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ANAGAMA INTERNATIONAL EXCHANGE
Curso de cocción de leña: demostraciones, cocción, y práctica con los asistentes
San Cibrián de Ardón - León, 16 al 24 de Junio 2008

Comisario del evento y director de la hornada: José Antonio Sarmiento
Artistas invitados: Helena Andersson (Suecia) / Dale Huffman (Estados Unidos)
Colaboradores: Hanne Niess (Dinamarca) / Josep Lluis Sancho (Cataluña)
Coordinación: Alfar Galería Azul

!!Ven y haz tu propia obra con nosotros en un horno de estilo japonés!! Ah, y a un precio increíble por ser el primer año. No te lo puedes perder.

Curso dirigido a ceramistas profesionales o amateurs, artistas plásticos y demás interesados en profundizar en el conocimiento y manejo del “anagama-noborigama”. Se estudiará la realización de formas y esmaltes, la carga del horno y la cocción en alta temperatura con leña. Los asistentes recibirán atención personalizada atendiendo a cualquier nivel de conocimiento.

demostración de la cocción en el anagama-noborigama

Dale Huffman / Helena Andersson

José Antonio Sarmiento (España), pintor y ceramista con una amplia experiencia en hornos de estilo oriental y cocción con leña.

Artistas invitados:

• Helena Andersson (Suecia), escultora y ceramista especializada en cocción de leña, colaboradora en las actividades de Näas.
• Dale Huffman (Estados Unidos), profesor asociado en Carlow College –presidente del departamento de arte desde 1998, cargo que compagina con el de miembro de la Facultad de Pittsburgh en el Centro para las Escuelas de Arte–, y ceramista especializado en cocción de leña.

Programa 16 al 24 de junio 2008:

Día 16 lunes desde las 9h. y a lo largo del todo el día

Entrega de la documentación. Demostración, explicación sobre el horno, y realización de piezas. Los participantes van llegando y comienza la realización de piezas en el taller. Si se prefiere los participantes pueden traer piezas bizcochadas –realizadas en un gres para cocer a 1300º C. (con un límite de 6 piezas bizcochadas por participante -ó 6Kg. de pasta cruda; más instrucciones al formalizar la inscripción).

Día 17 martes
Carga de las piezas en el horno y encendido (el modo de cargar el horno también se afronta como parte del proceso creativo).

Días 18 miércoles, 19 jueves y 20 viernes
Continúa la cocción día y noche
La hornada estará a cargo del director, y en cada turno siempre habrá un maestro para dirigir a cada equipo. Los participantes podrán ir y venir o participar si lo desean junto a los diversos turnos de relevo al que sean asignados.

Día 21 sábado
Enfriado del horno
Día libre (descanso). Visita al MUSAC (museo de arte contemporáneo)

Día 22 domingo y 23 lunes
El horno sigue enfriando
Descanso, charla con imágenes y demostraciones a cargo de los artistas invitados.

Día 24 martes
Descarga del horno
Limpieza pulido y valoración de las obras
Mesa redonda con los artistas, entrega de los certificados de asistencia. Ceramic party.
Vuelta a casa con tus piezas.

Precios
Participante Workshop: 340 € (materiales y seguro incluído). Descuento para estudiantes o anteriores participantes a nuestros cursos -10% (310 €).
Visitante : 25 € ver cocción viernes día 20 y asistir martes día 24 al ceramic party .

Acomodación y comidas
Solicitar la lista disponible de alojamientos (hotel, pensión y camping) en la zona.
En los pueblos cercanos también hay restaurantes típicos, ubicados en antiguas bodegas excavadas en la tierra (Cembranos, Valdevimbre, Ardón), casas de comidas con plato del día a precios populares, y tienda de comestibles (en Cembranos y Valdevimbre).

Si se prefieren los bocadillos… los embutidos de Cembranos (El Pórtico), la panadería y el vino de Valdevimbre son recomendables.

(Nota: los horarios pueden estar sujetos a ajustes en función del desarrollo del trabajo)

Información esencial

Abierto plazo de inscripción (desde 28 abril). PLAZAS LIMITADAS.

• Fechas de celebración: 16-24 de junio 2008
• Lugar: España, San Cibrián de Ardón – LEÓN (15 km. Al sur de la ciudad de León,
  a 2 km. de Cembranos)

Idiomas: castellano, catalán, English, Svenska, Rigsdansk
Consultas por email ó tel. (+34) 676 47 45 48

ACCEDER AL FORMULARIO DE INSCRIPCIÓN

Más información sobre los artistas y su obra (orden alfabético):

• Helena Andersson
• Dale Huffman
• José Antonio Sarmiento

Demostración de José Antonio Sarmiento

¿Cómo encontrarnos?

Ver mapa más grande

ANAGAMA INTERNATIONAL EXCHANGE
Woodfiring workshop: demonstration, firing and participants working

Curator and woodfiring director: José Antonio Sarmiento (Spain)
Guest Artist: Helena Andersson (Sweden) / Dale Huffman (USA)

Collaborators: Hanne Niess (DK) / Josep Lluís Sancho (Catalonia)
Coordination: Alfar Galería Azul

COME AND CREATE YOUR OWN PIECES WITH US IN A JAPANESE STYLE KILN!

Ah, and at an incredibly affordable price as a first time offer! Don’t miss it!

The course is aimed at professional potters, artists, and people who simply enjoy pottery, and will give you a deeper understanding of working with an “anagama-noborigama” kiln. We will be looking at the entire process, from shaping your piece, to glazing, to loading the kiln, and wood-firing at high temperatures. Participants will receive personalised attention, tailored to their level of experience.

Programme:

Monday 16th from 9h.
Arrive participants, presentation, demonstration and discussion about kiln. Participants made pots or can bring bisque fired pots suitable clay for stoneware (1300º C.) 6 pieces or 6Kg. raw clay (more instructions with inscription)

Tuesday 17th
Kiln stacking and Start firing

Wednesday 18th, Thursday 19th , Friday 20th
Firing day and night

Firing will be headed by the director, and on each shift there will always be a master to lead each team. Participants may come and go or if they wish to participate in the various shifts relay to which they are assigned.

