Los cambios que este año se han podido apreciar en la 27º edición de ARCO han sido sustanciales, y nos han sorprendido gratamente. En primer lugar destacamos y celebramos su fuerte apuesta por la calidad, seguida de una ordenación del espacio más coherente – atendiendo a la variedad temática– , y la disposición más diáfana de algunos stands. Además, se ha visto más claro el esfuerzo de las galerías por ofrecer sus mejores obras, por lo que es de suponer que el coleccionismo internacional haya cumplido sus expectativas de compra. Desde mi punto de vista, de todas las ediciones celebradas, considero que ésta ha sido con diferencia la que ha ofrecido un mayor número de obras de primer orden. Este año hubo momentos en que nos daba la impresión de estar haciendo la visita a un museo más que a una Feria (empleo la palabra museo en el sentido de excepcionalidad de los contenidos), pues encontramos un número importante de piezas relevantes para la historia del arte contemporáneo (entre otras, obras de Pollock, Tàpies, Plensa, Frederic Amat, Lucio Muñoz, Picasso, Chillida, Kounelis, Tony Cragg, Richard Deacon, Andy Goldsworthy, Calder, Chihuly…). Pero, además, ha habido una clara apuesta por el arte emergente de calidad. Sobre todo en el campo de la fotografía encontramos piezas muy interesantes, como ya han comentado nuestros colaboradores en el post anterior.

Eduardo Chillida, Lurra; en el stand de Manuel Barbié

En cuanto a la presencia de obra cerámica en ARCO’08, aunque continúa siendo un género minoritario en las galerías no especializadas en esta disciplina, en esta edición hemos percibido que no ha habido prejuicios en este sentido. Así pues, se han visto, junto a las nuevas propuestas –alguna escultura, e incluso una instalación con vasos decorados en azul cobalto–, y también algunas piezas que son muy solicitadas por el coleccionismo: una Lurra de Eduardo Chillida (Galería Manuel Barbié), y varios objetos de alfarería de Pablo Picasso (Galería Orangerie Reinz). Llamaron nuestra atención dos obras de Deacon en forma de piedras (una blanca y otra amarilla).

Kim Simonsson, Invisible Deer

Por otra parte, la filandesa Galleria Heino apostó por este género al ofrecer una exposición individual de Kim Simonsson, Invisible Deer (El venado invisible). Simonsson, utiliza el medio de la escultura cerámica para narrar historias dramáticas –en un estilo “pop-conceptual” claramente figurativo e influenciado por la imaginería del comic, más concretamente del estilo japonés ‘manga’. Sin embargo, su discurso simbólico pone el dedo en la llaga a través de lo sórdido, aunque camuflado con un toque de kitsch-luxe. Un lujo que se transforma en inquietante por la categoría y forma de los materiales elegidos (siguiendo una línea que nos recuerda el Michael Jackson de Jeff Koons): la presencia mecánica propia de la cerámica industrial. Emplea este artista loza blanca esmaltada (esmalte transparente, toques de oro y platino, y, ocasionalmente, algún elemento añadido de cristal –por ejemplo, en forma de “escupitajo” que una niña “candorosa” lanza a un sórdido lavabo, o al suelo–). El artista nos presenta estas esculturas como un gran souvenir aumentado en su escala (un objeto de recuerdo, gigante), cuyo lenguaje formal sirve para recrear situaciones insólitas, y alusiones a la religión.

Los temas que Simonsson aborda plantean actos que, aunque existentes, son impronunciables. De este modo, bajo la máscara de la ilusión, pueden ser pronunciados, o quizá deberíamos decir denunciados -cómo si se contemplasen al otro lado del espejo de Alice (la diferencia es que la Alicia de estas historias no vive precisamente en el país de las «maravillas»).

