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Exposición ‘Winter Light’ en la galería Sigma (Växjö, Suecia)

Por • 21 de enero, 2009 • Tema: Anteriores portadas, Conferencias, Destacados, Exposiciones, José Antonio Sarmiento, Noticias recibidas

Winter Light / Luz de invierno
Suecia
El pasado sábado, con bastante apreciación por el público asistente, y con una buena acogida por parte de la crítica, se inauguró en la localidad sueca de Växjö la exposición Whinter Light: obra reciente de Helena Andersson (cerámica), y José-Antonio Sarmiento (cerámicas y acrílicos), y en el hall de entrada a la galería la exposición de collages de Krestin Skjöld.

El martes siguiente, en la prensa de Växjö, la crítica especializada le dedicaba a la muestra una reseña elogiando sobre todo el trabajo de los dos ceramistas. De un extracto de la misma recogemos la principal recomendación del crítico: Det tål de absolut. Que en conjunto, según el contexto, se puede traducir por: “bien merece la pena una mirada atenta, profunda”, según sus palabras «absoluta».

Para acercar el texto a nuestros lectores, incluimos en los enlaces un extracto en el idioma original (sueco). No obstante, con ayuda del traductor, facilitamos la interpretación al castellano.

SMP.es / Smålandsposten, Onsdag 21 Januari 2009
extracto y traducción del texto original sueco

Cerámica, que requiere tiempo

Cerámicas desde el suelo al techo, es de lo que trata la actual exposición de la Sigma. Los artistas afincados en Gotemburgo Helena Andersson y José-Antonio Sarmiento llenan la galería de objetos. Algunos utilitarios pero la mayoría puramente artísticos. La cantidad es abrumadora, la intención es emular la sensación de entrar en sus propios estudios de cerámica.

Al entrar en la galería, Skjöld Kerstin-collage dividido en una serie-miniformato. El primero, Azul, es muy fuerte en el océano de color, pero me atrapó en particular su llamamiento para Secretos. Imágenes pequeñas en un suave color gris con un toque de letras y partituras, además de fragmentos de sus propias pinturas.

Pero como ya dije, sobre la cerámica ésta domina cuando la mirada se encuentra en primer lugar con la obra Bufféfat (serie de bandejas) de Helena Andersson, un amplio cuerpo verde brillante suspendido en la pared. Bella utilidad que plantea apetito sensual. Su trabajo continúa en el interior de la sala con los objetos que son un poco más visuales. La instalación Invierno se compone de objetos esmaltados, que en su diseño recuerdan algo bastante clásico, un poco como el derretimiento de los detalles de la ornamentación de edificios de un templo en la antigua Grecia. Por otra parte Andersson tiene preferencia por formas orgánicas y objetos puros que emulan tanto partes de vegetales y vísceras. Los Lagos recogen el esmalte como en la formación de piscinas naturales en el polo durante los días templados. Los colores son suaves, verde, marrón y blanco.

El trabajo de Sarmiento también se viste de blanco y marrón, pero con una calidad mucho más jugosa y contrastando escala. En la pared la serie Siluetas nocturnos, la oscuridad se muestra como signo de exclamación en la exposición o una aproximación que recuerda las delgadas lápidas medievales. Al lado una serie de azulejos brillantes, la obra o serie Reversibles, es fascinante. Si las placas a su vez se comprenden desde la abstracción o lo irregular, se apoyan sin embargo hacia un tipo de paisaje. Con un poco de imaginación se pueden ver las paredes, los edificios y las chimeneas.

La exposición se percibe en un des-orden compacto de múltiples objetos. Por lo tanto, no es fácil profundizar en cada uno de ellos (individualmente), por lo que tenemos que tratar de darle algún tiempo a la mirada en la deambulación.
Absolutamente lo merece, vale la pena.

Helena Andersson; earthenware, obra reciente

José-Antonio Sarmiento; cerámica y pintura (stoneware y acrílico sobre madera), obra reciente

Galleri Sigma
Kronobergsgatan 8
Växjö, SVERIGE (Suecia)
17-31 Enero 2009

Enlaces relacionados



Angel Garraza: ‘Los frutos del humo’

Por • 30 de abril, 2008 • Tema: Exposiciones

Exposición: Sala Luzán de Zaragoza
30 de abril al 29 de mayo de 2008. Inauguración 30 de abril a las 20 horas

“En el transcurrir del tiempo suceden acontecimientos que determinan nuestra existencia, pequeñas o grandes historias que desencadenan posibles temas de reflexión, que en ocasiones se materializan en una serie de obras, en las cuales intento dar respuesta a estas cuestiones personales pero sin ánimo autobiográfico, en cierta manera se trataría de hablar de lo personal en clave universal. Desdibujo los perfiles para que el objeto se sitúe en un punto extraño, ambiguo, desprovisto de reconocimientos tácitos. Prefiero realizar un ejercicio de cierta contención emocional, una cierta distancia que me permita desarrollar mis propuestas en un territorio interpretativo de claves y sugerencias”. (Angel Garraza)

\"Los frutos del Humo, Angel Garraza\"

Los frutos del humo, 2007-2008 gres chamotado / Caleidoscopías, 2007 loza

  • (flirck/artceramics) Exposición, acceso a más imágenes (cortesía del artista):
    LOS FRUTOS DEL HUMO

Texto catálogo:
Garder Reguera

Somos lo que somos

La escultura es, sin duda, el género creativo con una mayor relación con la historia del ser humano, más bien, con la historia de la relación del animal-humano con su entorno natural. De hecho, toda la historia de la escultura puede ser vista, en cierto sentido, como una afirmación del hombre como parte del todo-natural. Frente al sesgo virtual de otros modos de crear como la literatura o la música –inmaterialidad pura-, la pintura –hace mucho tiempo ya emancipada de la búsqueda manual del pigmento- o los recientes campos de la fotografía, el cine y video o las nuevas tecnologías, la escultura mantiene, y mantendrá siempre, en su misma base una metáfora sobre la relación del hombre con la naturaleza a través de la tierra, las maderas y los metales, elementos naturales con los que el escultor juega, crea y se recrea. Esta relación es a su vez una reflexión sobre el tiempo. El tiempo del hombre –mudable, cambiante, lineal y, final en inevitablemente, mortal- se enfrenta en la escultura al tiempo de la naturaleza –cíclico, constante, eterno-. Del anhelo del ser humano de hacer suyo el tiempo natural, de sus ansias de inmortalidad y trascendencia, surgió el sentimiento religioso –distinto, empero, de las religiones- y, con él, con la urgente necesidad de trascendencia, de ser algo más, la escultura. El hombre ansiaba ser como la naturaleza porque soñaba -y sueña aún-, en el invierno de su vida, con el regreso de la primavera.

