Alfar Galería Azul » Exposiciones

Made in Sweden, José-Antonio Sarmiento en blås&knåda

MJ. Sarmiento — Mon, 08 Mar 2010 02:28:47 +0000

Algunos de los últimos trabajos de JA. Sarmiento se presentaron en Estocolmo, en la exposición presentación de los nuevos miembros de la cooperativa blås&knåda

Desde 1975 la cooperativa blås&knåda se ha hecho una importante reputación entre los círculos artísticos de Suecia, comercializando y exponiendo en la ciudad de Estocolmo la obra de sus artistas-artesanos asociados, ceramistas y vidrieros de estudio de todo el país. A lo largo de este tiempo la mencionada empresa ha ido creando una red de contactos más allá de sus fronteras, y cada año invitan a alguno de sus colegas a exponer en la galería. Para los coleccionistas e interesados en cerámica y vidrio con interés artístico, por la calidad en la selección de los trabajos expuestos, la visita a los dos espacios -tanto a la galería como a la tienda de artesanía- siempre merece la pena. En la presentación de los nuevos miembros (artistas invitados) de blås&knåda, celebrada el 9 de enero de este año, se han incluido cerámicas de José-Antonio Sarmiento.

Aprovechamos esta breve noticia para publicar algunas imágenes de las últimas series en las que Sarmiento ha estado trabajando en Suecia, piezas únicas de menor y mayor escala (entre 30 y 84cm), inspiradas y realizadas en este bello país de hielo. Formas expresivas en las que sobre una tonalidad luminosa destaca un jugoso esmalte tipo oribe aplicado con unos toques de pincel que… lo mejor, en mi opinión, verlo en silencio. Hasta otro momento en que seguiremos comentándolo.

Platos con esmalte de tipo oribe, 84×33x14 / 61×47x20 cm. /

Made in Sweden (2009-2010), JoséAntonio Sarmiento

Ver más sobre estos nuevos trabajos (en flickr)

*foto superior dcha, Sarmiento en la isla de Amundön; Living and working (ver imágenes en flickr)

Información:

Fechas: desde 9 enero 2010
Lugar: blås&knåda

Destellos de plata

MJ. Sarmiento — Fri, 05 Mar 2010 10:52:56 +0000

Eva Zethraeus en Galleri Handkraft

Los paisajes de E. Zethraeus siguen creciendo. Desde su estancia en Japón ha estado trabajando con el paisaje y los elementos naturales, inspirada en la obra que hizo allí y, en particular en los jardines del budismo zen que visitó en Kyoto.

Every Cloud needs a silver lining , para esta exposición Eva se propuso desarrollar y ampliar el uso del hilo de plata y platino en combinación con la porcelana. El tema principal de la instalación Branches (ramas), detalle de la obra que se muestra en la imágen, es el fruto de un minucioso estudio y su desarrollo en torno al tema de las ramas de los árboles.

Información:

Exposición: Every Cloud needs a silver lining Eva Zethraeus – keramik
Fecha: 27 febrero – 25 marzo 2010
Lugar: Galleri Handkraft, Trollhättan (Sverige / Suecia)

Song for you – Helena Andersson

MJ. Sarmiento — Tue, 02 Mar 2010 20:20:37 +0000

Con el título Sång Till Dig (Song for you), la galería sueca PANNCENTRALEN presenta relieves y esculturas, obra reciente de Helena Andersson

La cerámica es el medio elegido por esta artista sueca para expresarse. No le interesa tocar otros materiales. Sin duda todo su trabajo posee la cadencia de un fuerte impulso intuitivo, transmitido por el propio medio. Sin embargo esto no quiere decir que no posea un importante bagaje de conocimiento y experiencia del oficio, sino todo lo contrario. Por consiguiente, el resultado, amalgama estas dos vertientes (por un lado: el estudio, el conocimiento y la maestría del oficio; por otro: la libertad, la transgresión de las reglas y la pasión de adentrarse en caminos inexplorados). El resultado de dicha superposición es una combinación explosiva que determina la «razón de ser» de sus esculturas; un resultado fascinante que nos muestra obras brillantes, de una presencia tan rotunda como expresiva.

(imágenes de esta exposición, en flickr ‘artceramics’ – 8 fotos)

Helena Andersson, Song for you ,SÅNG TILL DIG reliefer och Skulpturer

Información:

Exposición: Sång Till Dig (Song for you), Helena Andersson (relieves y esculturas)
Fechas: 20 de febrero – 7 de marzo / 2010
Lugar: Panncentralen Galleri-Ataljéer, Sweden

Museo Röhsska – Salón de las Artes 2010

MJ. Sarmiento — Tue, 23 Feb 2010 19:17:41 +0000

Del 6 de febrero al 9 de mayo de 2010
Röhsska Museet – Konstslöjdsalong
Comisariado por: Ted Hesselbom, Bisse Evers, Ase Törngvist

