EARTHENWARE

En anteriores entradas hemos hablado de la obra de Helena Andersson. Hoy, celebramos poder incluir a esta interesante artista en nuestra sección dedicada a los artistas de la Galería Azul, EXPOSICIÓN EN LA WEB. Mostramos su trabajo a través de esta exposición exclusiva en la red, esperando que sirva para dar un paso más en la profundización del conocimiento de su trabajo como ceramista que se interesa en el aspecto escultórico y en la alfarería de estudio indistintamente, con la misma intensidad. Helena vive y trabaja en Gotemburgo (Suecia), suele emplear para su obra earthenware (mayólica), engobes y esmaltes; realiza la cocción en horno de leña o de gas. La naturaleza se refleja en su obra como una «resonancia» en la presencia del volumen, la trasparencia del color, la tensión entre las fuerzas del carácter abstracto y personal del paisaje re-creado.

Resonance, earthenware; Lerverk solo show (2005), Göteborg / Nest (detalle)

Wall Collage, Röda sten Göteborg (Suecia);earthenware y esmalte (varias hornadas)

En palabras de la artista:

«Siento la crudeza de la oscura y fría mañana de Octubre cuando llego al pie de horno. Está lloviendo y mi cuerpo está todavía dolorido a causa del peso que he cargado. Veinte esculturas fueron colocadas en el horno el día anterior. Ahora tengo por delante 12 horas de cocción. Tengo cuidado para que la temperatura se incremente lentamente. Hay que tener cuidado con los grandes volúmenes –si la temperatura sube demasiado rápido todo se puede perder. Dentro del horno de leña la arcilla tiene una vida, la propia naturaleza de las llamas, el fuego, añade a la obra matices que no pueden ser activados de otra manera. Le doy mucha importancia al poder de la intuición en el proceso creativo. El violento esfuerzo con la arcilla también debe salir fuera. El horno está vacío unos pocos días después. Incluso pensando lo que ocurriría, involucrándome con el fuego, nada salió como lo había planeado… Fue mucho mejor.» (H. Andersson)

acceso a la exposición

Helena Andersson: Earthenware

Después del cambio de diseño en el blog, como podéis ver, también inauguramos un nuevo formato en nuestra sección de artistas en la galería:

Exposición en la web: Artistas en la Galería Azul

En esta sección, continuaremos añadiendo a más artistas pero también obra reciente de los existentes. Los cambios que se vayan sucediendo se comunicarán como hasta ahora a través de un post. Para visitar cada exposición individualmente utilizamos el enlace de nuestro espacio anexo, ART CERAMICS alojado en Flickr.

Para cualquier información adicional sobre las obras expuestas o los artistas, se ruega contactar a través del e-mail o los teléfonos de este blog. Nuestro mayor interés es cuidar la calidad, así es que esperamos que disfrutéis con todas las obras que os proponemos.

Para recibir la información en el momento que se publique un post, os recomendamos –si aun no lo habéis hecho– realizar la suscripción en el apartado destinado a tal efecto.

Próxima exposición en la web:

• «Paisajes de Porcelana & Pottery lenguaje»:
  Eva Zethraeus / Katshunori Nakashima .

El departamento de cerámica de la Escuela Superior de Diseño y Arte Llotja celebró hace unas semanas, en la sede de San Andreu (Barcelona) –lugar en el que el centro dispone de espacio al aire libre–, un día de actividad dedicado a la cocción con fuego de leña (desde las 8 h. hasta poco más de las 21 h.).

Pilar Herrero (profesora del departamento de cerámica de dicho centro) comisarió y organizó la actividad, contando con expertos que dieron un carácter más académico al encuentro; la presencia –en la parte teórica– de los Drs. Victoria Solanilla (especialista de arte del mundo antiguo y precolombino, profesora del departamento de arte de la UAB) y Jordi Sabater Pi (primatólogo y etólogo, autor del libro Proceso técnico de la cerámica fang 1955, y, el ceramista profesional Pau Valverde, afincado en Canarias y autor del libro Vivir del barro (que no del cuento).

En la parte práctica, junto a los alumnos del centro, también participaron tres ceramistas profesionales, antiguos alumnos de la Llotja. Auba Pons y David Rosell (quienes poseen una experiencia con el fuego compartida en otros eventos), y Regina Vilasero que en el 2003 obtuvo la beca de artistas de la UNESCO para disfrutar de una estancia de tres meses en Espacio Sobo-Bade en Senegal.

