Archivo del tema ‘Anteriores portadas’

Feliz Navidad y Año Nuevo 2012

Por • 23 de diciembre, 2011 • Tema: Anteriores portadas, Sin categoría

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Obra: José Antonio Sarmiento, 2011. Acrylic on paper, 50 x 65 cm.

Feliz Navidad y Año Nuevo 2011

Por • 19 de diciembre, 2010 • Tema: Anteriores portadas, Sin categoría

Feliz Navidad y Año Nuevo 2010

Por • 1 de enero, 2010 • Tema: Anteriores portadas

Imagen: Luz de invierno (paisaje sueco, acrílico sobre tabla), autor: José-Antonio Sarmiento

navidad09_felicitacionDesde la luz del norte (Suecia) y la del Mediterráneo (España), a nuestros amigos lectores, colaboradores y comentaristas, y a tí coleccionista o fiel usuario de cerámica, nuestros mejores deseos y agradecimiento por tu apoyo.

Por un año sin límites… en los espacios de la creación, la imaginación y la entrega. Por las cosas pequeñas y lo diferente, por aquello que realmente importa: el arte, el amor y la paz.

Si todos queremos podremos…, ¿podremos decir…? !!War is over (la guerra ha terminado)!!

So this is Christmas
And what have you done
Another year over
And a new one just begun
And so this is Christmas

I hope you have fun
The near and the dear ones
The old and the young

A very merry Christmas
And a happy New Year
Let’s hope it’s a good one
Without any fear”

(John Lennon-Merry Christmas, War is Over)

Presentación de la ‘nueva web’ de Helena Andersson

Por • 24 de marzo, 2009 • Tema: Anteriores portadas, Destacados, Noticias, Recomendados

Helena Andersson
Ceramic Sculpture

Una página web, o página en Internet, es un documento de información y una herramienta que actualmente consideramos muy recomendable para la comunicación, por no decir que resulta imprescindible en el ámbito en que nos movemos.

Helena Andersson (1969 Linköping, Suecia), artista de Galería Azul (presente en nuestra Exposición en la Web), -ceramista de estudio, a quien nuestros lectores ya conocen- actualiza su web inaugurando una nueva página en Internet: galería de imágenes y texto (en inglés y sueco).

La primera vez que vi trabajar a Helena Andersson, en el verano de 2007, me percaté que era una artista muy interesante. Al mes siguiente de este encuentro, cuando vino a España como nuestra invitada desde Suecia, en el tiempo que pasó trabajando en el estudio de San Cibrián de Ardón (León) se reafirmó esta convicción; así pues pensamos que sería conveniente que otras personas tuviesen la oportunidad de ver como realizaba su obra. Y así fue, en junio de 2008 la artista sueca participó como artista invitada en un workshop celebrado en León durante el I Curso anagama-noborigama, en San Cibrián de Ardón: modeló -en directo- algunas esculturas ante nuestra atenta y admirada mirada.

Verdaderamente resultó muy interesante ver como Helena realizaba su trabajo; me consta, -y me incluyo porque tuve la suerte de asistir como espectadora- que todos los allí presentes quedamos encantados con tan «energética» demostración.

El trabajo de H. Andersson se estructura en dos vertientes complementarias entre sí: por un lado la obra escultórica, y por otro el trabajo de piezas artísticas de carácter utilitario. No obstante, es necesario subrayar que la artista dedica el mismo cuidado, o lo que es lo mismo concede idéntica importancia a una vertiente que a otra. En estos dos géneros realiza piezas «únicas», y todas sus obras están concebidas desde una notable sensibilidad, virtuosismo, e intención artística, como se puede comprobar a la vista de los resultados.

Piezas de gran escala

Descriptivamente y a grandes rasgos, la obra escultórica de Helena Andersson se resuelve en piezas de gran formato o en instalaciones de múltiples (es decir compuestas por varias piezas que dialogan entre sí). En el aspecto técnico, una característica de su trabajo que me parece muy interesante es la utilización de churros(o cuerdas de arcilla) y pellizcos, como método constructivo para la creación de la forma: un procedimiento que, lejos de quedar oculto, la artista potencia al dejarlo visto como elemento plástico en-sí (estas técnicas de urdido, rescatadas de la alfarería primitiva, en este caso pueden verse en algunas de sus obras emblemáticas, por ejemplo en: Spirited of the Mountain, Bergtaen). Otros de los procedimientos a destacar, son el uso de engobes y esmaltes combinados entre sí, en interacción con la tonalidad natural de la arcilla y su desarrollo cromático en la atmósfera de cocción.

El lenguaje escultórico establece una relación interesante con la gran escala, o por medio de la composición y distribución de la instalación (lo vemos en Wall Collage, Vikafjellet, The Seal, Made in Pankow, Mar de la estrella…).

Helena Andersson Vikjafjellet, 2007-2008; earthenware
Adquirida para la colección del Museo Röhsska (The Röhsska Museum, Göteborg, Sweden)

Las formas orgánicas de Helena Andersson retoman la inspiración a través de la orografía y la geología de su país (las siluetas de las islas, la costa escandinava vista desde el aire), sin embargo la intención no se detiene en una acción descriptiva, por el contrario se resuelve entendiendo a ‘la naturaleza y sus fuerzas’ como un lenguaje personal: entre la liberación de una carga de profundidad que, aunque no está exenta de aspectos poéticos, nos da la impresión que concentra toda la tensión en fuerzas donde, sobre todo, se potencian aspectos del inconsciente y los sentidos; en consecuencia, podemos situar sus esculturas en un cruce de caminos entre la inspiración que utiliza una tradición cerámica desde la libertad de las vanguardias contemporáneas: el llamado arte puro, donde el artista se sitúa en las estancias del instinto que permite aflorar la «expresión» sin ninguna otra contaminación, como una «fuerza de la naturaleza». Sobre esto último habría que profundizar mucho más y desde luego la reflexión nos llevaría a terrenos propios de la filosofía del arte, sin embargo no es nuestra intención en este momento seguir este camino…; así pues, dejándolo para otra ocasión, continuaremos con los detalles técnicos característicos de este trabajo.