De este sueño de restablecer las reglas del juego de la vida, de reformular el tiempo humano, nacieron los hombres de barro seco, de madera y de piedra, hombres en los que el tiempo se detenía, hombres que alcanzaban la inmutabilidad e inmortalidad presupuesta sólo para los dioses. La escultura, en este sentido, era una rebelión contra la decrepitud del propio cuerpo, contra el destino mortal del ser humano, ese que, en palabras de Jean Amery, “anula el sentido de cualquier razón”(1). Y a buena fe que lo consiguieron. Desde las primeras Venus prehistóricas, hasta los líderes comunistas de la URSS, pasando por Ramsés, Jesucristo o David, quien ha devenido piedra, ha vencido al tiempo. La grandeza del faraón o el dolor de Cristo no se circunscriben a su momento, sino que recorren toda la Historia de la humanidad.

El tiempo es precisamente la clave fundamental de los trabajos de Ángel Garraza (Allo, Navarra, 1950). El tiempo, sí, pero en clave individual, esto es, el tiempo encarnado en memoria, en recuerdo, en eso que llamamos pasado y que no es otra cosa sino lo que realmente somos, el camino recorrido hasta llegar a donde ahora estamos. “Los frutos del humo” (2007-08), pieza que da título a la muestra que ahora nos ocupa, representa una misma estructura, que recuerda a un cerebro, sometida gradualmente a una serie de cambios. Es, pues, una metáfora del tiempo, que no es sino cambio, en la que lo humano –representado por la forma cerebral de las piezas que componen la serie-, está sometido a una suerte de tiempo natural, atravesando una serie de estadios de evolución que van desde el florecimiento hasta la caída de las hojas, pasando por el cambio de color de las mismas, que surgen paulatinamente en cada pieza. Vemos, pues, que como en los calendarios medievales que ilustran los pórticos de las iglesias, el tiempo en esta pieza está representado a través de una imagen natural, es el tiempo de la cosecha, de la madre tierra, pero hecho tiempo del hombre. Quizá por ello, por ese carácter fundamentalmente humano, tenga sentido en la serie “Los frutos del humo” una pieza de cierre, esto es, de conclusión, que impide el resurgimiento del ciclo. Hablamos de la pieza de pared en la que las hojas aparecen dispuestas sobre la superficie al estilo de hojas caídas de un árbol. Ésta pieza es, a nuestro parecer, una representación del punto final de un proceso concluso, que, sin esperanza para un eterno retorno del estilo del ansiado por Nietzsche, resulta una imagen de la vida humana cuando es contemplada en conjunto, una imagen del tiempo detenido –el pasado visto desde el presente-, sin lugar para el resurgimiento, el renacimiento, para el volver a ser. Tiempo muerto, pues, imagen del paréntesis de ser que supone el ser humano en la inmensidad constante de la nada El hombre, en palabras de E. M. Cioran, “el camino más corto entre la vida y la muerte”(2). Un momento, un suspiro… y nada más.

La metáfora sobre el tiempo humano y, por tanto, sobre la muerte, que se sirve en “Los frutos del humo”, se refuerza con las series “Caleidoscopías” (2007). En éstas, Garraza ofrece una suerte de recreaciones de elementos con una fuerte carga representativa, como casas, penes, perfiles de rostros, cruces, corazones, labios, botas o relojes de arena, que combina, en una de las series, con una pieza que se repite y que representa el cortex de un cerebro, y en otra, entre sí formando una presentación elíptica y dos lineales. En la primera de las series, cada una de las piezas de corte pictográfico, como decimos, está combinada con otra que representa un cerebro, sino machihembrando, sí al menos penetrando una pieza a la otra, deviniendo una sola entidad. Este gesto de penetración es, sin duda, una reflexión sobre la identidad personal en la que determinados elementos externos pasan a formar parte del conjunto que forma el yo, en la medida en que se vinculan a lo que soy, algo que también vemos en la serie “Recorriendo recuerdos” (2004), en la que el camino transitado deviene memoria y, de ese modo, pasa a formar parte del yo.

Así, en “Caleidoscopías” nos encontramos en conjunto con múltiples piezas esparcidas por pared y suelo que viene a ser una imagen poética de la memoria, representada por los elementos que van sumándose paulatinamente a la identidad personal a través del tiempo; recuerdos dispersos que a poca distancia reclaman su individualidad, pero en la lejanía ofrecen una imagen conjunta sin duda homogénea y cabal. He aquí, pues, que de nuevo nos encontramos con una reflexión del tiempo humano. Por un lado, en el sentido de camino recorrido, de suma y cambio del yo, de lo que somos, a través de la relación extendida en el tiempo con el entorno. Por otro lado, la metáfora ilustra la condición de accidentalidad del yo, en la medida en que sólo la distancia –el tiempo transcurrido-, dota de coherencia a un relato que en el momento de ser vivido carece de la misma, ofreciéndose como una serie de hechos aislados sin relación entre sí. En este sentido, en ocasiones nuestra propia existencia, nuestra vida, se nos antoja como un mero cúmulo de casualidades, fruto de la accidentalidad y sin presencia ninguna de necesidad. Bien podría haber sido mi vida completamente distinta, nos decimos, y pensamos si algo nacido de la casualidad puede tener sentido. Igualmente, en esta serie de Garraza el espectador navega entre los polos opuestos de la accidentalidad y la necesidad, debido al carácter combinatorio de la serie –algo recurrente en la obra de este artista-(3). Quizá por ello, el Catedrático de Estética de la Universidad de Valencia, Román de la Calle, señaló en su momento la “virtual posibilidad de que la propia obra (de Garraza) se prolongue y crezca, de manera indeterminada” a través de la adición a las series de “objetos de la misma familia, o multiplicando la complejidad rítmica de las alternantes preferencias cromáticas de dichos elementos compositivos”(4). En las palabras de De la Calle, como vemos, se señala la fundamental alegoría de la relación del ser con el tiempo que está presente en las piezas de Garraza. De la combinatoria de objetos surge una pieza que bien pudiera haber sido distinta, pero que es esa y no otra, aún cuando en su misma disposición formal se deja abierta la puerta a la reflexión sobre la otredad. Como sucede con nuestro yo, la accidentalidad deviene necesidad. Pudimos ser otra cosa, pero somos lo que somos. Yo soy el que soy, tal y como Dios dice a Moisés en el Éxodo, y no otro.
Esta misma sensación de múltiples potencialidades presentes en lo que de hecho es, se transmite también en la segunda de las series que componen “Caleidoscopías”, en las que las mismas piezas pictográficas se presentan aisladamente –ya sin su combinación con el cortex- formando, por un lado, una elipse en el suelo y, por otro, dos paneles de pared en los que los elementos se presentan de manera lineal. He aquí de nuevo, una reflexión en torno al hecho de la memoria, donde dependiendo de la disposición de los recuerdos obtenemos lecturas contrapuestas. La elipse inspira movimiento: vida. En contraste, la disposición lineal de los objetos da una lectura ordenada, coherente, del recuerdo, del relato a posteriori que toda vida es: biografía.
La crítica de arte Alicia Fernández apuntó, con razón, que “visto en su conjunto, el trabajo de Garraza es un empeño por transformar las ideas en formas”(5). En lo referente a la exposición a la que ahora asistimos, estas ideas son de corte sentimental, ideas surgidas de la vivencia, tamizada por el recuerdo, la memoria. No pensamos en abstracto, no somos ni dioses de la razón, ni hijos de ella. Somos la tierra que pisamos, el aire que respiramos, los objetos que nos rodean y con los que nos relacionamos. Somos labios, somos pene, somos hogar y rostro. Somos botas, cruz, corazón. Más bien: somos el modo en que pensamos la tierra que pisamos, el modo en que vemos y del que hablamos de los labios que besamos, la cruz que arrastramos, la casa que habitamos. Somos lo que somos y cómo nos narramos. Somos ser, palabra e imagen.


