Archivo del tema ‘Exposiciones’

Xavier Toubes – Tras dos agros

Por • 13 de junio, 2007 • Tema: Exposiciones

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Exposición en el CGAC
Centro Galego de Arte Contemporánea
Rúa Valle Inclán s/n; Santiago de Compostela (Galicia, España)
horario: 11 a 20 h. Lunes cerrado.
TRAS DOS AGROS. Xavier Toubes
del 14 de junio hasta el 2 Septiembre 2007
comisario: Vincent McGourty

«Los ámbitos líricos que enmarcan la obra de Xavier Toubes se extienden desde la magnificación lo minúsculo, un azulejo de unos centímetros, hasta los que buscan la expresión más allá de los límites de la contención: en el amplísimo campo magnético del cosmos. Los territorios existen. Pertenecen al reino de la experiencia. Estas descripciones sin lugar definen el viaje que va desplegando una “Tendencia hacia delante” del artista. Da entrada al estado donde la identidad se disuelve y se hace perfectamente fluida». (V. McGourty)

Xavier Toubes – Tras dos agros I

Exposición de Xavier Toubes en CGAC

Xavier Toubes – Tras dos agros II

TRAS DOS AGROS. Xavier Toubes



Lin Utzon: Retrospectiva

Por • 28 de mayo, 2007 • Tema: Artículos, Exposiciones

Lis UtzonExposición Retrospectiva
Hasta el 1 Julio de 2007
Ses Voltes
c/ Dalt Murada s/n; Palma de Mallorca
Horario: Martes a Sábado 10 – 17.45h. / Domingos y festivos: 10 – 13.45h.
(Instituciones: Colegio oficial de arquitectos de las Islas Baleares, Ayuntamiento de Palma, y CAM (Caja Mediteráneo)

Dibujo en tinta sobre tela o papel, pintura, cerámica, escultura, objetos (en cristal y porcelana), entre otros, son medios en los que se expresa desde muy joven la diseñadora y artista danesa Lin Utzon. Una obra inspirada en la naturaleza, en muchas ocasiones vinculada extrechamente con la arquitectura y los objetos. El encuentro de la belleza en la simplicidad, en la utilidad del cromatismo escueto y fuertemente vinculado con la tradición cerámica: el blanco de la porcelana y el azul cobalto, en la tinta china, en la apropiación de la tradición para construir una re-interpretación moderna.

A principios de este año una noticia recogida por los diarios de Mallorca comentaba que Lin Utzon inauguraba una pieza monumental de 5 m. de altura, Ses Palmeres, en una glorieta de la localidad mallorquina de Porto Petro (el monumento se compone de tres columnas helicoidales de hormigón revestidas con un trencadís de azulejo blanco rematadas en hojas de palmera); una obra «silenciosa» en palabras de su autora, realizada en homenaje a la mencionada localidad que la artista considera su segunda “patria”, y al arquitecto de la Llonja, Guillem Sagrera, («las columnas helicoidales de la Llonja -afirmaba en una entrevista con motivo de la inauguración- son un milagro»). Este mes la noticia es su primera exposición retrospectiva en la Isla. Exposición que puede contemplarse hasta el primero de Julio –con el patrocinio y gentileza de varias instituciones– y por la que ha merecido la pena el viaje que hicimos la semana pasada a Mallorca.

Lin Utzon I

Lin Utzon Mural y vasija con motivo vegetal

El magnífico espacio de Ses Voltes no podía resultar más adecuado para acoger una selección de obra que además de ser notable en sí misma, ha resultado completa en su conjunto y admirable por el exquisito gusto demostrado en su modo de presentación, incluso por la cuidada elección y disposición temática de cada una de las piezas que vertebran la exhibición. Un trabajo impregnado de aire puro que permite conocer a la autora con bastante precisión.

Lin Utzon II

Lin Utzon, cerámicas

En su obra trasciende una musicalidad que, en el ritmo, yo me atrevo a calificar de andante man no troppo. En la limpieza, el orden, el inusitado sonido atonal utilizado, como si de una partitura de Schönberg se tratase, disfruta de esos “acordes errantes” por medio de un tinte único de color. Resulta impredecible, porque no se sabe hasta qué punto podría proseguir la secuencia de continuidad. Y lo mismo que podría continuar se interrumpe bruscamente, o sale del cuadro para configurarse en volumen: materializándo el eco de una misma voz en forma de vaso. No debe considerarse esta inflexión como complemento sino como irrupción en el espacio, o estacato que da entrada al aire (viento o vacio) en la composición. Con elementos complemantarios (el blanco, el azul cobalto y el pan de plata) se establece un ritmo atonal, de un modo tan peculiar, que hasta puede incluso resultar familiar. Al menos tanto como lo es el ensimismamiento, o si se prefiere decir “vacio de la mente”, experimentado ante la visión de las aguas de un lago. Y también estan esas otras piezas de sabor popular: vasijas (como figuras femeninas con los brazos en la cintura, coloquialmente «en jarras»); mujeres joviales, vestidas cada una de modo diferente, ejecutando una danza festiva y encantadora.