Resumiendo, técnicamente la obra de H. A. se desarrolla indistintamente en horno de leña o gas (en atmósfera de reducción), emplea arcillas y esmaltes de temperatura baja o media,earthenware(loza). Es necesario decir que las calidades que la artista obtiene a través de unos procedimientos en cierto modo sencillos son, francamente, extraordinarias.

La obra de carácter utilitario:

En este caso, Andersson, adopta formas definidas en su sencillez; no solamente pensadas para un uso confortable (platos, bandejas ovaladas, tarros con tapa, tazas -todas ellas piezas únicas), también para que funcionen sin distracción como sujeto de su objetivo principal: servir de soporte a un campo cromático, en el que a través del empleo de los engobes elaborados por la artista (un trabajo interesante, con el que ha conseguido a lo largo del tiempo un «banco» de tesoros); la inteligencia, sensibilidad y el cómo se han aplicado estos engobes, potencian la luz con un sentido pictórico. En el desarrollo de este trabajo la consecuencia maneja una gama de color desde la pureza del blanco hasta una atrayente y bellisima gradación de azules, verdes y amarillos, para conformar una calidad fantástica: transparencia, limpieza, y hasta un brillo de una profundidad que como se puede comprobar recuerda a las calidades de alta temperatura (insisto, aunque emplee materiales de media o baja, y, además conservando naturalmente las brillantes escalas cromáticas de la loza). Sin duda, en este lenguaje inmerso en el color… nos conduce a la contemplación de una ‘belleza objetiva’.

Lo he comentado en otra ocasión, «sirven estos utensilios de la vida cotidiana literalmente como superficies congeladas de las diversas cualidades de la luz, hasta emular las condiciones de la naturaleza que apreciamos en sustancias como el agua y el aire»; se trata de una recreación de los fenómenos de refración que distinguimos en la naturaleza: ya sean reflejados en el mar, en la superficie de un lago, en el cielo, en la nieve, en la luz que se filtra a través de la humedad y el follaje del bosque (los colores se refrescan con el aire del norte y la luz de su tierra natal).

La nueva web

En la web actualizada de Helena Andersson que ahora presentamos se puede ver una colección de imágenes muy interesante, con intención de argumentar su trabajo sin ánimo retrospectivo, aunque el recorrido discurra a través de la última década, por cierto fructífera ya que sin exagerar podemos calificarla de magistral.

Galería I, recoge una selección de esculturas cerámicas, desde 2002 hasta 2009 en el momento de esta publicación.

Enlace a las imágenes de Galleri I

Galería II, recoge imágenes de algunas de sus instalaciones, en este momento desde 1999 a 2005

Enlace a las imágenes de Galleri II

Galería III, en este apartado se pueden ver algunos ejemplos representativos del trabajo utilitario de esta autora. Bandejas y otras piezas, que no dudamos en calificar de obras de arte por sí mismas con independencia de su cualidad funcional.

Enlace a las imágenes de Galleri III

El resto de la información contenida en la web personal se completa con otros detalles de interés, entre los que se incluye el currículum artístico y su experiencia internacional (entre estos datos podemos citar su formación con Torbjörn Kvasbö -el prestigioso artista actualmente residente en Noruega); las becas obtenidas, una selección de exposiciones, la presencia de su obra en colecciones públicas, y su participación en simposios internacionales).

Resumiendo, a nuestro entender la escultura cerámica de Helena Andersson (desde cualquiera de las dos ramas que contempla y que aquí hemos descrito) es una inversión en todos los sentidos que sin duda el contemplador agradece. Confiamos que quienes se interesen en profundizar un poco más en el conocimiento de su obra, encuentren -en la nueva web de esta autora- un instrumento estimable.

Enlaces relacionados

Más información:

4º Exposición en la web:REVOLUTION, cerámicas de: Eva Castaño, Fernando Garcés, Gregory Miller, Janne Hieck

Por • 14 de febrero, 2009 • Tema: Anteriores portadas, Exposición en la web

Imágenes show (Flickr, Art Ceramics): REVOLUTION (Revolución)

«You say you want a revolution
well, you know
we all want to change the world
you tell me that it’s evolution
well, you know
we all want to change the world
but when you talk about destruction
don’t you know that you can count me out
don’t you know it’s gonna be all right
all right, all right
You say you got a real solution
well, you know
we’d all love to see the plan
you ask me for a contribution
well, you know […]» (Beatles, Revolution)

Ideológicamente el término revolución (del latín revolutio “una vuelta”) está lleno de sugerencias; podemos pensar en un cambio completo, o también en la modificación de lo que está vigente (siguiendo los dos modelos de revolución descritos por Aristóteles), en la consecuencia de que siempre los cambios parten de otras formas de apreciación; por otra parte, en una segunda definición, el término remite a una descripción del movimiento en espiral.

Sociológicamente en el arte de la cerámica nos encontramos en un momento de auge entre las diversas formas que dicha expresión utiliza, no obstante hoy queremos detenernos para subrayar la intención artística que emplea el uso del torno (la rueda de alfarero) como evolución del concepto artístico. El torno es una herramienta apropiada para dar forma a las piezas de alfarería, y en este caso es también sujeto y motivo: la espiral que da forma a la vasija mientras se graba con cada movimiento la huella del autor, el vacío donde se con-formará el uso en el espacio acotado (simbólicamente, una metáfora de la vida ordinaria).

Conceptualmente también hay un sector crítico que valora este significado más haya de si un objeto sirve para ser utilizado o para ser contemplado; el mensaje se contempla desde un arte que tiene sentido por su carácter singular, su excelencia plástica, y su filosofía como reflejo de pertenencia a la vida. De todo esto se trata precisamente, sobre todo para abrirse a varios significados (plásticos, místicos y sociales).

Eva Castaño, Fernando Garcés, Gregory Miller, Janne Hieck, son cuatro ceramistas independientes, artistas que Galería Azul ha reunido en esta muestra colectiva que hoy nos complace presentar dentro del programa de exposiciones en la web. Cada uno, a su manera, encuentra en la vasija un símbolo de individualidad en forma y concepto; su revolución es ver en el objeto, y más allá del mismo, el significado de hacer una alfarería para el momento actual (en la era de la tecnología).