(1)“Revuelta y resignación. Acerca del envejecer”, Jean Amery, p. 31. Pretextos, Valencia, 2001.
(2)“El ocaso del pensamiento”,E. M. Cioran, p. 109. Tusquets, Barcelona, 2000.
(3)Para Antonio Garrido Moreno en la obra de Garraza surge un “discurso del que surge la paradoja, la comparación, el contrapunto, los opuestos, la igualdad o la diferencia, la idea, el diálogo con el espacio, el poema visual”. En “Reflejos sojelfeR”, texto incluido en el catálogo de la exposición del artista realizada en la Capela Santa María de Lugo en 2001
(4) “Los rincones del horno”, Román de la Calle, en el catálogo de la exposición del artista realizado con motivo de su exposición en el Keramikmuseum-Westerwald entre octubre y noviembre de 2000.
(5) “Poemas formales”, Alicia Fernández, en el catálogo de la exposición retrospectiva sobre la obra del artista que el Aula de Cultura de la BBK, Bilbao, realizó en 2006.



Presencia de la cerámica en ARCO’08

Por • 25 de febrero, 2008 • Tema: Noticias

Los cambios que este año se han podido apreciar en la 27º edición de ARCO han sido sustanciales, y nos han sorprendido gratamente. En primer lugar destacamos y celebramos su fuerte apuesta por la calidad, seguida de una ordenación del espacio más coherente – atendiendo a la variedad temática– , y la disposición más diáfana de algunos stands. Además, se ha visto más claro el esfuerzo de las galerías por ofrecer sus mejores obras, por lo que es de suponer que el coleccionismo internacional haya cumplido sus expectativas de compra. Desde mi punto de vista, de todas las ediciones celebradas, considero que ésta ha sido con diferencia la que ha ofrecido un mayor número de obras de primer orden. Este año hubo momentos en que nos daba la impresión de estar haciendo la visita a un museo más que a una Feria (empleo la palabra museo en el sentido de excepcionalidad de los contenidos), pues encontramos un número importante de piezas relevantes para la historia del arte contemporáneo (entre otras, obras de Pollock, Tàpies, Plensa, Frederic Amat, Lucio Muñoz, Picasso, Chillida, Kounelis, Tony Cragg, Richard Deacon, Andy Goldsworthy, Calder, Chihuly…). Pero, además, ha habido una clara apuesta por el arte emergente de calidad. Sobre todo en el campo de la fotografía encontramos piezas muy interesantes, como ya han comentado nuestros colaboradores en el post anterior.

Cerámica en ARCO

Eduardo Chillida, Lurra; en el stand de Manuel Barbié

En cuanto a la presencia de obra cerámica en ARCO’08, aunque continúa siendo un género minoritario en las galerías no especializadas en esta disciplina, en esta edición hemos percibido que no ha habido prejuicios en este sentido. Así pues, se han visto, junto a las nuevas propuestas –alguna escultura, e incluso una instalación con vasos decorados en azul cobalto–, y también algunas piezas que son muy solicitadas por el coleccionismo: una Lurra de Eduardo Chillida (Galería Manuel Barbié), y varios objetos de alfarería de Pablo Picasso (Galería Orangerie Reinz). Llamaron nuestra atención dos obras de Deacon en forma de piedras (una blanca y otra amarilla).

Cerámica en ARCO

Kim Simonsson, Invisible Deer

Por otra parte, la filandesa Galleria Heino apostó por este género al ofrecer una exposición individual de Kim Simonsson, Invisible Deer (El venado invisible). Simonsson, utiliza el medio de la escultura cerámica para narrar historias dramáticas –en un estilo “pop-conceptual” claramente figurativo e influenciado por la imaginería del comic, más concretamente del estilo japonés ‘manga’. Sin embargo, su discurso simbólico pone el dedo en la llaga a través de lo sórdido, aunque camuflado con un toque de kitsch-luxe. Un lujo que se transforma en inquietante por la categoría y forma de los materiales elegidos (siguiendo una línea que nos recuerda el Michael Jackson de Jeff Koons): la presencia mecánica propia de la cerámica industrial. Emplea este artista loza blanca esmaltada (esmalte transparente, toques de oro y platino, y, ocasionalmente, algún elemento añadido de cristal –por ejemplo, en forma de “escupitajo” que una niña “candorosa” lanza a un sórdido lavabo, o al suelo–). El artista nos presenta estas esculturas como un gran souvenir aumentado en su escala (un objeto de recuerdo, gigante), cuyo lenguaje formal sirve para recrear situaciones insólitas, y alusiones a la religión.

Los temas que Simonsson aborda plantean actos que, aunque existentes, son impronunciables. De este modo, bajo la máscara de la ilusión, pueden ser pronunciados, o quizá deberíamos decir denunciados -cómo si se contemplasen al otro lado del espejo de Alice (la diferencia es que la Alicia de estas historias no vive precisamente en el país de las «maravillas»).

Enlaces relacionados:



Crónicas sobre ARCO 2008

Por • 21 de febrero, 2008 • Tema: Noticias

El potente arte brasileño y una nueva distribución de los espacios caracterizan una excelente edición de ARCO pese a las críticas de algunos sectores

Por Eduardo Z. Sarmiento

Hoy jueves [por el 14 de febrero] a las 12 del mediodía fue inaugurada la veintiseisava edición de ARCO, la principal y más importante feria de arte contemporáneo en nuestro país, aunque el recito está abierto desde ayer para coleccionistas y profesionales. Este año ha sido notable la polémica creada por la selección de galerías llevada a cabo por parte del comité organizador, que ha dejado fuera algunas galerías de nuestro país (en especial se comentan ciertas ausencias territoriales, como la de Andalucía o Galicia, aunque a nuestro entender este no debe ser un criterio relevante) junto a la incorporación de hasta 13 galerías extranjeras que nunca habían estado presentes en la feria, o la vuelta de otras 29 ausentes en los últimos años. Todos estos cambios se encuadran dentro de la estrategia de la nueva directora de ARCO, Lourdes Fernández, por acercar esta feria al nivel de otras grandes citas internacionales como Frieze en Londres o Art Basel en Basilea. Es comprensible que esta estrategia suponga endurecer la selección, aumentando la diversidad internacional sin hacer crecer desmedidamente el número de stands, aún a costa de tener que dejar fuera algunas galerías no necesariamente merecedoras de ello.