Enlaces relacionados:

• Kim Simonsson Portfolio

El potente arte brasileño y una nueva distribución de los espacios caracterizan una excelente edición de ARCO pese a las críticas de algunos sectores

Por Eduardo Z. Sarmiento

Hoy jueves [por el 14 de febrero] a las 12 del mediodía fue inaugurada la veintiseisava edición de ARCO, la principal y más importante feria de arte contemporáneo en nuestro país, aunque el recito está abierto desde ayer para coleccionistas y profesionales. Este año ha sido notable la polémica creada por la selección de galerías llevada a cabo por parte del comité organizador, que ha dejado fuera algunas galerías de nuestro país (en especial se comentan ciertas ausencias territoriales, como la de Andalucía o Galicia, aunque a nuestro entender este no debe ser un criterio relevante) junto a la incorporación de hasta 13 galerías extranjeras que nunca habían estado presentes en la feria, o la vuelta de otras 29 ausentes en los últimos años. Todos estos cambios se encuadran dentro de la estrategia de la nueva directora de ARCO, Lourdes Fernández, por acercar esta feria al nivel de otras grandes citas internacionales como Frieze en Londres o Art Basel en Basilea. Es comprensible que esta estrategia suponga endurecer la selección, aumentando la diversidad internacional sin hacer crecer desmedidamente el número de stands, aún a costa de tener que dejar fuera algunas galerías no necesariamente merecedoras de ello.

Más importante que todo esto, sobre todo para el espectador que puede acudir a la feria sin preocuparse demasiado por los problemas internos del gremio profesional de los galeristas, es la presencia de Brasil como país invitado. Los comisarios Paulo Sergio Duarte y Moacir dos Anjos han seleccionado bajo unos criterios muy particulares un total de 32 galerías que ofrecen una imagen muy interesante y positiva del arte brasileño, al que nadie le niega hoy día su enorme pujanza internacional. Esos criterios a los que nos referimos, que contribuyen a garantizar la solidez y rigurosidad de toda la selección, responde a un procedimiento inverso al habitual, en este caso se han elegido los artistas (en realidad la forma habitual de trabajar de un comisario) y después se ha acudido a las galerías que les representan para que los lleven a la feria, o incluso en algunos casos, facilitando el establecimiento de representaciones circunstanciales a este efecto. En esta selección nos encontramos artistas conocidos internacionalmente como Waltericio Caldas, Ana María Maiolino o Nelson Leiner entre otros, y otros mucho más jóvenes nacidos en los 60.

Este bloque de galerías brasileñas junto a la sección Arco 40 (en la que se concentran propuestas más reducidas con respecto al Programa General, ya que solo se ofrece un espacio de 40 metros cuadrados en el que incluir obra de tres artistas) y los espacios dedicados a publicaciones y nuevos medios (la sección Expanded Box comisariada por Claudia Giannetti), ocupan un nuevo pabellón, el 14.1 situado en la segunda planta a continuación del 14. Esta variedad y disposición de espacios hacen de esta una de las partes más interesantes y entretenidas de la feria, por la que es recomendable empezar. De los artistas de este pabellón superior mencionaremos de manera personal e incompleta unos asequibles y atractivos acrílicos sobre papel de Daniel Lergon en la Galería Christian Lethert (Colonia, Alemania), las fotografías de Ira Vinokurova de la Galería Clara María Sels (Düsseldorf, Alemania) o los artistas de 10 Chancery Lane (Hong Kong, China): Another Mountain (Wong Ping-Pui) y Simon Birch.

Obras de Hyun Koo Kang – Galería Arario (Cheonan Seul/Bejing Nueva York)

Por otro lado, merece una mención especial el trabajo que ha realizado el arquitecto Juan Herreros del estudio Ábalos&Herreros, separando el espacio de los vestíbulos a la entrada de los pabellones, del espacio interior, únicamente dedicado a los espacios para las galerías. Además, se ha huido de un diseño de retícula uniforme, e incluso de una misma planta para todos espacios, siendo los galeristas los encargados de adaptarlos a sus necesidades, en algunos casos –como el de la Galería Carles Taché– suprimiendo algunas paredes y dejando espacios amplios y diáfanos en los que las obras lucen especialmente. Todo esto contribuye a mejorar notablemente la experiencia del recorrido. Sin embargo lo anterior sería por si sólo insuficiente si no pudiéramos destacar la positiva impresión general –con sus altos y bajos como es natural– que causa la equilibrada combinación en el Programa General de grandes nombres, obras de artistas menos conocidos pero en absoluto menores y en lo que se refiere a la selección de disciplinas, con una mayor presencia de pintura y fotografía, en segundo lugar escultura, y en menor medida instalación, videoarte o nuevos medios. Quizá porque en tiempos de crisis económica se apuesta por valores más seguros, o porque estamos lejos de las tendencias de décadas anteriores. De nuevo mencionaré de forma improvisada algunas de las obras que se han quedado en mi memoria, por ejemplo, obras de Tony Cragg se pueden ver en varias galerías pero algunas de las más impresionantes por su tamaño son las presentadas por Carles Taché. También Janis Kounelis. O las superficies de relieves sutiles y oscuros de Vasco Araujo en la Galería Filomena Soares. La fotografía sobre aluminio de Yotta Kippe en Canem, o Lidia Benavides en Estiarte. Así mismo, un grupo obras de Jaume Plensa (este año muy destacado por varias exposiciones), fotografías de Sascha Weidner (Toni Tapiès) o los impresionantes cuadros de un realismo fotográfico sobrecogedor de Hyun Koo Kang, presentados por la Galería Arario (Cheonan Seul/Bejing Nuev York). Por último, también me permito recordar las obras de Hiroyuki Masuyama en cajas de luz o los dibujos de carboncillo sobre papel de Robert Longo (Galería Hans Mayer).

