Exposición:
del 5 de julio al
13 de septiembre de 2007
Sala d’exposicions
del COAC.

Plaça Nova, 5
08002 Barcelona

Inauguración: miércoles, 5 de julio, a las 21.00 h

Conferencia inaugural a cargo de Josep Maria Fargas y Manel Clot

Desde sus inicios en el taller familiar de cerámica y a lo largo de su trayectoria internacional como ceramista, Antoni Cumella (1913-1985) manifiesta siempre una especial atención sobre el discurso arquitectónico, como una producción de espacio y redefinición del factor tridimensional, pero también como zona de investigación para las posiciones modernas, especialmente en nuestro país. Una muestra de esto además de en su obra de artista –piezas de torno, murales arquitectónicos, cerámica monumental- o la producción seriada de elementos industriales, puede verse también en las relaciones y colaboraciones que mantuvo con figuras fundamentales de la arquitectura de la segunda mitad del siglo XX. Actualmente su hijo, Toni Cumella, mantiene la marca arquitectónica del taller, cuyas líneas de trabajo ha ampliado en el campo de la restauración de elementos arquitectónicos históricos y, muy especialmente, participando en obras ahora consideradas emblemáticas de los arquitectos de nuestro tiempo.

Conferencias:

05 de julio: Josep Maria Fargas y Manel Clot
12 de julio: Enrique Sobejano y Fuensanta Nieto
05 de septiembre: Ignacio Pedrosa, de Paredes Pedrosa Arquitectos
13 de septiembre: Toni Cumella y Cristian Cirici

todas las conferencias se pronunciarán a las 20.00 h, en la sala de actos del COAC

Itinerarios:

Visita guiada al antiguo Edificio Sandoz (Burkhardt i Xavier Busquets 1972) y a la Casa La Ricarda (Antoni Bonet i Castellana 1950-63) Viernes 13 de julio de 9:00 a 14:00 h
Precio: 30 €
LLamar para reservar con antelación

Créditos

Organización: Area de Actividades Culturales de la Demarcación de Barcelona del Col•legi d’Arquitectes de Catalunya
Producción: Demarcació de Barcelona del Col•legi d’Arquitectes de Catalunya
Comisariado: Manel Clot
Coordinación y diseño: Àrea d’Activitats Culturals
Gráfica: Salón de Thé

(Texto: Nota de prensa)

Texto de presentación firmado por el comisario de la muestra.

Reconegut habitualment per ser un dels grans artistes internacionals de la ceràmica del s. XX, la trajectòria d’Antoni Cumella (1913-1985), però, començà en el taller familiar de terrisaires a Granollers, on aprengué des de ben jove els processos tècnics i les sensibilitats creatives el desenvolupament posterior dels quals tant l’haurien de caracteritzar.

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En la ciudad de Lugo, organizadas por la delegación cultural de COAG y la Escuela de Arte y superior de diseño “Ramón Falcón”, se celebraron las 2ªs. Jornadas de Arquitectura y Diseño sobre el tema Ruralmente: Nuevos modos de entender lo Rural. Entre los temas tratados en torno a las posibilidades y las nuevas perspectivas de la vida en el campo en armonía con la naturaleza y en simbiosis con el avance de la actualidad, La Tierra: una aproximación a través de la cerámica a nuevos modos de manifestar la creatividad con un material tan rural como es la Tierra ha sido el hilo conductor y enunciado de la 6º y última sesión elegida para cerrar el ciclo de estas jornadas de octubre y noviembre, y en la que Toni Cumella i Vendrell impartió una conferencia exponiendo su singular experiencia relacionada con la cerámica integrada en el medio de la arquitectura. Acto seguido, junto a Toni Cumella, el público asistente pudo participar de una mesa redonda moderada por Francisco Fernández Ares,ceramista y docente en la Escuela de Arte Ramón Falcón (EASDRF), a la que se sumaron otros tres invitados: desde el concepto arte argumentado por sus diferentes experiencias el escultor Caxigueiro (Daniel Río Rubal) y el ceramista José Antonio Sarmiento, artistas ambos relacionados con la “tierra” como materia de sus obras (en el ejercicio del manejo de los 4 elementos de la naturaleza) + el reflejo de su entorno de trabajo (precisamente y no por casualidad en el medio rural dichos autores han ubicado su taller/estudio, en el campo de Galicia y León respectivamente); de otro lado y desde la experiencia de Sargadelos: Andrés Varela Martínez (doctor en ciencia química por la Universidad de Santiago).