ARCO 2008 - LOGO

Más importante que todo esto, sobre todo para el espectador que puede acudir a la feria sin preocuparse demasiado por los problemas internos del gremio profesional de los galeristas, es la presencia de Brasil como país invitado. Los comisarios Paulo Sergio Duarte y Moacir dos Anjos han seleccionado bajo unos criterios muy particulares un total de 32 galerías que ofrecen una imagen muy interesante y positiva del arte brasileño, al que nadie le niega hoy día su enorme pujanza internacional. Esos criterios a los que nos referimos, que contribuyen a garantizar la solidez y rigurosidad de toda la selección, responde a un procedimiento inverso al habitual, en este caso se han elegido los artistas (en realidad la forma habitual de trabajar de un comisario) y después se ha acudido a las galerías que les representan para que los lleven a la feria, o incluso en algunos casos, facilitando el establecimiento de representaciones circunstanciales a este efecto. En esta selección nos encontramos artistas conocidos internacionalmente como Waltericio Caldas, Ana María Maiolino o Nelson Leiner entre otros, y otros mucho más jóvenes nacidos en los 60.

ARCO 2008ARCO 2008

Este bloque de galerías brasileñas junto a la sección Arco 40 (en la que se concentran propuestas más reducidas con respecto al Programa General, ya que solo se ofrece un espacio de 40 metros cuadrados en el que incluir obra de tres artistas) y los espacios dedicados a publicaciones y nuevos medios (la sección Expanded Box comisariada por Claudia Giannetti), ocupan un nuevo pabellón, el 14.1 situado en la segunda planta a continuación del 14. Esta variedad y disposición de espacios hacen de esta una de las partes más interesantes y entretenidas de la feria, por la que es recomendable empezar. De los artistas de este pabellón superior mencionaremos de manera personal e incompleta unos asequibles y atractivos acrílicos sobre papel de Daniel Lergon en la Galería Christian Lethert (Colonia, Alemania), las fotografías de Ira Vinokurova de la Galería Clara María Sels (Düsseldorf, Alemania) o los artistas de 10 Chancery Lane (Hong Kong, China): Another Mountain (Wong Ping-Pui) y Simon Birch.

ARCO 2008

Obras de Hyun Koo Kang – Galería Arario (Cheonan Seul/Bejing Nueva York)

Por otro lado, merece una mención especial el trabajo que ha realizado el arquitecto Juan Herreros del estudio Ábalos&Herreros, separando el espacio de los vestíbulos a la entrada de los pabellones, del espacio interior, únicamente dedicado a los espacios para las galerías. Además, se ha huido de un diseño de retícula uniforme, e incluso de una misma planta para todos espacios, siendo los galeristas los encargados de adaptarlos a sus necesidades, en algunos casos –como el de la Galería Carles Taché– suprimiendo algunas paredes y dejando espacios amplios y diáfanos en los que las obras lucen especialmente. Todo esto contribuye a mejorar notablemente la experiencia del recorrido. Sin embargo lo anterior sería por si sólo insuficiente si no pudiéramos destacar la positiva impresión general –con sus altos y bajos como es natural– que causa la equilibrada combinación en el Programa General de grandes nombres, obras de artistas menos conocidos pero en absoluto menores y en lo que se refiere a la selección de disciplinas, con una mayor presencia de pintura y fotografía, en segundo lugar escultura, y en menor medida instalación, videoarte o nuevos medios. Quizá porque en tiempos de crisis económica se apuesta por valores más seguros, o porque estamos lejos de las tendencias de décadas anteriores. De nuevo mencionaré de forma improvisada algunas de las obras que se han quedado en mi memoria, por ejemplo, obras de Tony Cragg se pueden ver en varias galerías pero algunas de las más impresionantes por su tamaño son las presentadas por Carles Taché. También Janis Kounelis. O las superficies de relieves sutiles y oscuros de Vasco Araujo en la Galería Filomena Soares. La fotografía sobre aluminio de Yotta Kippe en Canem, o Lidia Benavides en Estiarte. Así mismo, un grupo obras de Jaume Plensa (este año muy destacado por varias exposiciones), fotografías de Sascha Weidner (Toni Tapiès) o los impresionantes cuadros de un realismo fotográfico sobrecogedor de Hyun Koo Kang, presentados por la Galería Arario (Cheonan Seul/Bejing Nuev York). Por último, también me permito recordar las obras de Hiroyuki Masuyama en cajas de luz o los dibujos de carboncillo sobre papel de Robert Longo (Galería Hans Mayer).

ARCO 2008ARCO 2008

Obras de Tony Cragg (izquierda) y Jannis Kounellis

Por delante quedan tres días –de viernes a lunes– en los que ARCO abre para el público en general. Si alguno de nuestros lectores se acerca por allí y tiene interés en añadir su opinión, le animamos a que nos haga llegar sus comentarios. Para los demás, en Art Signal E-News publicaremos nuevas crónicas a lo largo de los próximos días.

Actualización:

El El País publica hoy en su edición impresa del Viernes 15 de febrero un artículo titulado La explosión del arte chino escrito por Catalina Serra. En el se destaca con buen ojo como hicimos nosotros ayer jueves, la obra de Stanley Wong también conocido como Anothermountainman. Próximamente nosotros también podremos publicar más contenidos acerca de este artista, fotógrafo y creativo.


Conclusión de la 27 Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Madrid (ARCO)

Por Oscar García García

ARCODespués de la incertidumbre creada por varios motivos como la apuesta por el arte latinoamericano con Brasil como país invitado, exclusión de varias galerías españolas (como My Name’s Lolita Art, La Nave, Punto) en busca de una feria más internacional y más atenta con las últimas tendencias, una nueva distribución de los espacios y la posible llegada de la crisis al mercado del arte, podemos afirmar que la 27 edición de ARCO ha sido un éxito. Aunque hasta hoy martes no sabremos los resultados finales podemos afirmar que la feria ha sido excelente en cuanto a lo que a ventas se refiere, no hay síntomas de crisis en el mercado y todo apunta a que habrá un aumento de un 15 por ciento en el ritmo de ventas en comparación con el año pasado.

