedimientos en cierto modo sencillos son, francamente, extraordinarias.

La obra de carácter utilitario:

En este caso, Andersson, adopta formas definidas en su sencillez; no solamente pensadas para un uso confortable (platos, bandejas ovaladas, tarros con tapa, tazas -todas ellas piezas únicas), también para que funcionen sin distracción como sujeto de su objetivo principal: servir de soporte a un campo cromático, en el que a través del empleo de los engobes elaborados por la artista (un trabajo interesante, con el que ha conseguido a lo largo del tiempo un «banco» de tesoros); la inteligencia, sensibilidad y el cómo se han aplicado estos engobes, potencian la luz con un sentido pictórico. En el desarrollo de este trabajo la consecuencia maneja una gama de color desde la pureza del blanco hasta una atrayente y bellisima gradación de azules, verdes y amarillos, para conformar una calidad fantástica: transparencia, limpieza, y hasta un brillo de una profundidad que como se puede comprobar recuerda a las calidades de alta temperatura (insisto, aunque emplee materiales de media o baja, y, además conservando naturalmente las brillantes escalas cromáticas de la loza). Sin duda, en este lenguaje inmerso en el color… nos conduce a la contemplación de una ‘belleza objetiva’.

Lo he comentado en otra ocasión, «sirven estos utensilios de la vida cotidiana literalmente como superficies congeladas de las diversas cualidades de la luz, hasta emular las condiciones de la naturaleza que apreciamos en sustancias como el agua y el aire»; se trata de una recreación de los fenómenos de refración que distinguimos en la naturaleza: ya sean reflejados en el mar, en la superficie de un lago, en el cielo, en la nieve, en la luz que se filtra a través de la humedad y el follaje del bosque (los colores se refrescan con el aire del norte y la luz de su tierra natal).

La nueva web

En la web actualizada de Helena Andersson que ahora presentamos se puede ver una colección de imágenes muy interesante, con intención de argumentar su trabajo sin ánimo retrospectivo, aunque el recorrido discurra a través de la última década, por cierto fructífera ya que sin exagerar podemos calificarla de magistral.

Galería I, recoge una selección de esculturas cerámicas, desde 2002 hasta 2009 en el momento de esta publicación.

Enlace a las imágenes de Galleri I

Galería II, recoge imágenes de algunas de sus instalaciones, en este momento desde 1999 a 2005

Enlace a las imágenes de Galleri II

Galería III, en este apartado se pueden ver algunos ejemplos representativos del trabajo utilitario de esta autora. Bandejas y otras piezas, que no dudamos en calificar de obras de arte por sí mismas con independencia de su cualidad funcional.

Enlace a las imágenes de Galleri III

El resto de la información contenida en la web personal se completa con otros detalles de interés, entre los que se incluye el currículum artístico y su experiencia internacional (entre estos datos podemos citar su formación con Torbjörn Kvasbö -el prestigioso artista actualmente residente en Noruega); las becas obtenidas, una selección de exposiciones, la presencia de su obra en colecciones públicas, y su participación en simposios internacionales).

Resumiendo, a nuestro entender la escultura cerámica de Helena Andersson (desde cualquiera de las dos ramas que contempla y que aquí hemos descrito) es una inversión en todos los sentidos que sin duda el contemplador agradece. Confiamos que quienes se interesen en profundizar un poco más en el conocimiento de su obra, encuentren -en la nueva web de esta autora- un instrumento estimable.

Enlaces relacionados

Más información:
mjs[arroba]alfargaleriaazul.com



Joyería y porcelana se unen en la serie ‘Orígenes’, en la instalación en co-producción de Idoia Lizeaga y Antonia Palau

Por • 19 de marzo, 2009 • Tema: Recomendados

‘Orígenes’, joyería y porcelana: Diálogo entre dos artes aplicadas

El origen, brotes y semillas generadoras de vida, ha sido el punto de partida para esta creación: en la que Idoia Lizeaga (diseñadora de joyas) y Antonia Palau (ceramista), han reunido sus respectivas creaciones en una instalación que hermana el diseño junto a la ejecución artesanal (de la joyería y la cerámica); en consecuencia, la visión artística se transfigura en esta co-producción desde un escenario que se puede contemplar como un «todo», y del que aquí somos testigos a través de la fotografía de Antonia.

En esta ocasión, la porcelana de Antonia Palau sirve de soporte para presentar las joyas de Idoia Lizeaga. Una vez más la versatilidad de la cerámica nos demuestra que como contenedor siempre puede ir más allá; la piel de porcelana esmaltada se recrea en formas envolventes (grutas y cobijos) para acoger, acompañar, o formar parte de las joyas (que a su vez son pequeñas esculturas) e interpretan el contenido, la sugerencia recreada por Idoia Lizeaga sobre el origen de la vida. Aunque las obras de las dos autoras son independientes, es decir tienen entidad por si solas, dialogando entre sí -como instalación- entendemos que el conjunto subraya un mundo actual en el que las llamadas artes aplicadas se actualizan sin renunciar a contemplar la belleza.