Obras de Tony Cragg (izquierda) y Jannis Kounellis

Por delante quedan tres días –de viernes a lunes– en los que ARCO abre para el público en general. Si alguno de nuestros lectores se acerca por allí y tiene interés en añadir su opinión, le animamos a que nos haga llegar sus comentarios. Para los demás, en Art Signal E-News publicaremos nuevas crónicas a lo largo de los próximos días.

Actualización:

El El País publica hoy en su edición impresa del Viernes 15 de febrero un artículo titulado La explosión del arte chino escrito por Catalina Serra. En el se destaca con buen ojo como hicimos nosotros ayer jueves, la obra de Stanley Wong también conocido como Anothermountainman. Próximamente nosotros también podremos publicar más contenidos acerca de este artista, fotógrafo y creativo.

Conclusión de la 27 Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Madrid (ARCO)

Por Oscar García García

Después de la incertidumbre creada por varios motivos como la apuesta por el arte latinoamericano con Brasil como país invitado, exclusión de varias galerías españolas (como My Name’s Lolita Art, La Nave, Punto) en busca de una feria más internacional y más atenta con las últimas tendencias, una nueva distribución de los espacios y la posible llegada de la crisis al mercado del arte, podemos afirmar que la 27 edición de ARCO ha sido un éxito. Aunque hasta hoy martes no sabremos los resultados finales podemos afirmar que la feria ha sido excelente en cuanto a lo que a ventas se refiere, no hay síntomas de crisis en el mercado y todo apunta a que habrá un aumento de un 15 por ciento en el ritmo de ventas en comparación con el año pasado.

Jaume Plensa

Pero dejemos el aspecto económico, que aunque es primordial (hay que recordar que estamos en una feria), ARCO son sus obras y artistas. Este año además de obras de grandes artistas contemporáneos consagrados, no podían faltar Bacon, Picasso, Chillida, Saura, Feito, Miró, Barceló, Valdés, Luis Gordillo, Clavé, Botero…; también ha habido una gran cantidad de fantásticos artistas emergentes y consolidados. Hay que hacer una mención especial a Jaume Plensa que ha diseñado la entrada para esta edición de ARCO con la fotografía de su obra SHO expuesta en el IVAM; varias galerías nos ofrecían sus esculturas realizadas con letras (Galería Lelong), mientras que Guillermo de Osma exponía un escultura de 1951 bastante diferente a sus últimos trabajos. Entre sueños es el título de la instalación, una gran cabeza rodeada de zapatos, que Plensa nos presentaba en el stand de El País. Si hablamos de esculturas hay que citar un gran descubrimiento, al menos para mí, las esculturas de chinchetas y clavos dorados de Jam Fabre (Galería Pelaires). Los hombres blancos iluminados por fluorescentes de Bernardi Roig con una gran instalación en la stand de El Mundo. También merece la pena citar las esculturas de metales retorcidos de John Camberlain o los preciosos remolinos de Tony Cragg.

