Archivo del tema ‘Conferencias’

Visita guiada a la exposición de Gerd Knäpper en Valencia

Por • 24 de febrero, 2009 • Tema: Artículos, Conferencias, Destacados, Exposiciones, Recomendados

Valencia, 29 de enero de 2009, día de la inauguración de la exposición de Gerd Knäpper en el Museo Nacional de cerámica “González Martí”.

El artista –en la imagen, segundo por la izquierda- entre el traductor y Liliane Cuesta, conservadora del museo valenciano y coordinadora de la muestra, fue presentado al público asistente por el cónsul honorario de Alemania, Ilmo. Sr. D. José Luís Cervera, quien destacaba en su discurso lo que en síntesis según su percepción es característica principal de la obra del artista alemán residente en Japón: Una obra cerámica de extraordinaria factura en la que se aprecia la combinación del carácter alemán en el rigor de la estructura junto a una poética oriental asentada en la contemplación de la naturaleza y la sabiduría de la tradición cerámica del Japón en la aplicación del horno Noborigama con el que el ceramista trabaja. A la derecha de la foto, junto al cónsul, la presencia del ceramista Mariano Poyatos, coordinador de los I Encuentros Internacionales de Arte – Culla Contemporánea (2007, Castellón), en los que Gerd Knäpper ha sido artista participante, en calidad de invitado de honor.

Knäpper  junto a una imagen de su horno Noborigama Lugar, inspiración y proceso

Desde finales de los años sesenta, Gerd Knäpper (Alemania, Wuppertal 1943) vive en Japón, donde ha desarrollado una carrera como escultor y ceramista independiente, hasta el punto de que el éxito obtenido allí determinó su residencia de modo definitivo al formar una familia (contrajo matrimonio con una japonesa) y consolidar en la tranquilidad del campo un lugar idílico (Tarasoka, “estudio-galería” y hornos de leña) para la creación de su obra personal.

El mismo artista nos lo comentaba durante la inauguración de esta exposición en Valencia, afirmando que cuando fue a Japón para ampliar conocimientos dentro de la especialidad cerámica no tenía intención de quedarse nada más que dos o tres años; sin embargo, el éxito que obtuvo con su trabajo como hemos dicho fue decisivo. Bernard Leach le recomendó al prestigioso maestro Tatsuzo Shimaoka (quien le aceptó como ayudante en su taller de Mashiko por un tiempo, después de estudiar en Seto con Suzuki, su destino después de recorrer diversos países y embarcarse desde Estados Unidos hasta Japón, atraído sobre todo por la cerámica). Entre los diversos reconocimientos obtenidos en el país del sol naciente seguramente fue decisivo para su futuro conseguir el gran premio otorgado por el Primer Ministro de Educación (I Premio de Cerámica Artística, Tokio 1971, a una cerámica tradicional japonesa), para sorpresa de todos, incluso de los miembros del jurado, ya que se trataba de una obra contemporánea de carácter japonés cuyo autor resultó ser un extranjero (un ceramista originario de Alemania, formado entre Alemania, Estados Unidos y Japón).

Sin embargo, Gerd Knäpper no considera su obra ni alemana ni japonesa sino inspirada en el arte primitivo y moderno de muchas culturas. «Como artista -dice- no me considero a mi mismo ni japonés ni alemán. Gracias a mi singular situación, mi obra posee una estructura independiente tanto del Este como del Oeste».

Gerd Knäpper, imágenes de izqda a dcha ONDAS / TORSO (65 x 39 x 30 cm) 2001

Técnicamente la obra de Knäpper se ha realizado fundamentalmente en un horno Noborigama, utilizando pino rojo como combustible (su horno tiene cuatro cámaras construidas en pendiente, sin contar la cámara de fuego para la leña) y consolidada en una cocción rápida -36 horas-, alcanzando 1280-1300 grados centígrados. Un número importante de piezas presentan el color tostado del flameado sobre la arcilla y un “autoesmaltado” que en los bajorrelieves de las piezas talladas revelan un difuminado bastante regular, conseguido posiblemente como resultado de aplicar en crudo un engobe de ceniza, fundido en el cuerpo de la arcilla al ser sometido a tan altas temperaturas, madurado y soldado por toda la superficie junto a los restos de cenizas y sales volátiles.