Precios estimados:
Obra de Idoia Lizeaga: joyas de la serie Orígenes, precios variables desde los 80 € (anillo con garbanzo) a 120 € (colgante con crisálidas).

Obra de Antonia Palau: bandejas de porcelana esmaltada (tamaño entre 30 cm. a 50 cm.), precios variables desde 230 € a 440 €.

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Visita guiada a la exposición de Gerd Knäpper en Valencia

Por • 24 de febrero, 2009 • Tema: Artículos, Conferencias, Destacados, Exposiciones, Recomendados

Valencia, 29 de enero de 2009, día de la inauguración de la exposición de Gerd Knäpper en el Museo Nacional de cerámica “González Martí”.

El artista –en la imagen, segundo por la izquierda- entre el traductor y Liliane Cuesta, conservadora del museo valenciano y coordinadora de la muestra, fue presentado al público asistente por el cónsul honorario de Alemania, Ilmo. Sr. D. José Luís Cervera, quien destacaba en su discurso lo que en síntesis según su percepción es característica principal de la obra del artista alemán residente en Japón: Una obra cerámica de extraordinaria factura en la que se aprecia la combinación del carácter alemán en el rigor de la estructura junto a una poética oriental asentada en la contemplación de la naturaleza y la sabiduría de la tradición cerámica del Japón en la aplicación del horno Noborigama con el que el ceramista trabaja. A la derecha de la foto, junto al cónsul, la presencia del ceramista Mariano Poyatos, coordinador de los I Encuentros Internacionales de Arte – Culla Contemporánea (2007, Castellón), en los que Gerd Knäpper ha sido artista participante, en calidad de invitado de honor.

Knäpper  junto a una imagen de su horno NoborigamaLugar, inspiración y proceso

Desde finales de los años sesenta, Gerd Knäpper (Alemania, Wuppertal 1943) vive en Japón, donde ha desarrollado una carrera como escultor y ceramista independiente, hasta el punto de que el éxito obtenido allí determinó su residencia de modo definitivo al formar una familia (contrajo matrimonio con una japonesa) y consolidar en la tranquilidad del campo un lugar idílico (Tarasoka, “estudio-galería” y hornos de leña) para la creación de su obra personal.

El mismo artista nos lo comentaba durante la inauguración de esta exposición en Valencia, afirmando que cuando fue a Japón para ampliar conocimientos dentro de la especialidad cerámica no tenía intención de quedarse nada más que dos o tres años; sin embargo, el éxito que obtuvo con su trabajo como hemos dicho fue decisivo. Bernard Leach le recomendó al prestigioso maestro Tatsuzo Shimaoka (quien le aceptó como ayudante en su taller de Mashiko por un tiempo, después de estudiar en Seto con Suzuki, su destino después de recorrer diversos países y embarcarse desde Estados Unidos hasta Japón, atraído sobre todo por la cerámica). Entre los diversos reconocimientos obtenidos en el país del sol naciente seguramente fue decisivo para su futuro conseguir el gran premio otorgado por el Primer Ministro de Educación (I Premio de Cerámica Artística, Tokio 1971, a una cerámica tradicional japonesa), para sorpresa de todos, incluso de los miembros del jurado, ya que se trataba de una obra contemporánea de carácter japonés cuyo autor resultó ser un extranjero (un ceramista originario de Alemania, formado entre Alemania, Estados Unidos y Japón).

Sin embargo, Gerd Knäpper no considera su obra ni alemana ni japonesa sino inspirada en el arte primitivo y moderno de muchas culturas. «Como artista -dice- no me considero a mi mismo ni japonés ni alemán. Gracias a mi singular situación, mi obra posee una estructura independiente tanto del Este como del Oeste».

Gerd Knäpper, imágenes de izqda a dcha ONDAS / TORSO (65 x 39 x 30 cm) 2001

Técnicamente la obra de Knäpper se ha realizado fundamentalmente en un horno Noborigama, utilizando pino rojo como combustible (su horno tiene cuatro cámaras construidas en pendiente, sin contar la cámara de fuego para la leña) y consolidada en una cocción rápida -36 horas-, alcanzando 1280-1300 grados centígrados. Un número importante de piezas presentan el color tostado del flameado sobre la arcilla y un “autoesmaltado” que en los bajorrelieves de las piezas talladas revelan un difuminado bastante regular, conseguido posiblemente como resultado de aplicar en crudo un engobe de ceniza, fundido en el cuerpo de la arcilla al ser sometido a tan altas temperaturas, madurado y soldado por toda la superficie junto a los restos de cenizas y sales volátiles.