Toni Cumella i Vendrell (Granollers, Barcelona;1951)

Tras realizar estudios de ingeniería industrial y fotografía, se ha dedicado por completo a la cerámica desde 1970. Primero como estrecho colaborador de su padre el artista/ceramista Antoni Cumella (1913-1985), referente situado en nuestro país como uno de los nombres fundamentales dentro de la historia contemporánea de la «cerámica de estudio» (de arte). Después, desde 1985, por su trayectoria individual y profesional dentro de la elaboración cerámica enfocada hacia su integración en el marco de la arquitectura en un territorio difícil de clasificar pues se trata de un campo de acción limítrofe con diversas esferas creativas (entre la industria, el diseño y lo artístico), cuyo punto de partida historicamente se sitúa desde referencias próximas a los trabajos “por encargo” del periodo modernista, en el que el alfar se encarga de la resolución técnica y conformación de los elementos cerámicos a la medida de un proyecto específico, en colaboración con un estudio o arquitecto autor del proyecto ofreciéndole a éste la absoluta versatilidad del obrador y la experiencia del ceramista, en este caso Cumella. Por cierto una experiencia que a Toni Cumella le ha llevado a trabajar en colaboración estrecha con importantes estudios de arquitectura (Estudio PER, Cristian Cirici, Pep Bonet, Oscar Tusquets, Steegman y Lluís Clotet. Punto de partida para colaborar con muchos otros arquitectos). De este modo el taller de Toni Cumella ha participado en una parte importante de las obras de restauración del patrimonio modernista de Cataluña (Casa Batlló de Gaudí junto con el arquitecto Josep María Botey; Parc Güell de Gaudí junto a Elíes Torres y Martínez Pepeña, entre otras obras), pero también en nuevos proyectos en los que la cerámica forma parte de la configuración, constructiva/utilitaria/formal/estética de la arquitectura del siglo 21 (por citar alguno de estos trabajos en los que la cerámica es más que ornamentación: El Mercat de Santa Caterina en Barcelona, obra de Enric Miralles y Benedetta Tagliabue; el Pabellón de España de la Exposición de Aichi 2005 (Japón), obra del arquitecto Alejandro Zaera–Polo.

De un extracto sobre la Exposición de Aichi retomamos su enunciado, ya que en este caso también el eje vertebrador para la ocasión fue la Naturaleza:

En esta ocasión, el eje vertebrador de la Expo fue la armonía global, que, bajo el lema de La sabiduría de la naturaleza, trató de reunir todas las experiencias y conocimientos que la humanidad ha adquirido hasta ahora. Los japoneses reconocieron los daños que el desarrollo acelerado ha causado en su propio entorno y propusieron el retorno hacia la naturaleza como fuente de sabiduría por medio de esta Expo, en la que el recinto intentó ser un laboratorio global para preparar un futuro mejor para la humanidad. Las tres áreas temáticas básicas en torno a las cuales se desarrolló la exposición fueron:

- La matriz de la naturaleza: el universo y la tierra imaginados por la humanidad; la comunicación como tecnología del futuro, la experiencia de la humanidad y la ciencia de la vida.

- El arte de la vida: las culturas y su coexistencia con la naturaleza, las artes heredadas a través de los tiempos, la tecnología y la ética en el pasado y en el futuro.

- El desarrollo de eco-comunidades: el desarrollo y preservación de la naturaleza y la recuperación del medio ambiente en el siglo XXI. Propuestas de estilos de vida para el nuevo “ciudadano global” y la construcción de un nuevo sistema social basado en los conceptos del reciclaje y el ahorro de energía.

El Pabellón de Alejandro Zaera-Polo/Toni Cumella sin duda cumplió con dicho «eje vertebrador», más allá de su funcionalidad y en la esfera en que la arquitectura es Arte (de arqkitectum = arte máximo).