La obra de cada uno de los mencionados autores es diferente entre sí (no solamente desde el método, técnica empleada y estilo, incluso a veces desde el planteamiento (ya sea por hacer Arte para usar, por extraer la plástica de la materia o crear un paisaje desde la armonía de una composición). Sin embargo, más allá de la geografía, más allá de la acción -el ritmo del proceso-, de la técnica o las referencias en que cada uno de los autores se apoya, los cuatro coinciden en el planteamiento desde un frente común: al elegir la vasija (vaso, plato, cuenco, etc.) como metáfora.

Generalmente la intención artística que usa el lenguaje de la alfarería trabaja desde un género que tradicionalmente se ha situado al margen de lo establecido como concepto artístico, al utilizar como objeto de su discurso planteamientos que se detienen en las cosas más sencillas de la vida o de la naturaleza. En un momento en que todo es susceptible de ser etiquetado sabemos sin embargo que cualquier material o disciplina no puede ser calificada de arte o artesanía solo por el método. Por otra parte, pocos artistas que utilizan el torno se preocupan de que sus obras se relacionen dentro del primer o segundo canon, (si ha de calificarse como arte, no arte, o anti-arte, les trae sin cuidado). El caso es bastante significativo porque seguramente lo que el artista busca es precisamente hacer esa revolución. Lo mismo ocurrió con el género del bodegón en la pintura, lo vemos por ejemplo en los maravillosos bodegones -desde Zurbarán, Sánchez Cotán, a nuestros contemporáneos como Morandi, Tàpies, etc.- entre muchos de los autores que han construido la historia del arte del pretérito y del presente, con una preocupación por las cosas sencillas, la naturaleza y la vida real (lo cotidiano) en contraposición a un interés por lo «sublime» (los temas recreados por la pintura de «gran estilo»: históricos, religiosos y míticos).

Eva Castaño se interesa desde niña por la música y las artes plásticas, decantándose más tarde por la pintura y la cerámica. La pintora Begoña Izquierdo (Bilbao 1926- Madrid 1999), amiga y maestra, es quien la inicia en el dibujo y la pintura, creando una base fundamental para su posterior trabajo de ceramista. Estudió en la Escuela de Cerámica Francisco Alcántara, Madrid (1982-1987).

Actualmente trabaja en su estudio con gres y porcelana, en escala que puede acogerse en la palma de la mano. De su obra se desprende una fragilidad y suavidad que tanto en el modelado como en el color busca un balance que proporciona a sus piezas una sensación de ingravidez, como si flotasen. Los contornos desdibujados frente a los tallados, contribuyen en la recreación de una atmósfera particular que se funde con toques de color que nos recuerdan a los de la acuarela. En cada serie de piezas se resume una clara vocación por la pieza única, y sin embargo hecha para ser usada.

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Eva Castaño; Plato con mosca, y Lunaria (porcelana, óxido y esmalte)

  • Precios estimados: entre 60 y 200 €; ver más imágenes en Galería Azul, Eva Castaño


Fernando Garcés, tarroFernando Garcés se graduó en cerámica en la Escuela Oficial de Cerámica Francisco Alcántara, Madrid (1987 – 1990). Desde 1991 es profesor titular de cerámica en la Escuela de Arte de Talavera de la Reina, ocupando en la actualidad el cargo de Jefe de Estudios. Entre varias actividades en las que ha participado ha desarrollado los talleres “El torno como herramienta” en la Facultad de Bellas Artes de Cuenca. Paralelamente a su amplio currículo docente, con experiencias aquí y en el extranjero, realiza en su taller una obra personal. El torno es objeto de estudio en su producción trabajando indistintamente el gres o la porcelana, incluso combina ambos materiales en un mismo cuerpo.

En su trabajo el blanco y las tonalidades de la arcilla -desnuda o esmaltada- se combinan para aportar una mezcla interesante por contraste de texturas (suave/áspero), incluso contrastando con una clara rusticidad el añadido preciosista del empleo del oro se aplica como una pincelada o golpe de efecto pleno de sugerencias. Garcés consigue seducirnos desde el conjunto de unas instalaciones en las que la forma del cuenco es recurrente para configurar un paisaje que sobrepasa su carácter utilitario.

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Fernando Garcés, Cuencos (porcelana, oro y esmalte transparente)

  • Precios estimados: entre 90 y 4.000 €; ver más imágenes en Galería Azul, F. Garcés


Gregory Miller ha desarrollado su carrera desde su país, estados Unidos, Japón y Dinamarca donde vive y trabaja en la actualidad. Se ha especializado en hornos de leña, cocción en anagama y horno de sal. Desde 1997 hasta el momento presente ha expuesto sus cerámicas en Dinamarca, Estados Unidos, Japón, Noruega, y Alemania; también ha comisariado eventos relacionados con los hornos de leña. Sus estudios de antropología y su tesis sobre la comparación entre el movimiento de la artesanía japonesa y danesa son un reflejo de sus preocupaciones. Pasó un tiempo de aprendizaje (1992-1993) en el taller de Tatsuzo Shimaoka, cuya escuela y filosofía Mingey se deja ver en la obra de Miller.

Un amplio conocimiento de los esmaltes de alta temperatura, el empleo del horno anagama y un gusto por las formas de la alfarería utilitaria han construido su lenguaje. En el torno va construyendo las formas en diversas series pensando en el uso, la austeridad de las decoraciones se aprecia en la impresión de cuerdas impresas o en las marcas indicativas del proceso (la forma en que las obras han sido cargadas en el horno, las huellas del fuego…) imprimiéndo a cada pieza un carácter especial. Son piezas robustas para utilizar a diario, intemporales y diferentes.

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Gregory Miller;Botella gres anagama, esmalte shino

  • Precios estimados: entre 25 y 1300 €; ver más imágenes en Galería Azul, Gregory Miller


Janne Hieck teapotJanne Hieck se formó en Alemania, su país natal, obteniendo la medalla de oro en el proyecto de fin de carrera. Después en el año 2005 se instaló en el norte de Dinamarca, donde ampliaría sus conocimientos como asistente del ceramista Gregory Miller.