Saturday 21th
Kiln cooling
Free day (relax). Contemporary museum MUSAC guided tour

Sunday 22th and Monday 23th
Kiln cooling
Rest, slide show and discussion, guest artist demostrations.

Tuesday 24th
Unpack, clean pots, valuing the works
Panel discussion with artists, delivery of certificates and ceramic party
Back home with your pieces.

Prices
Workshop participant: 340 € (material and insurance include).
Discount for students 10% (310 €).
Visitor: 25 €, only see firing day 20th and open kiln day 24th, discussion board and ceramic party.

Acomodation and lunches:
A list of (hotel, B&B, camping) in the area is available.

Information

Dates 16-24 June 2008
tel. (+34) 676 47 45 48
PLACES LIMITED

Spain, San Cibrián de Ardón – LEÓN (see map above)
Languages: Spanish, Catalán, English, Svenska, Rigsdansk

INSCRIPTION FORM

(El día de la inauguración en la galería Cuatro Diecisiete, por Abraham Rubio)

Presentar a José Antonio Sarmiento en la Galería Cuatro Diecisiete es todo un honor. Primero, porque poder hablar de un artista íntegro es todo un privilegio y segundo porque es un lujo que el catálogo para la exposición haya sido escrito por uno de los grandes historiadores del arte español, Javier Hernando, al que admiro desde hace mucho tiempo y al que he citado en mis escritos en más de una ocasión.

El espacio de la Galería Cuatro Diecisiete se ha adaptado como anillo al dedo al saber hacer de José Antonio Sarmiento y el conjunto expresa bien su labor en el campo de las cerámica y el reflejo de sus técnicas de cocción, de tal manera que encontramos unas maravillosas esculturas-plato cocidas en el anagama, donde el fuego y la ceniza han pintado mano a mano con el artista expresivos y sugerentes matices del color de la naturaleza. Toda la fuerza de los emaltes blancos y negros impregnan el gran conjunto de las piezas llamadas “reversibles”, cocidas en las cámaras del noborigama a 1300 ºC, y que son un gran descubrimiento y un feliz hallazgo escultórico, donde el espectador dice su última palabra, ya que puede disponerlas por una u otra cara, según su estado de ánimo. Por último, aunque aquí las vemos nada más entrar, ha aprovechado el calor de la última cámara del noborigama, para cocer un conjunto de piezas de color rojo, con translúcidos engobes blancos, que nos sugieren sencillez y economía expresiva de medios, pero al mismo tiempo una compleja red conceptual.

DESAYUNO EN LA HIERBA, 2008 gres y esmalte

Estamos convencidos de que el artista de la cerámica José Antonio Sarmiento ha llegado a la madurez como creador, y que si partiendo de la alfarería, del torno, del modelado, había sabido convertir obras utilitarias en piezas artísticas por sí mismas, ahora con estas esculturas “reversibles” ha dado un paso más, y ha llegado al núcleo del arte conceptual, logrando un equilibrio entre la naturaleza que le rodea y sus más íntimos sentimientos, a veces llenos de poética, como en la obra “Bajo la glicina”.

En 1999, durante el IV Congreso de la Asociación de Ceramología conocí por primera vez la obra de José Antonio Sarmiento de la mano de su hermana María Jesús, que pronunció una reveladora conferencia sobre las cerámicas de influencia japonesa que salían de su horno de leña de dos cámaras construido en San Cibrián de Ardón (un año después construiría en el mismo lugar un anagama-noborigama). Ahora, para todos los que hacen cerámica o escriben sobre esta materia, este pequeño pueblo leonés es muy conocido, al menos de oídas o a través de fotos y textos. En aquel Congreso de Vitoria yo presentaba una ponencia sobre los ceramistas Zuloaga, de quienes estaba preparando una tesis en la Universidad Complutense y a quienes consideraba unos de los protagonistas del cambio que se producía a finales del siglo XIX y principios del siglo XX en la cerámica española, como era el cambio de artesano a artista. José Antonio y María Jesús estaban en otra onda, en la de la cerámica totalmente actual, mientras yo estudiaba lo que había pasado hacía cien años. Creo que nunca llegué a hablar con ellos sobre mis experiencias con la cerámica contemporánea, pero siempre me había interesado ese campo y también su relación con el arte de vanguardia. De hecho, parte de mi aprendizaje cultural se produjo en Cuenca en los años en que su museo de Arte Abstracto daba mucho que hablar, de 1975 a 1978, y a mi llegada a Madrid en 1980 entré en un taller de cerámica y trabajé en el mío propio desde 1982 a 1985, y como no, también me sentí muy atraído por la cerámica oriental, en especial la japonesa.

Cuando vi lo que era capaz de hacer José Antonio Sarmiento con la arcilla me dejó totalmente cautivado, y pensé lo que hubiera dado por haber estado en un taller como el suyo en aquellos lejanos años de principios de los ochenta. Presentí que él llegaría muy lejos, sobre todo si conseguía encontrar un equilibrio entre todo ese aprendizaje e influencia japonesa, tamizarla por la cultura occidental e insuflarle ese espíritu creativo que se le adivinaba en su manera de ser.

Desde que dieron a conocer a través de su página Web tanto sus obras como las de muchos ceramistas internacionales reunidas en la Galería Azul, siempre curioseo para ver las novedades que presentan y para ver como va evolucionando la obra de José Antonio. Sin duda ha llegado a una etapa de madurez, creativa y personal, sin olvidar las raíces de la técnica y estética oriental. Por otro lado, no ha abandonado esa obra totalmente mimética con lo japonés, de tal manera que no creo que haya ningún español que se sienta tan identificado con la cultura nipona como él. Es como un nuevo Bernard Leach a la española, o casi mejor a la leonesa, si nos lo permite decir el caso también ejemplar del catalán Artigas.