ARCO - Jaume Plensa

Jaume Plensa

Pero dejemos el aspecto económico, que aunque es primordial (hay que recordar que estamos en una feria), ARCO son sus obras y artistas. Este año además de obras de grandes artistas contemporáneos consagrados, no podían faltar Bacon, Picasso, Chillida, Saura, Feito, Miró, Barceló, Valdés, Luis Gordillo, Clavé, Botero…; también ha habido una gran cantidad de fantásticos artistas emergentes y consolidados. Hay que hacer una mención especial a Jaume Plensa que ha diseñado la entrada para esta edición de ARCO con la fotografía de su obra SHO expuesta en el IVAM; varias galerías nos ofrecían sus esculturas realizadas con letras (Galería Lelong), mientras que Guillermo de Osma exponía un escultura de 1951 bastante diferente a sus últimos trabajos. Entre sueños es el título de la instalación, una gran cabeza rodeada de zapatos, que Plensa nos presentaba en el stand de El País. Si hablamos de esculturas hay que citar un gran descubrimiento, al menos para mí, las esculturas de chinchetas y clavos dorados de Jam Fabre (Galería Pelaires). Los hombres blancos iluminados por fluorescentes de Bernardi Roig con una gran instalación en la stand de El Mundo. También merece la pena citar las esculturas de metales retorcidos de John Camberlain o los preciosos remolinos de Tony Cragg.

ARCOEn esta edición ha tomado mucha fuerza y espacio las fotografías y las videoinstalaciones. La Galería Pepe Cobo muestra varias fotografías de Mapplethorpe y de Gonzalo Puch, la galería T20 obras de Raúl Belinchón y Mira Bernabeu, y en la galería Tomás March, Juan Silió y ABC las obras de Sergio Belinchón. El vídeo, las figuraciones o instalaciones están muy presentes, como la video instalación del joven brasileño Marcelius L. en la sala alemana Carlier/Gebauer, la de Melanie Smith en la Galería Peter Kilchmann, la instalación Concept Car del artista austriaco Thomas Struth o la invitación del proyecto de Tonico Lemos Auad de la CRG Gallery de Nueva York a dibujar o escribir con esculturas de palomas negras realizadas en grafito en las paredes del stand.

Si tuviera que quedarme con una de las obras de la feria, algo muy difícil, sería con la magnífica pintura de casi tres metros de alto de Philipp Fröhlich de la Galería Soledad Lorenzo. Pero hay otras muchas obras y artistas que citar como el cuadro hecho de caramelos «sugus» de La Strategia Corporation (galería T20), los retratos de Jaime Súnico (galería Senda), Peter Zimmermann (Distrito Cu4tro), Nano 4814 (galería Ad Hoc), Broto (Soledad Lorenzo), Daniel Canogar, Carlos León (Max Estrella), Gerardo Burmester y Santiago Ydáñez (Luís Adelantado), Yue Minjun, Calapez, Kirsten Everberg, Rogado (Mark Müller), AES+F (Salvador Díaz), José Mª Yturralde (Gering & López), Jason Martín (Mario Sequeira), Antonio Murado y Kimiko Yoshida (Álvaro Alcazar).

Textos reproducidos por la cortesía de Art Signal E-News.



Presentamos la nueva web dedicada a José Antonio Sarmiento

Por • 31 de enero, 2008 • Tema: Artistas, José Antonio Sarmiento

Captura de joseantonio-sarmiento.comDesde mediados de esta semana está disponible –después de una primera fase de pruebas y ajustes– la nueva web dedicada en exclusiva a la obra y la trayectoria artística de José Antonio Sarmiento. A partir de ahora, se podrá acceder también desde este sitio web, al conjunto de la información sobre José Antonio que hemos ido publicando desde aquí los últimos años. Inauguramos de este modo, un portfolio que contiene en este momento una galería fotográfica formada por cuatro álbunes dedicados a la series “Reversibles” y “Paisajes y Esferas”, junto a otros dos álbunes que incluyen piezas realizadas en el anagama-noborigama de San Cibrián de Ardón: una selección de platos ‘escultóricos’ y la serie «Álamo Blanco» realizada en Marzo de 2007.

Estos contenidos visuales se complementan con textos críticos firmados por Kosme de Barañano o Javier Hernando. A lo largo de los próximos meses iremos introduciendo más contenidos para enriquecer el sitio, circunstancia de la que daremos cuenta aquí convenientemente. Así mismo, la versión inglesa de esta web irá recogiendo más información para acercarla de una manera más adecuada a los visitantes internacionales.



Arcadio Blasco, Happy birthday to you…

Por • 26 de enero, 2008 • Tema: Noticias

arcadi blasco_fondoCarmen González Borrás (Galería 100kubik) prepara, con la colaboración de Antonio Vivas (Revista Cerámica), una publicación para celebrar el 80 cumpleaños de Arcadi Blasco, con fotos y comentarios de sus muchos admiradores. Por supuesto nosotros también nos sumamos a la feliz idea, deseándole un Feliz 80 Cumpleaños en compañía de su familia.
En nuestra colección de cerámica contemporánea tenemos algunas obras de Arcadi Blasco que mantienen su presencia constante en nuestra vida diaria. Una de ellas es un mural de pequeño formato (52 x 52 x 10 cm.), realizado en una sola pieza de arcilla refractaria y empotrado en una estructura de madera. El motivo es una abstracción que se resuelve entre la geometría y el gesto, donde se aprecia: la recreación parcial de la suela de una zapatilla sobre la geométrica de un campo de labor, y una sugerencia -muy sutil- en la que se intuye un orificio que bien podría ser la boca de una vasija. Sin embargo, todo está integrado como si al mismo tiempo se fuese de un momento a otro a disolver en la misma tierra, o se fuese a sumir por el desagüe. La poética que trasciende, el movimiento, nos sugiere el paso del tiempo y la dureza de la existencia. La obra no tiene título, pero de tenerlo personalmente creo que podría ser algo así como «volver a la tierra». Es una obra muy evocadora, y nos gusta cambiarla de lugar y hasta de posición de vez en cuando, no es que sea sistemático pero creo que suele coincidir con el cambio de las estaciones. Como es autoportante en ocasiones la coloco sobre una mesa baja (30cm. del suelo), otras apoyada sobre la pared e incluso posada en el suelo. Con el cambio de perspectivas las lecturas también son variadas y la obra continúa hablando, sin importarle que pase el tiempo.

arcadi blasco_01

La otra pieza que vamos a comentar es muy diferente, forma parte de una serie de dos cuadros de porcelana pintada con óxido de hierro, que nos recuerdan más al dibujo que a la escultura; una ligera curva de la placa proporciona una especie de blandura -como si se tratase de un pergamino-, y el dibujo realizado con óxido de hierro se recrea en la abstracción de unas vasijas (el tema de la alfarería, junto a los muros para defenderse, y el carácter de crítica social son temas constantes en la obra de Arcadio Blasco). Estas dos placas de porcelana, que hemos colgado en la pared -muy juntas- son de considerable belleza plástica y se recrean en el placer del dibujo, sin más.