En el museo Röhsska (en Gotemburgo, Suecia), se presentó el Salón de invierno de este año, dedicado a las Artes aplicadas y el Diseño (Konstslöjdsalong), con la inclusión de 61 obras de 54 creadores actuales. Las obras seleccionadas por la dirección curatorial han seguido tres ejes puntuales: 1. la moda, 2. la inspiración de la naturaleza, y 3. la observación de la sociedad de consumo desde distintos ángulos. Por consiguiente, se han incluido diversos lenguajes al servicio de la creatividad actual (y materiales cómo cerámica, joyería, cristal, fibras naturales, textil, así como otros procedentes del reciclado). Hay en esta selección propuestas que dan un giro contrapuesto a lo que se pudiese esperar, ya sea por la naturaleza del material, ya por el uso que pudiese conllevar implícito. En ocasiones, se proyecta una acusada tendencia y preocupación hacia la ecología y el reciclaje (cómo un claro estímulo de creatividad e innovación).

La búsqueda del impacto positivo en el medio ambiente y en el ‘arte-manual’, entiende esta expresión como un desafío para los muchos y diferentes tipos de materiales que aquí se pueden contemplar. “En nuestra sociedad de la información – afirma Åse Törnqvist- estamos inmersos cada vez más en busca de nuevos medios y materiales para expresarnos. Esto es perfectamente natural, porque siempre hemos buscado nuevas formas de representar el tiempo en que vivimos. Todo esto es muy estimulante y excitante de contemplar”.

Para Bisse Evers, “La expresión artística está cambiando con el tiempo y tenemos la responsabilidad de interpretar las tendencias y las impresiones de un período de rápida evolución”. Ted Hesselbom, director-conservador del museo Röhsska, destaca que: “Muchas de las obras que se incluyen en el Salón de las Artes Aplicadas de este año, tienen en común el poseer un alto nivel de originalidad y creatividad, más la lujuria de una alta innovación, el conocimiento de los materiales y la oposición potencial a su uso más tradicional.”

En la exposición pueden verse las nuevas obras dialogando con objetos de otras épocas. Además, se ha programado una conferencia para el día 23 de febrero a las 18.00 horas, así como demostraciones y talleres; un “Maratondag” (día de maratón), en el que los artistas presentarán sus trabajos. Con este salón, el museo Röhsska, plantea un interesante debate propiciando la reflexión acerca de los muy diferentes modos de expresión y la utilidad (el servir) de los mismos.

JA.Sarmiento, Landscape-Objet; Röhsska Musset Konstslöjdsalong catálogo pág.49

Información:

Lugar: Röhsska Museet (museo de la moda, el diseño y las artes decorativas), Göteborg (Sweden)
Exposición: Konstslöjdsalong’ 2010

Catálogo págs. 1-59; Konstslöjdsalong’10

‘Silencios’ de Vilma Villaverde: escultura cerámica en el Museo de Arte López Claro

MJ. Sarmiento — Tue, 17 Mar 2009 00:21:08 +0000

Coincidiendo con el día internacional en homenaje a la mujer, el museo argentino recoge esta muestra temporal de Vilma Villaverde bajo el enunciado ‘Silencios’ en el que nos muestra una crónica para la actualidad a través de la inspiración de imágenes del pasado. La muestra que se puede contemplar hasta el 25 de marzo de 2009.

Desde una inquietud escultórica, la cerámica es la materia de un lenguaje en el que a través de una concepción que se puede calificar de surrealismo (realismo honírico) busca recomponer la figura y la situación de la mujer desde una perspectiva sociológica que -en su crítica- Fermín Fevretro sitúa como crónica de «los aspectos más insólitos de la condición humana».

Actualmente Vilma Villaverde ejerce como profesora de escultura cerámica en la Universidad de Bellas Artes de Oberá en Misiones, así como en su propio estudio. Se graduó, en 1961, por el Instituto de artes plásticas de ‘Prilidiano Pueyrredon’; estudió con Mireya Baglietto, Ramón Castejón y Leo Tavella.

A continuación incluimos un extracto de la mencionada presentación, de la mano de Omar A. Duclos, intendente del Museo de Arte López Claro en la ciudad de Azul.

(…) En 2002, la comunidad artística de Azul se vio gratamente sorprendida cuando una mujer de una humildad notable puso ante nuestra mirada una obra plástica única: por sus dimensiones, por sus conceptos, por su trascendencia.

Sus numerosos reconocimientos nacionales e internacionales posicionan la cerámica argentina en el contexto artístico mundial. De la misma manera que Vilma Villaverde resulta cercana a nuestros afectos, nos sorprende saber que también lo es en países tan lejanos como Alemania, Japón, Taiwán al punto de ser la impulsora y creadora del Museo de la Cerámica de Argentina y Latinoamérica en Fuping, provincia de Xian, China.

Asimismo creo pertinente agradecer, una vez más, la donación realizada en oportunidad de la primera muestra, que acrecienta y jerarquiza nuestro acervo patrimonial cultural.