Cuando hace dos años me propusieron dar una conferencia en el Museo Cerralbo de Madrid sobre la influencia de la cerámica oriental en la cerámica española, después de ir repasando las distintas etapas de la historia del arte en ese campo, cuando llegué a la fase actual y tuve que buscar un buen ejemplo, no se me ocurrió otro mejor que el de José Antonio Sarmiento. Recuerdo las expresiones de asombro del público cuando vieron imágenes de sus piezas y sobre todo de ese monumental horno anagama-noborigama. Tal vez para los ceramistas especializados o interesados en el tema, este horno se vea como más normal, pero para un público amplio no tan especializado, sino solamente interesado en el mundo de la cerámica en general, el encuentro con las técnicas de cocción japonesas es todo un descubrimiento impactante.

Después de lo mucho que ya se ha dicho sobre José Antonio, escribir algo nuevo sobre sus cerámicas es toda una responsabilidad. Entre los que se han ocupado de su arte hay que citar las muchas referencias de Antonio Vivas en sus artículos introductorios en la revista Cerámica, los imprescindibles artículos de su hermana María Jesús Sarmiento, el modélico catálogo de Kosme de Barañano, el creativo catálogo para esta exposición con cubierta hecha por la mano del artista y el texto de Javier Hernando, y sobre todo tengo que reconocer que fue en un pequeño texto de Eduardo Zotes para la exposición de Salamanca “Después del invierno”, donde de pronto encontré qué era lo que tanto me gustaba de sus cerámicas, y es ese aura que desprenden.

Desde luego, José Antonio Sarmiento domina las técnicas de modelado y torneado a la perfección, los esmaltes cerámicos y las técnicas de cocción, pero si fuera sólo eso sería un artesano más. Él hace arte con las pastas cerámicas y tiene su estilo propio, que lo distingue de los demás. Ésa es una de las cualidades a la que todo artista aspira y en él es ya una realidad.

Abraham Rubio Celada es doctor en Historia del Arte, colaborador de la Real Academia de la Historia, experto y autor de diversas publicaciones relacionadas con el arte de la cerámica contemporánea, y miembro de la Asociación de Ceramología. Actualmente reside en Madrid.

Fotos en Art Ceramics (Flickr)

Otras entradas relacionadas:

• Visita guiada: REVERSIBLES paisajes-objeto

En torno a la obra de José Antonio Sarmiento
PAISAJES-OBJETO

(Se trata de un extracto de las dos conferencias pronunciadas por María Jesús Sarmiento en la Escuela de Arte Francisco Alcántara; Madrid, 26 y 27 de marzo de 2008)

La cerámica le sirve a José Antonio Sarmiento como medio en el que desarrollar una simbiosis entre forma y fuego, y elemento en el que unir en un mismo cuerpo: volumen, color y la expresión de la alfarería desde una visión contemporánea (asunto que interpreta por su carácter social, entendiéndolo como símbolo de la vida y las relaciones humanas). Después de un tiempo trabajando como dibujante y pintor, del mismo modo que el músico elige su instrumento, sintió José Antonio que la cerámica era el medio en el que le interesaba profundizar. Desde 1980 a ello se dedica a tiempo completo y de modo independiente. Profundizará en la disolución de las fronteras del arte ante la necesidad de ser consecuente con su modo de entender y vivir, y expresarse con el lenguaje de la plástica.

La resistencia y la maleabilidad del material le atrajo desde el primer momento ante la posibilidad de hacer indistintamente: escultura, obras para integrar en la arquitectura y objetos que sirviesen al «uso utilitario», sin renunciar en ninguno de los casos a la intención del arte y dedicándole tanto a uno como a otro asunto la misma importancia. De la obra de José Antonio Sarmiento se desprenderá la observación de la naturaleza como metáfora o referencia de su influencia sobre el hombre.

A todas estas razones él ha sumado la aplicación del fuego (trabajando con temperaturas desde 1000 a 1350º C.) de un modo directo y personal, con una intención artística conseguida que va más allá de la consolidación de la materia o la búsqueda de determinados efectos. Si construye sus propios hornos, o prepara sus propias arcillas y esmaltes es por una mera cuestión práctica: adaptar las herramientas y los medios a los resultados buscados, incorporando así «su» carácter a la arcilla y a todo el corpus material de la obra.

Entre los diversos procedimientos, el método de cocción elegido se integra dentro del proceso creativo de un modo inseparable a la forma: extraer una pieza del horno al rojo e incluso realizar en ella diferentes tratamientos postcocción en caliente (con humo); en el esmaltado con vapores de sal o soda; y mediante la cocción de leña (en la que este artista se ha especializado desde 1988). Estas serán acciones significativas además de sus herramientas o medios habituales de trabajo. Lo más relevante es la utilización de estos métodos sin dogmas ni ortodoxias, contemplándolos desde la libertad y buscando siempre la mayor economía de medios posible para obtener los resultados buscados del modo más natural. En consecuencia la simplicidad es una pauta recurrente en su obra.

En alta temperatura la arcilla se trasforma en un material de gran dureza y resistencia al choque mecánico –la elección del método para José Antonio depende del destino de las obras (el uso o la ubicación), pero también el modo de conseguir determinadas tonalidades, matices y texturas. Sin embargo, vemos que en su caso no le otorga más importancia a un material que a otro, sino que simplemente (el gres, la terracotta o la porcelana) se contemplarán según su naturaleza, en el sentido de construir el vocabulario apropiado para expresar literalmente un determinado discurso interpretado a lo largo de su interpretación conceptual.

Después de más de diez años trabajando con muy buenos resultados en un horno de leña de dos cámaras, con cámara de fuego estilo Bourry (cocción rápida de 12 a 14 horas a 1300 ºC.), decidió construir otro horno más grande buscando el modo de hacer cocciones de varios días; con el fin de potenciar una mayor acumulación de ceniza en el cuerpo de la arcilla (vidriando la materia a base de veladuras sin necesidad de esmaltarla, por medio de los flameados y otros fenómenos provocados). El resultado de lo que hace es pintar literalmente con fuego, potenciando el gesto del modelado y del pincel del flameado, con el viento y la ceniza.

En el año 2000, después de su estancia en Japón como invitado del prestigioso artista Ryoji Koie, José Antonio Sarmiento construyó un nuevo horno de leña en su estudio de San Cibrián de Ardón (al sur de León), combinando en uno solo las propiedades de dos tipos de hornos retomados de la tradición japonesa: el anagama y el noborigama. De este modo hace en una misma hornada (de varios días) diferentes trabajos con o sin esmalte e incluso puede cocer en cada una de las cámaras a diferentes temperaturas si así lo decide. En el ‘anagama-noborigama’ realiza cocciones con una duración de entre 4 a 7 días, dependiendo de la naturaleza del trabajo.