En la actualidad reside en Dinamarca, es una artista emergente con una obra personal. Su trabajo se enmarca dentro de la llamada alfarería de estudio actual, en la especialidad del gres esmaltado con sal y la cocción de leña; un trabajo creativo y muy bien hecho que se define con su sello personal a través de formas sencillas, fuertes y escuetas, tonalidades naturales derivadas de un engobe de cobalto o del hierro contenido en la arcilla. Su lenguaje formal se articula en el proceso del gres desde formas utilitarias confortables, piezas únicas para disfrutar cada día, obras hechas con mucho talento que translucen el amor al oficio y son resistentes.

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Janne Hieck, Jarrita de leche; gres, cobalto, y esmalte de vapores de sal

  • Precios estimados: entre 25 y 1000 €; ver más imágenes en Galería Azul, Janne Hieck


Exposición ‘Winter Light’ en la galería Sigma (Växjö, Suecia)

Por • 21 de enero, 2009 • Tema: Anteriores portadas, Conferencias, Destacados, Exposiciones, José Antonio Sarmiento, Noticias recibidas

Winter Light / Luz de invierno
El pasado sábado, con bastante apreciación por el público asistente, y con una buena acogida por parte de la crítica, se inauguró en la localidad sueca de Växjö la exposición Whinter Light: obra reciente de Helena Andersson (cerámica), y José-Antonio Sarmiento (cerámicas y acrílicos), y en el hall de entrada a la galería la exposición de collages de Krestin Skjöld.

El martes siguiente, en la prensa de Växjö, la crítica especializada le dedicaba a la muestra una reseña elogiando sobre todo el trabajo de los dos ceramistas. De un extracto de la misma recogemos la principal recomendación del crítico: Det tål de absolut. Que en conjunto, según el contexto, se puede traducir por: “bien merece la pena una mirada atenta, profunda”, según sus palabras «absoluta».

Para acercar el texto a nuestros lectores, incluimos en los enlaces un extracto en el idioma original (sueco). No obstante, con ayuda del traductor, facilitamos la interpretación al castellano. / Smålandsposten, Onsdag 21 Januari 2009
extracto y traducción del texto original sueco

Cerámica, que requiere tiempo

Cerámicas desde el suelo al techo, es de lo que trata la actual exposición de la Sigma. Los artistas afincados en Gotemburgo Helena Andersson y José-Antonio Sarmiento llenan la galería de objetos. Algunos utilitarios pero la mayoría puramente artísticos. La cantidad es abrumadora, la intención es emular la sensación de entrar en sus propios estudios de cerámica.

Al entrar en la galería, Skjöld Kerstin-collage dividido en una serie-miniformato. El primero, Azul, es muy fuerte en el océano de color, pero me atrapó en particular su llamamiento para Secretos. Imágenes pequeñas en un suave color gris con un toque de letras y partituras, además de fragmentos de sus propias pinturas.

Pero como ya dije, sobre la cerámica ésta domina cuando la mirada se encuentra en primer lugar con la obra Bufféfat (serie de bandejas) de Helena Andersson, un amplio cuerpo verde brillante suspendido en la pared. Bella utilidad que plantea apetito sensual. Su trabajo continúa en el interior de la sala con los objetos que son un poco más visuales. La instalación Invierno se compone de objetos esmaltados, que en su diseño recuerdan algo bastante clásico, un poco como el derretimiento de los detalles de la ornamentación de edificios de un templo en la antigua Grecia. Por otra parte Andersson tiene preferencia por formas orgánicas y objetos puros que emulan tanto partes de vegetales y vísceras. Los Lagos recogen el esmalte como en la formación de piscinas naturales en el polo durante los días templados. Los colores son suaves, verde, marrón y blanco.

El trabajo de Sarmiento también se viste de blanco y marrón, pero con una calidad mucho más jugosa y contrastando escala. En la pared la serie Siluetas nocturnos, la oscuridad se muestra como signo de exclamación en la exposición o una aproximación que recuerda las delgadas lápidas medievales. Al lado una serie de azulejos brillantes, la obra o serie Reversibles, es fascinante. Si las placas a su vez se comprenden desde la abstracción o lo irregular, se apoyan sin embargo hacia un tipo de paisaje. Con un poco de imaginación se pueden ver las paredes, los edificios y las chimeneas.

La exposición se percibe en un des-orden compacto de múltiples objetos. Por lo tanto, no es fácil profundizar en cada uno de ellos (individualmente), por lo que tenemos que tratar de darle algún tiempo a la mirada en la deambulación.
Absolutamente lo merece, vale la pena.

Helena Andersson; earthenware, obra reciente

José-Antonio Sarmiento; cerámica y pintura (stoneware y acrílico sobre madera), obra reciente

Galleri Sigma
Kronobergsgatan 8
Växjö, SVERIGE (Suecia)
17-31 Enero 2009

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Onochord, con los mejores deseos

Por • 1 de enero, 2009 • Tema: Anteriores portadas, Recomendados

También para el 2009… y algo más que deseos: !acción!


Envía el ONOCHORD mensaje
por medio de una luz intermitente
en la frecuencia y duración requerida para el mensaje:
desde los barcos
desde las cimas de las montañas
desde los edificios
a través de los orificios de los edificios, de las ventanas
en los barrios de las ciudades y pueblos
desde el cielo
y hacia el cielo.

Preocúpate de enviar este mensaje
al final del año y al comienzo del año nuevo.

Preocúpate de enviar el mensaje
a todos en la tierra
y al universo.

Cuídate de enviarlo.

