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Visita guiada: Reversibles, paisajes-objeto

Por • 3 de abril, 2008 • Tema: Anteriores portadas, Exposiciones, José Antonio Sarmiento

CERÁMICAS de José Antonio Sarmiento

La exposición REVERSIBLES Paisajes-Objeto, que estos días y hasta el 14 de abril puede contemplarse en la galería Cuatro Diecisiete muestra a través de una sugerente instalación obras en las que José Antonio Sarmiento ha plasmado su reflexión en el entorno del paisaje. De este trabajo se desprende la observación de la naturaleza (el paisaje y los elementos) contemplado como metáfora de su influencia y conexión con el hombre. Y lo hace de manera diferente en el modo en que apreciamos las cosas que simplemente nos agradan, hasta conseguir sacudir todos los sentidos (percepción y mente) por la fuerza carismática que se desprende de estos objetos “verdaderos”. Sin duda esta obra nos ayuda a pensar o mejor dicho proporciona razones para hacerlo.

galería Cuatrodiecisiete: Reversibles Reversibles (detalle)

Detalle de la instalación; Galería Cuatro Diecisiete

Indeed, José Antonio Sarmiento makes some very excellent work and I wish him much success in bringing such beauty to the table and homes of many people!
(Robert Yellin; Mishima, Japan 2008)

contornos

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Justo al entrar en la galería nos encontramos (a la derecha) con una instalación en la que el color blanco marca el ritmo de la composición: Contornos (engobe blanco y grattage sobre terracotta), varias piezas de pared o de mesa más tres esculturas de mesa. En el enunciado o título de estas piezas el artista emplea un juego de palabras de doble lectura: “con-torno” (hecho con el torno) y “Contorno” (en la naturaleza), en alusión a los contornos que se aprecian por medio de la transformación en que aparece un paisaje invernal (ie. en las formas cubiertas por la nieve). Formas sutiles, difuminadas bajo el blanco, intuyen representaciones de diferentes elementos como ramas, hojas, pequeños frutos y otros objetos. Son paisajes que por medio de la humildad de la materia se abren a la imaginación del espectador proporcionándole múltiples sugerencias. Personalmente me recuerdan las sombras del jardín a través de un shōji (ventanal de papel de arroz) en una casa tradicional japonesa.

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Contorno nº 11 2007; D.33,5 cm. Engobe blanco sobre terracotta / Contornos (detalle)

Continuando el recorrido de la muestra vemos que en el fondo de la sala se han colocado tres “platos-paisaje”. Unas obras realizadas en el anagama, a modo de paisajes resueltos mediante una abstracción expresionista en su contexto formal y pictórico. En el ritmo del trazo o la pintura de fuego y ceniza materializada en estas piezas se expanden diversos matices y tonalidades que van del gris al blanco azulado pasando por una gama de amarillos entre el oro y el limón –colores y texturas integradas en el gesto y movimiento de las formas. Han de contemplarse estos “paisajes” no en sentido descriptivo sino en su cualidad sensorial, y de ese modo conducen al observador hasta emociones y sugerencias insospechadas. Estos platos que ahora contemplamos han conseguido revivir en mí el color y la fuerte sensación percibida durante una fría mañana de marzo (cerca del anagama); al contemplarlos me ha recorrido por la espalda el sonido del viento, el olor de la plantación de álamos blancos, la sensación de un momento preciso, congelado, en forma de sensación de los primeros rayos de sol y de la escarcha que resbala por la corteza y los líquenes adheridos a los troncos de los olmos.

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Paisajes 2007 (de izq a drcha) D. 47cm. 43 cm. y 53cm; gres anagama

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A lo largo de la sala una plataforma de madera pintada, con un difuminado que va del azul oscuro al claro, sirve de soporte para situar varias esculturas-bandeja a pocos centímetros del suelo. Estas obras también son Reversibles en varios aspectos: por contener en su plástica dos caras y una naturaleza escultórica que respira a través de su contenido pictórico,y, además porque poseen una doble función como escultura y mesa o bandeja. Deshielo, Nocturno, Túmicielo, Lago, Bajo la glicina, Sömn (sueño), Desayuno en la hierba… son algunos de los sugerentes títulos. Las marcas de conchas de mar integradas en la profundidad del esmalte, blanco o negro (tenmoku), introducen sombras y relieve en las superficies planas. Según el catálogo de presentación: «la regularidad de su definición formal es quebrada de inmediato por su autor para insuflar en cada una de aquellas piezas elevadas dosis de expresividad, de gesto. Para ello rompe la linealidad de los lados y en algunos casos fisura el interior de la superficie hasta producir oquedades, sumideros por los que se evacua el espacio. Además introduce “sombras” en la propia superficie; por ejemplo mediante la huella dejada por las conchas que han servido de sostén a la plancha durante el periodo de cocción. Así la tersura brillante de la superficie, recubierta por el esmalte blanco o negro se transforma en un campo plástico sutilmente alterado que al mismo tiempo testimonia el desarrollo de su proceso de elaboración.[…]» (Javier Hernando).