En la primera parte de este horno (anagama), la leña y la obra modelada comparten el mismo espacio: aquí suele realizar obras de mayor escala (en monococción), y potencia el carácter del fuego sobre la arcilla desnuda (1300 ºC). Los efectos de la ceniza convertida en esmalte deslizándose por el principio de la gravedad, las tonalidades conseguidas mediante el empleo de diferentes tipos de leña, temperatura, arcillas, atmósferas…, se combinan con el modo (posición y lugar) en que las piezas se colocan en el interior del hogar (espacio de fuego) y que junto a la duración de la hornada se suman al resultado final.

Entiende José Antonio Sarmiento estos procedimientos técnicos, según sus palabras, como «la manera más natural de no abandonar la obra en ninguna de las fases del proceso», lo que significa que puede actuar en todo momento sobre la pieza incluso cuando está dentro del horno, planteándose la cocción como parte del proceso creativo por extensión de los matices de su plástica. Es conveniente decir que como artista se enfrenta a la técnica con conocimiento y apreciando la sabiduría de la tradición; hecho que no le impide ser consciente y asumir todo el bagaje cultural que ha revolucionado la historia del arte contemporáneo. La recompensa de su experiencia personal, después de tantos años de intensa dedicación, se manifiesta en el modo en que siempre permanece atento y abierto a lo desconocido –siempre dispuesto a arriesgar hasta el límite. El aprender de los errores, le ayudó para aceptar la imperfección como una consecuencia de la vida y de los acontecimientos. De este modo contemplará la naturaleza para admirarla pero también para asumirla incluso bajo las circunstancias menos amables.

En el noborigama (varias cámaras en pendiente) coloca las piezas en las que desea revelar flameados menos violentos, y también las esmaltadas de determinada forma. A veces protegidas en cajas refractarias o gacetas (1), destinadas a salvaguardar de la llama y la ceniza un determinado esmalte o el movimiento del trazo del pincel, aunque si aprovechando el beneficio de la atmósfera y de la maduración lenta del fuego.

El horno tardará aproximadamente una semana en enfriar y es entonces, con la distancia, cuando el artista completará definitivamente el proceso: al escoger las piezas que considerará completas (después realizará unos pequeños retoques de pulido en las huellas dejadas por las conchas de mar donde se han apoyado, unas marcas que le sirven como un elemento plástico que introduce sombras y relieve en las superficies esmaltadas, y que a la vez impide que las piezas como es el caso de sus Reversibles, que esmalta por todas las caras, queden adheridos a las estanterías del horno donde se han apoyado. Para concluir todo el proceso final seleccionará las obras que considera satisfactorias de las que han de volver a hornearse para aportarles más carácter, y descartará sin contemplaciones las que no le agradan o se hayan perdido sin remedio (algo con lo que siempre cuenta debido a los riesgos que asume). Éste es el desafío. Al evaluar los resultados, la satisfacción de contemplar lo conseguido sin duda compensará todas las dificultades.

El resultado del trabajo de José Antonio Sarmiento es de una gran fortaleza y expresividad. Como la naturaleza, a veces refleja la violencia, y otras lo sutil, la lírica de lo humilde y hasta lo exquisito. Una profunda filosofía de carácter social se transparenta en cada una de sus piezas. En el libro El arte y sus lugares, su autor, el admirado artista Antoni Tàpies nos habla de ciertos objetos que contienen «una fuerza carismática intransferible que encuentra su punto de llegada en la mente del contemplador, no para describirle nada, sino para arrebatarle la conciencia y conseguir que sea él mismo quien abra los ojos del espíritu al misterio de la más profunda Realidad».

En su reflexión José Antonio Sarmiento subraya la contemplación de lo Relativo, confluencia en la que han coincidido Oriente y Occidente: desde parámetros del arte «zen» al llamado «arte informel europeo». Teniendo en cuenta que este artista es de los que piensa que ni la técnica ni el material son relevantes en la calificación de una obra de arte. Y que para él lo esencial es la “forma”, la mano y la mente del artista y el modo en que ambas actúan en todo el proceso (Barañano). No es casualidad, sino consecuencia, que el carácter de esta completa dedicación (de JAS) refleje –en la forma y en el fondo– la tensión de los elementos que maneja como extensión inseparable de su postura ante la vida. De esta filosofía extrae del paisaje su reversibilidad, para reflexionar sobre determinados aspectos universales que a todos nos conciernen.

En la actual exposición de José Antonio Sarmiento, REVERSIBLES paisajes-objeto, podemos contemplar objetivamente obras realizadas en la primera cámara desde la violencia expresionista, por medio de una “fuego-grafia” revelada en el gres desnudo, tallada con el esmaltado de leña, hasta la lírica de su profundidad pictórica y gestual (materializada igualmente en la profundidad y belleza de los esmaltes hechos y aplicados por la mano del artista), o sumada a la poética extraída de la humildad de la terracotta. Incluso podemos contemplar la expresión de la escultura en su propio lenguaje, y en el de una alfarería contemporánea que profundiza más allá de lo utilitario y lo decorativo. En lo subjetivo, en mi opinión, esta obra sirve también para abrir la mirada hacia la «profunda Realidad». Porque, además del placer estético que sin duda nos proporcionan estas piezas reversibles, descubre a la mirada atenta razones para pensar. En todos los sentidos y por extensión, no nos queda más que recomendar detenerse ante estas obras reversibles.

