Exposición: Hasta el 2 de abril de 2006

Unos días antes de su clausura nos acercamos hasta el Museo de Granollers (Barcelona) para contemplar la exposición “Cumella, processos escultòrics” -también título del catálogo (texto en catalán) publicado para la ocasión y testimonio de esta interesante muestra comisariada por Manel Clot con la asistencia y colaboración de Glòria Fusté.

La exposición ha reunido un total de 106 obras (28 esculturas y 78 piezas de torno) procedentes de la colección de la familia Cumella, de colecciones particulares y fondos de diversas instituciones, fechadas entre los años 1935 y 1981; obras que conforman una interesante representación de cada década comprendida entre las mencionadas fechas, para entender lo que representa, en el ámbito de la cerámica contemporánea de nuestro país, el trabajo y la creación personal de este reconocido artista. «Para reflexionar sobre el proceso escultórico, y explicar la trayectoria cívica, artística y cultural del artista», en palabras de la organización de la muestra.

Antoni Cumella (Granollers, 1913-1985) forma parte de la historia del arte contemporáneo de nuestro país. Su obra es un referente para la cerámica artística catalana; para la alfarería de estudio que desde la inquietud artística se expresa por medio del torno y el modelado. Vasos (gerros) y volúmenes en el espacio, ambos temas por él tratados y concebidos desde la misma sensibilidad, bajo el criterio de la perspectiva escultórica, representan el trabajo de una vida dedicada al arte; una inquietud con lenguaje cerámico: gres de gran fuego, dominio del oficio y la técnica, pero también desde la percepción del arte moderno.

Del catálogo de la muestra extraemos las palabras del artista: “La ceràmica és una escultura de revolució”. Tal afirmación es sin duda reveladora de su universo: Vasos torneados, bañados por esmaltes mates, satinados y aterciopelados, de gran profundidad y amplia variedad de matices. Volúmenes en el espacio, modelados de abstracción antropomorfa, y vegetal.

Cumella interpretó la alfarería como escultura: recibió la inspiración de la naturaleza, de las obras artísticas que admiró (desde Gaudí, Artigas, Le Corbusier, Mies van der Rohe, Manolo Hugué, Cézanne, la cerámica Sung, la filosofía de la Bauhaus…), desde el conocimiento del oficio (que recibió por lazos familiares), de su experiencia vital, de su preocupación por la cultura. En palabras del curador de esta muestra su obra se describe como “relación con la naturaleza, el material, la forma y el volumen”.

Si la memoria no nos falla, hacia mucho tiempo que no se había podido contemplar en nuestro país una retrospectiva dedicada a este artista; desde 1986 en lo que fue el Museo de Arte contemporáneo de Madrid, “Homenaje a Cumella”. Así pues esta ocasión merece una celebración, también porque ha recogido después de dos años de trabajo una importante documentación sobre la trayectoria del ceramista: desde 1928 fecha en que realiza sus primeras piezas cerámicas (con quince años de edad), fotografías sobre su obra mural, sus exposiciones más importantes, las relaciones con otros artistas y personajes relevantes de la cultura, y los reconocimientos que obtuvo a lo largo de tan fructífera carrera en España y en el extranjero. Una documentación que seguramente será de interés para los estudiosos de su obra.

Fotos: Pere Cornellas

(Más fotos en continuar leyendo; gentileza y colaboración que Alfar Galería Azul agradece al Museo de Granollers)

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Hikidashi es el término japonés que describe la acción de sacar al rojo, incandescente, la pieza del horno.

Desde 1980, el artista plástico José Antonio Sarmiento (León, 1956) se expresa desde el medio cerámico a tiempo completo. Siempre desde la visión artística, de su experiencia como pintor, escultor cerámico y alfarero de estudio, ha conseguido que toda la expresión de su arte, pueda contemplarse en la palma de la mano a través de una taza “sacada al rojo”.