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En una de las paredes se ha colocado una secuencia de 10 piezas, Siluetas, formas recortadas en el espacio que se apoyan en los segmentos que le sirven de pie cuando funcionan como bandejas. Se detiene este diálogo en la presencia del color negro profundo (sobrio y elegante) representado con amplitud de matices. En otra de las paredes, con el título de Sömn (sueño sueco), se evoca por medio de una pieza blanca y otra negra el resumen de la lírica de todo el discurso planteado en el tema de Reversibles. Un resumen que recoge el sentido de esta exposición donde la conseguida intención artística de José Antonio Sarmiento ha sintetizado la expresión del volumen y la pintura junto a su pensamiento sobre la razón de ser de una alfarería contemporánea que utiliza para reflexionar sobre los valores de la hospitalidad. Flota en el aire la presencia y representación de lo Relativo, confluencia en la que han coincidido Oriente y Occidente –desde parámetros del arte «zen» al llamado arte «informal» europeo.

Se ofrece al espectador/usuario la oportunidad de participar de un modo activo al decidir el uso: la posición en que la pieza podrá ser contemplada, o utilizada en determinados momentos de celebración.

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José Antonio Sarmiento Reversible: Túmicielo 2008

37 x 27 x 5 cm. Gres, esmalte, cobalto y marcas de conchas; 350€

Fotos en Flickr:

DESHIELO / TÚMICIELO / NOCTURNO Y SILUETAS / LUGARES / CONTORNOS

Información:

Galería Cuatro Diecisiete
C/ Príncipe de Vergara 17
Madrid
tlf: 91 4353020 / 91 4348546

Enlaces relacionados:



Llotja: Reseña sobre una 2ª edición dedicada a la cocción africana

Por • 26 de febrero, 2008 • Tema: Artículos

2da Cocción africanaEl departamento de cerámica de la Escuela Superior de Diseño y Arte Llotja celebró hace unas semanas, en la sede de San Andreu (Barcelona) –lugar en el que el centro dispone de espacio al aire libre–, un día de actividad dedicado a la cocción con fuego de leña (desde las 8 h. hasta poco más de las 21 h.).

Pilar Herrero (profesora del departamento de cerámica de dicho centro) comisarió y organizó la actividad, contando con expertos que dieron un carácter más académico al encuentro; la presencia –en la parte teórica– de los Drs. Victoria Solanilla (especialista de arte del mundo antiguo y precolombino, profesora del departamento de arte de la UAB) y Jordi Sabater Pi (primatólogo y etólogo, autor del libro Proceso técnico de la cerámica fang 1955, y, el ceramista profesional Pau Valverde, afincado en Canarias y autor del libro Vivir del barro (que no del cuento).

En la parte práctica, junto a los alumnos del centro, también participaron tres ceramistas profesionales, antiguos alumnos de la Llotja. Auba Pons y David Rosell (quienes poseen una experiencia con el fuego compartida en otros eventos), y Regina Vilasero que en el 2003 obtuvo la beca de artistas de la UNESCO para disfrutar de una estancia de tres meses en Espacio Sobo-Bade en Senegal.

ACTIVIDAD

Conferencia y mesa redonda: Pilar Solanilla impartió una conferencia en la que analizó la Cerámica Precolombina, a la que le siguió una mesa de debate con Sabater Pi y Pau Valverde para tratar las diferencias y encuentros, entre dos formas antiguas y simples de cocer la tierra en cuanto a economía de medios: la herencia del mundo precolombino, y la cocción africana (en hoguera).

2da Cocción africana

Conferencia impartida por Victoria Solanilla, «La Cerámica Precolombina»

Trabajo de campo (las cocciones): El tema se desarrolló en torno a la cocción africana como punto de partida para el encuentro y el contacto directo con el fuego. Sin embargo, además de la cocción en hoguera realizada con la colaboración de los alumnos, se realizaron una cocción en un bidón, y otra en un horno de leña construido con fibra cerámica; algunas de las piezas realizadas por los alumnos se hornearon en un hoyo excavado en la tierra (inspirándose por las cocciones africanas), y otras en un bidón. También se utilizó un horno de fibra para cocer una escultura realizada por David, Auba y Regina. La escultura, conformada mediante una acumulación de tubos de arcilla ensamblados, fue pensada para ser mostrada ‘al rojo’. Esta pieza, de escala a la medida de la estructura del horno, se pudo ver al rojo vivo cuando al final de la jornada los tres ceramistas retiraron la carcasa de fibra incandescente; el espectáculo de ver el fuego en la masa de arcilla o saliendo por los tubos de cerámica en la oscuridad de la noche, fue celebrada por todos los espectadores. La visión del fuego nos envuelve entre sensaciones de temor y fascinación ante el magnífico espectáculo que ofrece, agudiza todos los sentidos y nos muestra las fuerzas de la naturaleza hasta «engancharnos».