Fotos del horno de leña (anagama-noborigama)
Cerámicas de JA. Sarmiento

Otros enlaces relacionados:

• Presentación de JA. Sarmiento a cargo de Abraham Rubio

• Visita guiada exposición reversibles

(1) Gaceta: (del francés caissette, cassette, dim. de caisse, del lat. capsa, caja) f. Caja refractaria que sirve para colocar dentro del horno los baldosines que han de cocerse. (pág. 5179, tomo 12; Diccionario Enciclopédico Espasa (1989) ed. Espasa-Calpe S.A., Madrid)

CERÁMICAS de José Antonio Sarmiento

La exposición REVERSIBLES Paisajes-Objeto, que estos días y hasta el 14 de abril puede contemplarse en la galería Cuatro Diecisiete muestra a través de una sugerente instalación obras en las que José Antonio Sarmiento ha plasmado su reflexión en el entorno del paisaje. De este trabajo se desprende la observación de la naturaleza (el paisaje y los elementos) contemplado como metáfora de su influencia y conexión con el hombre. Y lo hace de manera diferente en el modo en que apreciamos las cosas que simplemente nos agradan, hasta conseguir sacudir todos los sentidos (percepción y mente) por la fuerza carismática que se desprende de estos objetos “verdaderos”. Sin duda esta obra nos ayuda a pensar o mejor dicho proporciona razones para hacerlo.

Detalle de la instalación; Galería Cuatro Diecisiete

Indeed, José Antonio Sarmiento makes some very excellent work and I wish him much success in bringing such beauty to the table and homes of many people!
(Robert Yellin; Mishima, Japan 2008)

Justo al entrar en la galería nos encontramos (a la derecha) con una instalación en la que el color blanco marca el ritmo de la composición: Contornos (engobe blanco y grattage sobre terracotta), varias piezas de pared o de mesa más tres esculturas de mesa. En el enunciado o título de estas piezas el artista emplea un juego de palabras de doble lectura: “con-torno” (hecho con el torno) y “Contorno” (en la naturaleza), en alusión a los contornos que se aprecian por medio de la transformación en que aparece un paisaje invernal (ie. en las formas cubiertas por la nieve). Formas sutiles, difuminadas bajo el blanco, intuyen representaciones de diferentes elementos como ramas, hojas, pequeños frutos y otros objetos. Son paisajes que por medio de la humildad de la materia se abren a la imaginación del espectador proporcionándole múltiples sugerencias. Personalmente me recuerdan las sombras del jardín a través de un shōji (ventanal de papel de arroz) en una casa tradicional japonesa.

Contorno nº 11 2007; D.33,5 cm. Engobe blanco sobre terracotta / Contornos (detalle)

Continuando el recorrido de la muestra vemos que en el fondo de la sala se han colocado tres “platos-paisaje”. Unas obras realizadas en el anagama, a modo de paisajes resueltos mediante una abstracción expresionista en su contexto formal y pictórico. En el ritmo del trazo o la pintura de fuego y ceniza materializada en estas piezas se expanden diversos matices y tonalidades que van del gris al blanco azulado pasando por una gama de amarillos entre el oro y el limón –colores y texturas integradas en el gesto y movimiento de las formas. Han de contemplarse estos “paisajes” no en sentido descriptivo sino en su cualidad sensorial, y de ese modo conducen al observador hasta emociones y sugerencias insospechadas. Estos platos que ahora contemplamos han conseguido revivir en mí el color y la fuerte sensación percibida durante una fría mañana de marzo (cerca del anagama); al contemplarlos me ha recorrido por la espalda el sonido del viento, el olor de la plantación de álamos blancos, la sensación de un momento preciso, congelado, en forma de sensación de los primeros rayos de sol y de la escarcha que resbala por la corteza y los líquenes adheridos a los troncos de los olmos.

Paisajes 2007 (de izq a drcha) D. 47cm. 43 cm. y 53cm; gres anagama

A lo largo de la sala una plataforma de madera pintada, con un difuminado que va del azul oscuro al claro, sirve de soporte para situar varias esculturas-bandeja a pocos centímetros del suelo. Estas obras también son Reversibles en varios aspectos: por contener en su plástica dos caras y una naturaleza escultórica que respira a través de su contenido pictórico,y, además porque poseen una doble función como escultura y mesa o bandeja. Deshielo, Nocturno, Túmicielo, Lago, Bajo la glicina, Sömn (sueño), Desayuno en la hierba… son algunos de los sugerentes títulos. Las marcas de conchas de mar integradas en la profundidad del esmalte, blanco o negro (tenmoku), introducen sombras y relieve en las superficies planas. Según el catálogo de presentación: «la regularidad de su definición formal es quebrada de inmediato por su autor para insuflar en cada una de aquellas piezas elevadas dosis de expresividad, de gesto. Para ello rompe la linealidad de los lados y en algunos casos fisura el interior de la superficie hasta producir oquedades, sumideros por los que se evacua el espacio. Además introduce “sombras” en la propia superficie; por ejemplo mediante la huella dejada por las conchas que han servido de sostén a la plancha durante el periodo de cocción. Así la tersura brillante de la superficie, recubierta por el esmalte blanco o negro se transforma en un campo plástico sutilmente alterado que al mismo tiempo testimonia el desarrollo de su proceso de elaboración.[...]» (Javier Hernando).

En una de las paredes se ha colocado una secuencia de 10 piezas, Siluetas, formas recortadas en el espacio que se apoyan en los segmentos que le sirven de pie cuando funcionan como bandejas. Se detiene este diálogo en la presencia del color negro profundo (sobrio y elegante) representado con amplitud de matices. En otra de las paredes, con el título de Sömn (sueño sueco), se evoca por medio de una pieza blanca y otra negra el resumen de la lírica de todo el discurso planteado en el tema de Reversibles. Un resumen que recoge el sentido de esta exposición donde la conseguida intención artística de José Antonio Sarmiento ha sintetizado la expresión del volumen y la pintura junto a su pensamiento sobre la razón de ser de una alfarería contemporánea que utiliza para reflexionar sobre los valores de la hospitalidad. Flota en el aire la presencia y representación de lo Relativo, confluencia en la que han coincidido Oriente y Occidente –desde parámetros del arte «zen» al llamado arte «informal» europeo.

Se ofrece al espectador/usuario la oportunidad de participar de un modo activo al decidir el uso: la posición en que la pieza podrá ser contemplada, o utilizada en determinados momentos de celebración.