Visita a la Exposición

Tres fotografías murales, instaladas en la sala, muestran el entorno del taller-estudio del artista: en una se ve un precioso paisaje nevado, con los campos y los edificios de la residencia Tarosaka en Daigo, donde Knäpper ha devuelto todo el esplendor a la antigua finca tras una impecable restauración efectuada en los edificios originales construidos con madera y la tradicional cubierta de paja trenzada; en la segunda foto, podemos ver el horno Noborigama; y en el tercer panel, al autor en el patio de la casa seleccionando piezas para una importante exposición que se celebró en Tokio, en la que se mostraron entre otras obras significativas de su sello grandes platos y bandejas de sesenta centímetros. Dicha puesta en escena es sin duda un documento singular para entender el ambiente del artista, la tranquilidad del campo donde desarrolla su trabajo, su relación con el entorno rural -en una vecindad de apenas siete granjas-, donde el maestro es el único ceramista del pueblo.

Las formas se completan con decoraciones talladas y trenzadas en un estado de la arcilla que se denomina “dureza de cuero”; un lenguaje personal que busca la representación del movimiento (el viento sobre los campos, en el cielo y el agua). La tierra chamotada y la marca del fuego de leña potencian aun más la precisión de las aristas, la tensión de un modelado virtuoso; no se trata de una mera decoración, el relieve forma una parte indivisible del objeto y no hace sino subrayar la arquitectura de unas formas sugerentes -construidas en secuencias equidistantes-, mediante un recurso de torsiones y virados que se ven realzados en aquellos Vasos que descansan sobre sus propios pies –elevándose ligeramente a unos centímetros de la base.

El eco de estas formas parece proceder de un sonido primigenio, presente en las ondulaciones y esculpido del viento en el agua, o, en la arena, en la arquitectura de las conchas de mar o de las plantas, en un lenguaje que evoca una percepción casi gaudiniana donde la mirada se alimenta al contemplar la naturaleza. Otros diseños recuerdan secuencias presentes en los esmerados tejidos orientales hechos con fibras vegetales, o la disposición en capas que va formando una corteza como se puede ver en la imagen de esta corteza de palmera que hemos fotografiado (potenciada la sensibilidad, después de contemplar la exposición se nos presentaron en una dimensión muy sugerente los troncos de las palmeras de Valencia).

Para mostrar la obra de Knäpper, las dos salas de la planta superior del “González Martí” se han llenado de cerámica con varios ejemplos (piezas firmadas con su sello personal y realizadas entre 1983 y 2008), algunas de estas obras son replicas en metal (bronce, y aleación de cromo-niquel), otras litografías manuales, impresas sobre papel Washi (también hecho a mano con corteza de morera, una artesanía muy apreciada en Japón) en las que se han plasmado los diseños de las vasijas. Los objetos cerámicos son variados y de mayor o menor escala, piezas únicas, -desde vasos y platos de carácter escultórico hasta formas que son propiamente esculturas (estelas) pero cuya forma surge dentro del lenguaje de la alfarería. También hay otras piezas de menor tamaño, destinadas a un uso utilitario como cuencos, vasos para Ikebana, utensilios para la ceremonia del té: taza (Chawan), el recipiente que se utiliza en la ceremonia del té para el agua fresca (Misuzashi), alguna botella para sake (Tokuri) con sus correspondientes tazas (Guinomi), tarros para el té, cajas para el incienso (Kogo), botellitas de agua (que los japoneses utilizan para disolver la pastilla de tinta caligráfica), platos, bandejas, etc.

Todo se ha dispuesto sobre módulos blancos, así como en vitrinas (las piezas de mano) o en la pared (los grabados enmarcados). El recorrido por consiguiente debe ser pausado –hay mucho que ver- para poder apreciar y dedicar el tiempo necesario a cada pieza.

Las obras de Gerd Knäpper ganan mucho al natural, en mi opinión la cerámica y concretamente este tipo de objetos resultan mejor en directo, generalmente esto suele ocurrir con las mejores piezas y en particular con las de cocción de leña (por la sobriedad y profundidad del color y los matices que presentan); por otra parte el arte que trata de la alfarería suele ser más íntimo que la escultura monumental, así es que las imágenes difícilmente recogen todo el misterio de un objeto en el que la escala, el peso y la textura, son elementos esenciales que forman un todo.

Detalle de la muestra en el Museo González Martí, Valencia

En cuanto a la disposición de las obras, hay que tener en cuenta que las bases o módulos solo son un “mobiliario” adicional, es decir provisional, para distribuir las piezas en la sala, así es que en mi opinión es preferible eliminarlo mentalmente durante la contemplación, ya que resulta como algo ajeno a su entorno natural, es decir en el que realmente cobrarán vida y mostrarán todo su esplendor las cerámicas: cuando se dispongan en la mesa (para disfrutarlas en la mano), o -en el caso de las de mayor tamaño- en el tokonoma y si en una casa de diseño moderno ocupando un lugar especial donde se pueda disfrutar tranquilamente con su contemplación, o incluso en un jardín si se trata de aquellas de mayor escala, siendo el exterior lugar donde también pueden situarse sin inconveniente -las piezas cocidas en alta temperatura pueden resistir hasta las más adversas condiciones climáticas. Teniendo todo esto en cuenta comenzamos la visita a la exposición saboreando cada objeto, uno a uno, detenidamente. La obra lo merece, y comprobando que estamos ante piezas dignas de museo, no podemos evitar el pensar que sería una buena noticia si al menos alguna de estas obras se quedase en España (adquiridas por alguna institución, museo, o formando parte de alguna colección privada).