Caxigueiro (Mondoñedo, Lugo; 1955)

Su estancia en el Seminario de Estudios Cerámicos (Sargadelos) hace que establezca una especial relación con los materiales cerámicos, presentes en buena parte de a su obra. A partir del año 1990, el escultor va a trabajar más cerca del concepto de “instalación”. La narración, la temática social, la utilización del suelo, la presencia de la poesía junto con la mezcla de corrientes tan diversas como el expresionismo, el conceptual y el minimal van ser constantes en su trabajo.

INSTALACIONES
1990.- “Guerreiros” Museo Pablo Gargallo Zaragoza.
1992.- “Sair, Mudar”. Urxencias III, Moaña.
1996.- “O Bosque das Ausencias” Galería Clérigos. Lugo.
1998.- “A linguaxe da memoria” Galería Pardo Bazán. A Coruña.
1999.- “Xeografías” V Foro Atlántico, stand Galería Pardo Bazán.
-”Camuflaxe” Galería Bacelos, Vigo.
2000.- “Tras do Silencio”, stand Galería Bacelos (Madrid, ARCO).
-”Linguaxe e memoria”, Galería SCQ, Santiago.

EXPOSICIONES INSTITUCIONALES
1993.- “Trazos e Camiños”. Itinerante.
1994.- “Escultura Ibérica actual”. Itinerante.
1997.- “De Asorey ós 90. A escultura moderna en Galicia” (Auditorio de Galicia).
2000.- “Galicia Terra Única” (Fundación Barrié).
-”Escultura gallega contemporánea. La cerámica como punto de partida”. Itinerante.
-”Diálogo co silencio”. S. Domingo de Bonaval. Santiago.

BIBLIOGRAFÍA
“Summa Artis”. Cerámica Española. Trinidad Sánchez Pacheco.”Enciclopedia Proxecto Galicia”, Editorial Hércules. Antón Castro, Severino Penelas.”De Asorey ós 90″ (catálogo) Mª Luísa Sobrino. “Escultura Gallega Contemporánea. La Cerámica como punto de partida”. Antonio Garrido. Revista Internacional de Cerámica, etc…

José Antonio Sarmiento (León, 1956)

Maneja hornos de alta temperatura anagama y noborigama. Estos hornos, según el término japonés que así los describe, son vestigio de una tradición alfarera que había finalizado tras el desarrollo industrial, pero que sin embargo el temperamento artístico actual ha regenerado especialmente desde la década de los años sesenta con otro impulso. El contacto y estímulo de la práctica artística fomentada desde la infancia le llevaron sin interrupción en el tiempo a través del dibujo, la pintura y el modelado en arcilla, hasta la cerámica en la que encuentra otros elementos con los que desarrollar su gusto personal por los materiales humildes sin dejar de lado los logros conseguidos. Desde 1980 trabaja a tiempo completo con el barro y el fuego y, tras realizar grandes murales (1985-1996), se interesa por cierta alfarería concentrándose sobre todo durante los últimos diez años en la búsqueda de la auténtica vida de la vasija, cuestionando las fronteras de las disciplinas artísticas desde una visión bastante heterodoxa. En 1988 construye su primer noborigama, en 1999 el prestigioso artista Ryoji Koie se convierte en su mentor y pone a su disposición el estudio de Kamiyahagi (Japón). En el año 2000, nada más regresar de Japón diseña y construye su propio anagama-noborigama. Las hornadas con leña le ocupan de cuatro a siete días (o más) dependiendo de los resultados buscados. El cocer con leña, o el sacar la pieza al rojo, le permite seguir actuando sobre la obra hasta completar todo el proceso, sin abandonarla en ningún momento.

El fuego y cómo es aplicado, además de procedimiento para dar consistencia al material, es acción de intervención directa en el soporte de arcilla a la que José Antonio Sarmiento otorga una dedicación eminente e inseparable del proceso creativo completo. El vivir y trabajar en el campo le da las condiciones de espacio, sosiego, contacto con la naturaleza, el tiempo de meditación, que la reflexión de su única y compleja dedicación precisa.