En el marco del Día Internacional de la Mujer, este reconocimiento a su trayectoria y a su permanente labor. (Omar A. Duclos)

Crítica

Texto: Fermín Févre
Madrid, 1997. Revista Hoy Arte Hoy. Año VI – número 10 – 2005

«La realización de las piezas cerámicas montadas en los elementos que integran las instalaciones sanitarias constituye un verdadero hallazgo de Vilma Villaverde que logra de ese modo, singulares formas escultóricas. Podría decirse que la artista elabora con ellas una verdadera poética en la que pone de manifiesto un tipo de realismo fantástico en donde la ironía, el humor y cierta crueldad se dan cita. Trasunta así una visión del mundo creando los medios y recursos para expresarla.

Si se pretende encontrar en sus obras alguna asociación con el surrealismo o con la actitud dadaísta de sacar de su contexto a los objetos de su uso dándoles un carácter estético, se advertirá que la artista va más allá de esta mera asociación. Su poética es toda una visión crítica de la realidad. Se trata de una crítica que nada tiene que ver con la denuncia social sino más bien con la condición humana y sus aspectos más insólitos e inesperados».

Enlaces realcionados

Museo de Arte López Claro

Eva Zethraeus, “Fairytale landscapes” Exposición en la galería Sintra

MJ. Sarmiento — Wed, 11 Mar 2009 10:46:08 +0000

Paisajes Encantados, donde habitan las hadas

FAIRYTALE LANDSCAPES – del 7 al 31 de marzo 2009

Durante años Eva Zethraeus ha trabajado con paisajes de porcelana y recreaciones de la naturaleza en instalaciones espaciales inspiradas en sus estancias en Japón, y en particular en los jardines del budismo-zen de Kioto.

Desde entonces, ella ha estado involucrada con los acontecimientos de la naturaleza, para crear una obra nueva. La inclusión de un material diferente, la plata, le ha dado una nueva dimensión a la porcelana y un contraste a los esmaltes mates o satinados con los que trabaja. La combinación conforma un Fairytale Landscape (“Paisaje encantado”, habitado por las hadas), su exposición se puede contemplar estos días en Sintra, galería ubicada en la ciudad sueca de Gotemburgo.

Eva Zethraeus es una artista-ceramista que vive y trabaja en Gotemburgo, Suecia. Ha participado en varias exposiciones en Escandinavia y alrededor del mundo. Recientemente pueden contemplarse sus obras también en el Museo Vendsyssel, en Dinamarca, en Röhsska Museums Contemporary Craft Show en Gotemburgo (hasta 2 mayo) y Liljevalchs Konsthall Spring Art Show (hasta 29 de marzo). Su trabajo está representado en “Röhsska National Museum of Arts and Crafts” en Gotemburgo y en el Museo Nacional de Estocolmo.

Visita a la exposición (Flickr, Art Ceramics) Eva Zethraeus, Fairytale Landscapes

Visita guiada a la exposición de Gerd Knäpper en Valencia

MJ. Sarmiento — Tue, 24 Feb 2009 20:30:35 +0000

Valencia, 29 de enero de 2009, día de la inauguración de la exposición de Gerd Knäpper en el Museo Nacional de cerámica “González Martí”.

El artista –en la imagen, segundo por la izquierda- entre el traductor y Liliane Cuesta, conservadora del museo valenciano y coordinadora de la muestra, fue presentado al público asistente por el cónsul honorario de Alemania, Ilmo. Sr. D. José Luís Cervera, quien destacaba en su discurso lo que en síntesis según su percepción es característica principal de la obra del artista alemán residente en Japón: Una obra cerámica de extraordinaria factura en la que se aprecia la combinación del carácter alemán en el rigor de la estructura junto a una poética oriental asentada en la contemplación de la naturaleza y la sabiduría de la tradición cerámica del Japón en la aplicación del horno Noborigama con el que el ceramista trabaja. A la derecha de la foto, junto al cónsul, la presencia del ceramista Mariano Poyatos, coordinador de los I Encuentros Internacionales de Arte – Culla Contemporánea (2007, Castellón), en los que Gerd Knäpper ha sido artista participante, en calidad de invitado de honor.

Lugar, inspiración y proceso

Desde finales de los años sesenta, Gerd Knäpper (Alemania, Wuppertal 1943) vive en Japón, donde ha desarrollado una carrera como escultor y ceramista independiente, hasta el punto de que el éxito obtenido allí determinó su residencia de modo definitivo al formar una familia (contrajo matrimonio con una japonesa) y consolidar en la tranquilidad del campo un lugar idílico (Tarasoka, “estudio-galería” y hornos de leña) para la creación de su obra personal.