ACTIVIDAD

Conferencia y mesa redonda: Pilar Solanilla impartió una conferencia en la que analizó la Cerámica Precolombina, a la que le siguió una mesa de debate con Sabater Pi y Pau Valverde para tratar las diferencias y encuentros, entre dos formas antiguas y simples de cocer la tierra en cuanto a economía de medios: la herencia del mundo precolombino, y la cocción africana (en hoguera).

Conferencia impartida por Victoria Solanilla, «La Cerámica Precolombina»

Trabajo de campo (las cocciones): El tema se desarrolló en torno a la cocción africana como punto de partida para el encuentro y el contacto directo con el fuego. Sin embargo, además de la cocción en hoguera realizada con la colaboración de los alumnos, se realizaron una cocción en un bidón, y otra en un horno de leña construido con fibra cerámica; algunas de las piezas realizadas por los alumnos se hornearon en un hoyo excavado en la tierra (inspirándose por las cocciones africanas), y otras en un bidón. También se utilizó un horno de fibra para cocer una escultura realizada por David, Auba y Regina. La escultura, conformada mediante una acumulación de tubos de arcilla ensamblados, fue pensada para ser mostrada ‘al rojo’. Esta pieza, de escala a la medida de la estructura del horno, se pudo ver al rojo vivo cuando al final de la jornada los tres ceramistas retiraron la carcasa de fibra incandescente; el espectáculo de ver el fuego en la masa de arcilla o saliendo por los tubos de cerámica en la oscuridad de la noche, fue celebrada por todos los espectadores. La visión del fuego nos envuelve entre sensaciones de temor y fascinación ante el magnífico espectáculo que ofrece, agudiza todos los sentidos y nos muestra las fuerzas de la naturaleza hasta «engancharnos».

Horno construido con fibra / (izquierda) Cocción en hoguera, en un hoyo excabado en la tierra

Conclusión: por los condicionantes de los programas educativos y la situación urbana de la mayoría de las Escuelas de Cerámica, actualmente no son muchas las oportunidades que los alumnos tienen de experimentar un contacto directo con el fuego (algo que la leña proporciona). Así pues, me parece que estas actividades son un estímulo potente para los alumnos, porque ayuda a entender el proceso completo de la cerámica. También es de esperar que proporcione el ánimo, el coraje y la energía que se necesita para una tarea que, en la mayoría de los casos, requiere un esfuerzo físico importante, además del intelectual o la habilidad plástica. Sin duda, las artes del fuego requieren un fuerte compromiso e implicación a quienes las eligen como profesión; no hay que olvidar que la cerámica es la transformación de la materia por la acción del fuego.

Se suele decir que no hay dos sin tres, así es que es de esperar que estas actividades extraordinarias –dado el éxito obtenido– se conviertan en citas anuales. La jornada finalizó con una sesión de fundición de bronce (a la cera perdida), ofrecida por el módulo de metalurgia de la sede de San Andreu (Llotja). Un día completo.

Pilar Herrero (2ª izq), organizadora del evento, junto a los invitados participantes y algunos de los espectadores asistentes

Fundición de bronce a la cera perdida

Enlaces relacionados:

Llotja Escuela Superior de Diseño y Arte

Los cambios que este año se han podido apreciar en la 27º edición de ARCO han sido sustanciales, y nos han sorprendido gratamente. En primer lugar destacamos y celebramos su fuerte apuesta por la calidad, seguida de una ordenación del espacio más coherente – atendiendo a la variedad temática– , y la disposición más diáfana de algunos stands. Además, se ha visto más claro el esfuerzo de las galerías por ofrecer sus mejores obras, por lo que es de suponer que el coleccionismo internacional haya cumplido sus expectativas de compra. Desde mi punto de vista, de todas las ediciones celebradas, considero que ésta ha sido con diferencia la que ha ofrecido un mayor número de obras de primer orden. Este año hubo momentos en que nos daba la impresión de estar haciendo la visita a un museo más que a una Feria (empleo la palabra museo en el sentido de excepcionalidad de los contenidos), pues encontramos un número importante de piezas relevantes para la historia del arte contemporáneo (entre otras, obras de Pollock, Tàpies, Plensa, Frederic Amat, Lucio Muñoz, Picasso, Chillida, Kounelis, Tony Cragg, Richard Deacon, Andy Goldsworthy, Calder, Chihuly…). Pero, además, ha habido una clara apuesta por el arte emergente de calidad. Sobre todo en el campo de la fotografía encontramos piezas muy interesantes, como ya han comentado nuestros colaboradores en el post anterior.