Cocer con leña hasta conseguir un material cerámico de gran dureza: el gres, fue posible cuando a causa de la tecnología de los hornos se pudo alcanzar alta temperatura. Nada menos que sobrepasar con mucho los mil grados: entre 1200 y 1350 ºC. Este hallazgo empezó a conseguirse en los hornos excavados o construidos aprovechando la pendiente de una colina. Así se consiguió que la circulación del aire, potenciada por el desnivel del terreno, incrementase el «tiro», es decir, la fuerza para avivar las llamas y conservar las altas temperaturas durante periodos más largos de tiempo con el consiguiente y paulatino incremento de temperatura. Desde China, Corea y Japón nos han llegado estos conocimientos a Occidente. Sin embargo, llegó un momento que ya no se trataba solamente de conseguir un material práctico, de gran dureza y que no fuese poroso. Ése algo más tuvo que ver con un singular concepto estético.

Un sentido estético que, con intención artística empezó a valorar los interesantes matices, la austeridad y la belleza de un modo de hacer y de sentir la cerámica. Sobre todo, fueron los primeros maestros zen japoneses, quienes por su especial sensibilidad relacionaron bajo parámetros de belleza totalmente inusuales y hasta ese momento impensables valores próximos a la belleza no sofisticada que puede encontrarse en la naturaleza, pero también como abstracción de pensamientos próximos a los principios y al sentido de nuestra existencia.

Hasta nosotros, hombres y mujeres, nacidos en la era de la tecnología han llegado estos conceptos. No se trata solamente de cocer con leña y conseguir efectos más o menos llamativos o inusuales, es algo que va más allá… Y tiene que ver con el temperamento artístico y un modo especial de entender el arte que no ha tenido precedentes hasta estos días de cultura avanzada.

Los artistas se reúnen e intercambian sus conocimientos y modos de hacer. Mas la comunicación va más allá de la técnica.

De entre los eventos que se celebran, éste cumplirá su 21 edición (20+1 years of the Tozan Kilns), nos referimos al encuentro que durante los días 12 y 14 de octubre de 2006 tendrá lugar en Estados Unidos en la Universidad de Flagtaff, al norte de Arizona. Acontecimiento que reunirá algunos de los más notables artistas y conocedores internacionales en este campo del arte.

• Northern Arizona University and the College of Arts and Letters

(Fuente de las fotografías: NAU Ceramics, Wood fired kilns)

Durante el mes de mayo se está desarrollando un ciclo de conferencias en el Museo de Cerámica de Barcelona (organizado en colaboración con el Departamento del Historia del Arte de la UB) que aborda la relación de Picasso y la cerámica.

El Museo de Cerámica de Barcelona, situado en el Palacio Real de Pedralbes, es depositario de una de las mejores colecciones de cerámica realizadas por Picasso entre 1947 y 1957, durante los primeros años en que se dedicó a este campo del arte. Las diecisiete obras fueron donadas por el maestro el mes de abril de 1957, poco después de que Picasso se encontrara con Lluís M. Llubià, director del Museo de Cerámica de Barcelona, en la exposición La Céramique Espagnole, du XIIIème siècle à nos jours que tuvo lugar en el Palais Miramar de Cannes. Las formas y ornamentaciones de una gran parte de las obras expuestas que procedían del Museo de Cerámica de Barcelona, inspiraron fuertemente a Picasso en un momento en que, instalado en el sur de Francia, estaba descubriendo de nuevo sus raíces españolas.

Las obras cedidas por Picasso son piezas únicas y están decoradas con los temas que más interesaban al artista. Entre todas ellas, destacan la plata con Paloma (1947); el Bodegón con piña (1949); el jarrón bicónico con pez (1951), que recuerda la tipología y ornamentación de una pieza ibérica; el jarrón zoomorfo (1954) con una forma muy similar a la de un prototipo etrusco; el jarrón con asa decorada mediante una escena de circo (1954) y el azulejo con doble escena de tauromaquia, inspirada en los dibujos preparatorios que hizo para el libro La Tauromaquia de Pepe Illo, editado por Gustau Gili el 1959.