El mismo artista nos lo comentaba durante la inauguración de esta exposición en Valencia, afirmando que cuando fue a Japón para ampliar conocimientos dentro de la especialidad cerámica no tenía intención de quedarse nada más que dos o tres años; sin embargo, el éxito que obtuvo con su trabajo como hemos dicho fue decisivo. Bernard Leach le recomendó al prestigioso maestro Tatsuzo Shimaoka (quien le aceptó como ayudante en su taller de Mashiko por un tiempo, después de estudiar en Seto con Suzuki, su destino después de recorrer diversos países y embarcarse desde Estados Unidos hasta Japón, atraído sobre todo por la cerámica). Entre los diversos reconocimientos obtenidos en el país del sol naciente seguramente fue decisivo para su futuro conseguir el gran premio otorgado por el Primer Ministro de Educación (I Premio de Cerámica Artística, Tokio 1971, a una cerámica tradicional japonesa), para sorpresa de todos, incluso de los miembros del jurado, ya que se trataba de una obra contemporánea de carácter japonés cuyo autor resultó ser un extranjero (un ceramista originario de Alemania, formado entre Alemania, Estados Unidos y Japón).

Sin embargo, Gerd Knäpper no considera su obra ni alemana ni japonesa sino inspirada en el arte primitivo y moderno de muchas culturas. «Como artista -dice- no me considero a mi mismo ni japonés ni alemán. Gracias a mi singular situación, mi obra posee una estructura independiente tanto del Este como del Oeste».

Gerd Knäpper, imágenes de izqda a dcha ONDAS / TORSO (65 x 39 x 30 cm) 2001

Técnicamente la obra de Knäpper se ha realizado fundamentalmente en un horno Noborigama, utilizando pino rojo como combustible (su horno tiene cuatro cámaras construidas en pendiente, sin contar la cámara de fuego para la leña) y consolidada en una cocción rápida -36 horas-, alcanzando 1280-1300 grados centígrados. Un número importante de piezas presentan el color tostado del flameado sobre la arcilla y un “autoesmaltado” que en los bajorrelieves de las piezas talladas revelan un difuminado bastante regular, conseguido posiblemente como resultado de aplicar en crudo un engobe de ceniza, fundido en el cuerpo de la arcilla al ser sometido a tan altas temperaturas, madurado y soldado por toda la superficie junto a los restos de cenizas y sales volátiles.

Visita a la Exposición

Tres fotografías murales, instaladas en la sala, muestran el entorno del taller-estudio del artista: en una se ve un precioso paisaje nevado, con los campos y los edificios de la residencia Tarosaka en Daigo, donde Knäpper ha devuelto todo el esplendor a la antigua finca tras una impecable restauración efectuada en los edificios originales construidos con madera y la tradicional cubierta de paja trenzada; en la segunda foto, podemos ver el horno Noborigama; y en el tercer panel, al autor en el patio de la casa seleccionando piezas para una importante exposición que se celebró en Tokio, en la que se mostraron entre otras obras significativas de su sello grandes platos y bandejas de sesenta centímetros. Dicha puesta en escena es sin duda un documento singular para entender el ambiente del artista, la tranquilidad del campo donde desarrolla su trabajo, su relación con el entorno rural -en una vecindad de apenas siete granjas-, donde el maestro es el único ceramista del pueblo.

Las formas se completan con decoraciones talladas y trenzadas en un estado de la arcilla que se denomina “dureza de cuero”; un lenguaje personal que busca la representación del movimiento (el viento sobre los campos, en el cielo y el agua). La tierra chamotada y la marca del fuego de leña potencian aun más la precisión de las aristas, la tensión de un modelado virtuoso; no se trata de una mera decoración, el relieve forma una parte indivisible del objeto y no hace sino subrayar la arquitectura de unas formas sugerentes -construidas en secuencias equidistantes-, mediante un recurso de torsiones y virados que se ven realzados en aquellos Vasos que descansan sobre sus propios pies –elevándose ligeramente a unos centímetros de la base.

El eco de estas formas parece proceder de un sonido primigenio, presente en las ondulaciones y esculpido del viento en el agua, o, en la arena, en la arquitectura de las conchas de mar o de las plantas, en un lenguaje que evoca una percepción casi gaudiniana donde la mirada se alimenta al contemplar la naturaleza. Otros diseños recuerdan secuencias presentes en los esmerados tejidos orientales hechos con fibras vegetales, o la disposición en capas que va formando una corteza como se puede ver en la imagen de esta corteza de palmera que hemos fotografiado (potenciada la sensibilidad, después de contemplar la exposición se nos presentaron en una dimensión muy sugerente los troncos de las palmeras de Valencia).

Para mostrar la obra de Knäpper, las dos salas de la planta superior del “González Martí” se han llenado de cerámica con varios ejemplos (piezas firmadas con su sello personal y realizadas entre 1983 y 2008), algunas de estas obras son replicas en metal (bronce, y aleación de cromo-niquel), otras litografías manuales, impresas sobre papel Washi (también hecho a mano con corteza de morera, una artesanía muy apreciada en Japón) en las que se han plasmado los diseños de las vasijas. Los objetos cerámicos son variados y de mayor o menor escala, piezas únicas, -desde vasos y platos de carácter escultórico hasta formas que son propiamente esculturas (estelas) pero cuya forma surge dentro del lenguaje de la alfarería. También hay otras piezas de menor tamaño, destinadas a un uso utilitario como cuencos, vasos para Ikebana, utensilios para la ceremonia del té: taza (Chawan), el recipiente que se utiliza en la ceremonia del té para el agua fresca (Misuzashi), alguna botella para sake (Tokuri) con sus correspondientes tazas (Guinomi), tarros para el té, cajas para el incienso (Kogo), botellitas de agua (que los japoneses utilizan para disolver la pastilla de tinta caligráfica), platos, bandejas, etc.