En esta edición ha tomado mucha fuerza y espacio las fotografías y las videoinstalaciones. La Galería Pepe Cobo muestra varias fotografías de Mapplethorpe y de Gonzalo Puch, la galería T20 obras de Raúl Belinchón y Mira Bernabeu, y en la galería Tomás March, Juan Silió y ABC las obras de Sergio Belinchón. El vídeo, las figuraciones o instalaciones están muy presentes, como la video instalación del joven brasileño Marcelius L. en la sala alemana Carlier/Gebauer, la de Melanie Smith en la Galería Peter Kilchmann, la instalación Concept Car del artista austriaco Thomas Struth o la invitación del proyecto de Tonico Lemos Auad de la CRG Gallery de Nueva York a dibujar o escribir con esculturas de palomas negras realizadas en grafito en las paredes del stand.

Si tuviera que quedarme con una de las obras de la feria, algo muy difícil, sería con la magnífica pintura de casi tres metros de alto de Philipp Fröhlich de la Galería Soledad Lorenzo. Pero hay otras muchas obras y artistas que citar como el cuadro hecho de caramelos «sugus» de La Strategia Corporation (galería T20), los retratos de Jaime Súnico (galería Senda), Peter Zimmermann (Distrito Cu4tro), Nano 4814 (galería Ad Hoc), Broto (Soledad Lorenzo), Daniel Canogar, Carlos León (Max Estrella), Gerardo Burmester y Santiago Ydáñez (Luís Adelantado), Yue Minjun, Calapez, Kirsten Everberg, Rogado (Mark Müller), AES+F (Salvador Díaz), José Mª Yturralde (Gering & López), Jason Martín (Mario Sequeira), Antonio Murado y Kimiko Yoshida (Álvaro Alcazar).

Textos reproducidos por la cortesía de Art Signal E-News.

Carmen González Borrás (Galería 100kubik) prepara, con la colaboración de Antonio Vivas (Revista Cerámica), una publicación para celebrar el 80 cumpleaños de Arcadi Blasco, con fotos y comentarios de sus muchos admiradores. Por supuesto nosotros también nos sumamos a la feliz idea, deseándole un Feliz 80 Cumpleaños en compañía de su familia.
En nuestra colección de cerámica contemporánea tenemos algunas obras de Arcadi Blasco que mantienen su presencia constante en nuestra vida diaria. Una de ellas es un mural de pequeño formato (52 x 52 x 10 cm.), realizado en una sola pieza de arcilla refractaria y empotrado en una estructura de madera. El motivo es una abstracción que se resuelve entre la geometría y el gesto, donde se aprecia: la recreación parcial de la suela de una zapatilla sobre la geométrica de un campo de labor, y una sugerencia -muy sutil- en la que se intuye un orificio que bien podría ser la boca de una vasija. Sin embargo, todo está integrado como si al mismo tiempo se fuese de un momento a otro a disolver en la misma tierra, o se fuese a sumir por el desagüe. La poética que trasciende, el movimiento, nos sugiere el paso del tiempo y la dureza de la existencia. La obra no tiene título, pero de tenerlo personalmente creo que podría ser algo así como «volver a la tierra». Es una obra muy evocadora, y nos gusta cambiarla de lugar y hasta de posición de vez en cuando, no es que sea sistemático pero creo que suele coincidir con el cambio de las estaciones. Como es autoportante en ocasiones la coloco sobre una mesa baja (30cm. del suelo), otras apoyada sobre la pared e incluso posada en el suelo. Con el cambio de perspectivas las lecturas también son variadas y la obra continúa hablando, sin importarle que pase el tiempo.

La otra pieza que vamos a comentar es muy diferente, forma parte de una serie de dos cuadros de porcelana pintada con óxido de hierro, que nos recuerdan más al dibujo que a la escultura; una ligera curva de la placa proporciona una especie de blandura -como si se tratase de un pergamino-, y el dibujo realizado con óxido de hierro se recrea en la abstracción de unas vasijas (el tema de la alfarería, junto a los muros para defenderse, y el carácter de crítica social son temas constantes en la obra de Arcadio Blasco). Estas dos placas de porcelana, que hemos colgado en la pared -muy juntas- son de considerable belleza plástica y se recrean en el placer del dibujo, sin más.

