Archivo del tema ‘Exposiciones’

Angel Garraza: ‘Los frutos del humo’

Por • 30 de abril, 2008 • Tema: Exposiciones

Exposición: Sala Luzán de Zaragoza
30 de abril al 29 de mayo de 2008. Inauguración 30 de abril a las 20 horas

“En el transcurrir del tiempo suceden acontecimientos que determinan nuestra existencia, pequeñas o grandes historias que desencadenan posibles temas de reflexión, que en ocasiones se materializan en una serie de obras, en las cuales intento dar respuesta a estas cuestiones personales pero sin ánimo autobiográfico, en cierta manera se trataría de hablar de lo personal en clave universal. Desdibujo los perfiles para que el objeto se sitúe en un punto extraño, ambiguo, desprovisto de reconocimientos tácitos. Prefiero realizar un ejercicio de cierta contención emocional, una cierta distancia que me permita desarrollar mis propuestas en un territorio interpretativo de claves y sugerencias”. (Angel Garraza)

\"Los frutos del Humo, Angel Garraza\"

Los frutos del humo, 2007-2008 gres chamotado / Caleidoscopías, 2007 loza

  • (flirck/artceramics) Exposición, acceso a más imágenes (cortesía del artista):
    LOS FRUTOS DEL HUMO

Texto catálogo:
Garder Reguera

Somos lo que somos

La escultura es, sin duda, el género creativo con una mayor relación con la historia del ser humano, más bien, con la historia de la relación del animal-humano con su entorno natural. De hecho, toda la historia de la escultura puede ser vista, en cierto sentido, como una afirmación del hombre como parte del todo-natural. Frente al sesgo virtual de otros modos de crear como la literatura o la música –inmaterialidad pura-, la pintura –hace mucho tiempo ya emancipada de la búsqueda manual del pigmento- o los recientes campos de la fotografía, el cine y video o las nuevas tecnologías, la escultura mantiene, y mantendrá siempre, en su misma base una metáfora sobre la relación del hombre con la naturaleza a través de la tierra, las maderas y los metales, elementos naturales con los que el escultor juega, crea y se recrea. Esta relación es a su vez una reflexión sobre el tiempo. El tiempo del hombre –mudable, cambiante, lineal y, final en inevitablemente, mortal- se enfrenta en la escultura al tiempo de la naturaleza –cíclico, constante, eterno-. Del anhelo del ser humano de hacer suyo el tiempo natural, de sus ansias de inmortalidad y trascendencia, surgió el sentimiento religioso –distinto, empero, de las religiones- y, con él, con la urgente necesidad de trascendencia, de ser algo más, la escultura. El hombre ansiaba ser como la naturaleza porque soñaba -y sueña aún-, en el invierno de su vida, con el regreso de la primavera.

De este sueño de restablecer las reglas del juego de la vida, de reformular el tiempo humano, nacieron los hombres de barro seco, de madera y de piedra, hombres en los que el tiempo se detenía, hombres que alcanzaban la inmutabilidad e inmortalidad presupuesta sólo para los dioses. La escultura, en este sentido, era una rebelión contra la decrepitud del propio cuerpo, contra el destino mortal del ser humano, ese que, en palabras de Jean Amery, “anula el sentido de cualquier razón”(1). Y a buena fe que lo consiguieron. Desde las primeras Venus prehistóricas, hasta los líderes comunistas de la URSS, pasando por Ramsés, Jesucristo o David, quien ha devenido piedra, ha vencido al tiempo. La grandeza del faraón o el dolor de Cristo no se circunscriben a su momento, sino que recorren toda la Historia de la humanidad.

El tiempo es precisamente la clave fundamental de los trabajos de Ángel Garraza (Allo, Navarra, 1950). El tiempo, sí, pero en clave individual, esto es, el tiempo encarnado en memoria, en recuerdo, en eso que llamamos pasado y que no es otra cosa sino lo que realmente somos, el camino recorrido hasta llegar a donde ahora estamos. “Los frutos del humo” (2007-08), pieza que da título a la muestra que ahora nos ocupa, representa una misma estructura, que recuerda a un cerebro, sometida gradualmente a una serie de cambios. Es, pues, una metáfora del tiempo, que no es sino cambio, en la que lo humano –representado por la forma cerebral de las piezas que componen la serie-, está sometido a una suerte de tiempo natural, atravesando una serie de estadios de evolución que van desde el florecimiento hasta la caída de las hojas, pasando por el cambio de color de las mismas, que surgen paulatinamente en cada pieza. Vemos, pues, que como en los calendarios medievales que ilustran los pórticos de las iglesias, el tiempo en esta pieza está representado a través de una imagen natural, es el tiempo de la cosecha, de la madre tierra, pero hecho tiempo del hombre. Quizá por ello, por ese carácter fundamentalmente humano, tenga sentido en la serie “Los frutos del humo” una pieza de cierre, esto es, de conclusión, que impide el resurgimiento del ciclo. Hablamos de la pieza de pared en la que las hojas aparecen dispuestas sobre la superficie al estilo de hojas caídas de un árbol. Ésta pieza es, a nuestro parecer, una representación del punto final de un proceso concluso, que, sin esperanza para un eterno retorno del estilo del ansiado por Nietzsche, resulta una imagen de la vida humana cuando es contemplada en conjunto, una imagen del tiempo detenido –el pasado visto desde el presente-, sin lugar para el resurgimiento, el renacimiento, para el volver a ser. Tiempo muerto, pues, imagen del paréntesis de ser que supone el ser humano en la inmensidad constante de la nada El hombre, en palabras de E. M. Cioran, “el camino más corto entre la vida y la muerte”(2). Un momento, un suspiro… y nada más.

La metáfora sobre el tiempo humano y, por tanto, sobre la muerte, que se sirve en “Los frutos del humo”, se refuerza con las series “Caleidoscopías” (2007). En éstas, Garraza ofrece una suerte de recreaciones de elementos con una fuerte carga representativa, como casas, penes, perfiles de rostros, cruces, corazones, labios, botas o relojes de arena, que combina, en una de las series, con una pieza que se repite y que representa el cortex de un cerebro, y en otra, entre sí formando una presentación elíptica y dos lineales. En la primera de las series, cada una de las piezas de corte pictográfico, como decimos, está combinada con otra que representa un cerebro, sino machihembrando, sí al menos penetrando una pieza a la otra, deviniendo una sola entidad. Este gesto de penetración es, sin duda, una reflexión sobre la identidad personal en la que determinados elementos externos pasan a formar parte del conjunto que forma el yo, en la medida en que se vinculan a lo que soy, algo que también vemos en la serie “Recorriendo recuerdos” (2004), en la que el camino transitado deviene memoria y, de ese modo, pasa a formar parte del yo.