arcadio blasco_porcelana y óxido

Nuestros mejores deseos para un feliz cumpleaños

Con nuestro afecto y admiración por una trayectoria tan prolífica e intensa
José Antonio y María Jesús Sarmiento

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a continuación reproducimos un extracto correspondiente a un texto publicado con motivo de la exposición de Arcadi Blasco celebrada en Zaragoza el año 2001
texto: Josep Pérez Camps

Arcadio Blasco Pastor (Mutxamel, Alicante, 1928) es un pintor que en la segunda mitad de la década de los 50 encuentra en la cerámica el material idóneo para la expresión plástica. Su formación artística como pintor tiene lugar en la Escuela de Bellas Artes de Madrid, donde llegó a los 19 años, terminando el curso de profesorado en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos de Valencia en 1953. Ese mismo año se traslada a Italia, en donde reside por dos años en la Academia de España en Roma, allí tiene su primer contacto con la cerámica a través de la obra de Nino Caruso y de Carlo Zauli.

Al regresar a España, realiza sus primeras experiencias cerámicas y se interesa por la cerámica artesanal, lo que lleva a trabajar con el alfarero de Cuenca, Pedro Mercedes- con el que intercambia saberes-, y en otros talleres de cerámica popular de Agost y Triana (Cerámica Montalbán). En 1955 instala su primer taller en la nave -cedida por el arquitecto Luis Feduchi- el edificio a mitad construir del Museo de América situado en la Ciudad Universitaria de Madrid, que compartió con José Luis Sánchez, Jacqueline Canivet y Carmen Perujo; allí realizaría, entre otras obras, muchas vidrieras, mosaicos y murales cerámicos destinados, en gran parte, a ornamentar las iglesias que se construyeron por encargo del Instituto de Colonización de los Pueblos de España, colaborando con los arquitectos José Luis Fernández del Amo, Ignacio Gárate, Luis Cubillo, García Benito, Luis Feduchi, Fernández Alba y Fisac, entre otros. El inmenso espacio de este lugar de trabajo para la creatividad también fue utilizado ocasionalmente por pintores como José Vento, Hernández Mompó, Rafael Canogar, Antonio Saura, etc., que tenían necesidad de realizar obras de gran formato y no disponían de espacio suficiente en sus estudios. Este taller provisional llegó a convertirse en un lugar de encuentro de artistas de la joven vanguardia madrileña.

Precisamente, una de las características más destacables de la trayectoria como ceramista de Arcadio Blasco es su participación directa, entre los años 1945 y 1974, en el nuevo acontecer del arte contemporáneo (…)

(…) Efectivamente, Arcadio Blasco – que había mostrado durante los años 1955 y 1956 sus pinturas en exposiciones colectivas como la X Trienal de Milán o la itinerante Arte Joven junto a artistas como Rafael Canogar (Toledo, 1929), Antonio López (Tomelloso, 1936), Lucio Muñoz (Madrid , 1929), Luis Feito (Madrid, 1929), etc,.- continuó participando a partir de 1959, con obras realizadas en cerámica, en exposiciones como Jonge Spaanse Kunts (itinerante por Amsterdam, La Haya, Utrech, Nueva York, Madrid)en las que figuraban importantes pintores, que como él, participaban de la nueva vanguardia.

Después de una primera aproximación directa al quehacer cerámico, que consistió en emplear la superficie de recipientes como soporte de su vocabulario pictórico – realizando obras con cierta carga decorativa-, Arcadio Blasco se sentirá fuertemente atraído por las cualidades y expresividad de esta materia, y como consecuencia nacerán sus Cuadros cerámicos (1956-64). Se trata de pinturas cerámicas inmersas en el informalismo de carácter abstracto y gestual -realizadas sobre plaquetas, que en muchas composiciones serán el distinto tamaño y grosor-, en las que los esmaltes de colores son aplicados con la técnica del “driping” que el autor utiliza para dejar constancia del gesto en el acto pictórico, al tiempo que persigue conseguir determinadas calidades cromáticas y contrastes matéricos. Esta será la última serie que realizará totalmente con esmaltes coloreados, superficies brillantes y fuerte cromatismo. En todos sus ciclos de trabajo posteriores: Objetos idea (1969), Propuestas ornamentales (1969-74), Arquitecturas y Muros para defenderse del miedo (1970-86), Ruinas arqueológicas (1984-86), Ruedas de Molino para comulgar (1985). Homenajes (1992-95), las arcillas de distintas tonalidades, los engobes, vidriados – menos frecuentes y muy matizados-, y las aplicaciones de óxidos colorantes de tonos terrosos serán – muchas veces sometidos a una cocción reductora-, los materiales protagonistas de sus obras.

En aquel torbellino de búsquedas en que se convirtieron los años 50 para los artistas españoles más inconformistas, Acadio Blasco indaga en las posibilidades de la materia cerámica y encuentra en la arcilla cocida – despojada de sofisticados vidriados- el medio idóneo con el que realizar en volumen sus últimas investigaciones pictóricas, que desembocarán – en cerámica- a finales de los años 60 en relieves y esculturas de compromiso social y crítica política. El frecuente contacto de Arcadio Blasco con alfareros de la península contribuyó sin duda a enriquecer su vocabulario plástico y a encontrar soluciones para su obra, en algunos procedimientos que con una finalidad muy distinta empleaban los alfareros.

Enlaces relacionados:



Acción teatral en el casón del Buen Retiro con Barceló y Nash

Por • 10 de diciembre, 2007 • Tema: Noticias

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Divertimento con la arcilla: PASO DOBLE (acción teatral)

«Barceló muestra el proceso de creación con un «performance» en el Casón del Buen retiro» (acceso a la noticia publicada en ArtSignal E-News)

DVD de la performance, editado y producido por Les Poissons Volants, a la venta en: PASO DOBLE de Miquel Barceló y Josef Nash

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Regalar Arte; y algunas noticias más de la actualidad

Por • 6 de diciembre, 2007 • Tema: Exposiciones, Noticias

MADRID
Regalar Arte
Galería Cuatro Diecisiete
Inauguración: 11 de Diciembre de 2007

platos jasarmiento regalarte Un año más «Integrar el Arte en la Vida Diaria» es la propuesta de la galería madrileña Cuatro Diecisiete, durante su exposición colectiva de Navidad dedicada a los artistas de la galería (pintura, escultura, fotografía, cerámica y joyería o diseño). En cuanto a la cerámica, están presentes los artistas habituales de la galería y este año hay la novedad de la inclusión de la ceramista y escultora sueca Helena Andersson. Estableciendo dos apartados, en el de «utilitario» bandejas o fuentes de Helena Andersson y nuevas piezas de José Antonio Sarmiento, Eva Castaño, Manuel Sánchez Algora, Pilar Soria y María Asperilla; en el de «objetos-escultura» obras de dimensiones domésticas de María Bofill, Carme Collell, Madola, J-A. Sarmiento, y María Oriza.