Nuestros mejores deseos para un feliz cumpleaños

Con nuestro afecto y admiración por una trayectoria tan prolífica e intensa
José Antonio y María Jesús Sarmiento

a continuación reproducimos un extracto correspondiente a un texto publicado con motivo de la exposición de Arcadi Blasco celebrada en Zaragoza el año 2001
texto: Josep Pérez Camps

Arcadio Blasco Pastor (Mutxamel, Alicante, 1928) es un pintor que en la segunda mitad de la década de los 50 encuentra en la cerámica el material idóneo para la expresión plástica. Su formación artística como pintor tiene lugar en la Escuela de Bellas Artes de Madrid, donde llegó a los 19 años, terminando el curso de profesorado en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos de Valencia en 1953. Ese mismo año se traslada a Italia, en donde reside por dos años en la Academia de España en Roma, allí tiene su primer contacto con la cerámica a través de la obra de Nino Caruso y de Carlo Zauli.

Al regresar a España, realiza sus primeras experiencias cerámicas y se interesa por la cerámica artesanal, lo que lleva a trabajar con el alfarero de Cuenca, Pedro Mercedes- con el que intercambia saberes-, y en otros talleres de cerámica popular de Agost y Triana (Cerámica Montalbán). En 1955 instala su primer taller en la nave -cedida por el arquitecto Luis Feduchi- el edificio a mitad construir del Museo de América situado en la Ciudad Universitaria de Madrid, que compartió con José Luis Sánchez, Jacqueline Canivet y Carmen Perujo; allí realizaría, entre otras obras, muchas vidrieras, mosaicos y murales cerámicos destinados, en gran parte, a ornamentar las iglesias que se construyeron por encargo del Instituto de Colonización de los Pueblos de España, colaborando con los arquitectos José Luis Fernández del Amo, Ignacio Gárate, Luis Cubillo, García Benito, Luis Feduchi, Fernández Alba y Fisac, entre otros. El inmenso espacio de este lugar de trabajo para la creatividad también fue utilizado ocasionalmente por pintores como José Vento, Hernández Mompó, Rafael Canogar, Antonio Saura, etc., que tenían necesidad de realizar obras de gran formato y no disponían de espacio suficiente en sus estudios. Este taller provisional llegó a convertirse en un lugar de encuentro de artistas de la joven vanguardia madrileña.

Precisamente, una de las características más destacables de la trayectoria como ceramista de Arcadio Blasco es su participación directa, entre los años 1945 y 1974, en el nuevo acontecer del arte contemporáneo (…)

(…) Efectivamente, Arcadio Blasco – que había mostrado durante los años 1955 y 1956 sus pinturas en exposiciones colectivas como la X Trienal de Milán o la itinerante Arte Joven junto a artistas como Rafael Canogar (Toledo, 1929), Antonio López (Tomelloso, 1936), Lucio Muñoz (Madrid , 1929), Luis Feito (Madrid, 1929), etc,.- continuó participando a partir de 1959, con obras realizadas en cerámica, en exposiciones como Jonge Spaanse Kunts (itinerante por Amsterdam, La Haya, Utrech, Nueva York, Madrid)en las que figuraban importantes pintores, que como él, participaban de la nueva vanguardia.

Después de una primera aproximación directa al quehacer cerámico, que consistió en emplear la superficie de recipientes como soporte de su vocabulario pictórico – realizando obras con cierta carga decorativa-, Arcadio Blasco se sentirá fuertemente atraído por las cualidades y expresividad de esta materia, y como consecuencia nacerán sus Cuadros cerámicos (1956-64). Se trata de pinturas cerámicas inmersas en el informalismo de carácter abstracto y gestual -realizadas sobre plaquetas, que en muchas composiciones serán el distinto tamaño y grosor-, en las que los esmaltes de colores son aplicados con la técnica del “driping” que el autor utiliza para dejar constancia del gesto en el acto pictórico, al tiempo que persigue conseguir determinadas calidades cromáticas y contrastes matéricos. Esta será la última serie que realizará totalmente con esmaltes coloreados, superficies brillantes y fuerte cromatismo. En todos sus ciclos de trabajo posteriores: Objetos idea (1969), Propuestas ornamentales (1969-74), Arquitecturas y Muros para defenderse del miedo (1970-86), Ruinas arqueológicas (1984-86), Ruedas de Molino para comulgar (1985). Homenajes (1992-95), las arcillas de distintas tonalidades, los engobes, vidriados – menos frecuentes y muy matizados-, y las aplicaciones de óxidos colorantes de tonos terrosos serán – muchas veces sometidos a una cocción reductora-, los materiales protagonistas de sus obras.