Así, en “Caleidoscopías” nos encontramos en conjunto con múltiples piezas esparcidas por pared y suelo que viene a ser una imagen poética de la memoria, representada por los elementos que van sumándose paulatinamente a la identidad personal a través del tiempo; recuerdos dispersos que a poca distancia reclaman su individualidad, pero en la lejanía ofrecen una imagen conjunta sin duda homogénea y cabal. He aquí, pues, que de nuevo nos encontramos con una reflexión del tiempo humano. Por un lado, en el sentido de camino recorrido, de suma y cambio del yo, de lo que somos, a través de la relación extendida en el tiempo con el entorno. Por otro lado, la metáfora ilustra la condición de accidentalidad del yo, en la medida en que sólo la distancia –el tiempo transcurrido-, dota de coherencia a un relato que en el momento de ser vivido carece de la misma, ofreciéndose como una serie de hechos aislados sin relación entre sí. En este sentido, en ocasiones nuestra propia existencia, nuestra vida, se nos antoja como un mero cúmulo de casualidades, fruto de la accidentalidad y sin presencia ninguna de necesidad. Bien podría haber sido mi vida completamente distinta, nos decimos, y pensamos si algo nacido de la casualidad puede tener sentido. Igualmente, en esta serie de Garraza el espectador navega entre los polos opuestos de la accidentalidad y la necesidad, debido al carácter combinatorio de la serie –algo recurrente en la obra de este artista-(3). Quizá por ello, el Catedrático de Estética de la Universidad de Valencia, Román de la Calle, señaló en su momento la “virtual posibilidad de que la propia obra (de Garraza) se prolongue y crezca, de manera indeterminada” a través de la adición a las series de “objetos de la misma familia, o multiplicando la complejidad rítmica de las alternantes preferencias cromáticas de dichos elementos compositivos”(4). En las palabras de De la Calle, como vemos, se señala la fundamental alegoría de la relación del ser con el tiempo que está presente en las piezas de Garraza. De la combinatoria de objetos surge una pieza que bien pudiera haber sido distinta, pero que es esa y no otra, aún cuando en su misma disposición formal se deja abierta la puerta a la reflexión sobre la otredad. Como sucede con nuestro yo, la accidentalidad deviene necesidad. Pudimos ser otra cosa, pero somos lo que somos. Yo soy el que soy, tal y como Dios dice a Moisés en el Éxodo, y no otro.
Esta misma sensación de múltiples potencialidades presentes en lo que de hecho es, se transmite también en la segunda de las series que componen “Caleidoscopías”, en las que las mismas piezas pictográficas se presentan aisladamente –ya sin su combinación con el cortex- formando, por un lado, una elipse en el suelo y, por otro, dos paneles de pared en los que los elementos se presentan de manera lineal. He aquí de nuevo, una reflexión en torno al hecho de la memoria, donde dependiendo de la disposición de los recuerdos obtenemos lecturas contrapuestas. La elipse inspira movimiento: vida. En contraste, la disposición lineal de los objetos da una lectura ordenada, coherente, del recuerdo, del relato a posteriori que toda vida es: biografía.
La crítica de arte Alicia Fernández apuntó, con razón, que “visto en su conjunto, el trabajo de Garraza es un empeño por transformar las ideas en formas”(5). En lo referente a la exposición a la que ahora asistimos, estas ideas son de corte sentimental, ideas surgidas de la vivencia, tamizada por el recuerdo, la memoria. No pensamos en abstracto, no somos ni dioses de la razón, ni hijos de ella. Somos la tierra que pisamos, el aire que respiramos, los objetos que nos rodean y con los que nos relacionamos. Somos labios, somos pene, somos hogar y rostro. Somos botas, cruz, corazón. Más bien: somos el modo en que pensamos la tierra que pisamos, el modo en que vemos y del que hablamos de los labios que besamos, la cruz que arrastramos, la casa que habitamos. Somos lo que somos y cómo nos narramos. Somos ser, palabra e imagen.


(1)“Revuelta y resignación. Acerca del envejecer”, Jean Amery, p. 31. Pretextos, Valencia, 2001.
(2)“El ocaso del pensamiento”,E. M. Cioran, p. 109. Tusquets, Barcelona, 2000.
(3)Para Antonio Garrido Moreno en la obra de Garraza surge un “discurso del que surge la paradoja, la comparación, el contrapunto, los opuestos, la igualdad o la diferencia, la idea, el diálogo con el espacio, el poema visual”. En “Reflejos sojelfeR”, texto incluido en el catálogo de la exposición del artista realizada en la Capela Santa María de Lugo en 2001
(4) “Los rincones del horno”, Román de la Calle, en el catálogo de la exposición del artista realizado con motivo de su exposición en el Keramikmuseum-Westerwald entre octubre y noviembre de 2000.
(5) “Poemas formales”, Alicia Fernández, en el catálogo de la exposición retrospectiva sobre la obra del artista que el Aula de Cultura de la BBK, Bilbao, realizó en 2006.



Exposición en el González Martí: Desde Gmunden/Austria (2006), 24 obras de 12 artistas europeos

Por • 23 de abril, 2008 • Tema: Conferencias, Exposiciones

Después de los simposiums celebrados en 2003 y 2004, organizados por Keramik Manufactory, el consejo de la ciudad de Gmunden decidió continuar con el evento contando con este principal patrocinador. De este modo, desde el año 2005, se ha consolidado con carácter bienal como muestra de cerámica contemporánea internacional: Gmunden Keramik Symposium.

gmunden_ Tania Estermann gmunden_ ferenc koleszar

Tanja Estermann / Ferenc Koleszár

Con intención de preservar la más alta calidad para dicho acontecimiento los artistas son invitados a enviar sus solicitudes, pasando por la selección de un jurado también internacional, compuesto por especialistas en la materia -entre los que se distinguen conocidos críticos, profesores, así como algunos artistas participantes de las anteriores ediciones. El jurado del la edición del 2006 estuvo formado por: Gabi Dewald (periodista, editora jefe de Keramik Magazin, Alemania), Magarete Gefke (artista-ceramista, miembro de la Academia de Arte de Linz), Simone van Bakel (aratista participante del simposium de 2004, Holanda), Caroline Wyhman (artista ceramista, Londres, Great Britain), Janos Probstner (Hungría), Enric Mestre (artista ceramista y hasta su jubilación profesor de la Escuela de Arte de Valencia, España).