Todas las piezas para la mesa son también obras únicas, cada pieza ha sido realizada individualmente por lo que nos sugiere hacer un juego con obras de varios autores o con distintas y diferentes piezas del mismo autor. Mezclar estilos, técnicas y materiales (gres, porcelana, earthenware, etc.); la cuestión es que nada tiene porqué hacer juego con nada. La propuesta artística resulta sugerente y práctica, pero sobre todo emite el mensaje de terminar con la monotonía en la mesa: ¡¡Nunca más una mesa aburrida!!.

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José Antonio Sarmiento; platos y bandejas, stoneware anagama

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Helena Andersson; bandejas o fuentes, earthenware

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Eva Castaño; porcelana

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Galería CuatroDiecisiete

(Imagen superior (dcha): platos de gres esmaltado, autor: J-A. Sarmiento)

Expo VienaVIENA 3ª Muestra Internacional de Cerámica

En la que ha sido tercera edición de la muestra del Foro para el Arte, el ceramista y comisario de la exposición Mirek Baranski (Polonia, 1959) reunió durante el pasado mes de Noviembre obra de los conocidos escultores-ceramistas españoles: Arcadio Blasco, Enric Mestre, Madola, María Bofill, Rosa Amorós, Carmen Sánchez, Juan Ortí y Marisa Herrón, junto a una representación de otros artistas europeos: Franz Josef Altenburg (Austria), Volodymyr Khyzhynskyy (Ucrania), de Chechenia (Rusia) Elzbieta Grosseová y Pavel Knapek, y la artista emergente procedente de Taiwan Yen-Hua Lee (becada en el 2005 por Kunstforum Piaristen, dentro del programa de artistas en residencia). El objetivo del curator ha sido ofrecer una muestra de escultura cerámica que presente últimas tendencias en esta especialidad artística y establecer relación entre diversas culturas y sus gentes. Desde su punto de vista «igual que ocurre con la obra del pintor, el poeta y el compositor, con su actual creatividad contemporánea, la cerámica de arte crece entre la tensión de su resistencia y fragilidad; en la fragilidad encuentran estos trabajos una especial reflexión sobre la naturaleza humana».

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Mirek Baranski; tierra chamotada (2000) / María Bofill; porcelana (2005)

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Juan Ortí; porcelana (2006) / Pavel Knapek; relieve de porcelana (2005)

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Marisa Herrón; paper-clay (2006) / Carmen Sánchez; t. chamotada (2006)

Kunstforum Piaristen

MILÁN Galleria Magenta 52, del 24 de noviembre al 6 de febrero de 2008.

Exposición: «6 artes cerámicas 6»; obras de Silvia Esperón, Antonio Gónzález, Hisae Yanase, Alberto Hernández, Rafael Pérez y Toni Soriano.

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Antonio González Pedraza

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Galleria Magenta 52

ZARAGOZA Artespacio, ocurrió en la 4ª Feria de Muestras / Octubre 2007

En el espacio de arte coordinado por el artista italiano Jussepe Strada se incluyeron varias propuestas cerámicas dentro del formato de la instalación, con la participación de creadores de España, Italia y Ecuador; entre otras, las instalaciones de Alberto Andrés (El Carruaje de Cenicienta Siglo XXI), Miguel Ángel Gil (Hibridación), y Guiliana Bellini (¿Medusa?).

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El Carruaje de Cenicienta Siglo XXI (2007)

Alberto Andrés (Palma de Mallorca, 1968); técnica: colada de barro bizcochado (1020 ºC.), hilo dorado y metal.

EL CARRUAJE DE LA CENICIENTA SIGLO XXI

Seguramente, si el cuento de Cenicienta se hubiese escrito hoy en día, habría preferido que sus ratones, en lugar de transformarse en bellos corceles, se hubiesen transformado en unas huchas cerdiformes, y cambiaría la calabaza por una casita apañada.

Los zapatitos de cristal serían ahora un bajo interés en el préstamo, y el hada madrina que concede los deseos: un buen pellizco en la lotería.

Las hermanastras tendrían apariencia de una pareja de la policía poniendo multas, y las doce de la noche sería un atasco en hora punta con el depósito del coche en la reserva.

Menos mal que el cuento ya estaba escrito… sino perdería mucho!!!

(Zaragoza en Octubre 2007, Alberto Andrés)



Exposición en la Galería CuatroDiecisiete: Aproximaciones al paisaje

Por • 24 de mayo, 2007 • Tema: Exposiciones

Cuatro Diecisiete (Vista Vertical)Exposición colectiva, pintura y cerámica
Galería Cuatro Diecisiete
Príncipe de Vergara, 17
28001 Madrid
Tlf 91 435 30 29
Del 24 de mayo – 21 de junio de 2007

Pintura y Cerámica en la mirada de doce artistas hacia el Paisaje, y una exquisita selección de obras, es lo que en la exposición actual nos ofrece desde hoy la galería madrileña CuatroDiecisiete. Seis pintores y seis escultores cerámicos, en un diálogo expresivo inspirado en la naturaleza.

Pintura: Pepe Enguídanos (Albacete, 1962) y Miguel García Cano (Obejo -Córdoba, 1957), trabajos articulados a través de la representación onírica; Eduardo Millán (Jerez – Cádiz, 1979), el desarrollo de una narrativa tomando como referencia su entorno vital; David Casals (Centelles – Barcelona, 1976), la visión de un naturalismo renovado; Carmen Varela (Madrid, 1959) y González Olivares (Salobreña -Granada, 1976), dos reflexiones desde sus particulares visiones del paisaje urbano.

Escultura Cerámica: Madola (Barcelona, 1944), mediante un informalismo de gran potencia vital y presencia robusta su obra ofrece la configuración de un paisaje para la reflexión; María Bofill (Barcelona, 1937), en el verso de porcelana la poética nos transporta a lugares y parajes cuya escala íntima nos permite saborear el silencio; José Antonio Sarmiento (León, 1956), el fuego, y cómo este es aplicado, adquiere un carácter escultórico, plástico y pictórico en su obra: la fuerza de los volúmenes inspirados en los paisajes que habita –ya sea el páramo o la costa- no impide profundizar sobre el concepto de la vasija y la integración del arte en la vida; Carme Collell (Vic, 1951), explora un neoconstructivismo de suave textura con el que define la tensión de la geometría, musicalidad que se funde inspirada en la belleza del paisaje de su entorno; Eva Castaño (Madrid, 1964), se ocupa de un microcosmos de matices para mirar a través de los objetos de uso y descubrir cosas de sutileza oriental –aquellas que no son tan evidentes a primera vista, y, sin embargo, desde una contemplación más atenta nos desvela la grandeza que habita en lo pequeño-, la artista lo consigue a partir de un tono afinado en la tesitura de la profundidad de los esmaltes y barnices con los que forma delicados paisajes en el cuerpo de de un cuenco de gres o porcelana. Anna Blanco (Londres, 1961), artista multicisciplinar (escultura, pintura, fotografía y grabado), en esta ocasión ha pintado utilizando como lienzo la cerámica, contando con la colaboración de la ceramista Eva Castaño.