Visita a la Exposición

Tres fotografías murales, instaladas en la sala, muestran el entorno del taller-estudio del artista: en una se ve un precioso paisaje nevado, con los campos y los edificios de la residencia Tarosaka en Daigo, donde Knäpper ha devuelto todo el esplendor a la antigua finca tras una impecable restauración efectuada en los edificios originales construidos con madera y la tradicional cubierta de paja trenzada; en la segunda foto, podemos ver el horno Noborigama; y en el tercer panel, al autor en el patio de la casa seleccionando piezas para una importante exposición que se celebró en Tokio, en la que se mostraron entre otras obras significativas de su sello grandes platos y bandejas de sesenta centímetros. Dicha puesta en escena es sin duda un documento singular para entender el ambiente del artista, la tranquilidad del campo donde desarrolla su trabajo, su relación con el entorno rural -en una vecindad de apenas siete granjas-, donde el maestro es el único ceramista del pueblo.

Las formas se completan con decoraciones talladas y trenzadas en un estado de la arcilla que se denomina “dureza de cuero”; un lenguaje personal que busca la representación del movimiento (el viento sobre los campos, en el cielo y el agua). La tierra chamotada y la marca del fuego de leña potencian aun más la precisión de las aristas, la tensión de un modelado virtuoso; no se trata de una mera decoración, el relieve forma una parte indivisible del objeto y no hace sino subrayar la arquitectura de unas formas sugerentes -construidas en secuencias equidistantes-, mediante un recurso de torsiones y virados que se ven realzados en aquellos Vasos que descansan sobre sus propios pies –elevándose ligeramente a unos centímetros de la base.

El eco de estas formas parece proceder de un sonido primigenio, presente en las ondulaciones y esculpido del viento en el agua, o, en la arena, en la arquitectura de las conchas de mar o de las plantas, en un lenguaje que evoca una percepción casi gaudiniana donde la mirada se alimenta al contemplar la naturaleza. Otros diseños recuerdan secuencias presentes en los esmerados tejidos orientales hechos con fibras vegetales, o la disposición en capas que va formando una corteza como se puede ver en la imagen de esta corteza de palmera que hemos fotografiado (potenciada la sensibilidad, después de contemplar la exposición se nos presentaron en una dimensión muy sugerente los troncos de las palmeras de Valencia).

Para mostrar la obra de Knäpper, las dos salas de la planta superior del “González Martí” se han llenado de cerámica con varios ejemplos (piezas firmadas con su sello personal y realizadas entre 1983 y 2008), algunas de estas obras son replicas en metal (bronce, y aleación de cromo-niquel), otras litografías manuales, impresas sobre papel Washi (también hecho a mano con corteza de morera, una artesanía muy apreciada en Japón) en las que se han plasmado los diseños de las vasijas. Los objetos cerámicos son variados y de mayor o menor escala, piezas únicas, -desde vasos y platos de carácter escultórico hasta formas que son propiamente esculturas (estelas) pero cuya forma surge dentro del lenguaje de la alfarería. También hay otras piezas de menor tamaño, destinadas a un uso utilitario como cuencos, vasos para Ikebana, utensilios para la ceremonia del té: taza (Chawan), el recipiente que se utiliza en la ceremonia del té para el agua fresca (Misuzashi), alguna botella para sake (Tokuri) con sus correspondientes tazas (Guinomi), tarros para el té, cajas para el incienso (Kogo), botellitas de agua (que los japoneses utilizan para disolver la pastilla de tinta caligráfica), platos, bandejas, etc.

Todo se ha dispuesto sobre módulos blancos, así como en vitrinas (las piezas de mano) o en la pared (los grabados enmarcados). El recorrido por consiguiente debe ser pausado –hay mucho que ver- para poder apreciar y dedicar el tiempo necesario a cada pieza.

Las obras de Gerd Knäpper ganan mucho al natural, en mi opinión la cerámica y concretamente este tipo de objetos resultan mejor en directo, generalmente esto suele ocurrir con las mejores piezas y en particular con las de cocción de leña (por la sobriedad y profundidad del color y los matices que presentan); por otra parte el arte que trata de la alfarería suele ser más íntimo que la escultura monumental, así es que las imágenes difícilmente recogen todo el misterio de un objeto en el que la escala, el peso y la textura, son elementos esenciales que forman un todo.

Detalle de la muestra en el Museo González Martí, Valencia

En cuanto a la disposición de las obras, hay que tener en cuenta que las bases o módulos solo son un “mobiliario” adicional, es decir provisional, para distribuir las piezas en la sala, así es que en mi opinión es preferible eliminarlo mentalmente durante la contemplación, ya que resulta como algo ajeno a su entorno natural, es decir en el que realmente cobrarán vida y mostrarán todo su esplendor las cerámicas: cuando se dispongan en la mesa (para disfrutarlas en la mano), o -en el caso de las de mayor tamaño- en el tokonoma y si en una casa de diseño moderno ocupando un lugar especial donde se pueda disfrutar tranquilamente con su contemplación, o incluso en un jardín si se trata de aquellas de mayor escala, siendo el exterior lugar donde también pueden situarse sin inconveniente -las piezas cocidas en alta temperatura pueden resistir hasta las más adversas condiciones climáticas. Teniendo todo esto en cuenta comenzamos la visita a la exposición saboreando cada objeto, uno a uno, detenidamente. La obra lo merece, y comprobando que estamos ante piezas dignas de museo, no podemos evitar el pensar que sería una buena noticia si al menos alguna de estas obras se quedase en España (adquiridas por alguna institución, museo, o formando parte de alguna colección privada).