Contenido de la Exposición

Se exponen 27 obras realizadas durante el Simposio Internacional de Cerámica de Gmunden en el año 2006, en el que participaron 12 artistas de diversas nacionalidades europeas:
Tanja Estermann. Austria
Senta Fabsits. Austria
Myriam Jiménez Huertas. España
Ferenc Koleszár. Hungría
Maren Koll. Alemania
Helene Kortner. Noruega
Gareth Mason. Gran Bretaña
Júlia Néma. Hungría
Sabine Selmke. Alemania
Annie Turner. Gran Bretaña
Netty van Osch. Holanda
Carolin Wachter. Alemania

Información Esencial:

  • Exposición con obra perteneciente del
    Simposio Internacional de Cerámica de Gmunden (2006) / Gmunden, Keramik Symposium
    Lugar:
    Museo Nacional de Cerámica González Martí
    C/ Poeta Querol, 2
    46002 VALENCIA
    Tel. 96 351 63 92 / Fax. 96 351 35 12
    Sala III, 3º planta
    Hasta el 29 de junio, 2008

    Organización:
    Museo Nacional de Cerámica y Artes Suntuarias González Martí
    Dirección Técnica:
    Antón Andert
    Coordinación:
    Eva Fürtbauer
    Carlos Cespedosa Pita



Presentación de J.A. Sarmiento a cargo de Abraham Rubio

Por • 8 de abril, 2008 • Tema: Anteriores portadas, Artículos, Artistas, Destacados, Exposiciones, José Antonio Sarmiento

(El día de la inauguración en la galería Cuatro Diecisiete, por Abraham Rubio)

Presentar a José Antonio Sarmiento en la Galería Cuatro Diecisiete es todo un honor. Primero, porque poder hablar de un artista íntegro es todo un privilegio y segundo porque es un lujo que el catálogo para la exposición haya sido escrito por uno de los grandes historiadores del arte español, Javier Hernando, al que admiro desde hace mucho tiempo y al que he citado en mis escritos en más de una ocasión.

El espacio de la Galería Cuatro Diecisiete se ha adaptado como anillo al dedo al saber hacer de José Antonio Sarmiento y el conjunto expresa bien su labor en el campo de las cerámica y el reflejo de sus técnicas de cocción, de tal manera que encontramos unas maravillosas esculturas-plato cocidas en el anagama, donde el fuego y la ceniza han pintado mano a mano con el artista expresivos y sugerentes matices del color de la naturaleza. Toda la fuerza de los emaltes blancos y negros impregnan el gran conjunto de las piezas llamadas “reversibles”, cocidas en las cámaras del noborigama a 1300 ºC, y que son un gran descubrimiento y un feliz hallazgo escultórico, donde el espectador dice su última palabra, ya que puede disponerlas por una u otra cara, según su estado de ánimo. Por último, aunque aquí las vemos nada más entrar, ha aprovechado el calor de la última cámara del noborigama, para cocer un conjunto de piezas de color rojo, con translúcidos engobes blancos, que nos sugieren sencillez y economía expresiva de medios, pero al mismo tiempo una compleja red conceptual.

reversible_ desayuno en la hierba

DESAYUNO EN LA HIERBA, 2008 gres y esmalte

Estamos convencidos de que el artista de la cerámica José Antonio Sarmiento ha llegado a la madurez como creador, y que si partiendo de la alfarería, del torno, del modelado, había sabido convertir obras utilitarias en piezas artísticas por sí mismas, ahora con estas esculturas “reversibles” ha dado un paso más, y ha llegado al núcleo del arte conceptual, logrando un equilibrio entre la naturaleza que le rodea y sus más íntimos sentimientos, a veces llenos de poética, como en la obra “Bajo la glicina”.

En 1999, durante el IV Congreso de la Asociación de Ceramología conocí por primera vez la obra de José Antonio Sarmiento de la mano de su hermana María Jesús, que pronunció una reveladora conferencia sobre las cerámicas de influencia japonesa que salían de su horno de leña de dos cámaras construido en San Cibrián de Ardón (un año después construiría en el mismo lugar un anagama-noborigama). Ahora, para todos los que hacen cerámica o escriben sobre esta materia, este pequeño pueblo leonés es muy conocido, al menos de oídas o a través de fotos y textos. En aquel Congreso de Vitoria yo presentaba una ponencia sobre los ceramistas Zuloaga, de quienes estaba preparando una tesis en la Universidad Complutense y a quienes consideraba unos de los protagonistas del cambio que se producía a finales del siglo XIX y principios del siglo XX en la cerámica española, como era el cambio de artesano a artista. José Antonio y María Jesús estaban en otra onda, en la de la cerámica totalmente actual, mientras yo estudiaba lo que había pasado hacía cien años. Creo que nunca llegué a hablar con ellos sobre mis experiencias con la cerámica contemporánea, pero siempre me había interesado ese campo y también su relación con el arte de vanguardia. De hecho, parte de mi aprendizaje cultural se produjo en Cuenca en los años en que su museo de Arte Abstracto daba mucho que hablar, de 1975 a 1978, y a mi llegada a Madrid en 1980 entré en un taller de cerámica y trabajé en el mío propio desde 1982 a 1985, y como no, también me sentí muy atraído por la cerámica oriental, en especial la japonesa.

Cuando vi lo que era capaz de hacer José Antonio Sarmiento con la arcilla me dejó totalmente cautivado, y pensé lo que hubiera dado por haber estado en un taller como el suyo en aquellos lejanos años de principios de los ochenta. Presentí que él llegaría muy lejos, sobre todo si conseguía encontrar un equilibrio entre todo ese aprendizaje e influencia japonesa, tamizarla por la cultura occidental e insuflarle ese espíritu creativo que se le adivinaba en su manera de ser.