Lin Utzon III

Lin Utzon, Mural y vasijas; porcelana, cobalto y pan de plata

En definitiva, una muestra que mediante un discurso expositivo coherente consigue resumir una basta trayectoria, en la cercania de un temperamento y un discurso tan líquido que empapa el conocimiento; de la credibilidad que trasciende en esta retrospectiva es como si se conociese a su autora familiarmente. Un reto conseguido que al final del recorrido se refuerza didacticamente con un interesante documento audiovisual (en formato DVD) sobre su obra monumental.

Lin Utzon IV

Lin Utzon Serie Cosmic Dance, 1996-2005

tinta sobre tela 200 x 300 cm.

Enlaces relacionados:

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Exposición en la Galería CuatroDiecisiete: Aproximaciones al paisaje

Por • 24 de mayo, 2007 • Tema: Exposiciones

Cuatro Diecisiete (Vista Vertical)Exposición colectiva, pintura y cerámica
Galería Cuatro Diecisiete
Príncipe de Vergara, 17
28001 Madrid
Tlf 91 435 30 29
Del 24 de mayo – 21 de junio de 2007

Pintura y Cerámica en la mirada de doce artistas hacia el Paisaje, y una exquisita selección de obras, es lo que en la exposición actual nos ofrece desde hoy la galería madrileña CuatroDiecisiete. Seis pintores y seis escultores cerámicos, en un diálogo expresivo inspirado en la naturaleza.

Pintura: Pepe Enguídanos (Albacete, 1962) y Miguel García Cano (Obejo -Córdoba, 1957), trabajos articulados a través de la representación onírica; Eduardo Millán (Jerez – Cádiz, 1979), el desarrollo de una narrativa tomando como referencia su entorno vital; David Casals (Centelles – Barcelona, 1976), la visión de un naturalismo renovado; Carmen Varela (Madrid, 1959) y González Olivares (Salobreña -Granada, 1976), dos reflexiones desde sus particulares visiones del paisaje urbano.

Escultura Cerámica: Madola (Barcelona, 1944), mediante un informalismo de gran potencia vital y presencia robusta su obra ofrece la configuración de un paisaje para la reflexión; María Bofill (Barcelona, 1937), en el verso de porcelana la poética nos transporta a lugares y parajes cuya escala íntima nos permite saborear el silencio; José Antonio Sarmiento (León, 1956), el fuego, y cómo este es aplicado, adquiere un carácter escultórico, plástico y pictórico en su obra: la fuerza de los volúmenes inspirados en los paisajes que habita –ya sea el páramo o la costa- no impide profundizar sobre el concepto de la vasija y la integración del arte en la vida; Carme Collell (Vic, 1951), explora un neoconstructivismo de suave textura con el que define la tensión de la geometría, musicalidad que se funde inspirada en la belleza del paisaje de su entorno; Eva Castaño (Madrid, 1964), se ocupa de un microcosmos de matices para mirar a través de los objetos de uso y descubrir cosas de sutileza oriental –aquellas que no son tan evidentes a primera vista, y, sin embargo, desde una contemplación más atenta nos desvela la grandeza que habita en lo pequeño-, la artista lo consigue a partir de un tono afinado en la tesitura de la profundidad de los esmaltes y barnices con los que forma delicados paisajes en el cuerpo de de un cuenco de gres o porcelana. Anna Blanco (Londres, 1961), artista multicisciplinar (escultura, pintura, fotografía y grabado), en esta ocasión ha pintado utilizando como lienzo la cerámica, contando con la colaboración de la ceramista Eva Castaño.

Cuatro Diecisiete

Pase de diapositivas con imagenes generales de la exposición

Disfrutamos de una buena exposición que sin duda agradecerán los clientes de la galería. La elección de cada cual sobre llevarse a casa, como poco una, y mejor dos obras será acertadísima. Además de por la excelencia de los autores que ha reunido, también por el rasgo de complementación entre las perspectivas de dos géneros. Y no lo decimos por ser pintura o cerámica, eso es lo de menos, sino por tener en cuenta la complejidad de la expresividad plástica y conceptual que estos autores nos proponen, desde su visión del presente: con mentalidad actual y reposada en un tema profundamente arraigado en la intemporalidad.



