En Bibao, hasta el 11 de Junio de 2006 el Guggenheim dedica una de sus exposiciones temporales en homenaje a Eduardo Chillida. La muestra, comisariada por Kosme de Barañano, bajo el enunciado Homenaje a Chillida reúne 43 obras (fechadas entre el 2002 y 2003 -después del 19 agosto de 2002, fecha del fallecimiento del artista vasco) que pertenecen a los fondos de la Fundación Grupo Urvasco. Trabajos realizados in memoriam por 45 artistas internacionales, entre ellos: Richard Serra, George Baselitz, Anthony Caro, Tony Cragg, Manolo Valdés, Miquel Barceló, Antoni Tàpies, Robert Rauschenberg, Ron Kitaj, Christo, Zao Won Ki, Miquel Navarro, A.R. Penk, Rafols Casamada, Magdalena Abakanovizc, Eduardo Arroyo, Gonzálo Chillida (hermano del escultor), Pedro Chillida y Eduardo Chillida (dos de los hijos del artista homenajeado), así como escritos de arquitectos que trabajaron con Chillida como Norman Foster, I. M. Pei, y Frank Gehry entre otros que se han sumado a este homenaje. Una exposición que se basa, en palabras de su comisario, «no en la retórica de las palabras, sino en la sencillez de unas obras que hablan a Chillida en el lenguaje particular de cada uno de los artistas presentes (…)».

En Santander, hasta el 11 de junio de 2006, la Fundación Marcelino Botín dedica también una muestra a Chillida con obra perteneciente al museo Chillida-Leku: entre las obras que pueden contemplarse 26 grabados, 36 obras de papel, 13 gravitaciones y 15 esculturas en hierro y tierra cocida.

En San Sebastián, hasta el 25 de septiembre de 2006, en el Museo Chillida-Leku, podrá contemplarse la exposición Chillida: Homenajes. Más de cuarenta obras, homenajes realizados por Chillida a diferentes autores pertenecientes al mundo de las artes plásticas, del pensamiento, de la música y de la poesía como Heidegger, san Juan de la Cruz, Vivaldi, Bach, Giacometti, Brancusi, Calder, entre otros.

Sir Anthony Caro (Reino Unido, Surrey 1924) es el más importante escultor británico vivo y una de las figuras clave de la historia del arte contemporáneo. Su obra, desprovista de pedestal, se inserta dentro de la abstracción; se acerca así al sujeto contemplador y le ofrece mediante una narrativa poética una fuerte conexión con los materiales que emplea. Según sus palabras, «comprender el material es un buen punto de partida para los artistas». La narrativa y poética de Caro va por consiguiente muy unida a esa estrecha relación que el artista establece con lo que se trae entre manos y de este modo él crea una figuración para el siglo XXI sin por ello abandonar su carácter abstracto. Acero pintado, plomo, papel, madera, plata, o terracotta (material que en esta exposición pretendemos abordar), le sirven al artista para desarrollar su personal lenguaje y para profundizar a través de una narrativa que se articula entre los límites internos y externos de la materia y sus cualidades.

Desde 1975, Caro trabaja con cerámica. Un material más de los que hasta entonces había utilizado para construir su lenguaje. Utilizará la tierra en su apariencia más austera, gres cocido con leña. Abordará con la tierra temas épicos; es el mencionado material, trabajado con naturalidad y con su aguda percepción, el que la mayor parte de las veces le inspirará el «tema». Tan complicada aventura, me refiero la de trabajar la tierra y manejar el gran fuego del modo en que lo ha hecho, llevaría toda una vida de exclusiva dedicación para enfrentarse a los problemas técnicos así pues le asisten otros artistas conocidos expertos, especializados en dicha disciplina y en la técnica que le interesa: lo hace en la Universidad de Siracusa con Jim Walsh, con Paul Chaleff (artista experto en anagama y autor de las piezas de torno de las que se ha servido Caro para construir sus Pot Ladies); y, en Grasse, al sur de Francia, con Hans Spinner (con quien Caro ha realizado entre otros trabajos sus instalaciones épicas: the Barbarians, Lastdjudgement, Tartar War), trabajando con bloques macizos de tierra chamotada.

La colosal instalación Lastjudgement (el Juicio Final), que por cierto ha sido comparada en importancia con el Guernica de Picasso, pudo contemplarse en la Bienal de Venecia de 1999. Sobre esta obra incluimos un artículo publicado en El Cultural, colaboración que agradecemos a su autor K. de Barañano / Anthony Caro El Jucio Final

El 27 de Marzo de 2006 llegaba a nuestro país Sir Anthony Caro para recibir del IVAM el Premio Internacional Julio González (2005), una distinción que desde el 31 de octubre de 2000 se creó por iniciativa de Kosme de Barañano —quien en ese momento tenía la responsabilidad de la dirección del centro. Distinción que el artista recibió, por su aportación al arte contemporáneo, agradecido y emocionado por lo que para él ha representado la obra de Julio González (en sus palabras, el primer escultor cubista) y en cuya tradición escultórica junto con la de Picasso se reconoce.