Texto: Mª Jesús Sarmiento / Fotos: Cortesía MNC “González Martí”, Valencia (España)

Información

La exposición podrá contemplarse en Valencia hasta el 26 de abril de 2009 y después viajará de vuelta hasta Alemania, pudiéndose contemplar en Munich del 27 de mayo al 30 de septiembre de 2009 (Nationals Völkerkundemuseum, München).

Catálogo de la exposición

Edición: asociación de Amigos del museo Nacional de Cerámica; Patrocinio: TÜV Rheinland Group Asia; Textos: Jaume Coll, Claudius Müller, Antonio Vivas, Kenji Kaneko, Seizo Sasaki, Ingeborg Wiegand-Uhl, Gerhard Bott, Gerd Knäpper, Fujio Koyama, Tetsuzo Tanigawa; Páginas 184, ISBN 978-84-612-8619-5; Idiomas: Castellano, Valenciano, English.

Otras entradas relacionadas

Exposición de Gerd Knäpper en el González Martí



Rosa Cortiella: “Allá, donde el mundo se acaba…”

Por • 6 de febrero, 2009 • Tema: Exposiciones, Recomendados, Textos

Allà, on el món s’acaba …
Exposición temporal en el Museo de Cerámica, Barcelona

Rosa Cortiella (Barcelona, 1965) utiliza arcilla blanca, el gres y la porcelana para explorar y desarrollar un mundo fantástico e imaginario con el que aproximarse a una literatura de ficción. Por medio de cinco instalaciones de reciente creación, la artista se propone desencadenar en el público sensaciones de sorpresa, expectación, e ilusión y sobresalto. Un universo de naturaleza, luz y color que antepone lo que es imaginario a lo que es real.

(extracto del encarte de la exposición; edición: Museu de Ceràmica, Barcelona – Spain)

Hasta el 2 de mayo, 2009 podrá contemplarse la exposición ‘Allà, on el món s’acaba’

Por medio de la instalación el espectador es animado a deambular por un mundo imaginario: un bosque onírico en el que la paradoja se revela en sugerencias; propuestas artísticas con las que Rosa Cortiella, manejando una teatral puesta en escena, seduce al espectador hacia un caminar -como Alicia en el país de las maravillas- hacia el otro lado del espejo. Un amalgama de materiales -manufacturados unos (los industriales) y otros elaborados (la cerámica)- se han engarzado entre sí como las cuentas de un collar, hasta construir una narrativa decorativa sobre la que servir en bandeja un menú conceptual de sabores dulces y ácidos.

Rosa Cortiella, Arboles

Acceso a través de la obra: ‘Que los árboles no te impidan ver’ (2008)

Rosa Cortiella, Instalación 2

Otra perspectiva de la exposición de Rosa Cortiella

Visita guiada, desde una mirada crítica y subjetiva

LA VIDA SEGÚN EL COLOR DEL CRISTAL CON QUE SE MIRA
Mª Jesús Sarmiento

1. Entramos en la exposición a través de la obra Que les arbres no t’impedeixin de veu (que los árboles no te impidan ver), una gama de verdes ácidos en cerámica suspendida da forma a la recreación realista de un bosque.

2. El paseo por el bosque de bambú desemboca en un jardín animado, un camino sembrado con unos módulos (forrados con papel litográfico, con la imaginería de un césped) que sirven de peana para las esculturas Les Aparences enganyen (las apariencias engañan): objetos en forma de “piedras vivientes” (mostrando en su superficie inerte una caligrafía serigrafiada con diversos motivos del cuerpo humano, vísceras, cerebro…). En esta vida imaginada la recreación mineral de la mano de Cortiella nos promete tornarse palpitante.

3. La siguiente instalación con la que el espectador se encuentra: Mutans (mutantes) es, sin embargo y a nuestro entender, un guiño mas propio del lenguaje del artificio decorativo –al mostrar unos farolillos de porcelana, fibra y luz eléctrica, (con los pertinentes y visibles accesorios incluidos para su funcionamiento) reunidos en suspensión con apariencia de pequeñas linternas de papel, en una cadencia sincopada de diseño intachable (lámpara que enmarca una luz amarillenta, casi dorada, cual luciérnaga gigante de un bosque encantado).