La luz de la oscuridad, Jordi Marcet y Rosa Vila-Abadal

Por • 27 de abril, 2007 • Tema: Exposiciones

Del 20 de abril al 8 de julio de 2007
Exposición: La Lum de la foscor (La Luz de la oscuridad)
obra cerámica de Jordi Marcet y Rosa Vila-Abadal
Muestra comisariada por: Fina Valldaura

Lugar: L’Albergueria, Centro de Difusión Cultural del Obispado de Vic
Carrer de l’Albergueria,1
08500 Vic (Barcelona) tlf/ 93 889 18 57
Horario: martes a viernes 16.30 a 19.30 h; sábados 11 a 14 h. / 16.30 a 19.39 h; domingos y festivos 11 a 12 h.

Marcet y Vila Abadal II Dentro del ciclo Orígenes, se han programado por la Obra Cultural del Obispado de Vic, tres exposiciones: La Llum de la Foscor (de Jordi Marcel y Rosa Vila- Abadal) de la que aquí nos vamos a ocupar, a la que le seguirán La luz de la tierra de los mismos autores (programada para el otoño) y Paraíso (de Jorge Rojas-Golsack, programada para el verano), más dos conferencias (El Génesis a cargo de M. Grané, y La cerámica, vehículo de expresión contemporánea a cargo de Carme Collell, y una audición musical comentada (La Creación, de Haydn); exposiciones y actos que desde la primavera al otoño irán aconteciendo en la mencionada ciudad, a propósito de una reflexión sobre el Génesis.

«Gotas de luz salpican las piezas que caminan con el espectador hacia una mirada que todavía no ha nacido. / La no luz, las humedades, la aparición de la vida vegetal -los indicios- nos acompañan para intuir una vida humana que todavía no ha llegado a la plenitud; permanece incipiente» (…)

Con estas palabras comienza el encarte que presenta la exposición de Jordi Marcet y Rosa Vila-Abadal que abre el ciclo Orígens, una instalación que expresándose a través de la cerámica nos pre-dispone a reflexionar sobre los orígenes, bajo la pauta del relato bíblico del Génesis.

Entramos en la exposición. Estamos bajo la bóveda de piedra de la antigua alberguería, arropados en la penumbra y acompañados por las notas de las Variaciones de Elena Karandrov (compuestas para la banda sonora de La Mirada de Ulises). Las cerámicas creadas conjuntamente por Jordi y Rosa parecen flotar sobre un manto de fieltro que, como un pentagrama, recoge la cadencia atonal de un ritmo pausado. El espectador se encuentra en el recinto sumergido en una atmósfera de tranquilidad, mientras descansa la mirada en cada pieza estableciendo con el pensamiento una relación entre cada una de las cinco obras presentadas y las palabras extraídas del Génesis que a la entrada de la muestra se nos han sugerido:

Pero un manantial brotaba de la tierra y regaba toda la superficie del suelo
Gn. 2.6

Marcet y Vila Abadal I

Vista general de la exposición

Recibe al visitante, un monolito en el que se han dispuesto juntos y en vertical cuatro plafones cerámicos (80 x 80 cm cada uno) formando un único lienzo (la obra se ha colocado a partir de aproximadamente medio metro del suelo y se alza casi hasta la bóveda). Cada plafón está conformado a su vez por cientos de diminutas piezas cerámicas que, por acumulación, componen una masa compacta, en una cadencia de tonalidades oscuras de textura aterciopelada por un esmalte gresificado; entre los fragmentos oscuros, de modo aleatorio, se han insertado pequeños destellos de luz mediante otras piezas de igual medida y forma, esmaltadas con colores casi primarios (cada mural contiene precisamente cinco puntos de esos colores más llamativos, que sin repetirse salpican la oscuridad en lugares diversos). «La elección del número cinco –me explica Rosa Vila-Abadal, coautora de la obra- se utiliza en la numerología como símbolo de la sabiduría; el nº 5 es el número del ‘maestro’».

La presencia vertical, personalmente me sugiere una gran fuerza generadora de vida: la luz en la oscuridad donde explosiona el principio del Universo. Detrás del monolito, literalmente a su sombra, se ha dispuesto a poco más de un palmo del suelo un grupo de recipientes con agua, “vasos-bandeja” donde han brotando delicados tallos que anuncian el comienzo de la vida. La secuencia continua con dos bandejas de madera que, en un salto sincopado, se han elevado en altura para acercarnos a la mirada un grupo abigarrado de pequeñas flores, dispuestas como en un semillero (rojas trompetas de agua en una bandeja y azules en la otra). Los artistas utilizan estos dos colores como representación de lo material y lo espiritual (tierra/agua).