La pregunta sería: ¿puede considerarse “Arte” una pieza utilitaria, aun si ha sido concebida con ambas intenciones? La respuesta puede ser contradictoria dependiendo de la mentalidad, el conocimiento y la visión de quien a dicha pregunta responda. Al menos en ese sentido, Japón es un país que se ha caracterizado por su sentido común; y no digamos que ha sido exclusivamente reconocido internacionalmente por los avances en el campo de la tecnología, pues en el terreno artístico ya nuestras vanguardias históricas se dieron cuenta de aquella avant-garde establecida por los primitivos maestros de té (filosofía Zen, s.XVI), al contemplar como tal una determinada cerámica y por ello la taza de té elegida para dicha ceremonia (chanoyu), ampliando así los límites del arte de un modo sin precedentes; hecho que, sin duda, ha supuesto toda una inspiración para la modernidad.

A ese sentido común anteriormente mencionado, se debe que la modernidad pueda convivir en perfecta armonía con la sabiduría de las tan respetadas e incluso preservadas tradiciones japonesas (lo que incluye el hecho de favorecer la transmisión de conocimientos de primera mano, o lo que es igual impartidos por artistas a los que el departamento de cultura nipón otorga el rango de “Tesoro Nacional viviente”/o, intangible). Siempre se habla del importante arraigo en la tradición que tiene allí la cerámica artística, y mucho más si resulta que es utilitaria. Y es que en cierto modo siempre se contempla como extensión de la tradición aun siendo obvia su diferencia, o lo que es igual, aun siendo una interpretación personal impregnada de la expresión de su autor. Esto ocurre porque en su interior, el autor, siempre se siente deudor de sus antecesores.

En las imágenes precedentes, pueden contemplarse dos obras distantes en el tiempo (450 años): una taza de té realizada por Chôjirô (Raku I), y otra del presente heredero del sello Raku (XV generación) o actual Kichizaemon.

Sin embargo, cuando en el Oeste se escucha la palabra tradición, sin más matizaciones, tal afirmación parece inducir a interpretaciones confusas con respecto a lo que algunos occidentales consideran un “estar en la modernidad”; y esto se debe más a un tipo de mentalidad conservadora adherida a ciertos postulados académicos del pasado. Por poner un ejemplo práctico es preciso subrayar que, por lo menos en términos artísticos, lo que se define como tradicional para un occidental es muy diferente de lo que dicho término significa para un japonés. Para entenderlo hay que tener en cuenta que allí, en lo que se refiere a la creación, la denominada “tradición” nunca se ha interpretado como obstáculo para el desarrollo de la creatividad, la expresión personal y el avance. Es más, dichos conocimientos se han interpretado como bagaje cultural que ha aportado el conocimiento del oficio tan necesario del “saber hacer”; así pues, la expresión de «su tiempo» (siempre desde “su” visión contemporánea) realiza un arte capaz de integrarse en la vida diaria: como objeto digno de ser contemplado, lo que no significa que no pueda ser útil al mismo tiempo.

Mas esta interacción entre la expresión artística y la vida, no solamente le incumbe a una línea discontinua que engarza el presente con la tradición. Desde el punto de vista de la modernidad y de todo lo que se arriesga a transpasar lo establecido: artistas contestatarios como lo han sido Noguchi, Yagi, o lo es actualmente Ryoji Koie son una realidad. De este modo, la “taza”, en su simplicidad, se muestra ante el espectador/usuario como “tema” para la expresión y representación de una apertura en la mirada y en el concepto, capaz de disolver cualquier frontera:sobre lo artístico, pero también entre la mentalidad del Este o del Oeste.

Artist Potters.com: exposición de tazas

Continúa leyendo…

Exposiciones en el ámbito internacional:

• En Londres, Galerie Besson mostró dentro de su exposición colectiva anual obra de José Antonio Sarmiento.
• En Munich, Galerie b15 exposición individual de Enrique Mestre, uno de nuestros maestros consagrados.
• En Ginebra, el Museo Ariana reúne hasta el 20 de Marzo del 2006 escultura cerámica de algunos de los autores españoles más conocidos internacionalmente: Claudi Casanovas, Enric Mestre, Ángel Garraza y Xavier Toubes.