2da Cocción africana2da Cocción africana

Llotja_cocción de leña Llotja horno de fibra Llotja cocción africana

Horno construido con fibra / (izquierda) Cocción en hoguera, en un hoyo excabado en la tierra

Conclusión: por los condicionantes de los programas educativos y la situación urbana de la mayoría de las Escuelas de Cerámica, actualmente no son muchas las oportunidades que los alumnos tienen de experimentar un contacto directo con el fuego (algo que la leña proporciona). Así pues, me parece que estas actividades son un estímulo potente para los alumnos, porque ayuda a entender el proceso completo de la cerámica. También es de esperar que proporcione el ánimo, el coraje y la energía que se necesita para una tarea que, en la mayoría de los casos, requiere un esfuerzo físico importante, además del intelectual o la habilidad plástica. Sin duda, las artes del fuego requieren un fuerte compromiso e implicación a quienes las eligen como profesión; no hay que olvidar que la cerámica es la transformación de la materia por la acción del fuego.

Se suele decir que no hay dos sin tres, así es que es de esperar que estas actividades extraordinarias –dado el éxito obtenido– se conviertan en citas anuales. La jornada finalizó con una sesión de fundición de bronce (a la cera perdida), ofrecida por el módulo de metalurgia de la sede de San Andreu (Llotja). Un día completo.

2da Cocción africana2da Cocción africana

llotja participantes a las cocciones

Pilar Herrero (2ª izq), organizadora del evento, junto a los invitados participantes y algunos de los espectadores asistentes

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Fundición de bronce a la cera perdida

Enlaces relacionados:

Llotja Escuela Superior de Diseño y Arte



Presentamos la nueva web dedicada a José Antonio Sarmiento

Por • 31 de enero, 2008 • Tema: Artistas, José Antonio Sarmiento

Captura de joseantonio-sarmiento.comDesde mediados de esta semana está disponible –después de una primera fase de pruebas y ajustes– la nueva web dedicada en exclusiva a la obra y la trayectoria artística de José Antonio Sarmiento. A partir de ahora, se podrá acceder también desde este sitio web, al conjunto de la información sobre José Antonio que hemos ido publicando desde aquí los últimos años. Inauguramos de este modo, un portfolio que contiene en este momento una galería fotográfica formada por cuatro álbunes dedicados a la series “Reversibles” y “Paisajes y Esferas”, junto a otros dos álbunes que incluyen piezas realizadas en el anagama-noborigama de San Cibrián de Ardón: una selección de platos ‘escultóricos’ y la serie «Álamo Blanco» realizada en Marzo de 2007.

Estos contenidos visuales se complementan con textos críticos firmados por Kosme de Barañano o Javier Hernando. A lo largo de los próximos meses iremos introduciendo más contenidos para enriquecer el sitio, circunstancia de la que daremos cuenta aquí convenientemente. Así mismo, la versión inglesa de esta web irá recogiendo más información para acercarla de una manera más adecuada a los visitantes internacionales.



Colaboraciones: IX Curso Internacional de cerámica contemporánea; Exposición de Carmen Ballester

Por • 10 de noviembre, 2007 • Tema: Cursos, Exposiciones

Experiencia del «curso-demostración» celebrado, el pasado verano, en el Pazo da Cultura de Pontevedra.

Texto: Mercè Tiana

Artistas invitados:
Margit Denz (Austria)
Enrique Mestre (Valencia, España)
Hervé Rousseau (Francia)

IX Curso Internacional de cerámica contemporáneaEn esta IX edición 2007, como es costumbre ya, además de los artistas invitados, los 30 participantes pudieron ver, escuchar y experimentar personalmente tres modos diferentes de trabajar, y conocer a tres artistas que se volcaron para transmitir sus conocimientos y su experiencia. Además hubo una serie de presentaciones teóricas; con las autoridades que patrocinan y facilitan estos encuentros, con los artistas que mostraron lo mejor y lo más reciente de sus respectivas obras y con otros invitados de excepción, como Isaac Díaz Pardo y Andrés Varela, de Sargadelos.

Los talleres se desarrollaron con gran entusiasmo y expectación por parte de los asistentes, que colaboraron y experimentaron personalmente codo con codo con los maestros.

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Demostración de Enric Mestre, Pazo da Cultura Pontevedra

Enrique Mestre, el más veterano, mostró su método de trabajo con planchas de refractario, enseñando su sistema de trabajo a partir de bocetos previos, con plantillas y maquetas, el modo de unir –casi “soldar”- las planchas, para evitar señales, como aplicar los engobes, bruñir algunas zonas, etc., con herramientas de fabricación propia, sin arredrarse ante los imprevistos, animando a los participantes a estimular sus propios recursos, todo ello dentro de su línea de trabajo, algo minimalista, de formas limpias, geométricas y gran maestría técnica.