Marcet y Vila Abadal IIIMarcet y Vila Abadal IV

Detalles de las obras

La siguiente pieza de la composición es una bandeja situada a pocos centímetros del suelo, en la que mediante un volumen acromático se simula el movimiento de un campo de arroz mecido por el viento; sin embargo, una mirada más atenta descubre que en realidad lo que parecen hierbas son una representación surrealista de un campo, bajo la figuración de dedos únicamente femeninos (dedos de maniquí dispuestos como una masa vegetal), con cuyo significado o figuración plástica el espectador puede plantearse diversas especulaciones. Concluye el discurso compositivo con una última obra: un cuadro colgado (aparentemente suspendido en el aire), y materialmente construido por un rompecabezas de pequeños triángulos, representación abstracta de rostros humanos; caras diminutas y apretadas unas contra otras en un trencadís de cromatismo suave, en blanco y tonalidades pastel. Un cuadro que absorbe toda la luz en la resonancia de un acorde sostenido, como eco de reflexión social.

El discurso conceptual de la instalación emplea elementos de la naturaleza para expresarse. Se alimenta en el optimismo, y, encuentra la esperanza en el nacimiento de un hombre nuevo. Un hombre más completo que ha de surgir desde el cultivo de la espiritualidad, «de una reflexión artística y social nacida de nuestra realidad contemporánea», sin dejar de contemplar la realidad material de nuestro tiempo.



Escultura. Cerámica ibérica contemporánea

Por • 18 de abril, 2007 • Tema: Exposiciones

Exposición: Escultura. Cerámica Ibérica Contemporánea
Comisario: Antonio Garrido Moreno

Pazo de Cultura
C/ Alexandre Bóveda s/n
Pontevedra
Del 11 de abril al 13 de mayo de 2007

Martes a Viernes: 18-21 h. / Sábados: 11-14 h. y 18-21 h. / Domingos y Festivos: 11 a 14 h.

Escultura Cerámica Ibérica Contemporánea IEscultura Cerámica Ibérica Contemporánea II

Rosa Amorós Gea, 2000/ Heitor Figueiredo Só vendo, 2005

El proyecto en que se desenvuelve esta exposición, según Antonio Garrido, doctor en Historia del Arte, profesor en la Universidad de Santiago y comisario de la muestra, «tiene la intención de realizar una aproximación al estado de la cuestión de la escultura realizada con material cerámico, en España y Portugal». La muestra ofrece, por consiguiente, algunos de los nombres más conocidos y representativos de esta dedicación plástica en la Península Ibérica: Rosa Amorós, Xela Aréa, Arcadi Blasco, María Bofill, Caxiguiero, Heitor Figueiredo, Virginia Frois, Angel Garraza, Antonio González, Emilia Guimeràns, Madola, Benjamín Menéndez, Enric Mestre, Rafa Pérez, Agustín Ruíz de Almodóvar, Cecilia de Sousa, Xavier Toubes, Miguel Vázquez, Sergio Vicente, Xohan Viqueira, Hisae Yanase.

Y aun reconociendo que por limitaciones de espacio o disponibilidad de los artistas, salvedad derivada de los condicionantes que toda exposición colectiva conlleva, si no es posible que estén todos los que por su trayectoria, creatividad e innovación pudiesen participar, subraya que por los mismos motivos antes mencionados todos los que sí están son merecedores de esta distinción.

Escultura Cerámica Ibérica Contemporánea III

Hisae Yanase Flora, 2004

Con esta intención, ha reunido a varios escultores, que el comisario sitúa en el tiempo bajo el epígrafe de tres generaciones, marcando una aproximación del presente y augurando un futuro esperanzador para el horizonte de la cerámica como material escultórico.

Escultura Cerámica Ibérica Contemporánea IV

Arcadi Blasco Homenaje a Paolo Ucello, 2001

Enlaces relacionados:

Post scriptum (12/07/2007)

Itinerancia de esta exposición:

Se ha confirmado que la exposición viajará a Portugal para la Feria de Caldas da Rainha, donde permanecerá dos meses; Inauguración: 16 de agosto 2007 a las 20:00 h.
En octubre y hasta diciembre 2007 podrá verse en el Museo Nacional del Azulejo de Lisboa (20 noviembre hasta el 7 de febrero de 2008).