4. Ikebana es la cuarta instalación, iluminada e interpretada por una especie de jarrones inacabados (de bizcocho cerámico) que se combinan con un maniquí articulado (de esos que se utilizan en las clases de dibujo artístico) para proyectar una sombra chinesca en la pared de tal modo que la visión del artefacto se trasforma en espectro ante los ojos de quien lo contempla. La sombra aparece en la imaginación cual un animal mitológico, ¿un dragón?, que por alusiones del enunciado y asociación de ideas entendemos de inspiración oriental (el caso es que en Oriente la simbología del dragón es reverenciado como representante de las fuerzas primitivas de la naturaleza y el universo).

5. Para terminar, se sale de la Instalación a través de una obra elástica (composición de muelles, tubos de goma transparente y cuentas de cerámica configurando un diseño gráfico); esta pieza, titulada Segona oportunitat (segunda oportunidad) evoca la abstracción de una gigantesca vagina por la que el transeúnte supuestamente saldrá a la realidad con ojos renovados (en un exorcismo de re-nacimiento), tras metamorfosis producida por la visión de esa «otra realidad» contemplada, traspasada, en la que todo o nada es lo que parece.

Rosa Cortiella, Segunda oportunidad

Salida de la instalación a través de la obra, ‘Segunda oportunidad’ (2008)

Algunos apuntes sobre la autora y su obra

Yo no conocía el trabajo de Rosa Cortiella (Barcelona, 1965) salvo una introducción a su trabajo en un libro de bolsillo sobre la cerámica catalana firmado por Dª Mª Antonia Casanovas (directora conservadora del Museo de Cerámica de Barcelona) que encontré hará unos tres años, y salvo alguna pieza aislada no había visto mucho más (siluetas de base cerámica -como si fuesen de cartulina recortada y coloreada- pintadas con acrílico, en un estilo pop, que me parecieron estar más en la línea de la ’Caja Brillo’ de Wharhol que en una fonética propia de los elementos de tradición cerámica (donde elementos como la textura, el esmalte o el fuego transcienden como sello diferenciador de otras disciplinas).

Aparentemente los objetos de Cortiella, más que estar hechos de cerámica, nos recuerdan a los objetos de policarbonato que bajo etiqueta de diseño el mercado acepta como tendencia actual. He de confesar que el trabajo que de esta artista vi en aquel momento, aunque no me disgustó visualmente, tampoco me atrajo especialmente, y no por el hecho de que ella utilice colores acrílicos y formas repetidas de secuencias interminables que como ya he dicho nos recuerdan irremediablemente a ciertos productos industriales. Aunque para mí no es motivo de prejuicio, según y cómo estos elementos se manejen (considero que el peso específico de la expresión artística es independiente del tema y de la materia), tengo que decir que tampoco vi (en esos elementos aislados) ni innovación ni mucho menos la audacia pretendida en aquellas siluetas con apariencia de piezas de puzzle (p. ejemplo: las exhibidas en Barcelona, Galería Sargadelos); o igualmente en Valencia, la obra ‘El peso de la ausencia’, 2004, que se incluyó en una colectiva comisariada por J. Miranda (en el MNC. González Martí -una agrupación de cilindros perforados, pintados en su interior con colores planos en tono magenta, rojo, naranja, amarillo…) Por un lado, en cuanto al tratamiento y la apariencia, su obra podría ser de cualquier otro material ¿porqué en cerámica? y no en papel maché, fibra de vidrio, cartón piedra, madera policromada, escayola, y pintarla con acrílico -a simple vista si es o no cerámica resulta irrelevante- y creo, si no me equivoco, que ésa es precisamente también la intención de su autora (transgredir, jugar con las apariencias). Ni siquiera la instalación Camuflage, (2005), presente en los fondos de obra contemporánea del Museu de Ceràmica de Barcelona, aunque de mayor complejidad que los anteriores objetos que he mencionado, me parece destacable en cuanto a ser cerámica. Dicho esto, espero que esta percepción no sea mal interpretada; así pues, debo explicarme mejor y para hacerlo nada más esclarecedor que insertar a continuación, como argumento de mi explicación, un texto de Mª Antonia Casanovas:

«Rosa Cortiella es una ceramista ingeniosa y original de gran personalidad que se ha mostrado siempre interesada por la riqueza plástica de la arcilla y por los ornamentos de colores, los más brillantes del mercado. Liberada de cualquier convencionalismo teórico, trabaja espontáneamente en la creación de instalaciones de gran fuerza expresiva (…) El elenco de colores que utiliza ya no pertenece a la gama cromática tradicional de colores cerámicos, sino que hace referencia a las tonalidades de otros materiales sintéticos y artificiales (…) Cortiella encuentra los que se adaptan a sus obras, los que enfatizan sus diseños, los que caracterizan su personalidad artística (…) Para ella, una obra debe iluminar desde dentro, respirar y moverse a través del color. Debe ser porosa a las sensaciones y despertar los sentidos.»(Extrc: Els Segles XX i XXI A les col-leccions del Museo de Cerámica de Barcelona, edic 2008 Barcelona /pág. 99, trad. pág 112 ‘Rosa Cortiella’ / MªA.C.)