Para todos, individualmente:
envía el mensaje a mano
o utiliza linternas
o encendedores

El mensaje I LOVE YOU en el código ONOCHORD es:

I i
YOU iii

yoko ono 2004

En estos últimos años, Yoko Ono, recorre el mundo con este mensaje, su último trabajo artístico culmina con la construcción en Reikiavik (Islandia) de una torre de luz por la paz:

Imagine PEACE TOWER (Torre de la paz): imágenes en Flickr “YokoOno official”

Imagine all the people living life in peace (Imagina a todo el mundo viviendo en paz)
John Lennon

A dream you dream alone is only a dream
A dream you dream together is reality

(Un sueño que sueñas tú solo es solamente un sueño
Un sueno que soñamos todos juntos se hace realidad)
Yoko Ono

Enlaces relacionados:

Brindis para el 2009, con una sencilla taza: hecha a mano, individualmente: de tierra, agua, aire, fuego, y…

bolfor peace / hospitalidad y celebración = i ii iii


Feliz Navidad y Año Nuevo 2009

Por • 23 de diciembre, 2008 • Tema: Anteriores portadas
Con nuestros mejores deseos…

With best wishes…

Feliz Navidad y Año Nuevo 2009

God Jul!

Merry Christmas and Happy New Year

Glaedelig Jul!

Frohe Weihnachten und Neujahr

Joyeux Noël et du Nouvel An

Καλα Χριστουγεννα και το Νεο Ετος

Buon Natale e Capodanno


Feliz Natal e Ano Novo

Bon Nadal i Any Nou

Musical direction: Vladimir Ashkenazy
Violin: Valeriy Sokolov
Chamber Orchesta of Europe, 19 de diciembre de 2008 Cité de la musique (París)
(Ofrecido estos días por cortesía de:

Lipchitz; Schulz-Dornburg; Sarmiento: Visita guiada a las cuatro exposiciones ‘Arte y misticismo’

Por • 3 de noviembre, 2008 • Tema: Anteriores portadas, Artículos, Artistas, Destacados, Exposiciones

El texto introductorio que a continuación incluimos pertenece al leporello de presentación de la exposición “Arte y misticismo”. De la misma fuente son igualmente los textos adjuntos en la presentación de cada uno de los tres artistas, pertenecientes a los catálogos (sobre Jacques Lipchitz, Ursula Schulz-Dornburg) y el cuadernillo ‘La materia consagrada al fuego’ (texto de Kosme de Barañano sobre la obra de José-Antonio Sarmiento), editados para este acontecimiento.

Además, incluimos algunos de los textos que también pueden leerse impresos en las paredes de las salas del auditorio de San Francisco -donde se han instalado las respectivas exposiciones (escultura y dibujos, fotografías y cerámicas) de los mencionados autores. Nos explica esta información, del mismo modo en que lo hizo la visita guiada por Kosme de Barañano y la conferencia de presentación impartida el día de la inauguración por David Rodríguez Caballero, el sentido de cada exposición: facilitando la lectura y por consiguiente una mejor comprensión sobre la extraordinaria calidad de las obras expuestas, su sentido y significado.

En las dos salas al fondo del auditorio, antigua Iglesia de San Francisco, en las que se exponen las obras cerámicas de José-Antonio Sarmiento se muestran siete de las series con las que se identifica a este autor, en las que el artista trabaja en los últimos años: Vasos monumentales, Paisajes del páramo, Contornos, White poplar (Álamo blanco), Esferas, Paisajes, Reversibles. Conjunto eacultórico que se ha dispuesto en grupos o instalaciones; trabajos que recogen el microcosmos del artista, es decir la concepción de su reflexión sobre el mundo y la existencia, a través de la materia (tierra) y los elementos (viento y fuego). Esta obra (‘materia consagrada al fuego’), según explicó Barañano durante la visita guiada, no debe ser contemplada simplemente como vasos o platos sino por su contenido. De este modo, para un más adecuado discernimiento sobre el concepto de la obra en cuestión, el comisariado ha incluido -impresos en los muros de las salas- junto a la presencia cerámica la presentación de 4 textos de diferentes mundos religiosos, y que por este motivo también nos ha parecido interesante incluir aquí.

Introducción y visita guiada
Comisariado: Kosme de Barañano y David Rodríguez Caballero


Arte y Misticismo
La exposición “Arte y misticismo” se enmarca dentro del congreso Internacional de Mística “La trama de la vida: Textos Sagrados de la humanidad”, organizado por el Ayuntamiento de Ávila y en el que la Junta de Castilla y León colabora con la presentación de cuatro exposiciones bajo el título “Arte y misticismo”, continuando así la línea de programación iniciada por la Conserjería de Cultura y Turismo en la que tiene una destacada importancia la difusión y promoción de la creación contemporánea nacional e internacional a lo largo de todo nuestro territorio.

Se establece de esta manera una colaboración entre instituciones de nuestra Comunidad y muy especialmente entre la Junta de Castilla y León y el Ayuntamiento de Ávila que lleva organizando año tras año y con destacado éxito, el Congreso Internacional de Mística; convirtiéndose así la ciudad de Ávila en la mayor referencia a nivel nacional e internacional en cuanto al estudio y análisis de la Mística pueda existir en la actualidad, tanto por razones históricas como por la importancia de los congresistas convocados durante los días que dura el Congreso, así por la enorme calidad de la obras que forman parte de la exposición y que son un claro ejemplo de cómo desde las artes plásticas adquiere una destacada importancia el misticismo en la mayoría de los creadores.

“Arte y misticismo” nos muestra los trabajos del célebre escultor lituano Jacques Lipchitz (1893-1973). Su obra ha sido investigada y mostrada internacionalmente a lo largo del siglo XX por los principales estudiosos del arte y por los más prestigiosos directores de museos. Está presente en casi todos los museos del mundo, como el Metropolitan de Nueva York, Museo de Jerusalem, Tate Gallery de Londres o Museo de Rotterdam. Su obra pública puede verse en ciudades como Philadelphia, Roma, Paris y Nueva York.

Son presentados en las salas de la Iglesia de San Francisco en Ávila un conjunto de 152 papeles con dibujos y grabados inéditos del artista. Obras que han estado en una carpeta guardadas desde su muerte hasta principios de este año 2008. Muchos son bocetos de esculturas, otros son dibujos de ideas rápidas en sobres y cartas o en el primer papel que el artista tuvo a mano. Estos dibujos recorren todos los estilos y etapas del artista, de sus comienzos a sus obras finales. Simultáneamente a la exposición de dibujos, tendremos la oportunidad de contemplar 9 esculturas de gran formato que irán situadas al aire libre entre el recorrido que va de la plaza del Ayuntamiento hasta la fachada principal de la Catedral.