Texto: Mª Jesús Sarmiento / Fotos: Cortesía MNC “González Martí”, Valencia (España)

Información

La exposición podrá contemplarse en Valencia hasta el 26 de abril de 2009 y después viajará de vuelta hasta Alemania, pudiéndose contemplar en Munich del 27 de mayo al 30 de septiembre de 2009 (Nationals Völkerkundemuseum, München).

Catálogo de la exposición

Edición: asociación de Amigos del museo Nacional de Cerámica; Patrocinio: TÜV Rheinland Group Asia; Textos: Jaume Coll, Claudius Müller, Antonio Vivas, Kenji Kaneko, Seizo Sasaki, Ingeborg Wiegand-Uhl, Gerhard Bott, Gerd Knäpper, Fujio Koyama, Tetsuzo Tanigawa; Páginas 184, ISBN 978-84-612-8619-5; Idiomas: Castellano, Valenciano, English.

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Exposición de Gerd Knäpper en el González Martí



Gerd Knäpper, exposición en el González Martí

Por • 28 de enero, 2009 • Tema: Artistas, Conferencias, Exposiciones, Técnica

Del 30 de enero al 26 de abril, 2009
Inauguración: 29 de enero 19 h., con la presencia del artista.

Valencia y el marco del Museo Nacional de Cerámica acoge -en exposición temporal- obra cerámica y gráfica del escultor alemán establecido desde los años setenta en Honsū (Japón); un total de setenta y seis cerámicas de gran fuego y ocho serigrafías impresas en papel hecho a mano (washi).

Gerd Käpper (1943, Alemania) vive y trabaja en su “estudio-galería”: Tarosaka Studios (una preciosa casona de campo con la cubierta tradicional de paja, rehabilitada a partir de la construcción original de 140 años de antigüedad), en los campos del entorno rural de Daigo, provincia de Ibaraki. Allí donde el paisaje es inspirador.

El artista sitúa su obra entre la inspiración de la modernidad, las raíces de su país natal, y el proceso de la tradición oriental (utiliza el auto-esmaltado en un horno tradicional de leña). En mi opinión, la cerámica de Knäpper muestra su gusto por lo constructivo y monumental mediante la re-afirmación que ensalza una intensa motivación, como resultado de una recreación explícita sobre la exuberancia de la naturaleza.

El escultor en su estudio, Ibaraki (Japón)

Gerd Knäpper Espiral,1983; D. 62cm.

Entre la escultura monumental y el objeto utilitario, la cerámica de Knäpper se forma como un cuerpo único, con la intención de abarcar ambos conceptos. El resultado presenta formas esculpidas, talladas, y torneadas, que como escudos o caparazones -en el bajorrelieve- retienen la marca inconfundible de fuego, sal y ceniza. Con el noborigama (horno de leña de varias cámaras construido en pendiente) Knäpper subraya la gráfica de una espiral; un tema (estético y tal vez alegórico) que a la vista de su intensa trayectoria vemos que para él es recurrente. Desde el impuso más arcaico hasta la racionalidad científica, desde el arte megalítico hasta la matemática, la gráfica de una espiral se interpreta desde varios ángulos. En su sentido más amplio frecuentemente se ha utilizando en el lenguaje de una simbología sobre el renacimiento (nacimiento-vida-muerte-resurrección).

Desde hace mucho tiempo hemos tenido noticias sobre la obra de este autor, y por extensión sobre los reconocimientos de los que ha sido objeto a lo largo de una carrera desarrollada entre Alemania y Japón. Así pues esta exposición será una oportunidad para ponderar su trabajo en directo. Bienvenido a nuestro país Sr. Knäpper.

Dossier de prensa

El autor y su obra; Exposición G. Knäpper; cortesía del Museo Nacional de Cerámica, Valencia.

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Exposición ‘Winter Light’ en la galería Sigma (Växjö, Suecia)

Por • 21 de enero, 2009 • Tema: Anteriores portadas, Conferencias, Destacados, Exposiciones, José Antonio Sarmiento, Noticias recibidas

Winter Light / Luz de invierno
Suecia
El pasado sábado, con bastante apreciación por el público asistente, y con una buena acogida por parte de la crítica, se inauguró en la localidad sueca de Växjö la exposición Whinter Light: obra reciente de Helena Andersson (cerámica), y José-Antonio Sarmiento (cerámicas y acrílicos), y en el hall de entrada a la galería la exposición de collages de Krestin Skjöld.