El programa de conferencias y las fechas son los siguientes:

• Picasso, la Méditerranée et la céramique, Harald Theil (Doctor en Historia del Arte), 11 de mayo, 19.30 h.
• Pintura y creación en la cerámica de Picasso, Dr. Salvador Haro González (Profesor de la Escuela de Artes de San Telmo, Málaga), 18 de mayo, 19.30 h.
• Picasso, toros y cerámica, Pedro Romero de Solís (Profesor emérito de Sociolgía de la Universidad de Sevilla y presidente de la Fundación de Estudios Taurinos), 25 de mayo, 19.30h.

– Más información en la web del Museo de Cerámica sobre el ciclo de conferencias

– PDF del programa de mano

Alfar Galería Azul agradece a Nuria Casas y a Mª Antonia Casanovas, respectivamente coordinadora de actividades y directora del Museo de Cerámica de Barcelona, el envío de la información sobre estas actividades.

Extracto de la conferencia TIERRA - SIGNOS - ESCULTORES

(Se trata de unos apuntes comentados a lo largo de 40 imágenes y de un film de 7 minutos, por el catedrático Kosme de Barañano, en el aula del edificio Altabix de la Universidad Miguel Hernández de Elche, el 5 de mayo del 2006. Curso organizado por el Instituto de Cultura Gil-Albert de Alicante.)

El impulso a marcar algo en un soporte, ha sido siempre asociado con el deseo de decir algo sobre el mundo. Estos pensamientos (statements gráficos) han sido intuitivos y frecuentemente expresados en forma simbólica, pero son fundamentalmente pensamientos acerca de la forma de estar en el mundo del hombre y de su habilidad para comprender y hacer mejor un contexto vital.

Voy a referirme en esta charla a tres artistas muy diferentes, que utilizan la tierra y la forma de dejar su impronta, sus signos, de maneras muy particulares y muy distanciadas entre ellas.

Hablaré aqui y ahora de tres escultores

en barro
en tierra cocida
en cerámica

con tres formas de imprimir, de experimentar, en este material
sus diferentes signos, su diferente pensamiento visual:
es decir, de TIERRA- ESCULTORES y SIGNOS.

1.

CHARLES SIMONDS, 1945 New York
TERRITORIOS POÉTICOS

La obra de Simonds comienza a finales de los sesenta con los dwellings, urbanismo de corte bonsái realizado con tierra sin cocer, es decir, derretible en cualquier momento. Construye escenografías urbanas de paisajes aborígenes, de pueblos extraños, lejanos a la civilización neoyorquina, y los coloca a lo largo de agujeros, ruinas, esquinas de la ciudad como una cigüeña que va poniendo sus nidos no en lo alto de los campanarios de los museos sino en los rincones mas insospechados de los barrios. Sus características frente al pop y al minimalismo son la inmediatez, la pequeñez, la fragilidad, el anonimato y el incógnito.

Busca los lugares del abismo en la ciudad, no construye formas puras sino las más frágiles y con el material más liviano: el barro.

2.

EDUARDO CHILLIDA, 1924 - 2002 San Sebastián
CHILLIDA: SISTEMA Y SIGNOS

Chillida sigue un sistema de signos que se apoya al menos en tres registros: en un equilibrio asimétrico, en un movimiento virtual, y en el ritmo de sus secuencias.

Estos signos de Chillida en la tierra cocida, en la chamota, UNA TIERRA QUE PESA, tienen una caligrafía que respira, que de nuevo nos devuelve al sentido de la piel. La caligrafía de Chillida, incluso en sus momentos orientalizantes, busca más la vibración, su temblor o su respiración (la dinamización del espacio) que la concentración del trazo del expresionismo americano.

Eduardo Chillida, Lurra, Oxido 42

En las tierras llamadas lurras por el artista, se detectan también diferentes procesos técnicos (tierras dibujadas con cortes de cuchillas o pincel, tierras cocidas en hornos de leña que adquieren así el color específico de los metales que contienen, o tierras cocidas en hornos eléctricos, es decir, con saturación de oxígeno, y por lo tanto más asépticas, más blanquecinas, etc.). En las lurras la espacialidad viene pues trabajada en dos frentes, en un doble lenguaje: el de la perforación -la talla del cuchillo que las abre y excava- y el de lo impreso con el óxido de cobre que marca el espacio negro.