Forma parte de la exposición “Arte y misticismo”, la obra de la fotógrafa alemana Ursula Schulz-Dornburg, esta exposición de 88 fotografías presenta épocas diversas de la trayectoria profesional de la artista: las iglesias de Birmania y sus estatuas de Buddha, con el interior vacío de las ermitas del románico del Pirineo. Todos ellos son lugares de culto ancestral que concitan la devoción del espacio litúrgico (sea en la luz sobre el altar, sea en la estatua de la divinidad) con la unidad del paisaje. A la vez, las fotografías manifiestan la erosión (la del tiempo y la del descuido) que han impregnado, pero sin arruinar todavía a esas arquitecturas y a esas esculturas.

Finalmente y paralelamente a los trabajos de Lipchitz y Ursula Schulz-Dornburg, podremos disfrutar en la Iglesia de San Francisco, con la cerámica del leonés José Antonio Sarmiento, artista que desde 1989 en el taller y hornos de San Cibrián de Ardón, León, trabaja incansable en la aventura de la cocción del gres con leña en alta temperatura.

La cerámica es –en la Historia del Arte- un género hecho sin pretensiones, y refleja el gusto de cada época. En la cerámica se manifiestan tanto una larga tradición de libertad artística que no busca el lujo, como la larga tradición de un oficio que se repite sobre sí mismo a veces unido a un sentido de la vida por la vía del fuego y de la purificación espiritual.


Jacques Lipchitz

Jacques Lipchitz (Druskieniki, Lituania, 1891 – Capri, Italia, 1973) es una figura esencial en el panorama artístico del siglo XX, como lo fueron Pablo Picasso, Juan Gris y Julio González. Estos artistas coincidieron con Lipchitz en el París de las dos primeras décadas de aquel siglo compartiendo inquietudes y proyectos, formulando las bases del vocabulario cubista en la pintura y la escultura.

El vocabulario del artista va derivando a una figuración que mezcla los temas bíblicos o mitológicos con un mensaje social a la vez que desarrolla un muy personal lenguaje de la interacción de las formas, que constituye su estilo y que se detecta enseguida. Lipchitz, como Julio González otro gran escultor que se entregó también al papel siempre como herramienta para su visión plástica, dibujó tanto antes como después de realizar su obra escultórica. Esto se debe, en buena medida, al potencial que tiene esta actividad como punto de partida de la escultura y a su utilidad para explorar diferentes temas y formas, que pueden volcarse posteriormente en construcciones tridimensionales.

Gobierno del pueblo, 1967 / Hacia un mundo nuevo, 1934

El grito ó La pareja, 1928-29 / David y Goliath, 1933

Regreso del niño, 1941

Jacob y el Ángel, 1932 / Belerofonte somete a Pegaso, 1964

Madre e hijo, 1949 / el último abrazo, 1970

Ursula Schulz-Dornburg

El sentido de esta exposición es relacionar dos series de fotografías en geografías alejadas con paisajes y arquitecturas diferentes, pero que demarcan el mismo pensamiento visual: la presencia de la ausencia.

Luz de la fotografía. Silencio de la arquitectura (PDF del catálogo)

  • La serie SONNENSTAND

La serie titulada Sonnenstand. Solar Position (Posición del Sol) es un amplio conjunto de fotografías realizadas en 1991 en ermitas del Pirineo español, a lo largo del Camino de Santiago, un verdadero trabajo de investigación, tanto histórico-artística, como de consideración del patrimonio. Schulz-Dornburg, a través de la atenta mirada de fotógrafo, devuelve a estas ermitas su consideración de calendarios, de pequeños centros litúrgicos pero también de guías astronómicas, guiadas en su construcción por la ciencia agraria árabe. El prototipo de las ermitas fotografiadas consta de una nave rectangular culminada con un ábside de diseño semicircular de tradición carolingia. Son iglesias de pequeñas dimensiones, con sala rectangular. Las cubiertas de estas iglesias solían ser de armadura de madera en prácticamente todos los casos. Normalmente no presentan ningún tipo de decoración gráfica o escultórica. La impresión de belleza que produce, es debida, más que a la completa adscripción de la construcción a su fin, a la perfección de su sencilla y humilde realización.

Espacios cristianos, ritos agrícolas

Todas las mesas de altar donde, como un dial, se apoya la luz que penetra por la ventana absidal, son muy parecidas: sencillos rectángulos construidos de piedra sin decoración alguna. La entrada de la luz en estos templos sobre el altar es lo que recogen la fotografías de Schulz-Dornburg. Este rayo que penetra y vivifica el interior del templo depende de la altura, forma, y apertura de la ventana, de su disposición en cuanto a la orientación al sol, del grosor del muro y del ángulo de su vano, del horizonte y de la época del año. Esa marca del paso de la luz en el templo es todo un calendario. Aquí lo árabe y lo cristiano, calendario de luz y espacio arquitectónico se unifican, y esto es lo que recoge Schulz-Dornburg, plástica y emocionalmente.

La línea que conforman las ermitas es la línea del Ebro que separa la España musulmana de la cristiana, es casi la antigua frontera de la Hispania tarraconense de los romanos.

Construcciones como calendarios

Esta serie de ermitas, casi todas del s. X-XI tienen las mismas características y el paso de la luz solar por las ventanas absidales es siempre idéntica. Las ermitas funcionan como relojes que dominan el tiempo, obedeciendo a un tipo de calendario árabe. La población cristiana que desde el 711 convivió con los invasores se llamó mozárabe o ‘arabizada’.