Eduardo Chillida, Lurra; en el stand de Manuel Barbié

En cuanto a la presencia de obra cerámica en ARCO’08, aunque continúa siendo un género minoritario en las galerías no especializadas en esta disciplina, en esta edición hemos percibido que no ha habido prejuicios en este sentido. Así pues, se han visto, junto a las nuevas propuestas –alguna escultura, e incluso una instalación con vasos decorados en azul cobalto–, y también algunas piezas que son muy solicitadas por el coleccionismo: una Lurra de Eduardo Chillida (Galería Manuel Barbié), y varios objetos de alfarería de Pablo Picasso (Galería Orangerie Reinz). Llamaron nuestra atención dos obras de Deacon en forma de piedras (una blanca y otra amarilla).

Kim Simonsson, Invisible Deer

Por otra parte, la filandesa Galleria Heino apostó por este género al ofrecer una exposición individual de Kim Simonsson, Invisible Deer (El venado invisible). Simonsson, utiliza el medio de la escultura cerámica para narrar historias dramáticas –en un estilo “pop-conceptual” claramente figurativo e influenciado por la imaginería del comic, más concretamente del estilo japonés ‘manga’. Sin embargo, su discurso simbólico pone el dedo en la llaga a través de lo sórdido, aunque camuflado con un toque de kitsch-luxe. Un lujo que se transforma en inquietante por la categoría y forma de los materiales elegidos (siguiendo una línea que nos recuerda el Michael Jackson de Jeff Koons): la presencia mecánica propia de la cerámica industrial. Emplea este artista loza blanca esmaltada (esmalte transparente, toques de oro y platino, y, ocasionalmente, algún elemento añadido de cristal –por ejemplo, en forma de “escupitajo” que una niña “candorosa” lanza a un sórdido lavabo, o al suelo–). El artista nos presenta estas esculturas como un gran souvenir aumentado en su escala (un objeto de recuerdo, gigante), cuyo lenguaje formal sirve para recrear situaciones insólitas, y alusiones a la religión.

Los temas que Simonsson aborda plantean actos que, aunque existentes, son impronunciables. De este modo, bajo la máscara de la ilusión, pueden ser pronunciados, o quizá deberíamos decir denunciados -cómo si se contemplasen al otro lado del espejo de Alice (la diferencia es que la Alicia de estas historias no vive precisamente en el país de las «maravillas»).

Enlaces relacionados:

• Kim Simonsson Portfolio

COLLECT
25 – 29 de enero de 2008
Feria dedicada al arte objetual; Victoria & Albert Museum, London

Al entrar en el Victoria and Albert Museum nos da la bienvenida el Chandelier de Dale Chihuly, un poema sinfónico de cristal soplado, explosión de luz, forma y color; obra que desde 1999 puede contemplarse suspendido de la bóveda del vestíbulo del que es uno de nuestros museos favoritos. Además de haber revolucionado el arte del cristal soplado, Dale Chihuly (Washington, 1941), es un ejemplo de entre los creadores destacados de nuestro tiempo que han conseguido que géneros tradicionalmente relacionados con las ‘artes-artesanales’ influyan en el mundo del Arte con mayúscula. Hasta dislocar las estructuras del concepto artístico, pulverizando el criterio tradicional de clasificación a partir de los materiales o géneros (las llamadas “bellas artes” y “artes aplicadas”). Personalmente pienso que el Chandelier estimula la reflexión sobre la situación y función de las diversas disciplinas en las que se desarrolla el arte actual.

Ken Mihara, Vase sekki (Galeria Yufuku)

Del mismo modo, COLLECT (feria anual, dedicada a las artes-objetuales: cerámica, cristal, madera, textil, metal y joyería), celebrada hace unas semanas en las estancias del Victoria and Albert Museum, nos ha permitido disfrutar y tomar el pulso del arte en este sentido. Se trata de una feria excelente, avalada por la organización y selección del Craft Council del Reino Unido, que ha reunido a 42 galerías especializadas en artes aplicadas (procedentes del Reino Unido, Italia, Austria, Holanda, Alemania, Suiza, Bélgica, Noruega, Dinamarca, Japón, Corea del sur, y Suecia), ofreciendo máxima calidad con el objetivo de estimular la adquisición a los compradores particulares e institucionales.