Cuatro Diecisiete

Pase de diapositivas con imagenes generales de la exposición

Disfrutamos de una buena exposición que sin duda agradecerán los clientes de la galería. La elección de cada cual sobre llevarse a casa, como poco una, y mejor dos obras será acertadísima. Además de por la excelencia de los autores que ha reunido, también por el rasgo de complementación entre las perspectivas de dos géneros. Y no lo decimos por ser pintura o cerámica, eso es lo de menos, sino por tener en cuenta la complejidad de la expresividad plástica y conceptual que estos autores nos proponen, desde su visión del presente: con mentalidad actual y reposada en un tema profundamente arraigado en la intemporalidad.



Joan Gardy Artigas

Por • 5 de mayo, 2007 • Tema: Artículos, Artistas

Gardy Artigas I JOAN GARDY ARTIGAS (Paris, 1938). Recibió el conocimiento de la cerámica de la mano de su padre, Josep Llorens Artigas, con quien colaboró desde su época de estudiante como asistente de las obras que Artigas y Joan Miró realizaron en Gallifa. 1953-1958.- Trabajó como ayudante de Joan Miró, en 1957 realizaron el mural de cerámica para la UNESCO en París. Miró falleció en 1983, pero hasta un año antes contaría con la colaboración de Gardy. Desde finales de la década de los cincuenta, Joan Gardy se instala entre Gallifa (Barcelona) y París, primero para estudiar un tiempo en L’ Ecole du Louvre, y establecer seguidamente un taller de cerámica en París donde, al tiempo que realiza su obra personal, continúa colaborando con Miró y con otros artistas de la vanguardia, entre ellos Braque y Chagall. Al lado de Artigas y Miró pudo tomar contacto con la esfera artística internacional más relevante. Desde muy joven, la calidad de su trabajo le introdujo en el grupo de jóvenes artistas de la prestigiosa Galería Maeght, junto a los nombres de los artistas consolidados entre los que figuraba Picasso, Miró, Giacometti o Calder, entre otros.

Gardy Artigas III

Joan Gardy Artigas, de la serie Monstres

Pintura, escultura y cerámica son los medios en los que Joan Gardy Artigas desarrolla su talento artístico. En 1960 realiza su primera escultura, y desde 1963 firma su obra con el apellido materno (Gardy) en primer lugar, seguido del segundo de su padre (Artigas), mediante el cual el maestro de la cerámica sería conocido internacionalmente (el apellido Llorens de su padre había quedado entendido como segundo nombre propio). Alberto Giacometti le ayudó a emprender la decisión de dedicarse a la escultura, y le enseñó el uso de otros materiales. Desde 1960 la obra de Joan Gardy Artigas ha estado presente en importantes exposiciones y galerías de España, Francia, Alemania, Suiza, Japón y Estados Unidos, entre ellas la Galería Lelong en París.

En 1961 viaja a Japón con una beca de la fundación March y allí trabaja con los maestros japoneses, aprendiendo las técnicas orientales de la cerámica. Entre su obra de carácter monumental podemos citar, a modo de resumen: Toleráncia, 1996 (Atlanta, Estados Unidos); Terra y foc, 1983 (Avda. Diagonal, Barcelona); Porta per una ciudad (11 m.), 1974 (Gerona, autopista A-17 entre Barcelona y Francia); La Porte Bleue (8.5 m.), Forme en femme (6 m.), 1973 Chamonix (Francia).
En varias ocasiones ha dirigido algunos workshop, en calidad de artista invitado en universidades de Estados Unidos, así como en la Fundación Miró de Palma de Mallorca.

Gardy Artigas IIGardy Artigas IV

Joan Gardy Artigas, El sueño de la razón

Gres, cocción anagama: 66 x 42 x 24 cm / 73 x 37 x 23 cm

Después de ceder el estudio de París a su hijo Isao Llorens Ishikawa, su obra más reciente se concentra especialmente en la materia cerámica; en el 2004 es invitado a la fundación del Ceramic Cultural Park, Shigaraki (Japón). Con la ayuda de unos amigos de Bizen, especialistas en hornos de leña de alta temperatura, construye en el 2004-2005 un horno anagama en el taller de la Fundación Artigas. La temática de algunas de las esculturas cocidas en el anagama, se agrupan en su mayoría bajo el enunciado de la serie Monstres (monstruos): un tema inspirado en el aguafuerte de Goya El sueño de la razón produce monstruos (Capricho nº 43 (1793-96), Museo del grabado de Goya).

Gardy Artigas V

Joan Gardy Artigas, Poisson

Utilizando un lenguaje fantástico y mitológico, Joan Gardy Artigas crea una serie de mostruos y personajes en torno a una reflexión constante sobre la condición humana y la vida. Esta temática le sirve de hilo conductor al artista para engarzar la agudeza del pensamiento crítico que le caracteriza, en pos de aplicar su expresión mediante el desarrollo de formas (zoomorfas o antropomorfas) de carácter expresionista.

Gardy Artigas VI

Joan Gardy Artigas

Gardy Artigas VII

Joan Gardy Artigas, Poisson

Formas extraídas de su vocabulario personal que trascienden en un profundo significado al desenmascarar los monstruos de la sociedad (la representación del pez está muy presente en la trayectoria de su obra, siendo característica de su trabajo del modo en que también lo es la utilización de la mitología mediterránea de inspiración arcaica).

Gardy Artigas VIII

Joan Gardy Artigas, Poisson

La fuerza de la expresividad formal adquiere y se impregna de un mayor dramatismo por medio de la elección del procedimiento técnico con que la mano y la percepción de Joan Gardy Artigas ha decidido llevar estas esculturas a término, tras consolidar la tensión del modelado mediante una patente presencia del gran fuego, aplicado éste no solo como método de consolidación de la materia sino desde el sentido pictórico como un sombreado efectuado por el flameado de las llamas producidas en el anagama (un horno donde la leña ardiente y las formas del gres comparten un único espacio). En este tipo de horno de leña, el viento, la llama y la ceniza son elementos manejados creativamente de una determinada manera, para imprimir una pátina que pone de manifiesto el color de la tierra y su textura, grabando los acontecimientos del proceso y la interacción con los elementos de la naturaleza.