Desde que dieron a conocer a través de su página Web tanto sus obras como las de muchos ceramistas internacionales reunidas en la Galería Azul, siempre curioseo para ver las novedades que presentan y para ver como va evolucionando la obra de José Antonio. Sin duda ha llegado a una etapa de madurez, creativa y personal, sin olvidar las raíces de la técnica y estética oriental. Por otro lado, no ha abandonado esa obra totalmente mimética con lo japonés, de tal manera que no creo que haya ningún español que se sienta tan identificado con la cultura nipona como él. Es como un nuevo Bernard Leach a la española, o casi mejor a la leonesa, si nos lo permite decir el caso también ejemplar del catalán Artigas.

Cuando hace dos años me propusieron dar una conferencia en el Museo Cerralbo de Madrid sobre la influencia de la cerámica oriental en la cerámica española, después de ir repasando las distintas etapas de la historia del arte en ese campo, cuando llegué a la fase actual y tuve que buscar un buen ejemplo, no se me ocurrió otro mejor que el de José Antonio Sarmiento. Recuerdo las expresiones de asombro del público cuando vieron imágenes de sus piezas y sobre todo de ese monumental horno anagama-noborigama. Tal vez para los ceramistas especializados o interesados en el tema, este horno se vea como más normal, pero para un público amplio no tan especializado, sino solamente interesado en el mundo de la cerámica en general, el encuentro con las técnicas de cocción japonesas es todo un descubrimiento impactante.

Después de lo mucho que ya se ha dicho sobre José Antonio, escribir algo nuevo sobre sus cerámicas es toda una responsabilidad. Entre los que se han ocupado de su arte hay que citar las muchas referencias de Antonio Vivas en sus artículos introductorios en la revista Cerámica, los imprescindibles artículos de su hermana María Jesús Sarmiento, el modélico catálogo de Kosme de Barañano, el creativo catálogo para esta exposición con cubierta hecha por la mano del artista y el texto de Javier Hernando, y sobre todo tengo que reconocer que fue en un pequeño texto de Eduardo Zotes para la exposición de Salamanca “Después del invierno”, donde de pronto encontré qué era lo que tanto me gustaba de sus cerámicas, y es ese aura que desprenden.

Desde luego, José Antonio Sarmiento domina las técnicas de modelado y torneado a la perfección, los esmaltes cerámicos y las técnicas de cocción, pero si fuera sólo eso sería un artesano más. Él hace arte con las pastas cerámicas y tiene su estilo propio, que lo distingue de los demás. Ésa es una de las cualidades a la que todo artista aspira y en él es ya una realidad.

Abraham Rubio Celada es doctor en Historia del Arte, colaborador de la Real Academia de la Historia, experto y autor de diversas publicaciones relacionadas con el arte de la cerámica contemporánea, y miembro de la Asociación de Ceramología. Actualmente reside en Madrid.

Fotos en Art Ceramics (Flickr)

Otras entradas relacionadas:



Visita guiada: Reversibles, paisajes-objeto

Por • 3 de abril, 2008 • Tema: Anteriores portadas, Exposiciones, José Antonio Sarmiento

CERÁMICAS de José Antonio Sarmiento

La exposición REVERSIBLES Paisajes-Objeto, que estos días y hasta el 14 de abril puede contemplarse en la galería Cuatro Diecisiete muestra a través de una sugerente instalación obras en las que José Antonio Sarmiento ha plasmado su reflexión en el entorno del paisaje. De este trabajo se desprende la observación de la naturaleza (el paisaje y los elementos) contemplado como metáfora de su influencia y conexión con el hombre. Y lo hace de manera diferente en el modo en que apreciamos las cosas que simplemente nos agradan, hasta conseguir sacudir todos los sentidos (percepción y mente) por la fuerza carismática que se desprende de estos objetos “verdaderos”. Sin duda esta obra nos ayuda a pensar o mejor dicho proporciona razones para hacerlo.

galería Cuatrodiecisiete: Reversibles Reversibles (detalle)

Detalle de la instalación; Galería Cuatro Diecisiete

Indeed, José Antonio Sarmiento makes some very excellent work and I wish him much success in bringing such beauty to the table and homes of many people!
(Robert Yellin; Mishima, Japan 2008)

contornos

contorno2_jaSarmiento contorno07_nº1

Justo al entrar en la galería nos encontramos (a la derecha) con una instalación en la que el color blanco marca el ritmo de la composición: Contornos (engobe blanco y grattage sobre terracotta), varias piezas de pared o de mesa más tres esculturas de mesa. En el enunciado o título de estas piezas el artista emplea un juego de palabras de doble lectura: “con-torno” (hecho con el torno) y “Contorno” (en la naturaleza), en alusión a los contornos que se aprecian por medio de la transformación en que aparece un paisaje invernal (ie. en las formas cubiertas por la nieve). Formas sutiles, difuminadas bajo el blanco, intuyen representaciones de diferentes elementos como ramas, hojas, pequeños frutos y otros objetos. Son paisajes que por medio de la humildad de la materia se abren a la imaginación del espectador proporcionándole múltiples sugerencias. Personalmente me recuerdan las sombras del jardín a través de un shōji (ventanal de papel de arroz) en una casa tradicional japonesa.

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Contorno nº 11 2007; D.33,5 cm. Engobe blanco sobre terracotta / Contornos (detalle)

Continuando el recorrido de la muestra vemos que en el fondo de la sala se han colocado tres “platos-paisaje”. Unas obras realizadas en el anagama, a modo de paisajes resueltos mediante una abstracción expresionista en su contexto formal y pictórico. En el ritmo del trazo o la pintura de fuego y ceniza materializada en estas piezas se expanden diversos matices y tonalidades que van del gris al blanco azulado pasando por una gama de amarillos entre el oro y el limón –colores y texturas integradas en el gesto y movimiento de las formas. Han de contemplarse estos “paisajes” no en sentido descriptivo sino en su cualidad sensorial, y de ese modo conducen al observador hasta emociones y sugerencias insospechadas. Estos platos que ahora contemplamos han conseguido revivir en mí el color y la fuerte sensación percibida durante una fría mañana de marzo (cerca del anagama); al contemplarlos me ha recorrido por la espalda el sonido del viento, el olor de la plantación de álamos blancos, la sensación de un momento preciso, congelado, en forma de sensación de los primeros rayos de sol y de la escarcha que resbala por la corteza y los líquenes adheridos a los troncos de los olmos.