Todo se ha dispuesto sobre módulos blancos, así como en vitrinas (las piezas de mano) o en la pared (los grabados enmarcados). El recorrido por consiguiente debe ser pausado –hay mucho que ver- para poder apreciar y dedicar el tiempo necesario a cada pieza.

Las obras de Gerd Knäpper ganan mucho al natural, en mi opinión la cerámica y concretamente este tipo de objetos resultan mejor en directo, generalmente esto suele ocurrir con las mejores piezas y en particular con las de cocción de leña (por la sobriedad y profundidad del color y los matices que presentan); por otra parte el arte que trata de la alfarería suele ser más íntimo que la escultura monumental, así es que las imágenes difícilmente recogen todo el misterio de un objeto en el que la escala, el peso y la textura, son elementos esenciales que forman un todo.

Detalle de la muestra en el Museo González Martí, Valencia

En cuanto a la disposición de las obras, hay que tener en cuenta que las bases o módulos solo son un “mobiliario” adicional, es decir provisional, para distribuir las piezas en la sala, así es que en mi opinión es preferible eliminarlo mentalmente durante la contemplación, ya que resulta como algo ajeno a su entorno natural, es decir en el que realmente cobrarán vida y mostrarán todo su esplendor las cerámicas: cuando se dispongan en la mesa (para disfrutarlas en la mano), o -en el caso de las de mayor tamaño- en el tokonoma y si en una casa de diseño moderno ocupando un lugar especial donde se pueda disfrutar tranquilamente con su contemplación, o incluso en un jardín si se trata de aquellas de mayor escala, siendo el exterior lugar donde también pueden situarse sin inconveniente -las piezas cocidas en alta temperatura pueden resistir hasta las más adversas condiciones climáticas. Teniendo todo esto en cuenta comenzamos la visita a la exposición saboreando cada objeto, uno a uno, detenidamente. La obra lo merece, y comprobando que estamos ante piezas dignas de museo, no podemos evitar el pensar que sería una buena noticia si al menos alguna de estas obras se quedase en España (adquiridas por alguna institución, museo, o formando parte de alguna colección privada).

Más imágenes de la exposición: (Flickr ArtCeramics) Gerd Knäpper, Objetos

Texto: Mª Jesús Sarmiento / Fotos: Cortesía MNC “González Martí”, Valencia (España)

Información

La exposición podrá contemplarse en Valencia hasta el 26 de abril de 2009 y después viajará de vuelta hasta Alemania, pudiéndose contemplar en Munich del 27 de mayo al 30 de septiembre de 2009 (Nationals Völkerkundemuseum, München).

Catálogo de la exposición

Edición: asociación de Amigos del museo Nacional de Cerámica; Patrocinio: TÜV Rheinland Group Asia; Textos: Jaume Coll, Claudius Müller, Antonio Vivas, Kenji Kaneko, Seizo Sasaki, Ingeborg Wiegand-Uhl, Gerhard Bott, Gerd Knäpper, Fujio Koyama, Tetsuzo Tanigawa; Páginas 184, ISBN 978-84-612-8619-5; Idiomas: Castellano, Valenciano, English.

Otras entradas relacionadas

Exposición de Gerd Knäpper en el González Martí

Rosa Cortiella: “Allá, donde el mundo se acaba…”

MJ. Sarmiento — Fri, 06 Feb 2009 05:05:07 +0000

Allà, on el món s’acaba …
Exposición temporal en el Museo de Cerámica, Barcelona

Rosa Cortiella (Barcelona, 1965) utiliza arcilla blanca, el gres y la porcelana para explorar y desarrollar un mundo fantástico e imaginario con el que aproximarse a una literatura de ficción. Por medio de cinco instalaciones de reciente creación, la artista se propone desencadenar en el público sensaciones de sorpresa, expectación, e ilusión y sobresalto. Un universo de naturaleza, luz y color que antepone lo que es imaginario a lo que es real.

(extracto del encarte de la exposición; edición: Museu de Ceràmica, Barcelona – Spain)

Hasta el 2 de mayo, 2009 podrá contemplarse la exposición ‘Allà, on el món s’acaba’

Por medio de la instalación el espectador es animado a deambular por un mundo imaginario: un bosque onírico en el que la paradoja se revela en sugerencias; propuestas artísticas con las que Rosa Cortiella, manejando una teatral puesta en escena, seduce al espectador hacia un caminar -como Alicia en el país de las maravillas- hacia el otro lado del espejo. Un amalgama de materiales -manufacturados unos (los industriales) y otros elaborados (la cerámica)- se han engarzado entre sí como las cuentas de un collar, hasta construir una narrativa decorativa sobre la que servir en bandeja un menú conceptual de sabores dulces y ácidos.