Ahora todo está un poco más claro: no vamos a encontrar aquí esmaltes preciosos, ni flameados o bruñidos, ni complejidad en los procedimientos; sin embargo a la vista de la exposición ‘Allà, on el món s’acaba’ sí es obvio y hay que subrayar que la obra artística de Rosa Cortiella luce con todo su esplendor a través de su puesta en escena; en el lenguaje de la Instalación es donde su imagen lírica y teatral cobra vida, no desde la tramoya de cada objeto en-sí; no por su calidad en cuanto a materia cerámica, sino dentro del artificio que se produce a través del acto de representación del cuadro global incluyendo los procedimientos de elaboración elegidos -bastante sencillos por cierto pero sí de efecto. Es decir, «en escena» es donde todo se re-compone e interpreta, donde se crece y cobra vida cual diva en su noche de estreno. Entre las candilejas es donde se realiza su magia y lo prometido se cumple, transforma la realidad (más allá de la belleza) hasta re-colocar el sentido de la percepción (a través de una mirada renovada).

En mi opinión, si visitan esta exposición les puedo asegurar que captarán su esencia y no se sentirán defraudados.

    Información
    • Imágenes: Cortesía del Museo de Cerámica de Barcelona
    • Exposición: Allà, on el món s’acaba (Allá, donde el mundo se acaba)…
    • Fechas: del 20 enero – hasta 2 de mayo, 2009


China: aproximación al arte contemporáneo, la cerámica e imágenes sobre el viaje de los socios de la Academia Internacional de la cerámica (IAC)

Por • 21 de enero, 2009 • Tema: Recomendados

En los últimos años China está siendo el punto de atención de múltiples ámbitos. Sobre todo desde que comenzó su espectacular desarrollo hacia una urbanización sin precedentes, en lo que se refiere a la expresión artística las galerías de todo el mundo han comenzado a vender “arte chino contemporáneo”, atraídos por múltiples factores. Desde Shanghai Gallery of Art, o la personal 1918-ArtSpace, podemos tomar el pulso de la actualidad; hoy, Shangáy que ha sido el centro administrativo y comercial también se está convirtiendo en la capital intelectual de China. Atraídos por una ventajosa inversión una población china de entre 30 y 40 años, mayoritariamente educados en el extranjero, afirman apostar fuertemente por el arte. Por otra parte, algunos coleccionista occidentales siguen expectantes lo que se está haciendo en China donde, además, dicen que resulta mucho más económico producir obra de considerables dimensiones que en Europa, Estados Unidos y Japón.

Obra de MA Jun, disponible en la galería 1918 ArtSpace, Shanghay

Viaje a Jingdezhen

Varios ceramistas españoles han viajado recientemente a China, con ocasión de la celebración de la asamblea bianual de la IAC. Incluso hemos leído, en el nº 111 de Revista Cerámica, que algunos de ellos han apostado por colaborar con el proyecto Flicam.

Como anexo a esta información, agradeciendo la colaboración de los ceramistas catalanes Mia Llauder y Joan Serra, publicamos algunas fotos sobre este viaje a China con motivo de la asamblea de la IAC (Academia Internacional de la Cerámica); imágenes que hemos alojado en una de nuestras páginas de Flickr.

Exposición: Rojo a parte

A modo de aproximación sobre la temperatura del arte en China, nos detenemos en el recuerdo de la última y por cierto magnífica exposición que sobre arte chino hemos podido contemplar en la Fundación Joan Miró de Barcelona, a través de los fondos de la colección Ulli y Rita Sigg.

Con el título Rojo aparte (Vermell a part): más de 80 obras de 51 artistas chinos contemporáneos (1986 – 2007) procedentes de la colección del diplomático y empresario suizo (pintura, escultura, instalación, fotografía y vídeo), en las que se materializó una mirada objetiva al arte contemporáneo de este país. Estas obras de diferentes estilos y géneros aportan un enriquecedor conocimiento que no deja dudas de la indudable calidad del arte chino desde el Realismo Socialista hasta nuestros días.

De entre los cinco apartados seleccionados por la Fundación con diversas temáticas y géneros, personalmente lo que más me sorprendió fue el apartado dedicado a Nuevas visiones de antiguas tradiciones artísticas, en las que se recogía ejemplos entre la diversidad de tratamientos de formas y géneros (desde la cerámica, la cera o la materia textil) descontextualizando la práctica y procedimientos vinculados con estos materiales, sin renegar de la esencia de una identidad propia.

El enriquecimiento que supone el intercambio entre Este-Oeste amplía la visión de la esfera donde la singularidad cultural rompe con los límites más allá de lo geográfico, ideológico, político… Quiero decir que esta magnífica exposición que tomamos como referencia es un ejemplo latente de la realidad actual; al respecto, el diario el País presentó una reseña de las últimas exposiciones (2008-2009) sobre arte chino actual celebradas en nuestro país, como puede verse en un artículo publicado en el pasado año 2008.