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Paisajes 2007 (de izq a drcha) D. 47cm. 43 cm. y 53cm; gres anagama

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A lo largo de la sala una plataforma de madera pintada, con un difuminado que va del azul oscuro al claro, sirve de soporte para situar varias esculturas-bandeja a pocos centímetros del suelo. Estas obras también son Reversibles en varios aspectos: por contener en su plástica dos caras y una naturaleza escultórica que respira a través de su contenido pictórico,y, además porque poseen una doble función como escultura y mesa o bandeja. Deshielo, Nocturno, Túmicielo, Lago, Bajo la glicina, Sömn (sueño), Desayuno en la hierba… son algunos de los sugerentes títulos. Las marcas de conchas de mar integradas en la profundidad del esmalte, blanco o negro (tenmoku), introducen sombras y relieve en las superficies planas. Según el catálogo de presentación: «la regularidad de su definición formal es quebrada de inmediato por su autor para insuflar en cada una de aquellas piezas elevadas dosis de expresividad, de gesto. Para ello rompe la linealidad de los lados y en algunos casos fisura el interior de la superficie hasta producir oquedades, sumideros por los que se evacua el espacio. Además introduce “sombras” en la propia superficie; por ejemplo mediante la huella dejada por las conchas que han servido de sostén a la plancha durante el periodo de cocción. Así la tersura brillante de la superficie, recubierta por el esmalte blanco o negro se transforma en un campo plástico sutilmente alterado que al mismo tiempo testimonia el desarrollo de su proceso de elaboración.[…]» (Javier Hernando).

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En una de las paredes se ha colocado una secuencia de 10 piezas, Siluetas, formas recortadas en el espacio que se apoyan en los segmentos que le sirven de pie cuando funcionan como bandejas. Se detiene este diálogo en la presencia del color negro profundo (sobrio y elegante) representado con amplitud de matices. En otra de las paredes, con el título de Sömn (sueño sueco), se evoca por medio de una pieza blanca y otra negra el resumen de la lírica de todo el discurso planteado en el tema de Reversibles. Un resumen que recoge el sentido de esta exposición donde la conseguida intención artística de José Antonio Sarmiento ha sintetizado la expresión del volumen y la pintura junto a su pensamiento sobre la razón de ser de una alfarería contemporánea que utiliza para reflexionar sobre los valores de la hospitalidad. Flota en el aire la presencia y representación de lo Relativo, confluencia en la que han coincidido Oriente y Occidente –desde parámetros del arte «zen» al llamado arte «informal» europeo.

Se ofrece al espectador/usuario la oportunidad de participar de un modo activo al decidir el uso: la posición en que la pieza podrá ser contemplada, o utilizada en determinados momentos de celebración.

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José Antonio Sarmiento Reversible: Túmicielo 2008

37 x 27 x 5 cm. Gres, esmalte, cobalto y marcas de conchas; 350€

Fotos en Flickr:

DESHIELO / TÚMICIELO / NOCTURNO Y SILUETAS / LUGARES / CONTORNOS

Información:

Galería Cuatro Diecisiete
C/ Príncipe de Vergara 17
Madrid
tlf: 91 4353020 / 91 4348546

Enlaces relacionados:



Inauguración exposición ‘Reversibles’ y conferencia sobre la obra de José Antonio Sarmiento

Por • 12 de marzo, 2008 • Tema: Conferencias, Exposiciones

Reversibles - InvitaciónREVERSIBLES Paisajes-Objeto
Obra cerámica de José Antonio Sarmiento

Galería Cuatro Diecisiete
del 27 de marzo al 14 abril de 2008

Inauguración, con la presencia del artista, jueves 27 de marzo a las 20 h.

Presentación de la exposición, en la galería madrileña Cuatro Diecisiete, a cargo de Abraham Rubio Celada. Doctor en Historia del Arte, colaborador de la Real Academia de la Historia, experto y autor de diversas publicaciones relacionadas con el arte de la cerámica contemporánea, miembro de la Asociación de Ceramología.

Conferencia:
Miércoles 26 de marzo a las 18 h. y jueves 27 de marzo a las 12 h.
Lugar: Escuela de Arte Francisco Alcántara

Conferencia impartida por María Jesús Sarmiento, crítica de arte especializada en cerámica contemporánea: “Paisajes-Objeto: La cocción de leña en torno a la obra de José Antonio Sarmiento” (con el apoyo simultáneo de imágenes y la proyección de un DVD -cocción en el “anagama-noborigama” en San Cibrián de Ardón).

    Programa conferencia:

  • Breve presentación sobre el trabajo de José Antonio Sarmiento
  • Hornos anagama y noborigama: tradición y momento actual
  • Paisajes
  • La cocción de leña en la expresión contemporánea
  • Charla y ronda de preguntas
    duración: 1h. 15 minutos.

«En su reciente serie Reversibles, las obras [de JA. Sarmiento] adoptan unas formas planas, una especie de mesas de márgenes generalmente irregulares que permiten su inversión física tal como anuncia su título. (…)

Estructuras planas cuadrangulares o rectangulares que se elevan unos centímetros de la superficie apoyadas en unos pequeños vasos que en algunos casos, sobre todo en las piezas negras, son sustituidos por segmentos perpendiculares. Así estos Reversibles adquieren un inequívoco aspecto escultórico. (…) Las rupturas en la lógica geométrica de estas pequeñas mesas, los dentellados generados en sus bordes, el pictoricismo presente en sus tersas superficies, no son sino la prolongación de una actitud permanente en el artista tendente a fijar en el objeto una subjetividad estrechamente asociada al hecho físico mismo de la evolución y transformación de la materia plástica modelada en su contacto con el fuego. Podría decirse a este respecto que el artista se sitúa en unos parámetros creativos semejantes a los que siempre han adoptado los pintores de la abstracción expresionista, habida cuenta de que aunque estas obras posean no pocas connotaciones pictóricas, su carácter tridimensional les conduce a instaurar, por encima de todo, un patrón escultórico.»

Javier Hernando Carrasco

Art Signal Magazine, Número 3 Enero/Marzo 2008. Cortesía de Art Signal Magazine (Descargar artículo en formato PDF).

cuaderno cuaderno detalle

Con motivo de la inauguración también se han editado 50 ejemplares con la mencionada crítica, encuadernados con cubierta realizada por el artista. Collage y tinta sobre papel; firma José Antonio Sarmiento.