Exposición en el González Martí resultado de los encuentros en Boassas

Por • 12 de abril, 2007 • Tema: Exposiciones

“II Encuentros Internacionales de Ceramistas en Boassas”
Exposición temporal en el Museo Nacional de Cerámica “González Martí”
Calle Poeta Querol, 2
46002 Valencia (España)
Comisario: Manuel da Cerveira Pinto
Fechas: del 4 de abril al 3 de junio de 2007

“Fomentar el intercambio de experiencias entre los artistas participantes, tras dos semanas de trabajo y convivencia en la localidad portuguesa de Boassas” ha sido, según la organización del evento, el objetivo principal de estos encuentros. Una segunda edición que en esta ocasión ha reunido dos ceramistas de Portugal: Hector Figueiredo y Sofía Beça, con otro procedente de Alemania: Thomas Weberd, y seis de España: Fernando Malo, Jesús Castañón, Juan Ortí, Juan Luis Tortosa, Myriam Jiménez y Xavier Montsalvaje.

Boassas II

Thomas Weber, De la serie “Cajas portuguesas”
Gres refractario, cocción en horno de leña a 1135 ºC.

Boassas I

Myriam Jiménez, Piedras blancas
Gres refractario, cocción en horno de leña a 1135 ºC.

Boassas III

Sofía Beça, Refugio
Gres, técnica mixta, cocción en horno de leña a 1150 ºC.

El resultado del encuentro, tras su anterior exhibición en la Casa Municipal de Cultura del concejo de Cinfaes (Oporto, Portugal) y su paso por Asturias en el Centro Municipal de Arte y Exposiciones de Avilés, cerrará su itinerante ciclo expositivo en Valencia. En el Museo González Martí es donde ahora puede contemplarse, tras su presentación en la mesa redonda “Tendencias actuales de la cerámica”, en la que participaron junto al comisario de la muestra Manuel da Cerveira Pinto, Jaume Coll Conesa (director del Museo Nacional González Martí) y Josep Pérez Camps (director del Museo de Cerámica de Manises). Hasta el próximo 3 de junio, en la sala de la tercera planta que la mencionada institución destina a exposiciones temporales, las obras que se exhiben son fruto de este segundo encuentro celebrado en la pintoresca aldea de Boassas.

boassas IV

Aspecto de la exposición
Sala exposiciones temporales, MNC González Martí

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Miquel Barceló, cerámicas y acciones

Por • 19 de febrero, 2007 • Tema: Exposiciones, Noticias

Miquel BarcelóAl principio imaginé una obra de cerámica, como cuadros que crecían, con unas dimensiones humanas, de unos dos metros, y después la obra fue creciendo. Era una necesidad de la obra, del espacio y del lugar

Miquel Barceló, sobre su intervención en la Catedral de Palma, febrero 2007

Miquel Barceló ha trabajado con los medios y la visión del siglo XXI explorando la materia cerámica desde su estrato primigenio. Ha puesto su mano y expresividad en el interior de una catedral del siglo XIII-XIV; esta obra que ahora contemplamos es el resultado de siete años de trabajo. Según ha dicho le dejaron hacer con absoluta libertad, al enfrentarse al tema de la multiplicación de los panes y los peces.

Barceló - CatedralFrutas(detalle)

Vista general de la Capilla y detalle del mural, Catedral de Palma

Hace unos meses también escribíamos en este blog sobre esta noticia y entonces esperábamos que el artista completase la ejecución de los vitrales en los que estaba trabajando (5 vitrales de 12 metros de altura). Hoy, finalizado el trabajo del retablo de terracotta, las vidrieras y el mobiliario por parte del artista, y efectuadas las complejas labores de instalación de todos los elementos (incluida la iluminación, por cierto, muy cuidada y respetuosa con la obra), la capilla está abierta al público. Su expresividad plástica habla de la naturaleza (del aire, del mar y de la tierra), pero también incita a la reflexión.

Agnósticos o creyentes, cada cual extraerá sus conclusiones para encontrar su “utilidad”. El mural, resuelto plásticamente de un modo muy notable, se expresa libremente en el estilo y gesto que caracteriza a su autor. Si cuando pinta Barceló realiza el volumen superponiendo capas y chorreones de pintura (modela la pintura), en esta obra ha proyectado los volúmenes trabajando por delante y por detrás del paño de arcilla «han sido miles de manotazos, de puñetazos» (Barceló); para dar color ha aplicado en ciertas zonas el engobe como una pasta, en otras como una aguada, y también ha dejado la piel de arcilla roja al descubierto. En la concepción plástica de este mural la «grieta» también tiene un papel importante, en tanto que permite dejar el discurso orgánico de la materia al descubierto, como referente –según sus palabras- de «la idea del artista trabajando en su taller». El mural se ha modelado en paños enteros, se le ha dejado agrietar de forma natural en el proceso de secado para proceder a su fragmentación. El tema, como también es habitual en el lenguaje de Barceló, estalla en una celebración de la naturaleza (el aire, el agua, los frutos del mar y de la tierra): insistiendo en «su» continua reflexión sobre el ciclo natural de la vida.