Organizado por Galería Azul, solamente una vez al año y durante una semana, José Antonio Sarmiento abre su estudio para compartir e impartir sus conocimientos, su experiencia, modo de moverse y sentir la cerámica. Hikidashi (sacar al rojo) es un método directo que se implica con el fuego de baja y alta temperatura: le permite explicar con claridad y fluidez –durante los cinco intensos días de demostración y trabajo con los participantes– conceptos que son fruto de años de experiencia sumados al sentido de percepción.

El lugar: su estudio-alfar, en San Cibrián de Ardón a 15 Kms. al sur de la ciudad de León (España); una atmósfera propicia para la creación, en la tranquilidad del campo.

PROGRAMA

Teoría y demostración: pastas, esmaltes de baja, reservas, terra sigillata, humo, reducción postcocción, esmaltes de alta y marcas de conchas.

Práctica: Después de ver las demostraciones, cada participante podrá hacer su propia pieza y terminar las que se le entregarán bizcochadas.

Horario intensivo desde las 10h AM hasta última hora de la tarde o lo que precisen las hornadas.

Precio: 450 € (incluye materiales y cocciones) / Plazas limitadas.

Más información sobre Hikidashi

La pregunta sería: ¿puede considerarse “Arte” una pieza utilitaria, aun si ha sido concebida con ambas intenciones? La respuesta puede ser contradictoria dependiendo de la mentalidad, el conocimiento y la visión de quien a dicha pregunta responda. Al menos en ese sentido, Japón es un país que se ha caracterizado por su sentido común; y no digamos que ha sido exclusivamente reconocido internacionalmente por los avances en el campo de la tecnología, pues en el terreno artístico ya nuestras vanguardias históricas se dieron cuenta de aquella avant-garde establecida por los primitivos maestros de té (filosofía Zen, s.XVI), al contemplar como tal una determinada cerámica y por ello la taza de té elegida para dicha ceremonia (chanoyu), ampliando así los límites del arte de un modo sin precedentes; hecho que, sin duda, ha supuesto toda una inspiración para la modernidad.

A ese sentido común anteriormente mencionado, se debe que la modernidad pueda convivir en perfecta armonía con la sabiduría de las tan respetadas e incluso preservadas tradiciones japonesas (lo que incluye el hecho de favorecer la transmisión de conocimientos de primera mano, o lo que es igual impartidos por artistas a los que el departamento de cultura nipón otorga el rango de “Tesoro Nacional viviente”/o, intangible). Siempre se habla del importante arraigo en la tradición que tiene allí la cerámica artística, y mucho más si resulta que es utilitaria. Y es que en cierto modo siempre se contempla como extensión de la tradición aun siendo obvia su diferencia, o lo que es igual, aun siendo una interpretación personal impregnada de la expresión de su autor. Esto ocurre porque en su interior, el autor, siempre se siente deudor de sus antecesores.

En las imágenes precedentes, pueden contemplarse dos obras distantes en el tiempo (450 años): una taza de té realizada por Chôjirô (Raku I), y otra del presente heredero del sello Raku (XV generación) o actual Kichizaemon.

Sin embargo, cuando en el Oeste se escucha la palabra tradición, sin más matizaciones, tal afirmación parece inducir a interpretaciones confusas con respecto a lo que algunos occidentales consideran un “estar en la modernidad”; y esto se debe más a un tipo de mentalidad conservadora adherida a ciertos postulados académicos del pasado. Por poner un ejemplo práctico es preciso subrayar que, por lo menos en términos artísticos, lo que se define como tradicional para un occidental es muy diferente de lo que dicho término significa para un japonés. Para entenderlo hay que tener en cuenta que allí, en lo que se refiere a la creación, la denominada “tradición” nunca se ha interpretado como obstáculo para el desarrollo de la creatividad, la expresión personal y el avance. Es más, dichos conocimientos se han interpretado como bagaje cultural que ha aportado el conocimiento del oficio tan necesario del “saber hacer”; así pues, la expresión de «su tiempo» (siempre desde “su” visión contemporánea) realiza un arte capaz de integrarse en la vida diaria: como objeto digno de ser contemplado, lo que no significa que no pueda ser útil al mismo tiempo.