Hervé Rousseau, con su peculiar modo de trabajar al torno, centrando la pella cilíndrica, aplicando 4 cortes, y a partir del prisma resultante, abrir un hueco en la pella con fuerza, y conformar la pieza exclusivamente desde dentro hacia fuera, con unos resultados diferentes a los acostumbrados. Posteriormente, la pieza, que conserva en parte las aristas, es manipulada y alterada según los criterios del artista. Las formas resultan bastante expresionistas, y son muy adecuadas para la cocción en hornos de leña, como es habitual en él. Finalmente, la pieza resultante de todo este proceso, apenas deja entrever su origen en el torno.

Margit Denz, desde su presentación supuso toda una fiesta visual, formal y colorista. Al mismo tiempo su perfección técnica en el manejo de la porcelana, denota el paso por una de las fábricas de porcelana más importantes de Alemania (Villeroy & Boch). Derrochó con todos su amabilidad y simpatía austríaca, y su disposición incansable hacia el trabajo, sin concesiones. Demostró su gran capacidad de generar originales a partir de objetos cotidianos, y hacer los moldes necesarios y las reproducciones en un tiempo “record”. Enseñó sus métodos y pequeños trucos sin reservas y los asistentes pudieron disfrutar haciendo sus coladas, moldes del natural (manos y caras), reproducciones de apretón, etc. Insufló energía positiva en el taller, ganas de trabajar y recursos para superar todos los imprevistos que puede haber en un workshop fuera del propio “terreno de juego”.

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Demostración de Margit Denz, Pazo da Cultura Pontevedra

En resumen, todos los que quisieron pudieron tornear al modo de Hervé Rousseau, con su ayudante Kevin (de New York), construir piezas de plancha a la manera de Enrique Mestre, y recrear sus propias fantasías siguiendo las pautas de Margit Denz.

IX Curso Internacional de cerámica contemporáneaFue muy de agradecer la presencia de Isaac Díaz Pardo y Andrés Varela, a pesar de la distancia y de la difícil situación en que se encuentra la actual fábrica para poder seguir adelante con los talleres y las experiencias de verano, que han dado tan buenos resultados, tantos frutos, y sobre todo han afianzado tantas amistades de un extremo a otro del país y del extranjero ¿Habrá que esperar tiempos o iniciativas mejores… ?

Finalmente, Mercè Tiana [quien estas líneas escribe] expuso las actividades que se realizan en la Associació Ceramistes de Catalunya, y animó a todos los presentes a asociarse con sus colegas, según su procedencia y la zona donde residen. También se ofreció a transmitir sus experiencias y animó a los artistas a que se “movilicen” sugiriendo posibilidades de adquisición de libros y suscripciones a revistas especializadas nacionales y extranjeras a través de las bibliotecas públicas que se frecuenten. También hubo varios artistas visitantes, como Caxigueiro, con el que pudimos hablar en particular de sus proyectos para el futuro, próximas exposiciones, etc.

Los participantes procedentes de diversos puntos de Galicia solían vivir en sus propias casas, mientras que los de origen más lejano, se alojaron en la “Residencia de Estudiantes” de Caixanova, lo cual supuso una experiencia añadida muy enriquecedora, pues de ahí surgió un grupo de trabajo –desayunos, comidas y cenas de trabajo- que se mantiene en contacto a través de la red, con la intención de preparar una exposición itinerante con todos los miembros del grupo: procedentes de Canarias, Sevilla, Madrid, Asturias, Cataluña y Portugal. Esperamos que las noticias y los frutos de este workshop nos lleguen pronto a todos y nos animen a seguir adelante, trabajando con ilusión en este campo tan apasionante (y desconocido) de la cerámica.

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Dos momentos de la demostración de Magrit Denz en Pontevedra

Hay que agradecer todos los esfuerzos de la organización con Ángeles Aréa al frente, con toda su fuerza y su iniciativa, que junto con sus ayudantes incondicionales (Julio, Estefanía, etc.), hacen posible estos encuentros.

Exposición de Carmen Ballester

Texto: Mercè Tiana

Sota el títol de «El Carmen de Carmen» varem poder gaudir de la exposició de Carmen Ballester a la Galería Sargadelos de Barcelona, del 22 de Juny al 31 de juliol d’enguany.

Carmen Ballester

Carmen Ballester; porcelana, plástico e hilo de acero

Aquesta exposició està inspirada en els jardins que es troben als «Carmens» de Granada, aquestes casones grans, plenes de flors i plantes, que van encisallar a Santiago Rusinyol, del qual ens transcriu unes paraules al tríptic de la exposició, fent referència a que les primeres flors i les primeres llavors dels nostres jardins – els més bells, els més senzills- devíen ser obra de la mà d’una dona, que les va plantar, cuidar i fer creixer amb amor, des del primer test en una finestra, fins a aquests jardins florits, que son com un miracle i una obra d’art. Aquests jardins son petits, íntims i sembla que s’oculten a sí mateixos darrera els murs d’aquestes cases.

De la mateixa manera, les peces de Carmen Ballester en aquesta darrera exposició, son també íntimes, originals i sorprenents per a nosaltres, observadors bocabadats.

Els jardins de Carmen impliquen –com diu ella – una idea de l’ordre i son el reflexe de la própia visió del cosmos d’una personalitat.