José Antonio Sarmiento Reversible: Túmicielo 2008

37 x 27 x 5 cm. Gres, esmalte, cobalto y marcas de conchas; 350€

Fotos en Flickr:

DESHIELO / TÚMICIELO / NOCTURNO Y SILUETAS / LUGARES / CONTORNOS

Información:

Galería Cuatro Diecisiete
C/ Príncipe de Vergara 17
Madrid
tlf: 91 4353020 / 91 4348546

Enlaces relacionados:

• Presentación de JA. Sarmiento a cargo de Abraham Rubio

Desde mediados de esta semana está disponible –después de una primera fase de pruebas y ajustes– la nueva web dedicada en exclusiva a la obra y la trayectoria artística de José Antonio Sarmiento. A partir de ahora, se podrá acceder también desde este sitio web, al conjunto de la información sobre José Antonio que hemos ido publicando desde aquí los últimos años. Inauguramos de este modo, un portfolio que contiene en este momento una galería fotográfica formada por cuatro álbunes dedicados a la series “Reversibles” y “Paisajes y Esferas”, junto a otros dos álbunes que incluyen piezas realizadas en el anagama-noborigama de San Cibrián de Ardón: una selección de platos ‘escultóricos’ y la serie “Álamo Blanco” realizada en Marzo de 2007.

Estos contenidos visuales se complementan con textos críticos firmados por Kosme de Barañano o Javier Hernando. A lo largo de los próximos meses iremos introduciendo más contenidos para enriquecer el sitio, circunstancia de la que daremos cuenta aquí convenientemente. Así mismo, la versión inglesa de esta web irá recogiendo más información para acercarla de una manera más adecuada a los visitantes internacionales.

En las imágenes con las que abrimos este post podemos ver al ceramista leonés José Antonio Sarmiento, junto algunas de sus obras en proceso (esculturas y otras piezas de torno), realizadas durante el mes de octubre y diciembre de 2007 en Gotemburgo (Suecia). Una experiencia, sin duda, estimulante y que próximamente continuará para él durante el próximo mes de febrero (en el encuentro que en la citada ciudad se prepara, con la participación de otros conocidos ceramistas de los países nórdicos). Durante este tiempo en Suecia, J-A. Sarmiento, realiza su obra como artista invitado en el estudio de Helena Andersson, Hanna Järlehed-Hyving y Eva Zethraeus.

Las tres ceramistas: Helena, Eva y Hanna, obtuvieron en 1998 su Master en Fine Art, en la especialidad de cerámica (HDK) del departamento de artes aplicadas de la Universidad de Gotemburgo (Göteborg). Al graduarse decidieron establecerse por su cuenta compartiendo estudio, y, aunque realizan individualmente su trabajo, la fórmula de compartir taller es muy estimulante y además les sirve para reducir gastos. En un inmueble rehabilitado para artistas y artesanos, junto a los locales de otros colegas, el lugar -a poco más de un cuarto de hora a pie del centro de la ciudad- está situado en una zona tranquila frente a un frondoso parque. No es un espacio demasiado grande pero ellas lo tienen muy bien ordenado y le sacan mucho partido. El pasado verano les hicimos una visita para conocer sus respectivos trabajos. Como se puede apreciar sus obras son de una calidad excelente.
En este sentido, H. Andersson, E. Zethraeus y H. Järlehej-Hyving, son tres artistas que utilizan lenguajes cerámicos muy diferentes, no solamente en el aspecto técnico sino también en su discurso. Sin embargo hay un cierto sabor en sus respectivas temáticas que determinan un punto coincidente, me refiero a una determinada gramática [confrontada (HA), reflejada (EZ), e insinuada (H.J-H)] que se desarrolla como reflejo de la relación que cada una mantiene con la naturaleza. Y no he aplicado estos términos de modo aleatorio, sino con toda intención y en el orden preciso junto a las iniciales de sus nombres. Así es que lo que vamos a encontrarnos a través de sus obras son difererentes modos de mirar un mismo paisaje.

Helena Andersson, Resonance

La obra de Helena Andersson -sobre la que hemos hablado en anteriores entradas del blog- contiene una consistente fuerza expresiva. Nos habla de aspectos cambiantes, del ritmo de las estaciones, de lo inesperado. Se diría que confronta la forma con la vibración de su musicalidad interior. Y lo hace extrayendo las esencias de la tierra, de un modo a como una sinfonía sacude nuestros sentidos.

Eva Zethraeus, Coral

Eva Zethraeus, Instalación de pared

El trabajo de Eva Zethraeus, es de un gran virtuosismo y cuidada factura. Consigue, lo que no es nada fácil por cierto, que sus formas perfectas se reflejen hasta trascender en su proyección pictórica. En su trabajo la forma es importante, pero no menos lo es la tonalidad y la textura. Con todo recoge la configuración de un cuerpo único que se ha formado por muchas células, hasta disolverse en su propio reflejo y componer un solo elemento. Emplea EZ una temática de motivos marinos, potenciando aun más este contenido sensitivo de lo acuoso. La proyección del conjunto de sus instalaciones literalmente se esparrama por el suelo, o tapiza el muro, dejando en el espectador una sensación de tranquilidad y placer… hasta olvidar el peso corporal (como si flotase en el fondo de un paisaje marino).

Hanna Järlehed-Hyving

La obra de Hanna Järlehed-Hyving, es muy diferente de todo lo que hasta ahora hemos comentado. Lo que no quiere decir que sea menos importante. La artista interpreta formas propias de la alfarería (platos o cuencos), para encontrar en la observación detenida aspectos de consistencia: la vibración de la arcilla y el estudio del esmalte. Matices que son apreciables en la corta distancia. Muy interesantes en cuanto su expresión plástica y su encuentro con otra especie de minimalismo, el minimalismo poético.Estas piezas adquieren relevancia en el cuerpo a cuerpo, requiriendo la atención del espectador atento pues transcienden un lenguaje de introspección, que a cambio de la atención prestada nos recompensa con el descubrimiento de lo sutil. Hanna nos abre los ojos al microcosmos de estas esencias a través de la suavidad y el movimiento de la porcelana.