Mas esta interacción entre la expresión artística y la vida, no solamente le incumbe a una línea discontinua que engarza el presente con la tradición. Desde el punto de vista de la modernidad y de todo lo que se arriesga a transpasar lo establecido: artistas contestatarios como lo han sido Noguchi, Yagi, o lo es actualmente Ryoji Koie son una realidad. De este modo, la “taza”, en su simplicidad, se muestra ante el espectador/usuario como “tema” para la expresión y representación de una apertura en la mirada y en el concepto, capaz de disolver cualquier frontera:sobre lo artístico, pero también entre la mentalidad del Este o del Oeste.

Artist Potters.com: exposición de tazas

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El término japonés keshiki se refiere a los “paisajes” formados en la cerámica cocida en el horno anagama: los efectos conseguidos por la experiencia y el conocimiento del ceramista junto con los fenómenos naturales ocurridos dentro del mismo horno, cuando en éste se ha alcanzado y mantenido durante un tiempo considerable, desde al menos cuatro días, altisima temperatura (fuego blanco).

Estos matices y marcas de fuego narran la historia de lo ocurrido: la acumulación de ceniza, la temperatura y la atmósfera o el viento, el lugar y la posición que las piezas han ocupado dentro del anagama.

Acercamos la mirada a algunos de estos paisajes. Entiéndase que hay muchos más y que a su vez cada uno de ellos puede derivarse en una variedad sin límite. De igual modo, las denominaciones o nombre propio que los distingue una veces no son más que símiles lógicos en alusión inspirada por el recuerdo de cosas encontradas en la naturaleza, otras simplemente son una sencilla descripción de lo ocurrido, de los materiales manejados y de los fenómenos acontecidos por las condiciones.

Las fotos, pertenecen a detalles de la obra de José Antonio Sarmiento (España – León, 1956), horneada en anagama durante siete días y en un rango aproximado de entre 1300 y 1350 grados ºC, dependiendo del lugar o situación que la pieza ocupó en el anagama.

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La experiencia de Chillida es una experiencia de los límites,
y en cierta manera un intento de interrelación o de transgresión de los mismos, como lo es la experiencia de los místicos en el terreno del lenguaje

Kosme de Barañano

Comisariada por Kosme de Barañano, la exposición itinerante por tres ciudades japonesas mostrará más de 60 obras entre esculturas, grabados y terracotas de Eduardo Chillida (1924-2002), el genial escultor donostiarra. Obras que, siguiendo el calendario del 2006, pueden y podrán contemplarse: del 21 febrero al 2 abril en el Museo de arte de la Prefectura de Nagasaki, del 11 de abril al 21 de mayo en el recientemente renovado Museo de Arte de la Prefectura de Mie,y, del 10 de junio al 30 de julio en el Museo de Arte Moderno de Kamakura.

Eduardo Chillida decía que su obra es reflejo de la luz negra de su tierra, la luz del País Vasco. Su trabajo, supo recoger esa luz junto con el sonido, la respiración y el lenguaje de los materiales empleados. El hierro, el acero, el hormigón, el alabastro, la madera, la piedra, el fieltro, el papel y la tierra cocida fueron los medios que utilizó para reflexionar sobre lo esencial. En las obras de Chillida pueden contemplarse la gravitación, la pesantez, la geometría que esculpe el vacío, o también lo lleno. Precisamente, sobre lo lleno hablan las terracotas de Chillida; él las llamó lurras (en el idioma euskera). En las lurras de Eduardo Chillida puede sentirse la potencia, el peso de la expresión maciza. Trabajó en estas obras desde 1977 en St. Paul de Vence (Francia), con la colaboración y en los hornos del ceramista de estudio Hans Spinner; Chillida se entusiasmó con el peso de la tierra chamotada, con el sonido de la pella al caer sobre la madera. Se encontró con un material en sus manos que moldeó en grandes bloques escultóricos; en forma de estelas; en forma de losas que utilizó como muro de sus pinturas con óxidos de hierro y cobre. En las lurras puede saborearse la alta temperatura y la tonalidad de la cocción: limpia cuando el artista eligió el horno eléctrico, y, la marca del fuego en la piel gresificada cuando optó por la cocción de leña.