Teniendo en cuenta que el autor ha declarado no ser católico practicante, aunque si perteneciente a una cultura de creencias cristianas por tradición, entendemos que ha ido más allá de las “creencias” personales, hasta reflexionar sobre valores de sentido universal. En la metáfora de la «existencia» que plantea, sin embargo la escena se detiene en el pasaje bíblico del milagro de la multiplicación de los panes y los peces: los frutos del mar y la tierra ofrecidos en un deseo de abundancia para todos. La figura central del retablo representa la Luz bajo la imagen de Cristo resucitado [desde el suelo se ve como si tuviese la altura de un hombre] elevado sobre un osario de calaveras. Por tradición nuestro país se identifica con las creencias cristianas; esto significa que incluso desde el agnosticismo ciertos símbolos han penetrado en nuestra ética o espiritualidad, cómo reflejos internos que se encuentran fuertemente instalados en la conformación de nuestra cultura. Vemos a los pies de esta figura (Dios y hombre) un libro dorado a modo de pedestal, es la puerta del Sagrario de la capilla; un Sagrario, o lugar sagrado, que se muestra custodiado por cántaros. Las vasijas son precisamente las primeras formas creadas por el hombre y por consiguiente el primer símbolo de su cultura y trabajo: en el destino del hombre está la necesidad de provisión. La metáfora del tiempo parece describirse en las formas de las vasijas; de este modo, quiero decir en forma de cántaro, también se ha representado en muchas obras importantes de la historia del arte universal. Tampoco es casualidad que, el cántaro, sea una forma profundamente arraigada en la cultura mediterránea: países bebedores de agua, de vino y aceite.

En los días precedentes al 2 de febrero, fecha de la inauguración de esta capilla de la Seu de Palma de Mallorca, otrora de San Pere y ahora «Capilla del Santísimo», su autor estuvo muy ocupado atendiendo a todos los medios de comunicación. La intervención artística ya está siendo contemplada como obra fundamental de nuestro tiempo. En sus declaraciones, el autor, ha querido subrayar la importancia de haber podido contribuir con una obra contemporánea dentro de una catedral -entendiendo que en nuestra cultura representa el símbolo de la espiritualidad por excelencia-, «el mejor lugar para el “encuentro”».

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Caxigueiro: “Interferencias”

Por • 17 de febrero, 2007 • Tema: Exposiciones

Exposición en la Galería PM8

Con el título INTERFERENCIAS el escultor gallego Caxigueiro presenta estos días y hasta el 3 de marzo en Vigo una recopilación de obra realizada desde la década de los noventa hasta el momento presente.

Caxiguero

El trabajo de Caxigueiro se vertebra fundamentalmente a través de la materia cerámica manejada desde la construcción estructural, aunque a veces también se sirve de la fotografía, el dibujo y la poesía para completar «su» lenguaje. Su pensamiento se asienta fundamentalmente en el discurso de la instalación articulado desde la propuesta conceptual, con el acento puesto especialmente en la denuncia social y cultural.

Caxigueiro en PM8

Declarándose inspirado plásticamente por corrientes antagónicas como son el minimalismo y el expresionismo, él ha encontrado el modo de materializar su entorno y pensamiento, manejando la ausencia de color y la forma escueta, mostrando la sensualidad propia de los materiales. En esta muestra pueden contemplarse algunas de sus series más representativas: “Europa: Terapia puntual” (1992), “O bosque das ausencias” (1996), “A linguaxe da memoria” (1999), “O rapto da paisaxe” (2007)».