En el ámbito de nuestra especialización, la materia cerámica, más allá de la indudable riqueza histórica de China [inevitablemente siempre se mencionan los impresionantes guerreros de terracota de Xian, dinastía Qin, los admirables celadones de la época Sung (Song), la porcelana azul… en definitiva todos los ejemplos de sobra conocidos y que sin duda han sido o son una fuente de inspiración para muchos ceramistas contemporáneos de todo el mundo] y siendo el peso de la tradición del Lejano Oriente indudable, nos preguntamos no obstante sobre los artistas contemporáneos cuyos nombres aun no han trascendido tanto como sabemos sobre otros artistas/ceramistas internacionales, incluidos los japoneses. Dolors Folch (directora de la Escuela de Estudios de Asia oriental de la UPF) en un artículo publicado en el mencionado diario, explica la situación del arte en China: (…) «En los años treinta, la formidable eclosión artística de China situó su literatura, con Lu Xun, y su pintura, con Qi Baishi, en la escena universal. Hoy por hoy no hay, ni en literatura ni en artes plásticas, nombres que destaquen de forma tan singular. Pero la vitalidad de la China actual es extraordinaria, o sea que tiempo al tiempo. Mientras tanto, aprovechémonos nosotros también para recuperar el tiempo perdido en la comprensión del mundo chino y de su compleja apertura hacia la modernidad.» (enlace al artículo: Arte chino contemporáneo; el Pais.com)

Asia, cerámicas: inovaciones con barro

No hay que olvidar que la producción cerámica en Asia lleva implícita en su historia una continua e importante evolución. Un vídeo publicado en YouTube, editado por un profesor del Instituto de Arte de Mineapolis, nos ofrece un inspirador documento: “Ceramic production in Asia dates back many thousands of years. The Chinese have always been regarded as the undisputed masters of ceramics. Other Asian cultures have made astonishing contributions as well. The collection at the Minneapolis Institute of Arts sheds light on virtually every type of Asian ceramic —from Neolithic vessels, to Japanese tea bowls, to Chinese export porcelain, and beyond”. (La producción cerámica en Asia data de miles de años. Los chinos han sido distinguidos como indiscutibles maestros de la cerámica. No obstante otras culturas de Asia han contribuido también a este enriquecimiento. La colección del Instituto de arte de Mineapolis ofrece una luz sobre esta evolución de la cerámica –desde los vasos del Neolítico, las tazas de té japonesas, a las exportaciones de porcelanas Chinas).

El vídeo está producido en el 2006, en colaboración con el programa para la interacción entre los medios artísticos en Asia y el instituto de las artes (The Minneapolis Institute of Arts).


Enlaces relacionados



Onochord, con los mejores deseos

Por • 1 de enero, 2009 • Tema: Anteriores portadas, Recomendados

También para el 2009… y algo más que deseos: !acción!

ONOCHORD

Envía el ONOCHORD mensaje
“I LOVE YOU” (“TE AMO”)
por medio de una luz intermitente
en la frecuencia y duración requerida para el mensaje:
desde los barcos
desde las cimas de las montañas
desde los edificios
a través de los orificios de los edificios, de las ventanas
en los barrios de las ciudades y pueblos
desde el cielo
y hacia el cielo.

Preocúpate de enviar este mensaje
al final del año y al comienzo del año nuevo.

Preocúpate de enviar el mensaje
a todos en la tierra
y al universo.

Cuídate de enviarlo.

Para todos, individualmente:
envía el mensaje a mano
o utiliza linternas
o encendedores

El mensaje I LOVE YOU en el código ONOCHORD es:

I i
LOVE ii
YOU iii

yoko ono 2004

En estos últimos años, Yoko Ono, recorre el mundo con este mensaje, su último trabajo artístico culmina con la construcción en Reikiavik (Islandia) de una torre de luz por la paz:

Imagine PEACE TOWER (Torre de la paz): imágenes en Flickr “YokoOno official”

Imagine all the people living life in peace (Imagina a todo el mundo viviendo en paz)
John Lennon

A dream you dream alone is only a dream
A dream you dream together is reality

(Un sueño que sueñas tú solo es solamente un sueño
Un sueno que soñamos todos juntos se hace realidad)
Yoko Ono

Enlaces relacionados:

Brindis para el 2009, con una sencilla taza: hecha a mano, individualmente: de tierra, agua, aire, fuego, y…

bolfor peace / hospitalidad y celebración = i ii iii

Enlace:



Arte y misticismo: inauguración de cuatro exposiciones de arte contemporáneo durante el Congreso Internacional de Mística

Por • 18 de octubre, 2008 • Tema: Anteriores portadas, Artículos, Artistas, Conferencias, Exposiciones, José Antonio Sarmiento, Noticias, Recomendados

JACQUES LIPCHITZ, dibujos y esculturas
JOSÉ ANTONIO SARMIENTO, cerámicas
URSULA SCHULZ-DORNBURG, fotografías