Este tipo de ferias, con un número limitado de participantes y una cuidada selección, se inserta en la última tendencia en la que los criterios artísticos se anteponen al negocio facilitando una visita sin agobios (criterio que también se ha seguido en la anterior edición de SWAB, en Barcelona). De este modo, el visitante, dispone del tiempo necesario para contemplar todos los módulos y sopesar las compras con comodidad, sin someterse a la tortura de las mega-ferias (en las que por el contrario todo se diluye, pues es agotador recorrer módulos de calidad desigual en un recorrido interminable en el que hay demasiado que ver y poco interesante para mirar).

En esta ocasión, como decimos, la visita ha sido un auténtico placer y una oportunidad para la adquisición de obras excelentes en cada una de las diversas especializaciones que se han contemplado.

Devon Guild Crafts Center: Svend Bayer (izquierda) / Tim Andrews (derecha)

Centrándonos en nuestra especialización, la cerámica contemporánea, encontramos obras relevantes. Entre estas, Yufuku Gallery presentó obra de Ken Mihara; en la galería Joanna Bird Pottery: entre los históricos, Hans Coper, Lucie Rie, Benard Leach y Hamada son algunos ejemplos, y entre los artistas actuales: una fantástica pieza de gran escala de Fernando Casasempere –en la que el artista ha utilizado material reciclado de la industria–, y también piezas de anagama de Kohara Yasuhiro, entre otras.

stand de la galería Joanna Bird Pottery

En la Galerie Hélène Porèe, celadones de Jean François Fouilhoux; Cultural Connection CC, galería especializada en obra de ceramistas daneses, obras de Hans Vangsø, Ivan Weiss, Inger Rokkjaer, entre otras. Devon Guild of Craftsmen, piezas sacadas al rojo de Tim Andrews, y estupendas cerámicas de anagama de Svend Bayer y Nic Collins; en Flow Gallery, la sencillez y belleza de las obras de Kati Tuominen tampoco nos pasaron desapercibidas. Clare Beck en Adrian Sassoon, expuso obra de Elisabeth Fritsch, y, además, la interacción entre la alfarería y el espacio arquitectónico subrayaron la evidencia de las muchas posibilidades del medio –en el stand que esta magnífica galería dedicó a piezas monumentales–; firmaron las obras realizadas por encargo para el espacio Monumental Pots 2008: Julian Stair, Felicity Aylieff, Kate Malone y Ruper Spira.

Monumental Pots: Ruper Spira (izquierda) / Felicity Aylieff (derecha)

Flow Gallery (sobre la mesa, a la derecha, obra de Kati Tuominen

Más imágenes en Flickr (art ceramics): Collect 2008

Enlaces relacionados:

• COLLECT, listado completo de participantes
• CV de Kati Tuominen (PDF)
• CV de Mihara Ken (PDF)

El potente arte brasileño y una nueva distribución de los espacios caracterizan una excelente edición de ARCO pese a las críticas de algunos sectores

Por Eduardo Z. Sarmiento

Hoy jueves [por el 14 de febrero] a las 12 del mediodía fue inaugurada la veintiseisava edición de ARCO, la principal y más importante feria de arte contemporáneo en nuestro país, aunque el recito está abierto desde ayer para coleccionistas y profesionales. Este año ha sido notable la polémica creada por la selección de galerías llevada a cabo por parte del comité organizador, que ha dejado fuera algunas galerías de nuestro país (en especial se comentan ciertas ausencias territoriales, como la de Andalucía o Galicia, aunque a nuestro entender este no debe ser un criterio relevante) junto a la incorporación de hasta 13 galerías extranjeras que nunca habían estado presentes en la feria, o la vuelta de otras 29 ausentes en los últimos años. Todos estos cambios se encuadran dentro de la estrategia de la nueva directora de ARCO, Lourdes Fernández, por acercar esta feria al nivel de otras grandes citas internacionales como Frieze en Londres o Art Basel en Basilea. Es comprensible que esta estrategia suponga endurecer la selección, aumentando la diversidad internacional sin hacer crecer desmedidamente el número de stands, aún a costa de tener que dejar fuera algunas galerías no necesariamente merecedoras de ello.