El jardíns apareixen embolcallats d’un aire d’anyorança de l’espai íntim.

Les «flors» d’aquests jardins son peces de porcellana i d’altres materials, “nous” per al ceramista, però sovint utilitzats per tots nosaltres: cables d’acer, tubs de plàstic, grapes de silicona… disposats d’una manera “ordenada” amb saviesa, com ho fa la pròpia natura; és un ordre que a partir de la repetició d’elements, conforma altres “èssers”, com plantes marines, algues o fins i tot meduses o pops, que apareixen suspesos en l’aire o dins l’aigua imàginària d’un oceà en el que ens trobem inmersos “virtualment” – a la galería- o bé es troben apoiats per els seus delicats tentàcles, formant una colònia viva o un grup d’elements suggeridors de mons diferents per a cadascún de nosaltres.

Exposición Carmen BallesterExposición Carmen Ballester

El carmen de Carmen, Galería Sargadelos Barcelona

El conjunt de l’exposició resulta molt delicat i poétic, a la vegada que ens obre els ulls a noves possibilitats d’expressió i ens fa perdre la por a la utilització de materials diversos, fent com un mestisatge al que s’ha vist abocada per les seves circumstàncies personals i per les necessitats d’expressió en un món canviant.

A la inauguració de la exposició va asistir-hi la Conservadora del Musèu de Ceràmica de BCN (Mª Antònia Casanovas) i altres ceramistes com María Bofill i Antònia Carbonell (de Castelló), així com un grup d’alumnes i professors de l’Escola Llotja de Barcelona i Pau Gargallo de Badalona. També es va projectar el documental “ Un año con los alfareros de Onta, Kiushu (Japó)”, fruit de la seva experiencia, on l’artista va residir i treballar durant un any.



Constel.lació Cumella: Les mans Industrials

Por • 4 de julio, 2007 • Tema: Conferencias, Exposiciones

Cumella - Constelació

Exposición:
del 5 de julio al
13 de septiembre de 2007
Sala d’exposicions
del COAC.

Plaça Nova, 5
08002 Barcelona

Inauguración: miércoles, 5 de julio, a las 21.00 h

Conferencia inaugural a cargo de Josep Maria Fargas y Manel Clot

Desde sus inicios en el taller familiar de cerámica y a lo largo de su trayectoria internacional como ceramista, Antoni Cumella (1913-1985) manifiesta siempre una especial atención sobre el discurso arquitectónico, como una producción de espacio y redefinición del factor tridimensional, pero también como zona de investigación para las posiciones modernas, especialmente en nuestro país. Una muestra de esto además de en su obra de artista –piezas de torno, murales arquitectónicos, cerámica monumental- o la producción seriada de elementos industriales, puede verse también en las relaciones y colaboraciones que mantuvo con figuras fundamentales de la arquitectura de la segunda mitad del siglo XX. Actualmente su hijo, Toni Cumella, mantiene la marca arquitectónica del taller, cuyas líneas de trabajo ha ampliado en el campo de la restauración de elementos arquitectónicos históricos y, muy especialmente, participando en obras ahora consideradas emblemáticas de los arquitectos de nuestro tiempo.

Conferencias:

05 de julio: Josep Maria Fargas y Manel Clot
12 de julio: Enrique Sobejano y Fuensanta Nieto
05 de septiembre: Ignacio Pedrosa, de Paredes Pedrosa Arquitectos
13 de septiembre: Toni Cumella y Cristian Cirici

todas las conferencias se pronunciarán a las 20.00 h, en la sala de actos del COAC

Itinerarios:

Visita guiada al antiguo Edificio Sandoz (Burkhardt i Xavier Busquets 1972) y a la Casa La Ricarda (Antoni Bonet i Castellana 1950-63) Viernes 13 de julio de 9:00 a 14:00 h
Precio: 30 €
LLamar para reservar con antelación

Créditos

Organización: Area de Actividades Culturales de la Demarcación de Barcelona del Col•legi d’Arquitectes de Catalunya
Producción: Demarcació de Barcelona del Col•legi d’Arquitectes de Catalunya
Comisariado: Manel Clot
Coordinación y diseño: Àrea d’Activitats Culturals
Gráfica: Salón de Thé

(Texto: Nota de prensa)

Texto de presentación firmado por el comisario de la muestra.

Reconegut habitualment per ser un dels grans artistes internacionals de la ceràmica del s. XX, la trajectòria d’Antoni Cumella (1913-1985), però, començà en el taller familiar de terrisaires a Granollers, on aprengué des de ben jove els processos tècnics i les sensibilitats creatives el desenvolupament posterior dels quals tant l’haurien de caracteritzar.