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COLLECT, Victoria & Albert Museum – London

Por • 21 de febrero, 2008 • Tema: Anteriores portadas, Destacados, Exposiciones

COLLECT
25 – 29 de enero de 2008
Feria dedicada al arte objetual; Victoria & Albert Museum, London

V & A Museum LondonAl entrar en el Victoria and Albert Museum nos da la bienvenida el Chandelier de Dale Chihuly, un poema sinfónico de cristal soplado, explosión de luz, forma y color; obra que desde 1999 puede contemplarse suspendido de la bóveda del vestíbulo del que es uno de nuestros museos favoritos. Además de haber revolucionado el arte del cristal soplado, Dale Chihuly (Washington, 1941), es un ejemplo de entre los creadores destacados de nuestro tiempo que han conseguido que géneros tradicionalmente relacionados con las ‘artes-artesanales’ influyan en el mundo del Arte con mayúscula. Hasta dislocar las estructuras del concepto artístico, pulverizando el criterio tradicional de clasificación a partir de los materiales o géneros (las llamadas “bellas artes” y “artes aplicadas”). Personalmente pienso que el Chandelier estimula la reflexión sobre la situación y función de las diversas disciplinas en las que se desarrolla el arte actual.

Ken Mihara

Ken Mihara, Vase sekki (Galeria Yufuku)

Del mismo modo, COLLECT (feria anual, dedicada a las artes-objetuales: cerámica, cristal, madera, textil, metal y joyería), celebrada hace unas semanas en las estancias del Victoria and Albert Museum, nos ha permitido disfrutar y tomar el pulso del arte en este sentido. Se trata de una feria excelente, avalada por la organización y selección del Craft Council del Reino Unido, que ha reunido a 42 galerías especializadas en artes aplicadas (procedentes del Reino Unido, Italia, Austria, Holanda, Alemania, Suiza, Bélgica, Noruega, Dinamarca, Japón, Corea del sur, y Suecia), ofreciendo máxima calidad con el objetivo de estimular la adquisición a los compradores particulares e institucionales.

Este tipo de ferias, con un número limitado de participantes y una cuidada selección, se inserta en la última tendencia en la que los criterios artísticos se anteponen al negocio facilitando una visita sin agobios (criterio que también se ha seguido en la anterior edición de SWAB, en Barcelona). De este modo, el visitante, dispone del tiempo necesario para contemplar todos los módulos y sopesar las compras con comodidad, sin someterse a la tortura de las mega-ferias (en las que por el contrario todo se diluye, pues es agotador recorrer módulos de calidad desigual en un recorrido interminable en el que hay demasiado que ver y poco interesante para mirar).

En esta ocasión, como decimos, la visita ha sido un auténtico placer y una oportunidad para la adquisición de obras excelentes en cada una de las diversas especializaciones que se han contemplado.

devon guild craftscenter tim andrews

Devon Guild Crafts Center: Svend Bayer (izquierda) / Tim Andrews (derecha)

Centrándonos en nuestra especialización, la cerámica contemporánea, encontramos obras relevantes. Entre estas, Yufuku Gallery presentó obra de Ken Mihara; en la galería Joanna Bird Pottery: entre los históricos, Hans Coper, Lucie Rie, Benard Leach y Hamada son algunos ejemplos, y entre los artistas actuales: una fantástica pieza de gran escala de Fernando Casasempere –en la que el artista ha utilizado material reciclado de la industria–, y también piezas de anagama de Kohara Yasuhiro, entre otras.

johanna bird pottery

stand de la galería Joanna Bird Pottery

En la Galerie Hélène Porèe, celadones de Jean François Fouilhoux; Cultural Connection CC, galería especializada en obra de ceramistas daneses, obras de Hans Vangsø, Ivan Weiss, Inger Rokkjaer, entre otras. Devon Guild of Craftsmen, piezas sacadas al rojo de Tim Andrews, y estupendas cerámicas de anagama de Svend Bayer y Nic Collins; en Flow Gallery, la sencillez y belleza de las obras de Kati Tuominen tampoco nos pasaron desapercibidas. Clare Beck en Adrian Sassoon, expuso obra de Elisabeth Fritsch, y, además, la interacción entre la alfarería y el espacio arquitectónico subrayaron la evidencia de las muchas posibilidades del medio –en el stand que esta magnífica galería dedicó a piezas monumentales–; firmaron las obras realizadas por encargo para el espacio Monumental Pots 2008: Julian Stair, Felicity Aylieff, Kate Malone y Ruper Spira.

rupert spira felicity aylieff

Monumental Pots: Ruper Spira (izquierda) / Felicity Aylieff (derecha)

stand flow gallery

Flow Gallery (sobre la mesa, a la derecha, obra de Kati Tuominen

Más imágenes en Flickr (art ceramics): Collect 2008

Enlaces relacionados:



Veinte años de la producción artística de Chillida en el CaixaForum de Palma

Por • 7 de enero, 2008 • Tema: Exposiciones, Noticias

Por Oscar García García

Chillida en el CaixaForum de PalmaEl CaixaForum de Palma presenta a partir del día 28 de diciembre la exposición Chillida 1980-2000, que muestra los últimos veinte años de la obra de Eduardo Chillida (San Sebastián, 1924-2002), fruto de la colaboración entre la Fundación “la Caixa” y el Museo Chillida-Leku. La muestra con 58 piezas se compone de esculturas, relieves, dibujos y obra gráfica, repasa la carrera de este gran escultor desde 1980 hasta el año 2000. Este periodo temporal se caracteriza por un giro en la producción artística de Chillida, será a partir de los años 80 cuando comience a utilizar otros materiales como el hormigón, la terracota o las maderas antiguas, profundice en la dimensión arquitectónica de la escultura y estudie la relación de estas piezas con el entorno que las rodea. En 1980 Chillida ya era un artista internacionalmente conocido, su obra ocupaba grandes museos de Europa y Estados Unidos, y varias de sus intervenciones en espacios públicos habían contribuido a la renovación de la escultura monumental. El resultado de la exposición es un extraordinario conjunto de obras representativas de uno de los periodos más prolíficos y creativos del artista.