Más importante que todo esto, sobre todo para el espectador que puede acudir a la feria sin preocuparse demasiado por los problemas internos del gremio profesional de los galeristas, es la presencia de Brasil como país invitado. Los comisarios Paulo Sergio Duarte y Moacir dos Anjos han seleccionado bajo unos criterios muy particulares un total de 32 galerías que ofrecen una imagen muy interesante y positiva del arte brasileño, al que nadie le niega hoy día su enorme pujanza internacional. Esos criterios a los que nos referimos, que contribuyen a garantizar la solidez y rigurosidad de toda la selección, responde a un procedimiento inverso al habitual, en este caso se han elegido los artistas (en realidad la forma habitual de trabajar de un comisario) y después se ha acudido a las galerías que les representan para que los lleven a la feria, o incluso en algunos casos, facilitando el establecimiento de representaciones circunstanciales a este efecto. En esta selección nos encontramos artistas conocidos internacionalmente como Waltericio Caldas, Ana María Maiolino o Nelson Leiner entre otros, y otros mucho más jóvenes nacidos en los 60.

Este bloque de galerías brasileñas junto a la sección Arco 40 (en la que se concentran propuestas más reducidas con respecto al Programa General, ya que solo se ofrece un espacio de 40 metros cuadrados en el que incluir obra de tres artistas) y los espacios dedicados a publicaciones y nuevos medios (la sección Expanded Box comisariada por Claudia Giannetti), ocupan un nuevo pabellón, el 14.1 situado en la segunda planta a continuación del 14. Esta variedad y disposición de espacios hacen de esta una de las partes más interesantes y entretenidas de la feria, por la que es recomendable empezar. De los artistas de este pabellón superior mencionaremos de manera personal e incompleta unos asequibles y atractivos acrílicos sobre papel de Daniel Lergon en la Galería Christian Lethert (Colonia, Alemania), las fotografías de Ira Vinokurova de la Galería Clara María Sels (Düsseldorf, Alemania) o los artistas de 10 Chancery Lane (Hong Kong, China): Another Mountain (Wong Ping-Pui) y Simon Birch.

Obras de Hyun Koo Kang – Galería Arario (Cheonan Seul/Bejing Nueva York)

Por otro lado, merece una mención especial el trabajo que ha realizado el arquitecto Juan Herreros del estudio Ábalos&Herreros, separando el espacio de los vestíbulos a la entrada de los pabellones, del espacio interior, únicamente dedicado a los espacios para las galerías. Además, se ha huido de un diseño de retícula uniforme, e incluso de una misma planta para todos espacios, siendo los galeristas los encargados de adaptarlos a sus necesidades, en algunos casos –como el de la Galería Carles Taché– suprimiendo algunas paredes y dejando espacios amplios y diáfanos en los que las obras lucen especialmente. Todo esto contribuye a mejorar notablemente la experiencia del recorrido. Sin embargo lo anterior sería por si sólo insuficiente si no pudiéramos destacar la positiva impresión general –con sus altos y bajos como es natural– que causa la equilibrada combinación en el Programa General de grandes nombres, obras de artistas menos conocidos pero en absoluto menores y en lo que se refiere a la selección de disciplinas, con una mayor presencia de pintura y fotografía, en segundo lugar escultura, y en menor medida instalación, videoarte o nuevos medios. Quizá porque en tiempos de crisis económica se apuesta por valores más seguros, o porque estamos lejos de las tendencias de décadas anteriores. De nuevo mencionaré de forma improvisada algunas de las obras que se han quedado en mi memoria, por ejemplo, obras de Tony Cragg se pueden ver en varias galerías pero algunas de las más impresionantes por su tamaño son las presentadas por Carles Taché. También Janis Kounelis. O las superficies de relieves sutiles y oscuros de Vasco Araujo en la Galería Filomena Soares. La fotografía sobre aluminio de Yotta Kippe en Canem, o Lidia Benavides en Estiarte. Así mismo, un grupo obras de Jaume Plensa (este año muy destacado por varias exposiciones), fotografías de Sascha Weidner (Toni Tapiès) o los impresionantes cuadros de un realismo fotográfico sobrecogedor de Hyun Koo Kang, presentados por la Galería Arario (Cheonan Seul/Bejing Nuev York). Por último, también me permito recordar las obras de Hiroyuki Masuyama en cajas de luz o los dibujos de carboncillo sobre papel de Robert Longo (Galería Hans Mayer).

Obras de Tony Cragg (izquierda) y Jannis Kounellis

Por delante quedan tres días –de viernes a lunes– en los que ARCO abre para el público en general. Si alguno de nuestros lectores se acerca por allí y tiene interés en añadir su opinión, le animamos a que nos haga llegar sus comentarios. Para los demás, en Art Signal E-News publicaremos nuevas crónicas a lo largo de los próximos días.