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Xavier Toubes – Tras dos agros

Por • 13 de junio, 2007 • Tema: Exposiciones

Exposición en el CGAC
Centro Galego de Arte Contemporánea
Rúa Valle Inclán s/n; Santiago de Compostela (Galicia, España)
horario: 11 a 20 h. Lunes cerrado.
TRAS DOS AGROS. Xavier Toubes
del 14 de junio hasta el 2 Septiembre 2007
comisario: Vincent McGourty

«Los ámbitos líricos que enmarcan la obra de Xavier Toubes se extienden desde la magnificación lo minúsculo, un azulejo de unos centímetros, hasta los que buscan la expresión más allá de los límites de la contención: en el amplísimo campo magnético del cosmos. Los territorios existen. Pertenecen al reino de la experiencia. Estas descripciones sin lugar definen el viaje que va desplegando una «Tendencia hacia delante» del artista. Da entrada al estado donde la identidad se disuelve y se hace perfectamente fluida». (V. McGourty)

Xavier Toubes – Tras dos agros I

Exposición de Xavier Toubes en CGAC

Xavier Toubes – Tras dos agros II

TRAS DOS AGROS. Xavier Toubes



Anagama-Noborigama

Por • 21 de noviembre, 2002 • Tema: Anagama-Noborigama, Previo Agosto 2005, Técnica

Introducción: ¿qué es un anagama y un noborigama?

El idioma japonés tiene la palabra wabi, para describir la belleza esencial que hay en el mundo de la relatividad. En otros idiomas, incluido el Español, el término no tiene traducción equivalente. Sin embargo, podemos decir que su significado se encuentra en un espacio que describe la ausencia de vanidad y falsedad; respira una presencia de tranquilidad, goce, disfrute, y –al mismo tiempo– una ausencia de todo artificio y sofisticación, para simbolizar la belleza de lo incompleto, de lo aparentemente imperfecto. Podríamos decir que Wabi es un concepto abstracto que nos muestra su representación en lo Relativo. En palabras de Kichizaemon Raku XV: «En el arte del mundo de la cerámica, el espíritu del Wabi se envuelve en una estética que enfatiza la necesidad de no incorporar solamente la belleza de la Perfección».

Podemos ver resumida la belleza que mora en la estética que incorpora el concepto Wabi, en el siguiente poema del poeta Fujiwara Teika (1162-1241):

Mirando en la lejanía
No veo las flores de primavera,
Ni tampoco las hojas carmesíes
Pero, sin embargo, en el horizonte puedo ver una
casa con techo de paja
Recién cortada en vísperas del otoño

Sobre todo, el mundo del arte que se encuentra próximo a la estética Zen, es quien valora altamente las cerámicas cocidas con leña –en los hornos Anagamas y Noborigamas– porque, entre otras cosas, esas piezas poseen cualidades que incorporan el concepto Wabi que hemos mencionado.

Hablar de hornos de leña, en una época de alta tecnología, podría parecer una contradicción. Sin embargo, en el ámbito internacional de la cerámica contemporánea no industrial, en ese que incorpora conceptos desde el punto de vista artístico, este tipo de hornos de inspiración oriental, capaces de cocer con leña en alta temperatura, a “gran fuego” (1200-1350°C), representa un movimiento internacional que en la actualidad gana adeptos y consideración. No solamente entre los profesionales, sino también entre el público sensible que valora la naturalidad. Algo muy parecido a lo que ocurre con la cerámica esmaltada con sal, también de alta temperatura, pero desarrollada en Alemania (Europa), desde el siglo XVI. Y así quedan patentes estas inquietudes, en los encuentros de cerámica que se organizan, o, en el testimonio recogido por las publicaciones especializadas.

Para designar este tipo de hornos de leña –de alta temperatura–, a los que me voy a referir, las palabras técnicas que utilizamos han adoptado internacionalmente los términos japoneses de: Anagama y Noborigama. La razón es muy simple, pues de Japón hemos recibido el conocimiento de la técnica (como los japoneses los recibieron de China y Corea). Ana-gama podría traducirse por horno de una cámara. Nobori-gama, por horno de varias cámaras.

El objetivo de cocer en este tipo de hornos, utilizando leña como combustible durante largos periodos de cocción –varios días (entre tres y doce, e incluso más)– se refleja directamente en la cerámica. Nos muestra una estética que aprovecha efectos naturales, calidades que no pueden conseguirse de otra manera y que se revelan en las huellas impresas en la arcilla desnuda, por los flameados de la leña; en las acumulaciones de cenizas –convertidas en esmalte–, en la modificación de los esmaltes –al reaccionar con la química de las cenizas, y las diferencias de temperatura o de atmósfera (oxidante/reductora)–.

Antes de proseguir, me parece necesario, aunque sea de modo breve, incluir una básica explicación que pueda permitir el discernimiento, para quienes desconocen las diferencias entre un horno Anagama y un Noborigama, y, consecuentemente, las diversas características de la obra realizada en uno u otro horno.