Cocción de leña en los hornos de Nääs

Hornos al aire libre en Nääs

De los autores que anteriormente hemos citado, Helena Andersson y José Antonio Sarmiento utilizan hornos de leña. Realizan la cocción en el campo, en los hornos construidos en Nääs en cooperación con la escuela de arte del lugar y el departamento de artes aplicadas de la facultad de bellas artes de Gotemburgo.

Helena Andersson y José Antonio Sarmiento, estibando un horno en Nääs

Helena Andersson, escultura de pared

José Antonio Sarmiento, tableware

(Más imágenes: sobre la cocción de diciembre de 2007 en Nääs)

Galería Anna H

• Imágenes de la exposición de Helena Andersson, en la galería Anna H.

Ceramistas llegados desde su respectivo país (Estados Unidos, Suecia, Alemania, Reino Unido, España y Dinamarca), fueron convocados en Dinamarca por Gregory Miller (Gendo Keramik), con el soporte de la universidad (Folk University) y la colaboración de la asociación de ceramistas de Børglum, para trabajar juntos por un tiempo. Se reunieron en la zona de Jutlandia Septentrional y realizaron sus intervenciones durante el I Maratón de cocción de leña.

Nordic Woodfire Marathon, Hirtshals
simposium celebrado en Gendo Keramik; carga del anagama
Ann-Charlotte, Anne-Mette, Dale, José Antonio y Markus

El evento -cuyo programa adelantamos en una de las entradas anteriores de este blog- se celebró durante los largos días próximos al solsticio de verano, en la antigua estación de Horne (Hirtshals), en el taller-estudio de Gregory Miller. Allí fuimos testigos de esa clase de alegría de la que habla Ortega, en uno de sus interesantes ensayos de estética (”La verdad no es sencilla”).

De todos necesitamos en la gran obra que es preciso hacer ante el mundo: la gran obra consiste en labrar la nueva alegría… Ortega y Gasset (1883-1955)

Los artistas convocados pudieron trabajar con varios hornos, con leña y en la tranquilidad del campo: un anagama, un horno de sal, otro de soda y un horno túnel para cocciones rápidas (estilo Barney) –este último construido durante este simposium por Nic Collins, siguiendo el diseño planificado por G. Miller.

Nic Collins y su ayudante Pete Montgomery en el horno túnel

En esta ocasión, la cocción del anagama se efectuó en una hornada de alta temperatura durante cinco días completos; intervinieron en dicha hornada, bajo la dirección de José Antonio Sarmiento, los maestros: Dale Huffman, Markus Rusch, Anne-Mette Hjortshøj, Ann-Charlotte Ohlsson, con la colaboración de Bede Clarke y Keith Ekstam. Durante la fase final, antes de proceder a la última carga de leña, Sarmiento y Rusch sacaron en alta temperatura –del interior de la pequeña cámara que se encuentra entre la parte posterior del anagama y su chimenea- unos cuencos al rojo vivo (siguiendo el procedimiento conocido como «hikidashi-guro», dejándolos enfriar en oxidación).

De la dirección de los otros hornos se ocuparon: Gregory Miller en la cocción de sal en baja; Anne Mette Hjortshøj en la cocción de sal en alta; Janne Hieck en la cocción de soda. En el Horno de túnel Helena Andersson terminó sus obras con leña en baja temperatura, con la asistencia de Nic Collins y la colaboración de Pete Montgomery.

Horno túnel: Helena Andersson y Nic Collins

Gregory Miller, horno sal / Janne Hieck, horno de soda

Mirando el fuego

Cocción anagama, cinco días

En sentido conceptual y formal los autores, desde sus diferentes criterios, se expresaron con la arcilla de modo personal y diverso, compartiendo, tanto sus diversas perspectivas sobre el medio como su coincidente inquietud en cuanto a la elección del género principal del discurso: el carácter de la cocción inserto en el proceso creativo. Interacción que resultó muy estimulante para todos, artistas y espectadores.

Mientras todo ocurría, los visitantes -espectadores del maratón- iban y venían a lo largo de los días manifestando su satisfacción; entre el público fue un honor durante dos días contar con la presencia de los señores embajadores de Japón en Dinamarca (el excelentísimo Sr. Okada y su esposa).

Los Srs embajadores de Japón en Dinamarca fueron visitantes de honor

Los resultados de estas cocciones fueron excelentes –así lo revelaron las marcas del fuego y la ceniza-, como contemplamos en la exposición celebrada en Børglum Kloster. También en los cuencos para la ceremonia del té (chawan) elegidos por el Sr. embajador de Japón para la ceremonia del festival nipón celebrado en Fredrikshavn.

Fogoneros de leña al pie del Anagama: Helena, José-Antonio, Anne-Mette, Ann-Charlotte, Janne y Markus

Si los artistas consagran su vida a su trabajo, seguramente merece la pena un esfuerzo por entenderlo. Leer en los resultados es percibir toda actividad y erupción.

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Keramik
del 24 de julio al 26 de agosto 2007
Børglum Klostervej 255
Dinamarca DK-9760 Vrå

Con la participación de los siguientes artistas invitados: Poul Jensen (Noruega), Helena Andersson (Suecia), Gregory Miller (Estados Unidos /Dinamarca), José Antonio Sarmiento (España), Dale Huffman (Estados Unidos), Markus Rusch (Alemania), Anne-Mette Hjortshøj (Dinamarca), Ann-Charlotte Ohlsson (Suecia/Dinamarca), Janne Hieck (Alemania/Dinamarca), Nic Collin (Reino Unido); mas los miembros asociados a Børglum Keramik (Børglum Babes): Janice Hunter, Dorte Visby, Anna K. Johannsdottir, Dorthe Hansen, Catherine Collart y Else Rasmussen.