Chillida en el CaixaForum de PalmaChillida en el CaixaForum de Palma

Chillida 1980-2000 da la bienvenida al espectador con la obra “Homenaje al mar” realizada en alabastro, un material muy utilizado por el escultor por su capacidad de recoger y expulsar la luz. A continuación la muestra se divide en tres apartados reflejo de diferentes facetas del artista vasco: las tierras, gravitaciones y obra pública. La tierra o el barro es un material que en un principio Chillida había negado, pero finalmente quedará fascinado con él , creando obras como “La casa del poeta I” o sus lurras de arcilla. Las gravitaciones exploran las posibilidades escultóricas del papel y el dibujo, a través de capas que se superponen y que generalmente están sujetas por hilos “gravitando”. La faceta de la obra pública, esencial en su producción artística y sobre todo a partir de los 80, queda representada por seis maquetas a escala de acero, de proyectos que posteriormente alcanzarían un tamaño monumental, como “La casa de Goethe”, situada en Frankfurt; o el “Homenaje a Hokusai” de Matsuda, en Japón. En este recorrido por 20 años de evolución creativa vemos como las formas se vuelven cada vez más densas y compactas, reduciéndose los espacios que ocultan e invitándonos a la meditación metafísica; se trata de formas que cada vez tienen más inspiración y relación con la naturaleza. También podemos percibir un concepto básico para esta época, la idea de habitar, la obra se inscribe en un paisaje natural o urbano creando un lugar nuevo.

Chillida en el CaixaForum de PalmaChillida en el CaixaForum de Palma

La muestra que podrá verse hasta el 24 de febrero en el CaixaForum de Palma de Mallorca, recorrerá posteriormente otras ciudades españolas, empezando por Tarragona y Alicante. Y contará con un servicio de visitas guiadas con tres modalidades: visitas familiares, comentadas y dinamizadas.

Información esencial

  • Exposición: Chillida 1980-2000
  • Fecha de la exposición: 28 de diciembre 2007 – 24 de febrero 2008
  • Comisario: Eduardo Chillida Belzunde
  • Lugar: CaixaForum Palma. Plaza de Weyler, 3 (Palma de Mallorca)

Fuentes: Masdearte; Obra Social “La Caixa”.

Nota: Esta noticia fue originalmente publicada en Art Signal E-News. La compartimos con nuestros lectores gracias a la cortesía de Art Signal Magazine.

Enlace a otros textos sobre la obra de Eduardo Chillida



VIII Bienal Internacional de Cerámica de Manises

Por • 20 de diciembre, 2007 • Tema: Exposiciones, Noticias

Sala de los Filtros
Avda. País Valencià
Manises (Valencia)
Hasta el 19 de enero de 2008.

Exposición de las obras finalistas de este concurso bianual abierto a ceramistas de todo el mundo. En esta edición se han presentado 151 ceramistas de 28 países, de los cuales se han seleccionado 51 obras. Las obras premiadas han sido:

A) Premio PRESIDENT DE LA GENERALITAT VALENCIANA, dotado con 6.000 euros, Ex aequo, a Miryam Giménez, por su obra “Sin título, y a Pekka Paikkari, por su obra ”Fractured Sheet II”.

1myriam jimenez bienalmanises07

Myriam Jiménez. S/T. 30x36x8 cm.

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Pekka Paikkari. FRACTURED SHEET II . 86 X 86 X 1 cm.

B) Premio DIPUTACIÓ DE VALÈNCIA, dotado con 3.000 euros, a Akashi Murakami, por su obra “Eclosión II”.

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Akashi Murakami, ECLOSION II. 46,5 X 18,5 X 16 cm / 23 X 10 cm.

C) Premio CIUDAD DE VÉNISSIEUX, (para menores de 35 años), dotado con 1.800 euros, a Juan Ortí, por su obra “Sin título”.

Juan Ortí _bienal manises

Juan Ortí. S/T. 140x30x138

D) El Jurado, observando la calidad de las obras finalistas acuerda conceder mención de honor a:

• Adrián Guerrero, por su obra “Ciega humanidad”.
• Todd Shanafelt., por su obra “Progressional flight ”.

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Todd Shanafelt, PROGRESSIONAL FLIGHT . alt 24 cm./ Adrián Guerrero, CIEGA HUMANIDAD. 35×39,5×5 cm.

Buena ocasión para conocer una gran diversidad de propuestas dentro de la cerámica de creación contemporánea.

Más información: acceso a la ampliación de las imágenes

Le ceramiche Bitossi. Una storia italiana
Dentro de la Biennal Internacional de Ceràmica de Manises se presenta en esta VIII edición la muestra: “Le ceramiche Bitossi. Una storia italiana”. Exposición retrospectiva de una de las más importantes fábricas italianas de cerámica del siglo XX, por lo que se refiere a su papel en la renovación del diseño industrial cerámico europeo. Se muestran más de 70 obras diseñadas, entre otros, por Aldo Lodi, Ettore Sattsass, Piero Formasetti, Karim Rashid y Arik Levy. Sala de exposiciones de la Casa de Cultura i Joventut de Manises, hasta el 19 de enero de 2008.

[Re]generació
Las exposiciones paralelas de esta VIII edición de la Biennal Internacional de Ceràmica de Manises ponen el acento en el diseño cerámico. “[Re]generació” Es una exposición monográfica de las recientes propuestas del proyecto “Sagen/ceramic”; una de las iniciativas más relevantes en el campo de diseño cerámico realizadas últimamente en España, desde Manises. Sala nº 6 del Museo de Cerámica de Manises. Hasta el 19 de enero de 2008

Información publicada por cortesía del MUSEO DE CERÁMICA DE MANISES



Tableware, arte utilitario en la Galería “Cuatro Diecisiete”

Por • 11 de diciembre, 2007 • Tema: Exposiciones

Exposición RegalArte, hasta el 5 de enero de 2008

Dentro de esta muestra que ya hemos comentado en la entrada del día 6 de diciembre, encontramos algunas obras para ser utilizadas en la mesa. Incluimos a continuación algunas imágenes e información de dichas obras, así como una vista panorámica de la exposición al final de esta entrada.

autor: José Antonio Sarmiento (España), stoneware / anagama

gres, ceniza y esmalte, cocción de leña (1300 ºC.)

badejas anagama_ exposición galeria cuatrodiecisietetarro y cuencos_ exposición galería cuatrodiecisiete

bandejas 120 € und. / cuencos 120 € und. y tarro con tapa 200 €

platos de mesa_ exposición galería cuatrodiecisieteyunomis_exposición galería cuatrodiecisiete

platos mesa (D.23,5cm) 80 € und. / yunomis (8,5 x 9cm.) 50 € und.

bandeja trípode_ exposición galería cuatrodiecisietebandeja trípode 2_galeria cuatrodiecisiete

bandejas trípode 250 € und.; (nº1, 39 x 27 cm.) / (nº 2, 33 x 33 cm.)

autor: Helena Andersson(Suecia), earthenware

arcilla y esmalte, cocción de gas (1080 – 1100 ºC.)

bandeja 6_galeria cuatrodiecisietebandeja8_galeria cuatrodiecisietebandeja7andersson_ galeria cuatrodiecisiete

bandejas 26 x25 cm. 80 € und. / 47,5 x 35 cm. 220 € und.