Horno anagama-noborigama de José Antonio Sarmiento
San Cibrián de Ardón – León, España

El Anagama (horno de una cámara): es un tipo de horno cerámico, de leña y de alta temperatura; en Japón es uno de los más antiguos estilos de horno, construido en pendiente, tipo túnel. Dispone de un único espacio o cámara que funciona, simultáneamente, como hogar para la leña y como cámara donde se colocan las piezas. De tal modo, las piezas cocidas (1200-1350°C) en este tipo de hornos, presentan unas características especiales: acumulación de cenizas, escorias, grietas o deformaciones naturales (piroplasticidad), todo ello causado por el largo periodo de cocción y las diferencias de temperatura, etc. Hay que decir que la cocción en un horno Anagama no es demasiado predecible; requiere una gran experiencia por parte del alfarero, quien también se implica con los acontecimientos que le proporcionan la naturaleza y virulencia de las llamas (desarrolladas en estrecho contacto con la cerámica).

Los antiguos alfareros japoneses habían dejado de construir Anagamas a partir del siglo XVII, al sustituirlos por otro tipo de horno: el Noborigama (horno de varias cámaras), de tiro invertido. Debido a razones de una mayor productividad y un control más eficiente de la cocción que incluye la producción de esmaltes, como veremos a continuación cuando hablemos del Noborigama. Generalmente las producciones tradicionales realizadas en los antiguos hornos Anagama carecían de esmalte. Cuando vemos las piezas históricas realizadas en Anagama hay que saber que, aquello que –en ciertas zonas de las piezas– aparenta ser un esmalte elaborado, no es más que una acumulación de cenizas naturales, provenientes de la leña utilizada como combustible y convertidas en esmalte por la alta temperatura.

Felizmente, la cerámica contemporánea recuperó -después de 350 años de interrupción- la producción en Anagama; un revival iniciado a mediados de los años sesenta que debemos asociar, según nos cuenta Shiho Kanzaki, con artistas como los señores Michio Furutani, y, Yasuhisa Kouyama –en Shigaraki Japón–. Desde entonces y hasta el momento actual se ha producido un resurgimiento que se incrementa cada día. Y, como dato estadístico, observamos que tan solo en la localidad de Shigaraki, hoy, funcionan cincuenta y tres Anagamas. Aunque, lo mejor –según mi opinión– es que el mundo de los Anagamas y Noborigamas contemporáneos en activo ya no es localizable solamente en Japón o en Oriente, sino que también el interés y la práctica se ha extendido a los países occidentales, con gran calidad de obra y reconocimiento de sus autores.

De todas formas, como es natural, Japón continúa siendo una referencia importante en este estilo de cerámica. Algo bastante razonable si se piensa que el mayor número de artistas brillantes en esta especialidad son japoneses, aunque en su país hay muchas otras clases de cerámica también. Pero no hay que olvidar que ellos poseen una importantísima tradición en este tipo de cocciones y el mayor número de artistas dedicados a la especialidad cerámica. Además, como ya he dicho, la filosofía Zen se ha identificado estrechamente con este modo de hacer.

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Alfar-estudio de José Antonio Sarmiento

Por • 21 de noviembre, 2002 • Tema: Artistas, José Antonio Sarmiento, Previo Agosto 2005

José Antonio Sarmiento (León, 1956)

«Es para mí de vital importancia comprometerme como artista con los elementos naturales que también contribuyen en la conformación de la obra, aunque para ello sea preciso arriesgar hasta el límite. La intención nace de la necesidad de encontrar la auténtica vida de la vasija» Octubre 1999, San Cibrián de Ardón

Datos biográficos, punto de vista y obra

José Antonio Sarmiento es un artista comprometido con la cerámica y la cocción de leña. En cierto modo puede decirse que su inquietud ante la expresión plástica le ha venido dada, porque ha estado ahí desde que tiene sus primeros recuerdos. Seguramente influiría un ambiente propicio para apreciar y practicar el arte, pero el caso es que siempre tuvo facilidad (para el dibujo, la pintura, y el modelado en arcilla); pero tanto si se debe a una predisposición innata como si cultural, el caso es que nunca ha podido hacer otra cosa que no sea dedicarse a la plástica.

Robert Rauschenbert (Texas, 1925), pintor y artista de objetos, altamente considerado en el ámbito internacional, dice que uno no puede elegir el ser artista, tampoco cree que el artista pueda hacerse. José Antonio Sarmiento no se plantea demasiado el por qué emprendió este camino. Tal vez sea cierto -como dice Rauschenbert- que sea mucho más que una simple elección. Al respecto opina: «De niño uno siente que le gusta el arte con total naturalidad, como un juego más». «No hay necesidad de explicar por qué elegí la cerámica, es un material más con el que trabajar. Solo sé que siempre he sentido interés por la comunicación a través del arte, y la necesidad de implicarme en el campo de este modo de expresarme. Yo solia pintar lienzos y modelar en barro, pero un día decidí continuar haciendo las dos cosas al mismo tiempo, tuve que aprender a hacer cerámica. Sentí la necesidad de aprender a trabajar lo mejor que pude, llegar a ser un buen artesano, pero sin embargo no me conformo con ser artesano. Tampoco podría asegurar que sea correcto autodenominarse artista, aunque así te sientas. De lo que si estoy totalmente seguro, es de que para trabajar con la tierra y el fuego, al menos del modo en que yo quiero hacerlo, hay que conocer muy bien el oficio».