Obras de José Antonio Sarmiento
Love love love…all you need is love
acrílico y fuego sobre tela, cerámica anagama y plantas silvestres

Obras de Helena Andersson
cocción de leña, engobe y esmalte de plomo

El lugar

Se encuentra en el Norte de Dinamarca, en el recinto que desde 1983 se ha dedicado a galería de exposiciones temporales: situado en un anexo contiguo a las construcciones principales de Børglum Kloster (en otro tiempo abadía y monasterio -fundado en el s. XII-, señorío de propiedad privada desde 1622). El entorno ofrece un pintoresco paisaje donde la vista se pierde en el horizonte: 437 hectáreas de tierras de cultivo, campos de trigo, verdes praderas en la que pastan los caballos, y plantaciones de sauces para el autoabastecimiento de la producción energética del lugar. Edificaciones (antiguo monasterio y residencia episcopal) y finca (terrenos de cultivo) restauradas por los actuales propietarios -situado fuera de las edificaciones, en los campos frente a la entrada y al otro lado de la carretera, el visitante también puede ver un antiguo molino de viento (restaurado en 2003). Especialmente durante estos largos días de verano son muy numerosos los visitantes que se acercan al lugar.

La exposición

En este marco brevemente descrito se ha celebrado la inauguración de la muestra ‘Keramik’ que puede contemplarse hasta finales de agosto. El espacio expositivo tiene el carácter de un antiguo granero, con altos techos de vigas de madera. Las obras se han dispuesto agrupadas por autores, con lo que se ha facilitado su lectura al tener en cuenta que el espectador se encontrará con temáticas bastante diversas como reflejo de la personalidad de cada artista.

La ceramista Janice Hunter, coordinadora del evento, junto a sus compañeras de asociación (conocidas artistas locales), han estado organizando durante los últimos años una exposición anual en este lugar. El pasado 24 de junio fueron las anfitrionas de los nueve artistas invitados (procedentes de Dinamarca, Suecia, Estados Unidos, Alemania y España).

La ceremonia de inauguración este año coincidió con los días de la fiesta de la hoguera de s. Juan. Comenzó con un recital de violín y guitarra, seguido de un lunch ofrecido al numeoso público asistente y ceremonia del té -oficiada por la maestra Chisato Hosoi, en cuencos únicos (chawan) realizados en anagama durante el Simposium de cocción de leña (Nordic Woodfire Marathon, Hirtshals). El té verde batido, sin duda, potencia y da un mayor sentido al interior de los cuencos pero sobre todo predispone al participante a disfrutar de una atmosfera de tranquilidad (propicia para la contemplación y la apreciación del arte). En Japón se suele servir como un honor y cortesía hacia los invitados (en este caso estos han sido los artistas extranjeros).

Nic Collins

Markus Rusch | Gregory Miller

Poul Jensen | Catherine Collart

Ann-Charlotte Ohlsson | Dorte Visby

Dorthe Hansen | Dale Huffman

Janne Hieck | Anne-Mette Hjortshøj

Anna K. Johannsdottir | Else Rasmussen

Helena Andersson | Janice Hunter

José Antonio Sarmiento

Algunos de los artistas participantes con la maestra del té

El día de la inauguración

Enlaces relaccionados:

• Accede a más fotos de la Exposición en Børglum Kloster

Hoy hemos recibido noticias de José Antonio y María Jesús desde “Gendo Keramik” en Dinamarca. Los primeros días del Nordic Woodfire Simposium transcurren de acuerdo con el programa previsto.

Actualmente los artistas Janne Hieck, Dale Huffman, Gregory Miller y José Antonio Sarmiento están creando las piezas que serán empleadas en la Cocción Anagama entre los día 11 y 15. Está prevista la llegada de Marcus Rusch (Alemania) y Nic Collins (Reino Unido) a lo largo de esta semana.

Así mismo el próximo día 7, José Antonio y María Jesús viajarán junto con otros de los participantes del Simposium a Gotteborg (Suecia), y el día 8 al “International Ceramic Research Center” de Skaelskør en el sureste de Dinamarca.
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NORDIC WOOD-FIRE SIMPOSIUM
Horne - Dinamarca
del 1 al 25 de Junio 2007
Lugar: Hirstshals, Dinamarca “Gendo Keramic”
Director y comisario del evento: Gregory Hamilton Miller. Asistentes de la organización: Janice Hunter, y, Janne Hieck.

El primer éxito del curator y su equipo ha sido poder reunir en Dinamarca artistas-ceramistas especialistas en cocción de leña de Europa y Estados Unidos, y la participación de asistentes de todo el mundo para trabajar juntos e intercambiar experiencias.

Desde hace meses Gregory Miller (Gendo Keramik) y sus colaboradores están trabajando intensamente para que todo esté a punto para el maratón de cocción de leña que tendrá lugar durante el mes de Junio en el norte de Dinamarca.

Lista de artistas invitados (a cargo de las cocciones, workshops y presentaciones):

Helena Andersson (Suecia), Nic Collins (Reino Unido), Janne Hieck (Alemania/Dinamarca), Anne-Mette Hjortshøj (Dinamarca), Dale Huffman (Estados Unidos), Janice Hunter (Reino Unido/Dinamarca), Ann-Charlotte Ohlsson (Suecia/ Dinamarca), Gregory Hamilton Miller (Estados Unidos/Dinamarca/Japón), Marcus Rusch (Alemania), y José Antonio Sarmiento (España).

Colaboradores organización:

Pete (Noruega /Irlanda), Bede Clark (Estados Unidos), Keith Ekstam (Estados Unidos) y artistas residentes desde el hermanado evento de cocción de leña que tendrá lugar en el sur de Dinamarca, en Guldagergaard: “International Ceramic Research Center”, Skaelskor.

Exposición en Børglum Kolster:

WOOD FIRED CERAMICS / CERAMICAS COCIDAS CON LEÑA, 24 de Junio al 26 de Agosto 2007

Poul Jensen (Noruega/Dinamarca), Helena Andersson (Suecia), Anne-Mette Hjortshoj (Dinamarca), Ann-Charlotte Ohlsson (Suecia/Dinamarca) Markus Rusch (Alemania), Janne Hieck (Alemania/Dinamarca), Gregory Miller (USA/Dinamarca), Dale Hoffman (Estados Unidos), José Antonio Sarmiento (España), Dorte Visby,Catherine Collart, Else Rasmussen, Dorthe Hansen, Janice Hunter, Anna K. Johannsdottir

Enlaces relacionados:

• Exposición en Børglum Kolster (ver imágenes: miembros asociados y artistas invitados (members/guest)
• Programa: Nordic Wood-Fire Simposium