En la obra La casa del poeta transciende Chillida lo escultórico para buscar la arqui-tectura, el texto original del concepto espacio.

3.
JOSE ANTONIO SARMIENTO, 1956 León
LA MATERIA CONSAGRADA AL FUEGO

Para Sarmiento esculpir no es imponerse a la materia es manejarla, es actuarla con las manos, vuelta a una artesanía original, vuelta a la significación de la materia y al dominio del fuego.

La materia arcilla no es el principal medio de la composición de los trabajos en cerámica: son las manos y la mente del artista moldeando la arcilla y manejando el fuego como un director de orquesta maneja una partitura (la arcilla) y a los músicos que la hacen viva (el fuego).

Desde 1989 en el taller y hornos de San Cibrián de Ardón, León, Sarmiento trabaja incansable en la aventura de la cocción con leña en alta temperatura. Trabaja fundamentalmente lo que llamamos gres (del francés grès, arenisca) una cerámica cocida a muy altas temperaturas y repito siempre con horno de leña.

Los hornos hablan en el sonido de la leña, en el sonido del fuego y en el sonido del roce de la llama sobre los objetos. Este lenguaje del fuego construido y encerrado en el noborigama es uno de los virtuosismos de la técnica de Sarmiento.

Kosme de Barañano

Exposición: Xavier Toubes, Global

En la Fundación Seoane, A Coruña. Desde 26 Oct/05 y hasta 13 de marzo del 2006.

La Fundació Luis Seoane - A Coruña, inauguró,con obra de Xavier Toubes, su proyecto cultural «Espacio no disponible». En este proyecto, se invita a un artista a mostrar obra en los espacios no habituales de la fundación (patio, claustro o biblioteca). La iniciativa es interesante además de por insertar el arte en el deambular del espectador (con el que éste se topa, aun sin buscarlo), por la espléndida publicación que con tal motivo se le dedica al artista elegido. La extraordinaria obra del prestigioso artista gallego residente actualmente en Chicago, se articula por el recorrido designado bajo el enunciado de Global :

Una referencia al momento histórico actual, en lo que lo local y universal se tocan sin mezclarse completamente, a un momento político concreto, en el que todo parece nuevo (…)

Para seguir leyendo entrar en la pagina de la Fundación, ir a: agenda, y abrir “Espacio no disponible”.

Artium Vitoria-Gasteiz

Charlas Julio 2005 sobre cerámica japonesa, organizadas por el colectivo de ceramistas vascos EKG.

Ponentes por orden de intervención: María Jesús Sarmiento, Carmen Ballester, Hisae Yanase, Pepa Jordana y Angel Garraza.

Extracto de la conferencia “El horno anagama y noborigama”:

Cocer la tierra es el método de conseguir, a partir de un material blando y maleable como lo es la arcilla, otro material: duro, consistente y resistente. Hace 26.000 años que el hombre comenzó con esta tarea, y hasta hoy se han desarrollado muchos métodos que a su vez tienen una relación directa con los combustibles empleados: leña, carbón, gasóleo, propano, gas natural, etc. Sin duda, la leña es el combustible que se ha utilizado durante más tiempo.

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Exposición: Richard Deacon, The Size of it (2 junio al 28 agosto 2005)

«Noventa y dos pequeños estudios en cerámica situados en un lateral de la sala,se muestran como vértebras de un mismo cuerpo expositivo, del pensamiento y la obra, que el escultor Richard Deacon nos presenta en ARTIUM de Álava. Diferentes formatos, desde 5cm a 12 metros, y diferentes técnicas y materiales escultóricos son atravesados por el mismo espíritu vinculante que define una trayectoria de trabajo representados en la exposición. Varias piezas de gran formato,dibujos y la imponente presencia de cuatro grandes esculturas se conjugan explicitamente de este artista galés nacido en 1940» (extracto del encarte de la muestra).