Acceso a través de la obra: ‘Que los árboles no te impidan ver’ (2008)

Otra perspectiva de la exposición de Rosa Cortiella

Visita guiada, desde una mirada crítica y subjetiva

LA VIDA SEGÚN EL COLOR DEL CRISTAL CON QUE SE MIRA
Mª Jesús Sarmiento

1. Entramos en la exposición a través de la obra Que les arbres no t’impedeixin de veu (que los árboles no te impidan ver), una gama de verdes ácidos en cerámica suspendida da forma a la recreación realista de un bosque.

2. El paseo por el bosque de bambú desemboca en un jardín animado, un camino sembrado con unos módulos (forrados con papel litográfico, con la imaginería de un césped) que sirven de peana para las esculturas Les Aparences enganyen (las apariencias engañan): objetos en forma de “piedras vivientes” (mostrando en su superficie inerte una caligrafía serigrafiada con diversos motivos del cuerpo humano, vísceras, cerebro…). En esta vida imaginada la recreación mineral de la mano de Cortiella nos promete tornarse palpitante.

3. La siguiente instalación con la que el espectador se encuentra: Mutans (mutantes) es, sin embargo y a nuestro entender, un guiño mas propio del lenguaje del artificio decorativo –al mostrar unos farolillos de porcelana, fibra y luz eléctrica, (con los pertinentes y visibles accesorios incluidos para su funcionamiento) reunidos en suspensión con apariencia de pequeñas linternas de papel, en una cadencia sincopada de diseño intachable (lámpara que enmarca una luz amarillenta, casi dorada, cual luciérnaga gigante de un bosque encantado).

4. Ikebana es la cuarta instalación, iluminada e interpretada por una especie de jarrones inacabados (de bizcocho cerámico) que se combinan con un maniquí articulado (de esos que se utilizan en las clases de dibujo artístico) para proyectar una sombra chinesca en la pared de tal modo que la visión del artefacto se trasforma en espectro ante los ojos de quien lo contempla. La sombra aparece en la imaginación cual un animal mitológico, ¿un dragón?, que por alusiones del enunciado y asociación de ideas entendemos de inspiración oriental (el caso es que en Oriente la simbología del dragón es reverenciado como representante de las fuerzas primitivas de la naturaleza y el universo).

5. Para terminar, se sale de la Instalación a través de una obra elástica (composición de muelles, tubos de goma transparente y cuentas de cerámica configurando un diseño gráfico); esta pieza, titulada Segona oportunitat (segunda oportunidad) evoca la abstracción de una gigantesca vagina por la que el transeúnte supuestamente saldrá a la realidad con ojos renovados (en un exorcismo de re-nacimiento), tras metamorfosis producida por la visión de esa «otra realidad» contemplada, traspasada, en la que todo o nada es lo que parece.

Salida de la instalación a través de la obra, ‘Segunda oportunidad’ (2008)

Enlace con más imágenes de la exposición en (Flickr, Art Ceramic):
Rosa Cortiella: Allà, on el món s’acaba… (Instalación, técnica mixta)

Algunos apuntes sobre la autora y su obra

Yo no conocía el trabajo de Rosa Cortiella (Barcelona, 1965) salvo una introducción a su trabajo en un libro de bolsillo sobre la cerámica catalana firmado por Dª Mª Antonia Casanovas (directora conservadora del Museo de Cerámica de Barcelona) que encontré hará unos tres años, y salvo alguna pieza aislada no había visto mucho más (siluetas de base cerámica -como si fuesen de cartulina recortada y coloreada- pintadas con acrílico, en un estilo pop, que me parecieron estar más en la línea de la ’Caja Brillo’ de Wharhol que en una fonética propia de los elementos de tradición cerámica (donde elementos como la textura, el esmalte o el fuego transcienden como sello diferenciador de otras disciplinas).