En aquel torbellino de búsquedas en que se convirtieron los años 50 para los artistas españoles más inconformistas, Acadio Blasco indaga en las posibilidades de la materia cerámica y encuentra en la arcilla cocida – despojada de sofisticados vidriados- el medio idóneo con el que realizar en volumen sus últimas investigaciones pictóricas, que desembocarán – en cerámica- a finales de los años 60 en relieves y esculturas de compromiso social y crítica política. El frecuente contacto de Arcadio Blasco con alfareros de la península contribuyó sin duda a enriquecer su vocabulario plástico y a encontrar soluciones para su obra, en algunos procedimientos que con una finalidad muy distinta empleaban los alfareros.

Enlaces relacionados:

• Publicaciones, en 100kubik
• Vegap
• Manises

Por Oscar García García

El CaixaForum de Palma presenta a partir del día 28 de diciembre la exposición Chillida 1980-2000, que muestra los últimos veinte años de la obra de Eduardo Chillida (San Sebastián, 1924-2002), fruto de la colaboración entre la Fundación «la Caixa» y el Museo Chillida-Leku. La muestra con 58 piezas se compone de esculturas, relieves, dibujos y obra gráfica, repasa la carrera de este gran escultor desde 1980 hasta el año 2000. Este periodo temporal se caracteriza por un giro en la producción artística de Chillida, será a partir de los años 80 cuando comience a utilizar otros materiales como el hormigón, la terracota o las maderas antiguas, profundice en la dimensión arquitectónica de la escultura y estudie la relación de estas piezas con el entorno que las rodea. En 1980 Chillida ya era un artista internacionalmente conocido, su obra ocupaba grandes museos de Europa y Estados Unidos, y varias de sus intervenciones en espacios públicos habían contribuido a la renovación de la escultura monumental. El resultado de la exposición es un extraordinario conjunto de obras representativas de uno de los periodos más prolíficos y creativos del artista.

Chillida 1980-2000 da la bienvenida al espectador con la obra «Homenaje al mar» realizada en alabastro, un material muy utilizado por el escultor por su capacidad de recoger y expulsar la luz. A continuación la muestra se divide en tres apartados reflejo de diferentes facetas del artista vasco: las tierras, gravitaciones y obra pública. La tierra o el barro es un material que en un principio Chillida había negado, pero finalmente quedará fascinado con él , creando obras como «La casa del poeta I» o sus lurras de arcilla. Las gravitaciones exploran las posibilidades escultóricas del papel y el dibujo, a través de capas que se superponen y que generalmente están sujetas por hilos «gravitando». La faceta de la obra pública, esencial en su producción artística y sobre todo a partir de los 80, queda representada por seis maquetas a escala de acero, de proyectos que posteriormente alcanzarían un tamaño monumental, como «La casa de Goethe», situada en Frankfurt; o el «Homenaje a Hokusai» de Matsuda, en Japón. En este recorrido por 20 años de evolución creativa vemos como las formas se vuelven cada vez más densas y compactas, reduciéndose los espacios que ocultan e invitándonos a la meditación metafísica; se trata de formas que cada vez tienen más inspiración y relación con la naturaleza. También podemos percibir un concepto básico para esta época, la idea de habitar, la obra se inscribe en un paisaje natural o urbano creando un lugar nuevo.

La muestra que podrá verse hasta el 24 de febrero en el CaixaForum de Palma de Mallorca, recorrerá posteriormente otras ciudades españolas, empezando por Tarragona y Alicante. Y contará con un servicio de visitas guiadas con tres modalidades: visitas familiares, comentadas y dinamizadas.

Información esencial

• Exposición: Chillida 1980-2000
• Fecha de la exposición: 28 de diciembre 2007 – 24 de febrero 2008
• Comisario: Eduardo Chillida Belzunde
• Lugar: CaixaForum Palma. Plaza de Weyler, 3 (Palma de Mallorca)

Fuentes: Masdearte; Obra Social «La Caixa».

Nota: Esta noticia fue originalmente publicada en Art Signal E-News. La compartimos con nuestros lectores gracias a la cortesía de Art Signal Magazine.

Enlace a otros textos sobre la obra de Eduardo Chillida

Feliz Navidad y Año Nuevo 2008

Merry Christmas and Happy New Year

Glaedelig Jul!

God Jul!