Exposición: Xavier Toubes, GLOBAL

En la Fundación Seoane, A Coruña. Desde 26 Oct/05 y hasta 13 de marzo del 2006.

La Fundació Luis Seoane – A Coruña, inauguró,con obra de Xavier Toubes, su proyecto cultural «Espacio no disponible». En este proyecto, se invita a un artista a mostrar obra en los espacios no habituales de la fundación (patio, claustro o biblioteca). La iniciativa es interesante además de por insertar el arte en el deambular del espectador (con el que éste se topa, aun sin buscarlo), por la espléndida publicación que con tal motivo se le dedica al artista elegido. La extraordinaria obra del prestigioso artista gallego residente actualmente en Chicago, se articula por el recorrido designado bajo el enunciado de Global :

Una referencia al momento histórico actual, en lo que lo local y universal se tocan sin mezclarse completamente, a un momento político concreto, en el que todo parece nuevo (…)

Para seguir leyendo entrar en la pagina de la Fundación, ir a: agenda, y abrir “Espacio no disponible”.

Artium Vitoria-Gasteiz

Charlas Julio 2005 sobre cerámica japonesa, organizadas por el colectivo de ceramistas vascos EKG.

Ponentes por orden de intervención: María Jesús Sarmiento, Carmen Ballester, Hisae Yanase, Pepa Jordana y Angel Garraza.

Extracto de la conferencia «El horno anagama y noborigama»:

Cocer la tierra es el método de conseguir, a partir de un material blando y maleable como lo es la arcilla, otro material: duro, consistente y resistente. Hace 26.000 años que el hombre comenzó con esta tarea, y hasta hoy se han desarrollado muchos métodos que a su vez tienen una relación directa con los combustibles empleados: leña, carbón, gasóleo, propano, gas natural, etc. Sin duda, la leña es el combustible que se ha utilizado durante más tiempo.

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Exposición: Richard Deacon, The Size of it (2 junio al 28 agosto 2005)

«Noventa y dos pequeños estudios en cerámica situados en un lateral de la sala,se muestran como vértebras de un mismo cuerpo expositivo, del pensamiento y la obra, que el escultor Richard Deacon nos presenta en ARTIUM de Álava. Diferentes formatos, desde 5cm a 12 metros, y diferentes técnicas y materiales escultóricos son atravesados por el mismo espíritu vinculante que define una trayectoria de trabajo representados en la exposición. Varias piezas de gran formato,dibujos y la imponente presencia de cuatro grandes esculturas se conjugan explicitamente de este artista galés nacido en 1940» (extracto del encarte de la muestra).

Exposiciones en el ámbito internacional:

• En Londres, Galerie Besson mostró dentro de su exposición colectiva anual obra de José Antonio Sarmiento.
• En Munich, Galerie b15 exposición individual de Enrique Mestre, uno de nuestros maestros consagrados.
• En Ginebra, el Museo Ariana reúne hasta el 20 de Marzo del 2006 escultura cerámica de algunos de los autores españoles más conocidos internacionalmente: Claudi Casanovas, Enric Mestre, Ángel Garraza y Xavier Toubes.

El presente artículo fue escrito y publicado originalmente para un encarte de la exposición «Después del invierno» de José Antonio Sarmiento. En él se tratan aspectos de teoría estética y de filosofía del arte, a través de la consideración de obra de José Antonio Sarmiento.

Para esta tarea se parte de distinciones como la de «arte aurático» (que aparece reseñada en el mismo título del artículo) y que viene a contraponerse a la de «arte post-aurático». Esta distinción tiene su origen en el escrito de Walter Benjamin titulado La obra de arte en la era de su reproducción técnica. Otras referencias utilizadas para realizar este análisis son la obra de Arthur C. Danto Después del fin del arte así como la concepción del arte como techné de Aristóteles.

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