Galería PM8
C/ Pablo Morrillo, 8
Vigo
tlf: 986 43 43 33



La Cerámica española y su integración en el Arte

Por • 22 de noviembre, 2006 • Tema: Artículos, Exposiciones

Del 8 noviembre hasta 4 febrero 2007
Museo Nacional de Cerámica “González Martí”
Valencia (España)
Comisario: José Miranda

Esta exposición, en palabras de su comisario «ahonda en las claves de la cerámica como material escultórico y su relación con el resto de las artes plásticas, confrontando el trabajo de artistas y ceramistas dentro de una misma estética contemporánea, desde aquellos que abrieron el camino hasta los más actuales». Un total de 137 obras pertenecientes a 64 autores, distribuidas en cuatro espacios del Museo, ofrecen una amplia perspectiva a través de la pluralidad de lenguajes en los que profundiza la cerámica de arte, mediante un recorrido que abarca cronológicamente un periodo de cien años (1902-2005) de creación española contemporánea. En la visita el observador se encuentra con las expresiones esenciales de cada autor, fruto del desarrollo de su concepción escultórica focalmente centrada en el tema o asunto de su interés: la integración arquitectónica, el contenido de la vasija más allá de su conformación objetual, la concepción formal propiamente escultórica y la narrativa puesta en escena a través de la instalación.

Relación de autores y contenidos del catálogo:

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Metamorfosis en Barro: Noguchi en Kamakura

Por • 10 de noviembre, 2006 • Tema: Exposiciones

Exposición:

10 de octubre 2006 – 7 de enero 2007

MUSEO COLECCIONES ICO
(c/ Zorrilla, 3. Madrid. T. 91 420 12 42)

Inauguración: 10 de octubre 2006. Horario: martes a sábado de 11:00 a 20:00h. Domingos y festivos de 10:00 a 14:00h. Lunes cerrado.

Para más información: Lorena Benito (CANO Estudio). M. 646 006 330. T. 91 429 77 74.
E-mail: comunicacion@canoestudio.com

Texto y fotografías: Dossier informativo divulgado por la Fundación ICO

La Fundación ICO presenta Metamorfosis en barro: Noguchi en Kamakura, una selección de las obras cerámicas que el escultor, arquitecto y diseñador Isamu Noguchi (Los Ángeles, 1904-1988) realizó en la villa japonesa de Kamakura en la década de los 50. Por primera vez en Europa, la exposición desvela la poco conocida faceta de Noguchi como ceramista, cuyas esculturas y diseños de jardines y espacios públicos lo convirtieron en una referencia clave en el arte contemporáneo de la segunda mitad del siglo XX.

La exposición del Museo Colecciones ICO reúne una selección de las piezas que se expusieron en el Museo de Arte Contemporáneo de Kamakura en 1952, que recogió más de 130 obras realizadas por el escultor en tan solo cinco meses. “El trabajo cerámico de Noguchi es más bello que la pintura de Picasso”, señalaría el célebre escultor japonés, Kitaoji Rosanjin, tras ver lo que Noguchi había creado. La mayor parte de las piezas que se exhiben en la muestra de la Fundación ICO forman parte de los fondos permanentes del Museo Noguchi de Nueva York.

Isamu Noguchi está considerado uno de los escultores y diseñadores más importantes de la segunda mitad del siglo XX. Su concepto de escultura fue muy amplio y la trabajó de diferentes formas y con multitud de materiales, siempre atento a la búsqueda de su propio lenguaje escultórico.También fue escenógrafo, diseñó lámparas y muebles, jardines, espacios y monumentos públicos, dejando tras de sÍ multitud de obras que ha dificultado la tarea de los críticos de encasillar a Noguchi en un campo artístico concreto.

De madre americana y padre japonés, esta dualidad Occidente / Oriente marcaría su trayectoria y su existencia. Conocido como el padre del primitivismo moderno, Noguchi estaba convecido que a través de la escultura y la arquitectura uno podía entender mejor la lucha con la naturaleza. Su obsesión fue construir un mundo a través del arte tan armónico como el natural, algo muy propio de la filosofía japonesa, y que consiguió a través de sus diseños de jardines, interiores, escenografías y cerámicas.

Isamu Noguchi comenzó su trayectoria experimentando la escultura abstracta, lo que le llevaría a París con una beca del Museo Guggenheim atrabajar con el escultor rumano, Constantin Brancusi. Junto a éste, Noguchi descubriría las Haniwas (antiguas figuras funerarias japonesas), cuya influencia se dejaría sentir años más tarde en la metamorfosis en barro que llevara a cabo en Kamakura. Tras experimentar sin éxito las técnicas de la escultura abstracta, Noguchi decidió buscar su propio lenguaje escultórico. Viajó a Europa, Méjico y Asia, y realizó un viaje fugaz a Japón, el primero después de que abandonara el país la primera vez y que le sirvió de primera toma de contacto con la arcilla. De vuelta a Nueva York, se convertiría en una de las figuras más importantes del panorama artístico internacional por sus trabajos de paisajista, diseño industrial y de interiores, y la producción de esculturas de bronce y piedra.