El Calendario de Córdoba es un libro escrito en el año. 961 por el médico judío Arib b. Sa’d (m. 980), y el obispo cristiano Recemundo (Rabi b. Zayd al-Usqûf), para el califa musulmán Al-Hakam II (961-976). El original del Calendario de Córdoba es un manuscrito en lengua árabe, pero escrito con caracteres hebreos en la Bibliothèque Nationale de Paris, el título es Kitâb al-Anwâ, en latín Liber anoe. El calendario es astronómico, meteorológico y agrícola, y constituye un material de gran valor para el conocimiento de la comunidad mozárabe y la actividad rural en la España musulmana, paralela a la construcción y el uso de las ermitas fotografiadas por Schulz-Dornburg.


En la meseta de Pagan, un altiplano que se extiende muchísimas hectáreas con una belleza natural salpicada de templos budistas, pertenecientes a una época –hace diez siglos– en que la región fue un importante reino, Schulz-Dornburg toma en 1977 no sólo fotografías del paisaje y de los templos, sino también de 25 esculturas de Buda, muchas de ellas con visibles trazas de mutilación, debido tanto al paso del tiempo como al descuido y a la barbarie.

La serie es una permanente y abierta galería a los signos de la erosión, a los estados diversos de la desnudez que el tiempo esculpe. Schulz-Dornburg fotografía un vacío, un vacío vivo, como el “silencio que sucede a los acordes no tiene nada que ver con un silencio corriente: es un silencio atento, es un silencio vivo”, dice Marguerite Yourcenar en Alexis ou le traité du vain Combat. Su visión de los Budas de Birmania no nos interesa por el evidente carácter de lugar sagrado que cada espacio y cada obra debió asumir en el pasado, por el concepto de témenos, por el lugar de santuario o por el valor escultórico. Lo que la fotografía nos documenta, ex-pone y manifiesta es otra dimensión más poética. Nos interesa por su esencialidad, como la del claro de un bosque: por el estremecimiento simbólico, de estar suspendidos en el espacio y en el tiempo.


Trinity no es una fotografía de paisaje, sino un trabajo sobre una fotografía documental. Se refiere a la primera explosión nuclear llevada a cabo por la ciencia actual, que tuvo lugar en el desierto de Alamogordo (Nuevo México), el día 16 de julio de 1945, a las cinco y media de la mañana, siguiendo las investigaciones del equipo de Julius Robert Oppenheimer (1904-1967). Este físico, conocido como el padre de la bomba atómica, designó con el nombre Trinity tanto el lugar donde se explosionó la bomba como el código secreto del proyecto. Aunque dió instrucciones de ponerse de espaldas a la explosión para protegerse del fuerte resplandor, no pudo evitar que varios observadores quedaran cegados por la luz. Oppenheimer quedó convencido de que había encontrado el arma que, un mes después, destruyó Hiroshima y Nagasaki. El título del experimento, propuesto por el propio Oppnheimer, se ha referido unas veces a un soneto de John Donne y otras a un poema hindú. Bhagavad Gita, que leía en su lengua original, pues había aprendido sánscrito en 1933.

José-Antonio Sarmiento

Las obras de Sarmiento olvidan su geometría objetual, el sentido de plato o de vaso, y se asemejan a organismos cuyo borde se transforma en pintura. Las piezas tienen el rango de escultura. Pierden su sentido artesanal para constituirse en mundo propio, en forma y concepto. La fuerza del material, alcanza una profundidad y una intensidad que no tiene que ver con lo doméstico sino con lo artístico, es decir, con el gesto y la voluntad artística. Sarmiento domina el lenguaje del fuego, habla en el sonido de la leña, en el sonido del fuego y en el sonido del roce de la llama sobre los objetos. La tierra no es el principal medio de la composición de sus trabajos en cerámica: son las manos y la mente del artista moldeando la arcilla y manejando el fuego como un director de orquesta maneja una partitura (la arcilla) y a los músicos que la hacen viva (el fuego).

K. de Barañano

Vaso monumental, 2008 / Plato monumental de la serie Paisajes del páramo, 2007

José-Antonio Sarmiento, cerámicas (Imágenes en Flickr Art Ceramic)

Cuatro textos de diferentes mundos religiosos, nos acercan el sentido de la obra: de la Biblia (1), del Tao (2), de un artista bahai (3), de un filósofo de la metafísica (4).,

“Manipulando la arcilla laboriosamente el alfarero da forma a sus jarras para nuestro uso, pero de la misma tierra crea sin distinción el que ha de servir a un honorable fin y el otro. Mas es el moldeador de la arcilla el que decide la finalidad de cada uno”.

Libro de la Sabiduría

Este espacio-vacío seno materno de las formas, no como algo a llenar sino como algo vivo, aparece ya en el Tao te Ching (XI), en la concepción de Lao Tse:
“Unimos treinta radios y lo llamamos rueda,
pero es en el vacío donde reside la utilidad de la rueda
Moldeamos arcilla para hacer un jarro;
pero es en el espacio vacío
donde reside la utilidad del jarro.
Abrimos puertas y ventanas al construir una casa;
son estos espacios vacíos
los que dan utilidad a la casa.
Igual que nos aprovechamos de lo que es,
deberíamos reconocer la utilidad de lo que no es”.

“Estéticamente una cerámica puede ser analizada desde su contenido abstracto o en cuanto expresión humana; subjetiva u objetivamente; por su relación con la forma pura o por su sugerencia de fuente de contenido emocional. Puede ser fríamente intelectual, o tener calor emocional, e incluso una combinación de estas tendencias contrarias. Pero sea la que sea la escuela a la que pertenezca, su configuración y su pauta formal tienen, sin embargo, que conformarse con unos principios internos de crecimiento que se pueden sentir aun cuando no se puedan penetrar con el análisis intelectual. Cada movimiento está ahí congelado como música congelada en delicada y precisa tensión”.

Bernard Leach, A Potter’s Portfolio (Londres 1951)

El sentido de la cerámica, especialmente en Oriente, está ligado a la meditación, como la poesía mística. Lo que hace un alfarero es moldear el vacío mediante la arcilla, lo que hace es dar forma al vacío (como lo había notado ya Lao-Tse) o en palabras del filósofo alemán Martin Heidegger “la cosidad del recipiente de ninguna manera descansa en la materia de que consta, sino en el vacío en cuanto capaz de contener” (Das Ding, 1950). Heidegger se pregunta por el ser del cántaro o jarra: el cántaro o jarra es un recipiente que recoge el líquido en su impermeable interior; pero ni el interior ni su impermeabilidad constituyen sin embargo el ser del cántaro, sino que es más bien el vacío, “esa nada en el cántaro”, lo que le constituye en cuanto recipiente. En griego antiguo el hacer sitio es chorein, y esto en un doble sentido: a) en “contener”, es decir, dejar sitio en sí. b) en “retirarse”, es decir, dejar sitio como lo hace el anacoreta (sustantivo de chorein, el que se ha retirado).