Aparentemente los objetos de Cortiella, más que estar hechos de cerámica, nos recuerdan a los objetos de policarbonato que bajo etiqueta de diseño el mercado acepta como tendencia actual. He de confesar que el trabajo que de esta artista vi en aquel momento, aunque no me disgustó visualmente, tampoco me atrajo especialmente, y no por el hecho de que ella utilice colores acrílicos y formas repetidas de secuencias interminables que como ya he dicho nos recuerdan irremediablemente a ciertos productos industriales. Aunque para mí no es motivo de prejuicio, según y cómo estos elementos se manejen (considero que el peso específico de la expresión artística es independiente del tema y de la materia), tengo que decir que tampoco vi (en esos elementos aislados) ni innovación ni mucho menos la audacia pretendida en aquellas siluetas con apariencia de piezas de puzzle (p. ejemplo: las exhibidas en Barcelona, Galería Sargadelos); o igualmente en Valencia, la obra ‘El peso de la ausencia’, 2004, que se incluyó en una colectiva comisariada por J. Miranda (en el MNC. González Martí -una agrupación de cilindros perforados, pintados en su interior con colores planos en tono magenta, rojo, naranja, amarillo…) Por un lado, en cuanto al tratamiento y la apariencia, su obra podría ser de cualquier otro material ¿porqué en cerámica? y no en papel maché, fibra de vidrio, cartón piedra, madera policromada, escayola, y pintarla con acrílico -a simple vista si es o no cerámica resulta irrelevante- y creo, si no me equivoco, que ésa es precisamente también la intención de su autora (transgredir, jugar con las apariencias). Ni siquiera la instalación Camuflage, (2005), presente en los fondos de obra contemporánea del Museu de Ceràmica de Barcelona, aunque de mayor complejidad que los anteriores objetos que he mencionado, me parece destacable en cuanto a ser cerámica. Dicho esto, espero que esta percepción no sea mal interpretada; así pues, debo explicarme mejor y para hacerlo nada más esclarecedor que insertar a continuación, como argumento de mi explicación, un texto de Mª Antonia Casanovas:

«Rosa Cortiella es una ceramista ingeniosa y original de gran personalidad que se ha mostrado siempre interesada por la riqueza plástica de la arcilla y por los ornamentos de colores, los más brillantes del mercado. Liberada de cualquier convencionalismo teórico, trabaja espontáneamente en la creación de instalaciones de gran fuerza expresiva (…) El elenco de colores que utiliza ya no pertenece a la gama cromática tradicional de colores cerámicos, sino que hace referencia a las tonalidades de otros materiales sintéticos y artificiales (…) Cortiella encuentra los que se adaptan a sus obras, los que enfatizan sus diseños, los que caracterizan su personalidad artística (…) Para ella, una obra debe iluminar desde dentro, respirar y moverse a través del color. Debe ser porosa a las sensaciones y despertar los sentidos.»(Extrc: Els Segles XX i XXI A les col-leccions del Museo de Cerámica de Barcelona, edic 2008 Barcelona /pág. 99, trad. pág 112 ‘Rosa Cortiella’ / MªA.C.)

Ahora todo está un poco más claro: no vamos a encontrar aquí esmaltes preciosos, ni flameados o bruñidos, ni complejidad en los procedimientos; sin embargo a la vista de la exposición ‘Allà, on el món s’acaba’ sí es obvio y hay que subrayar que la obra artística de Rosa Cortiella luce con todo su esplendor a través de su puesta en escena; en el lenguaje de la Instalación es donde su imagen lírica y teatral cobra vida, no desde la tramoya de cada objeto en-sí; no por su calidad en cuanto a materia cerámica, sino dentro del artificio que se produce a través del acto de representación del cuadro global incluyendo los procedimientos de elaboración elegidos -bastante sencillos por cierto pero sí de efecto. Es decir, «en escena» es donde todo se re-compone e interpreta, donde se crece y cobra vida cual diva en su noche de estreno. Entre las candilejas es donde se realiza su magia y lo prometido se cumple, transforma la realidad (más allá de la belleza) hasta re-colocar el sentido de la percepción (a través de una mirada renovada).

En mi opinión, si visitan esta exposición les puedo asegurar que captarán su esencia y no se sentirán defraudados.

Imágenes: Cortesía del Museo de Cerámica de Barcelona

Exposición: Allà, on el món s’acaba (Allá, donde el mundo se acaba)…

Fechas: del 20 enero – hasta 2 de mayo, 2009

Lugar: Museu Ceràmica, Barcelona

Web personal de la artista:Rosa Cortiella

Barceló, experiencia africana

MJ. Sarmiento — Sat, 31 Jan 2009 17:56:57 +0000

Hasta el 15 de febrero, 2009
Centro de Arte Contemporáneo de Málaga
calle Alemania s/n; Málaga (España)

Posteriormente a la exposición celebrada en el IMMA de Dublín, las obras de Miquel Barceló, trabajos realizados en África, han llegado a España y se pueden contemplar en la actual exposición temporal del CAC Málaga, comisariada por Enrique Juncosa (director de IMMA, amigo desde hace tiempo del artista y experto en su obra). Juncosa, describe a Barceló como uno de los pocos artistas contemporáneos que se sienten motivados y confortables trabajando en el medio rural. Subraya el experto que al hacerlo Barceló confronta contenidos de principal importancia, sobre temas que nos inquietan y nos preocupan desde siempre y para siempre o hasta la eternidad.

BARCELÓ, OBRA AFRICANA en la actual exposición temporal del CAC
(texto de presentación del CAC Málaga)

El CAC Málaga reúne en una exposición inédita en España, la experiencia africana de Miquel Barceló. El periplo del pintor español más importante en el África subsahariana, sus largas estancias en el País Dogón de Mali, hacen que su mirada sobre las costumbres, la vida cotidiana, las iconografías, los paisajes y sus habitantes sea verdaderamente única y comprometida. En este camino el pintor no pretende representar sino comprender, no intenta plasmar la realidad sino vivirla en una actitud que parece más animista que occidental. La exposición, comisariada por Enrique Juncosa, ha sido organizada en colaboración con el Irish Museum of Modern Art y no será presentada en ninguna otra ciudad del mundo.