Después de la II Guerra Mundial, Noguchi volvió a Japón, donde se encontró con jóvenes artistas deseosos de formar parte del optimismo de sus ideas, que pretendían animar al Japón de posguerra a participar en la cultura del mundo occidental. Isamu Noguchi alentó a esta nueva generación de artistas a preservar los valores tradicionales de la cultura japonesa sin dejar de considerar la riqueza de los modelos artísticosprocedentes de Occidente.

Noguchi murió en 1988 dejando tras de sí un inmenso legado de esculturas, jardines y espacios públicos y diseños de mobiliario. Famosas son su Coffee Tabley la serie de lámparas Akari además de los Jardines Japoneses de la UNESCO y el diseño de los puentes para la Paz en Hiroshima, entre otras muchas.

DESCUBRIMIENTO DE LA CERÁMICA

Isamu Noguchi trabajó la cerámica solamente tres veces en su vida, en los años 1939, 1950 y 1952. Las tres veces sería en Japón, país al que tradicionalmente había estado vinculado este material. Noguchi encontró en la cerámica la esencia de la tradición, las técnicas artesanales, la espiritualidad y el contacto con la naturaleza, conceptos muy importantes en la filosofía de vida japonesa y que él había asimilado durante su infancia pasada en el país.

La exposición que tuvo lugar en el Museo de Arte Moderno de Kamakura supuso la culminación de la pasión que Noguchi sentía por Japón y su tradición. La obra cerámica que realizara en la villa de Kita-Kamakura (Kita en japonés significa Norte) se caracterizó por el “descubrimiento como adulto de la naturaleza que había conocido de niño y que prácticamente había olvidado”, señalaría el artista en un ensayo escrito para la exposición.

Los trabajos en barro que Noguchi creó en apenas cinco meses en este idílico rincón de Japón, significaron la consumación de la cerámica japonesa tradicional y de la escultura moderna, que el artista supo unir magistralmente. Las técnicas y los métodos de cerámica empleados por el escultor influyeron, de manera notable, en la obra cerámica japonesa tradicional y moderna.

Muchas de las piezas que se expusieron en el Museo de Arte Moderno de Kamakura representaban motivos caprichosos y con cierto sentido humorístico mientras que otras eran bosquejos de figuras en barro que remitían a imágenes de su entorno campestre, tales como ranas, ciempiés y otros animalillos. Otro grupo lo configuraban piezas que aludían a su mundo más privado, como las representaciones de su esposa y musa, la actriz Yoshiko Yamaguchi, todas ellas conmovedoras y pícaras, amorosas y burlonas. Alrededor de la mitad de los trabajos era platos y cubiertos, tazones de té, fuentes y floreros, recogidos en el folleto que se editó para la muestra como cerámica, diferenciándolos de los trabajos no funcionales a los que agrupó bajo el título general de escultura.

La exposición que presenta la Fundación ICO destaca principalmente las piezas que el artista realizó en los años 50, destacando aquellas que fueron expuestas en el Museo de Arte Moderno de Kamakura en 1952. Además, se mostrarán documentos fotográficos de la exposición de Kamakura así como del lugar donde Noguchi vivió.

RETIRO EN KITAKAMAKURA

Ubicada en la costa japonesa, cerca de Tokyo, Kita Kamakura es una villa exquisita conocida siglos atrás como el centro de la influencia zen en Japón. Con el paso del tiempo se hizo famosa por ser el lugar de retiro de intelectuales además de un lugar turístico donde estaba expuesto el segundo Buda más grande de Japón. Isamu Noguchi viajó a este rincón de la costa japonesa a finales de 1951 y quedó asombrado por su belleza. Allí conoció al famoso alfarero japonés Kitaoji Rosanjin, quien rápidamente trabó amistad con Noguchi, ofreciéndole su casa a él y a su esposa, Yoshiko Yamaguchi.

Yoshiko Yamaguchi y Rosanjin se convirtieron en dos piezas clave de la obra artística que Noguchi realizó en Kamakura. La primera, sirviendo como musa y asistente; el segundo, ofreciéndole a Noguchi sus conocimientos de la alfafería tradicional japonesa además de sus herramientas, como los hornos para cocer la cerámica.

Rosanjin prestó al joven matrimonio una casa de 200 años, al lado de la cual el artista construyó su estudio, cavado en una roca. El sentido de la libertad personal que muestran los trabajos que allí realizara es destacable e iba unido a la libertad vital a la que llegó con el ideal de modo de vida que estableciera en su casa y estudio. Allí abandonaría sus restricciones escultóricas previas y daría rienda suelta a su creatividad.