Frohe Weihnachten und Neujahr

عيد ميلاد سعيد وسنة جديدة

Joyeux Noël et du Nouvel An

Καλα Χριστουγεννα και το Νεο Ετος

Buon Natale e Capodanno

幸せなクリスマスと新年

Feliz Natal e Ano Novo

Bon Nadal i Any Nou

(Navidad 2007: plata y esgrafiado sobre papel; autor: José-Antonio Sarmiento)

En China
por Vilma Villaverde

Entre los días 8 y 28 de junio de 2007 se realizó, en la ciudad de Foshan, China, el Simposio Internacional “Woodfiring Creation Camping” que convocó a artistas de diferentes partes del mundo: Italia, Argentina, USA, Holanda, Japón, Korea del Sur, Noruega, Srilanka, Irlanda, que conjuntamente con artistas chinos de primer nivel compartieron la experiencia de trabajar juntos y luego hornear sus obras en el horno más antiguo del mundo que todavía sigue en actividad, el “Ancient Nanfeng Kiln”, que comenzó a funcionar en el año 1506 y justamente este simposio se organizó para conmemorar los primesta reliquia que perdura de las dinastías Ming-Quing.

Texto completo para descargar en PDF. Cortesía de la Revista Cerámica de Argentina.

Bienal de Icheon (Korea)

[youtube:http://www.youtube.com/watch?v=ZM2RmfKsYuY]

Más información en World Ceramic Exposition Fundation.

El origen del Belén se remontaría al siglo V, cuando se instaló en una gruta artificial una cuna supuestamente realizada con madera del pesebre de Belén, recibiendo la iglesia que la albergó el nombre de Santa Maria ad Praesepis.

Sin embargo, la tradición considera a San Francisco como el auténtico precursor de esta costumbre al celebrar en la noche de Navidad una misa en una cueva de Greccio (región de Toscana), durante la cual se figuró el Nacimiento.

La siguiente noticia que tenemos acerca de los belenes corresponde al siglo XIV, cuando el arzobispo de Amalfi, Arnoldo di Cambio, presentó la escena (la Virgen, san José y el Niño con un buey y una mula) con figuras de tamaño natural.

A partir de este momento, surgió la costumbre de instalar esta escena en las iglesias, completándose progresivamente con otras figuras: el anuncio de los pastores, la adoración de los Reyes Magos, etc.

El Belén napolitano

La escenificación y configuración plástica del Nacimiento alcanzó en el Reino de las Dos Sicilias un periodo de esplendor en la segunda mitad del siglo XVIII, desbordando el ámbito religioso para pasar a la Corte, la nobleza y alta burguesía y finalmente a ambientes populares. La tradición de los presepi fue impulsada primero por los diferentes virreyes de Nápoles. Especial relevancia tuvo el papel de Carlos III, fundador de la Fábrica de porcelana de Capodimonte, que mandó realizar figuras para el Belén privado de palacio.

Los Belenes napolitanos se caracterizan por su espectacular escenografía y por la profusión de figuras que incluyen escenas y tipos populares de gran realismo y expresividad. La escena del Nacimiento se ve rodeada de escenas de mercado, del mundo de los pastores, de los vendedores ambulantes, de los gremios, de músicos y danzantes, ofreciendo una gran riqueza iconográfica de indudable interés etnológico.

Información esencial

• Organizador: Museo Nacional de Cerámica y Artes Suntuarias González Martí
• Coordinación: Mª Paz Soler
• Fechas: Del 8 de diciembre de 2007 al 2 de febrero de 2008
• Lugar: Sala de carrozas, planta baja, Museo Nacional de Cerámica

Más información:

• Dossier sobre la exposición ‘El belén napolitano’
• Nota de prensa de la exposición

Sala de los Filtros
Avda. País Valencià
Manises (Valencia)
Hasta el 19 de enero de 2008.

Exposición de las obras finalistas de este concurso bianual abierto a ceramistas de todo el mundo. En esta edición se han presentado 151 ceramistas de 28 países, de los cuales se han seleccionado 51 obras. Las obras premiadas han sido:

A) Premio PRESIDENT DE LA GENERALITAT VALENCIANA, dotado con 6.000 euros, Ex aequo, a Miryam Giménez, por su obra “Sin título, y a Pekka Paikkari, por su obra ”Fractured Sheet II”.

Myriam Jiménez. S/T. 30x36x8 cm.