José Antonio Sarmiento (León, 1956): Tras formarse en las disciplinas de dibujo y pintura, Sarmiento se dedica desde el año 1980 exclusivamente a la cerámica. Ha diseñado y construido sus propios hornos siguiendo la milenaria tradición japonesa (anagama y noborigama) conservada hasta el momento presente, para desarrollar su propio estilo en su tierra nativa. Alimenta y controla el fuego, en altas temperaturas, a base de leña fundamentalmente. Desde 1988 tiene su taller-estudio a 15 Km. de la ciudad de León, en San Cibrián de Ardón. A lo largo de los años noventa ha impartido sus conocimientos a través de talleres y demostraciones de su método de trabajo, tanto en su alfar como en eventos internacionales. Uno de los más prestigiosos artistas en este campo, Ryoji Koie, le invitó a una estancia de tres meses en su estudio en Japón en 1999. Desde el año 2007 está colaborando con la universidad de Gotemburgo, Suecia, en cursos y talleres organizados por el departamento de cerámica artística.


Enlaces relacionados

Arte y misticismo: inauguración de cuatro exposiciones de arte contemporáneo durante el Congreso Internacional de Mística

Por • 18 de octubre, 2008 • Tema: Anteriores portadas, Artículos, Artistas, Conferencias, Exposiciones, José Antonio Sarmiento, Noticias, Recomendados

JACQUES LIPCHITZ, dibujos y esculturas


Del 24 de octubre al 20 de diciembre de 2008 / Inauguración: 24 de octubre, 11:00 am.
Comisariado: Kosme de Barañano y David Rodríguez Caballero
Organiza: Junta de Castilla y León, Fundación Siglo; Colabora: Excmo. Ayuntamiento de Ávila y CIEM

El Congreso Internacional de Mística que este año se celebrará en Ávila (del 24 al 26 octubre) bajo la dirección de Lucía Ramón Carbonell y con el título “La trama de la vida: Textos sagrados de la humanidad” reunirá a varios especialistas como la teóloga coreana Chung Hyun Kyum, la catedrática de Ética y Filosofía Política Adela Cortina, Vicente Haya doctor en Filosofía y nipólogo, entre otros ponentes no menos ilustres.

Paralelamente y dentro de los actos del Congreso se presentarán las cuatro exposiciones -patrocinadas por la Junta de Castilla y León- “Arte y misticismo” a cargo de los comisarios Kosme de Barañano y David Rodríguez Caballero. Se trata de un conjunto de cuatro exposiciones inéditas que se mostrarán en el Auditorio Municipal de San Francisco y en distintas ubicaciones de la ciudad de Ávila entre el 24 de octubre y el 20 de diciembre.

David and Goliath, 1933; Jacques Lipchitz

1. Esculturas de gran tamaño de Jacques Lipchitz. Un conjunto de 9 esculturas de temas bíblicos que recogen tanto la devoción hebrea como la católica y que serán ubicadas en el recorrido entre la plaza del Ayuntamiento y la catedral de la ciudad.

2. Dibujos inéditos de Jacques Lipchitz. 152 dibujos que explican las ideas de sus
esculturas en bronce.

Esferas, 2004 / 2007; José Antonio Sarmiento

3. Cerámicas de gran fuego de José Antonio Sarmiento. Un artista castellano-leonés que trabaja la cerámica con un amplio conocimiento del mundo japonés. Su filosofía de vida y dedicación desde el sentido artístico retoma el lenguaje de la alfarería como hilo conductor de una reflexión sobre aspectos esenciales de la vida, el hombre y la naturaleza (la vasija como representación abstracta del hombre y su relación con el entorno). En esta exposición se presentan un conjunto de más de 40 cerámicas de este artista junto con un vídeo que muestra su proceso de trabajo. El argumento de la muestra es el fuego como materia y elemento natural creador del color, el valor del fuego como experiencia y la consagración de la materia al fuego.

Pagan. Buddha. Burma. 1978 / 2006; Ursula Schulz-Dornburg

4. La mística en las fotografías de Ursula Schulz-Dornburg. Un conjunto de 88 fotografías articuladas en dos temas: los Buddhas en Pagan (presencia de la ausencia) y las ermitas mozárabes del Pirineo (la luz que penetra por la ventana absidal como calendario en el altar). Todas sus fotografías giran en torno al concepto de Shelter (refugio) y la espiritualidad. Se trata de un concepto que, dentro de la historia del arte y de la arquitectura del siglo XX muestra espacios intermedios y márgenes, lugares y situaciones de tránsito, marcados por una dinámica que suele crearse cuando comienzan a interactuar realidades distintas.

Notas de prensa sobre las exposiciones (PDF):

“Amic, Amat”. Se completarán los actos del programa del Congreso con la actuación musical de María del Mar Bonet, el día 25 de octubre a las 20.00 pm. El concierto “Amic, Amat” muestra, en una síntesis única, las raíces comunes de las culturas mediterráneas (árabes, judías y cristianas) inspirándose en la poesía mística de Verdaguer sobre Llull, El Cant de la Sibil-la, tonadas tradicionales mallorquinas, o una magnífica versión de un tema de Bruce Springsteen, para hacer una honda manifestación de la necesaria paz entre los pueblos.

Auditorio de San Francisco
C/ Valladolid s/n (Plaza de San Francisco)
05004 Ávila (Castilla y León), España
Horario: martes a viernes – 11:00 am. a 14:00 pm. y 17.00 a 20:30 pm; sábados y domingos – 11:00am. a 20:30 pm. (continuado); lunes – cerrado

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