Acceso a galería de imágenes de algunas vistas generales de la exposición, cortesía Galería Cuatro Diecisiete, Madrid

Listado completo de artistas participantes en: RegalArte07.



Regalar Arte; y algunas noticias más de la actualidad

Por • 6 de diciembre, 2007 • Tema: Exposiciones, Noticias

MADRID
Regalar Arte
Galería Cuatro Diecisiete
Inauguración: 11 de Diciembre de 2007

platos jasarmiento regalarte Un año más «Integrar el Arte en la Vida Diaria» es la propuesta de la galería madrileña Cuatro Diecisiete, durante su exposición colectiva de Navidad dedicada a los artistas de la galería (pintura, escultura, fotografía, cerámica y joyería o diseño). En cuanto a la cerámica, están presentes los artistas habituales de la galería y este año hay la novedad de la inclusión de la ceramista y escultora sueca Helena Andersson. Estableciendo dos apartados, en el de «utilitario» bandejas o fuentes de Helena Andersson y nuevas piezas de José Antonio Sarmiento, Eva Castaño, Manuel Sánchez Algora, Pilar Soria y María Asperilla; en el de «objetos-escultura» obras de dimensiones domésticas de María Bofill, Carme Collell, Madola, J-A. Sarmiento, y María Oriza.

Todas las piezas para la mesa son también obras únicas, cada pieza ha sido realizada individualmente por lo que nos sugiere hacer un juego con obras de varios autores o con distintas y diferentes piezas del mismo autor. Mezclar estilos, técnicas y materiales (gres, porcelana, earthenware, etc.); la cuestión es que nada tiene porqué hacer juego con nada. La propuesta artística resulta sugerente y práctica, pero sobre todo emite el mensaje de terminar con la monotonía en la mesa: ¡¡Nunca más una mesa aburrida!!.

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José Antonio Sarmiento; platos y bandejas, stoneware anagama

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Helena Andersson; bandejas o fuentes, earthenware

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Eva Castaño; porcelana

mosaico regalarte

Galería CuatroDiecisiete

(Imagen superior (dcha): platos de gres esmaltado, autor: J-A. Sarmiento)

Expo VienaVIENA 3ª Muestra Internacional de Cerámica

En la que ha sido tercera edición de la muestra del Foro para el Arte, el ceramista y comisario de la exposición Mirek Baranski (Polonia, 1959) reunió durante el pasado mes de Noviembre obra de los conocidos escultores-ceramistas españoles: Arcadio Blasco, Enric Mestre, Madola, María Bofill, Rosa Amorós, Carmen Sánchez, Juan Ortí y Marisa Herrón, junto a una representación de otros artistas europeos: Franz Josef Altenburg (Austria), Volodymyr Khyzhynskyy (Ucrania), de Chechenia (Rusia) Elzbieta Grosseová y Pavel Knapek, y la artista emergente procedente de Taiwan Yen-Hua Lee (becada en el 2005 por Kunstforum Piaristen, dentro del programa de artistas en residencia). El objetivo del curator ha sido ofrecer una muestra de escultura cerámica que presente últimas tendencias en esta especialidad artística y establecer relación entre diversas culturas y sus gentes. Desde su punto de vista «igual que ocurre con la obra del pintor, el poeta y el compositor, con su actual creatividad contemporánea, la cerámica de arte crece entre la tensión de su resistencia y fragilidad; en la fragilidad encuentran estos trabajos una especial reflexión sobre la naturaleza humana».

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Mirek Baranski; tierra chamotada (2000) / María Bofill; porcelana (2005)

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Juan Ortí; porcelana (2006) / Pavel Knapek; relieve de porcelana (2005)

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Marisa Herrón; paper-clay (2006) / Carmen Sánchez; t. chamotada (2006)

Kunstforum Piaristen

MILÁN Galleria Magenta 52, del 24 de noviembre al 6 de febrero de 2008.

Exposición: “6 artes cerámicas 6”; obras de Silvia Esperón, Antonio Gónzález, Hisae Yanase, Alberto Hernández, Rafael Pérez y Toni Soriano.

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Antonio González Pedraza

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Galleria Magenta 52

ZARAGOZA Artespacio, ocurrió en la 4ª Feria de Muestras / Octubre 2007

En el espacio de arte coordinado por el artista italiano Jussepe Strada se incluyeron varias propuestas cerámicas dentro del formato de la instalación, con la participación de creadores de España, Italia y Ecuador; entre otras, las instalaciones de Alberto Andrés (El Carruaje de Cenicienta Siglo XXI), Miguel Ángel Gil (Hibridación), y Guiliana Bellini (¿Medusa?).

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El Carruaje de Cenicienta Siglo XXI (2007)

Alberto Andrés (Palma de Mallorca, 1968); técnica: colada de barro bizcochado (1020 ºC.), hilo dorado y metal.

EL CARRUAJE DE LA CENICIENTA SIGLO XXI

Seguramente, si el cuento de Cenicienta se hubiese escrito hoy en día, habría preferido que sus ratones, en lugar de transformarse en bellos corceles, se hubiesen transformado en unas huchas cerdiformes, y cambiaría la calabaza por una casita apañada.

Los zapatitos de cristal serían ahora un bajo interés en el préstamo, y el hada madrina que concede los deseos: un buen pellizco en la lotería.

Las hermanastras tendrían apariencia de una pareja de la policía poniendo multas, y las doce de la noche sería un atasco en hora punta con el depósito del coche en la reserva.

Menos mal que el cuento ya estaba escrito… sino perdería mucho!!!

(Zaragoza en Octubre 2007, Alberto Andrés)