Pekka Paikkari. FRACTURED SHEET II . 86 X 86 X 1 cm.

B) Premio DIPUTACIÓ DE VALÈNCIA, dotado con 3.000 euros, a Akashi Murakami, por su obra “Eclosión II”.

Akashi Murakami, ECLOSION II. 46,5 X 18,5 X 16 cm / 23 X 10 cm.

C) Premio CIUDAD DE VÉNISSIEUX, (para menores de 35 años), dotado con 1.800 euros, a Juan Ortí, por su obra “Sin título”.

Juan Ortí. S/T. 140x30x138

D) El Jurado, observando la calidad de las obras finalistas acuerda conceder mención de honor a:

• Adrián Guerrero, por su obra “Ciega humanidad”.
• Todd Shanafelt., por su obra “Progressional flight ”.

Todd Shanafelt, PROGRESSIONAL FLIGHT . alt 24 cm./ Adrián Guerrero, CIEGA HUMANIDAD. 35×39,5×5 cm.

Buena ocasión para conocer una gran diversidad de propuestas dentro de la cerámica de creación contemporánea.

Más información: acceso a la ampliación de las imágenes

Le ceramiche Bitossi. Una storia italiana
Dentro de la Biennal Internacional de Ceràmica de Manises se presenta en esta VIII edición la muestra: «Le ceramiche Bitossi. Una storia italiana». Exposición retrospectiva de una de las más importantes fábricas italianas de cerámica del siglo XX, por lo que se refiere a su papel en la renovación del diseño industrial cerámico europeo. Se muestran más de 70 obras diseñadas, entre otros, por Aldo Lodi, Ettore Sattsass, Piero Formasetti, Karim Rashid y Arik Levy. Sala de exposiciones de la Casa de Cultura i Joventut de Manises, hasta el 19 de enero de 2008.

[Re]generació
Las exposiciones paralelas de esta VIII edición de la Biennal Internacional de Ceràmica de Manises ponen el acento en el diseño cerámico. «[Re]generació» Es una exposición monográfica de las recientes propuestas del proyecto «Sagen/ceramic»; una de las iniciativas más relevantes en el campo de diseño cerámico realizadas últimamente en España, desde Manises. Sala nº 6 del Museo de Cerámica de Manises. Hasta el 19 de enero de 2008

Información publicada por cortesía del MUSEO DE CERÁMICA DE MANISES

I+T = Artesanía y Diseño
del 13 de diciembre de 2007 hasta 22 de febrero de 2008

« La uniformización actual del entorno y de los productos, paradójicamente puede contribuir a una revalorización de la artesanía con una respuesta a una demanda singularizada…».

La mencionada propuesta abre la comunicación y el debate de las próximas jornadas I+T que próximamente comenzarán en la Escuela de Arte y diseño de Vic. Charlas en las que intervendrán nombres destacados del ámbito del diseño y la creación (entre otros, la diseñadora y empresaria Nani Marquina, los ceramistas: Toni Cumella, y Jordi Marcet & RosaVila-Abadal, el arquitecto Pep Padrós). Más información en el programa adjunto.

Programa, en formato PDF

Lugar:
Escuela de Arte y Diseño de Vic
Rambla de San Domenèc, 24

Anteriores Conferencias
Celebradas en Octubre y Noviembre en la Escuela de Arte y Superior de Diseño de Vic (Barcelona)

autor: Carme Collell

El pasado mes de noviembre también pudimos asistir en este centro: a una excelente conferencia sobre la cerámica como expresión en el ámbito del arte contemporáneo, impartida por la artista y docente en la Escuela de Vic, Carme Collell; así como a una comunicación de José Antonio Sarmiento, según mi opinión bastante interesante como introducción al conocimiento de los hornos de leña de estilo japonés y su aplicación dentro de la expresión personal de este artista español.

autor: J-A. Sarmiento; obra de la serie Paisajes del Páramo: Claro de Luna, plato torneado y modelado (60 cm. de diámetro) cocción 5 días en anagama.

Divertimento con la arcilla: PASO DOBLE (acción teatral)

«Barceló muestra el proceso de creación con un «performance» en el Casón del Buen retiro» (acceso a la noticia publicada en ArtSignal E-News)

DVD de la performance, editado y producido por Les Poissons Volants, a la venta en: PASO DOBLE de Miquel Barceló y Josef Nash

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