Exposiciones: ARTE Y MISTICISMO

Del 24 de octubre al 20 de diciembre de 2008 / Inauguración: 24 de octubre, 11:00 am.
Comisariado: Kosme de Barañano y David Rodríguez Caballero
Organiza: Junta de Castilla y León, Fundación Siglo; Colabora: Excmo. Ayuntamiento de Ávila y CIEM

El Congreso Internacional de Mística que este año se celebrará en Ávila (del 24 al 26 octubre) bajo la dirección de Lucía Ramón Carbonell y con el título “La trama de la vida: Textos sagrados de la humanidad” reunirá a varios especialistas como la teóloga coreana Chung Hyun Kyum, la catedrática de Ética y Filosofía Política Adela Cortina, Vicente Haya doctor en Filosofía y nipólogo, entre otros ponentes no menos ilustres.

Paralelamente y dentro de los actos del Congreso se presentarán las cuatro exposiciones -patrocinadas por la Junta de Castilla y León- “Arte y misticismo” a cargo de los comisarios Kosme de Barañano y David Rodríguez Caballero. Se trata de un conjunto de cuatro exposiciones inéditas que se mostrarán en el Auditorio Municipal de San Francisco y en distintas ubicaciones de la ciudad de Ávila entre el 24 de octubre y el 20 de diciembre.

David and Goliath, 1933; Jacques Lipchitz

1. Esculturas de gran tamaño de Jacques Lipchitz. Un conjunto de 9 esculturas de temas bíblicos que recogen tanto la devoción hebrea como la católica y que serán ubicadas en el recorrido entre la plaza del Ayuntamiento y la catedral de la ciudad.

2. Dibujos inéditos de Jacques Lipchitz. 152 dibujos que explican las ideas de sus
esculturas en bronce.

Esferas, 2004 / 2007; José Antonio Sarmiento

3. Cerámicas de gran fuego de José Antonio Sarmiento. Un artista castellano-leonés que trabaja la cerámica con un amplio conocimiento del mundo japonés. Su filosofía de vida y dedicación desde el sentido artístico retoma el lenguaje de la alfarería como hilo conductor de una reflexión sobre aspectos esenciales de la vida, el hombre y la naturaleza (la vasija como representación abstracta del hombre y su relación con el entorno). En esta exposición se presentan un conjunto de más de 40 cerámicas de este artista junto con un vídeo que muestra su proceso de trabajo. El argumento de la muestra es el fuego como materia y elemento natural creador del color, el valor del fuego como experiencia y la consagración de la materia al fuego.

Pagan. Buddha. Burma. 1978 / 2006; Ursula Schulz-Dornburg

4. La mística en las fotografías de Ursula Schulz-Dornburg. Un conjunto de 88 fotografías articuladas en dos temas: los Buddhas en Pagan (presencia de la ausencia) y las ermitas mozárabes del Pirineo (la luz que penetra por la ventana absidal como calendario en el altar). Todas sus fotografías giran en torno al concepto de Shelter (refugio) y la espiritualidad. Se trata de un concepto que, dentro de la historia del arte y de la arquitectura del siglo XX muestra espacios intermedios y márgenes, lugares y situaciones de tránsito, marcados por una dinámica que suele crearse cuando comienzan a interactuar realidades distintas.

Notas de prensa sobre las exposiciones (PDF):

“Amic, Amat”. Se completarán los actos del programa del Congreso con la actuación musical de María del Mar Bonet, el día 25 de octubre a las 20.00 pm. El concierto “Amic, Amat” muestra, en una síntesis única, las raíces comunes de las culturas mediterráneas (árabes, judías y cristianas) inspirándose en la poesía mística de Verdaguer sobre Llull, El Cant de la Sibil-la, tonadas tradicionales mallorquinas, o una magnífica versión de un tema de Bruce Springsteen, para hacer una honda manifestación de la necesaria paz entre los pueblos.

Auditorio de San Francisco
C/ Valladolid s/n (Plaza de San Francisco)
05004 Ávila (Castilla y León), España
Horario: martes a viernes – 11:00 am. a 14:00 pm. y 17.00 a 20:30 pm; sábados y domingos – 11:00am. a 20:30 pm. (continuado); lunes – cerrado

Enlaces relacionados:



Argentina: China en su punto de mira

Por • 29 de septiembre, 2008 • Tema: Noticias, Recomendados

Noticias sobre “FLICAM”, y viaje de la asociación argentina “ACIA” hasta China

""ACIA" en China"

La publicación argentina sobre cerámica, con la que colaboramos en alguna ocasión, recoge en su último número información sobre los acontecimientos y recientes relaciones con China, en un artículo de Vima Villaverde:

Por otra parte, informamos sobre el viaje y actividades que la asociación argentina “ACIA” realizó a China durante el 2007;archivo PDF: “ACIA, en China” (artc: cortesía de “Cerámica” periódico artístico y técnico /ar)

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