Desde el primer momento a José Antonio le interesó la cerámica desde la perspectiva escultórica, y fue precisamente este modo de enfrentarse al medio lo que le llevó a profundizar en la rama de la alfarería, eligiendo la vasija como motivo o tema, sin abandonar esa concepción original. «No se trata solamente de juzgar por el motivo o la función, hay que ir más allá». En las formas de la alfarería él ha encontrado una total libertad para trabajar. Y así lo siente, utilizando las palabras de H. Read, «como un arte libre que posee un contenido puramente abstracto, exento de cualquier intención imitativa»; como medio informal de explorar y trabajar con el fuego, la materia, los minerales.

Desde 1980 trabaja José Antonio Sarmiento la cerámica a tiempo completo. Sin formación académica específica al respecto ha estudiado por su cuenta el arte primitivo, también a los principales maestros del Arte clásico y contemporáneo. Partiendo de esos conocimientos, ha sido la práctica, muchas horas de trabajo en su propio «taller» donde José Antonio irá aprendiendo de los resultados obtenidos paso a paso. El libro de Bernard Leach «A Potter’s book» (Faber & Faber, London 1973), y el «Formulario y Prácticas de cerámica» de Josep Llorens Artigas (Ed. Gustavo Gili, Barcelona 1972) han sido importantes referencias para él.

Durante todos estos años se ha interesado por aquellos tipos de cocciones que revelan la presencia del fuego y los efectos más naturales, se especializa en procedimientos como: sacar al rojo con leña o gas (inspirado en la cerámica japonesa Raku) ya sea en baja (1000 grados C.) o alta temperatura (1300 grados C.); también en esmaltado con vapores de sal o soda, y en cocción de alta temperatura con leña en hornos de estilo oriental (1300 grados C.)

«Entre varias, hay dos razones poderosas por las que prefiero utilizar estos métodos de cocción. Una, porque siempre deseo permanecer activo en todas las partes del proceso; es decir no abandonar la obra hasta el final. La otra, porque me agrada que el azar participe en la obra, con los elementos naturales (el fuego, el viento, el agua, el humo…) que no puedes controlar en su totalidad, solo hasta cierta medida. Te mueve una necesidad de establecer un diálogo en el que se debaten y complementan el oficio y la experiencia frente a esa casualidad propiciada en alianza con la naturaleza»

Actualmente y desde 1988 José Antonio vive y trabaja en San Cibrián de Ardón (León). A 15 Km. al sur de la ciudad de León. Allí construirá primero un horno de dos cámaras estilo oriental (noborigama) al que adosó una cámara de fuego tipo Bourry después de visitar, en 1990 en Inglaterra, la alfarería de John Leach (hijo mayor de David Leach y por lo tanto nieto de Bernard Leach). El segundo horno de leña -también de diseño oriental, y con el que actualmente trabaja- es un Noborigama de tres cámaras con otra gran cámara delantera (dôgima), que funciona como un Anagama. Contruyó este horno anagama-noborigama según su propio diseño cuando regresó de Japón después de una estancia de tres meses (1999-2000). Un viaje que realizó cuando el prestigioso artista Ryoji Koie se convirtió en su mentor, tras coincidir ambos en una exposición colectiva celebrada en Córdoba.

En Japón, José Antonio Sarmiento realizó su obra en el estudio de Ryoji Koie utilizando tierra (arcilla) de Shigaraki. También tuvo tiempo de recorrer el país visitando los lugares tradicionales más relevantes en hornos de leña (conocidos como «los seis antiguos centros alfareros»). Además visitó un considerable número de hornos en activo, entre Anagamas y Noborigamas, como el de Charlie Odum, entre otros. Y realizó su primera visita a prestigiosos artistas especialistas en este tipo de cocciones: Shinsaku Hamada (hijo de Shoji Hamada), Tatsuzo Shimaoka, y Shiro Tsujimura.

En la cerámica de José Antonio Sarmiento puede apreciarse, en el sentido formal, el empleo -indistintamente o combinando- del modelado y del torno de alfarero. Le gusta dejar huellas al tornear, o, alterar las formas -mientras aún permanecen frescas- para darles mayor movimiento y un «toque» que las aporta su personalidad. Con la huella del fuego, la ceniza natural de la leña -convertida en esmalte por las altas temperaturas-, la gravitación (según la posición y el modo en que las obras se colocan en el horno) y el flameado de las llamas, incorpora el elemento natural y el azar. Su deseo es que las piezas conserven la misma frescura que poseen cuando están húmedas, como recién hechas. En el sentido conceptual, realiza piezas individuales siempre con la misma intención, independientemente de que sean destinadas al uso utilitario o la contemplación; en este sentimiento artístico o intención se manifiesta palpable su deseo de interacción entre la vida cotidiana y el «espectador-usuario».

En San Cibrián de Ardón, Noviembre 2002