Actualización:

El El País publica hoy en su edición impresa del Viernes 15 de febrero un artículo titulado La explosión del arte chino escrito por Catalina Serra. En el se destaca con buen ojo como hicimos nosotros ayer jueves, la obra de Stanley Wong también conocido como Anothermountainman. Próximamente nosotros también podremos publicar más contenidos acerca de este artista, fotógrafo y creativo.

Conclusión de la 27 Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Madrid (ARCO)

Por Oscar García García

Después de la incertidumbre creada por varios motivos como la apuesta por el arte latinoamericano con Brasil como país invitado, exclusión de varias galerías españolas (como My Name’s Lolita Art, La Nave, Punto) en busca de una feria más internacional y más atenta con las últimas tendencias, una nueva distribución de los espacios y la posible llegada de la crisis al mercado del arte, podemos afirmar que la 27 edición de ARCO ha sido un éxito. Aunque hasta hoy martes no sabremos los resultados finales podemos afirmar que la feria ha sido excelente en cuanto a lo que a ventas se refiere, no hay síntomas de crisis en el mercado y todo apunta a que habrá un aumento de un 15 por ciento en el ritmo de ventas en comparación con el año pasado.

Jaume Plensa

Pero dejemos el aspecto económico, que aunque es primordial (hay que recordar que estamos en una feria), ARCO son sus obras y artistas. Este año además de obras de grandes artistas contemporáneos consagrados, no podían faltar Bacon, Picasso, Chillida, Saura, Feito, Miró, Barceló, Valdés, Luis Gordillo, Clavé, Botero…; también ha habido una gran cantidad de fantásticos artistas emergentes y consolidados. Hay que hacer una mención especial a Jaume Plensa que ha diseñado la entrada para esta edición de ARCO con la fotografía de su obra SHO expuesta en el IVAM; varias galerías nos ofrecían sus esculturas realizadas con letras (Galería Lelong), mientras que Guillermo de Osma exponía un escultura de 1951 bastante diferente a sus últimos trabajos. Entre sueños es el título de la instalación, una gran cabeza rodeada de zapatos, que Plensa nos presentaba en el stand de El País. Si hablamos de esculturas hay que citar un gran descubrimiento, al menos para mí, las esculturas de chinchetas y clavos dorados de Jam Fabre (Galería Pelaires). Los hombres blancos iluminados por fluorescentes de Bernardi Roig con una gran instalación en la stand de El Mundo. También merece la pena citar las esculturas de metales retorcidos de John Camberlain o los preciosos remolinos de Tony Cragg.

En esta edición ha tomado mucha fuerza y espacio las fotografías y las videoinstalaciones. La Galería Pepe Cobo muestra varias fotografías de Mapplethorpe y de Gonzalo Puch, la galería T20 obras de Raúl Belinchón y Mira Bernabeu, y en la galería Tomás March, Juan Silió y ABC las obras de Sergio Belinchón. El vídeo, las figuraciones o instalaciones están muy presentes, como la video instalación del joven brasileño Marcelius L. en la sala alemana Carlier/Gebauer, la de Melanie Smith en la Galería Peter Kilchmann, la instalación Concept Car del artista austriaco Thomas Struth o la invitación del proyecto de Tonico Lemos Auad de la CRG Gallery de Nueva York a dibujar o escribir con esculturas de palomas negras realizadas en grafito en las paredes del stand.

Si tuviera que quedarme con una de las obras de la feria, algo muy difícil, sería con la magnífica pintura de casi tres metros de alto de Philipp Fröhlich de la Galería Soledad Lorenzo. Pero hay otras muchas obras y artistas que citar como el cuadro hecho de caramelos «sugus» de La Strategia Corporation (galería T20), los retratos de Jaime Súnico (galería Senda), Peter Zimmermann (Distrito Cu4tro), Nano 4814 (galería Ad Hoc), Broto (Soledad Lorenzo), Daniel Canogar, Carlos León (Max Estrella), Gerardo Burmester y Santiago Ydáñez (Luís Adelantado), Yue Minjun, Calapez, Kirsten Everberg, Rogado (Mark Müller), AES+F (Salvador Díaz), José Mª Yturralde (Gering & López), Jason Martín (Mario Sequeira), Antonio Murado y Kimiko Yoshida (Álvaro Alcazar).

Textos reproducidos por la cortesía de Art Signal E-News.