Muchas de las 82 obras que componen la exposición Obra africana (trabajos en papel, pinturas de pequeño y gran formato, esculturas, cerámicas y libros de bocetos) se muestran por primera vez. Todas ellas con un denominador común, la relación que mantiene el artista con África occidental. Lugar que supuso un punto de inflexión en su carrera y que le sirve de inspiración constante como demuestran los temas de sus obras: el ir y venir de mujeres que se ocupan en tareas cotidianas, los trajes indígenas vivamente coloreados, los retratos de los dogones con su especial fisonomía o la magnitud de sus paisajes y sus detalles más insignificantes (piedras, calaveras, plantas o animales entre otros).

El ÚLTIMO DEMIURGO
texto: Enrique Castaños Alés
(Extracto)

CUANDO se ve reunido en una misma exposición un amplio conjunto de obra de Miquel Barceló (Felanitx, Mallorca, 1957), perteneciente a un dilatado arco cronológico, y, por ello mismo, realizado con las distintas técnicas con las que habitualmente trabaja el artista, como ocurre en esta ocasión, se tiene ante aquélla la sensación de hallarse ante el postrer demiurgo de los lenguajes visuales contemporáneos, si es que resulta lícito emplear el término «demiurgo» para referirse a un artista plástico posterior en el tiempo a Pablo Picasso.

En efecto, viendo la producción realizada o inspirada en sus prolongadas estancias en el África subsahariana por Miquel Barceló, experimenta el aficionado la profunda sensación de encontrarse ante lo más próximo, durante estos últimos decenios que conforman la postmodernidad y la también llamada época posthistórica, a lo que supuso en el campo del arte la creación picassiana. (…)

[Esto es sólo un extracto, ver el enlace al artículo completo publicado en: Sur.es]

Enlaces relacionados

CACmálaga, Centro de Arte Contemporáneo
IMMA, Irish Museum of Modern Art

Gerd Knäpper, exposición en el González Martí

MJ. Sarmiento — Wed, 28 Jan 2009 00:40:15 +0000

Del 30 de enero al 26 de abril, 2009
Inauguración: 29 de enero 19 h., con la presencia del artista.

Valencia y el marco del Museo Nacional de Cerámica acoge -en exposición temporal- obra cerámica y gráfica del escultor alemán establecido desde los años setenta en Honsū (Japón); un total de setenta y seis cerámicas de gran fuego y ocho serigrafías impresas en papel hecho a mano (washi).

Gerd Käpper (1943, Alemania) vive y trabaja en su “estudio-galería”: Tarosaka Studios (una preciosa casona de campo con la cubierta tradicional de paja, rehabilitada a partir de la construcción original de 140 años de antigüedad), en los campos del entorno rural de Daigo, provincia de Ibaraki. Allí donde el paisaje es inspirador.

El artista sitúa su obra entre la inspiración de la modernidad, las raíces de su país natal, y el proceso de la tradición oriental (utiliza el auto-esmaltado en un horno tradicional de leña). En mi opinión, la cerámica de Knäpper muestra su gusto por lo constructivo y monumental mediante la re-afirmación que ensalza una intensa motivación, como resultado de una recreación explícita sobre la exuberancia de la naturaleza.

El escultor en su estudio, Ibaraki (Japón)

Gerd Knäpper Espiral,1983; D. 62cm.

Entre la escultura monumental y el objeto utilitario, la cerámica de Knäpper se forma como un cuerpo único, con la intención de abarcar ambos conceptos. El resultado presenta formas esculpidas, talladas, y torneadas, que como escudos o caparazones -en el bajorrelieve- retienen la marca inconfundible de fuego, sal y ceniza. Con el noborigama (horno de leña de varias cámaras construido en pendiente) Knäpper subraya la gráfica de una espiral; un tema (estético y tal vez alegórico) que a la vista de su intensa trayectoria vemos que para él es recurrente. Desde el impuso más arcaico hasta la racionalidad científica, desde el arte megalítico hasta la matemática, la gráfica de una espiral se interpreta desde varios ángulos. En su sentido más amplio frecuentemente se ha utilizando en el lenguaje de una simbología sobre el renacimiento (nacimiento-vida-muerte-resurrección).

Desde hace mucho tiempo hemos tenido noticias sobre la obra de este autor, y por extensión sobre los reconocimientos de los que ha sido objeto a lo largo de una carrera desarrollada entre Alemania y Japón. Así pues esta exposición será una oportunidad para ponderar su trabajo en directo. Bienvenido a nuestro país Sr. Knäpper.

Dossier de prensa

El autor y su obra; Exposición G. Knäpper; cortesía del Museo Nacional de Cerámica, Valencia.

Enlaces relacionados

Visita guiada a la exposición de Gerd Näpper en Valencia