El martes siguiente, en la prensa de Växjö, la crítica especializada le dedicaba a la muestra una reseña elogiando sobre todo el trabajo de los dos ceramistas. De un extracto de la misma recogemos la principal recomendación del crítico: Det tål de absolut. Que en conjunto, según el contexto, se puede traducir por: “bien merece la pena una mirada atenta, profunda”, según sus palabras «absoluta».

Para acercar el texto a nuestros lectores, incluimos en los enlaces un extracto en el idioma original (sueco). No obstante, con ayuda del traductor, facilitamos la interpretación al castellano.

SMP.es / Smålandsposten, Onsdag 21 Januari 2009
extracto y traducción del texto original sueco

Cerámica, que requiere tiempo

Cerámicas desde el suelo al techo, es de lo que trata la actual exposición de la Sigma. Los artistas afincados en Gotemburgo Helena Andersson y José-Antonio Sarmiento llenan la galería de objetos. Algunos utilitarios pero la mayoría puramente artísticos. La cantidad es abrumadora, la intención es emular la sensación de entrar en sus propios estudios de cerámica.

Al entrar en la galería, Skjöld Kerstin-collage dividido en una serie-miniformato. El primero, Azul, es muy fuerte en el océano de color, pero me atrapó en particular su llamamiento para Secretos. Imágenes pequeñas en un suave color gris con un toque de letras y partituras, además de fragmentos de sus propias pinturas.

Pero como ya dije, sobre la cerámica ésta domina cuando la mirada se encuentra en primer lugar con la obra Bufféfat (serie de bandejas) de Helena Andersson, un amplio cuerpo verde brillante suspendido en la pared. Bella utilidad que plantea apetito sensual. Su trabajo continúa en el interior de la sala con los objetos que son un poco más visuales. La instalación Invierno se compone de objetos esmaltados, que en su diseño recuerdan algo bastante clásico, un poco como el derretimiento de los detalles de la ornamentación de edificios de un templo en la antigua Grecia. Por otra parte Andersson tiene preferencia por formas orgánicas y objetos puros que emulan tanto partes de vegetales y vísceras. Los Lagos recogen el esmalte como en la formación de piscinas naturales en el polo durante los días templados. Los colores son suaves, verde, marrón y blanco.

El trabajo de Sarmiento también se viste de blanco y marrón, pero con una calidad mucho más jugosa y contrastando escala. En la pared la serie Siluetas nocturnos, la oscuridad se muestra como signo de exclamación en la exposición o una aproximación que recuerda las delgadas lápidas medievales. Al lado una serie de azulejos brillantes, la obra o serie Reversibles, es fascinante. Si las placas a su vez se comprenden desde la abstracción o lo irregular, se apoyan sin embargo hacia un tipo de paisaje. Con un poco de imaginación se pueden ver las paredes, los edificios y las chimeneas.

La exposición se percibe en un des-orden compacto de múltiples objetos. Por lo tanto, no es fácil profundizar en cada uno de ellos (individualmente), por lo que tenemos que tratar de darle algún tiempo a la mirada en la deambulación.
Absolutamente lo merece, vale la pena.

Helena Andersson; earthenware, obra reciente

José-Antonio Sarmiento; cerámica y pintura (stoneware y acrílico sobre madera), obra reciente

Galleri Sigma
Kronobergsgatan 8
Växjö, SVERIGE (Suecia)
17-31 Enero 2009

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Shino y Wabicha

Por • 13 de diciembre, 2008 • Tema: Artículos, Conferencias, Cursos, Exposiciones, José Antonio Sarmiento, Técnica

INTRODUCCIÓN
Tres pasos sobre el esmalte Shino.
1. Nombre de un esmalte y un estilo de cerámica, incluyendo un video de Toyozo Arakawa, tesoro intangible de Japón y artista que trabajó la cerámica Shino entre otros esmaltes.
2. Imágenes e información sobre la EXPOSICIÓN “Shino, de neige et de feu””: 1º Jornadas internacionales de cerámica en Giroussens (Francia, octubre – 2008).
3. Dos curvas de su cocción de esmalte Shino, en la obra de JA. Sarmiento

Shino, es un estilo o tipo de cerámica y también el nombre de un esmalte

En Japón, las cerámicas procedentes del área y tradición de Mino y Seto –un lugar cercano a las colinas de Toki y Tajimi, en la actual prefectura de Gifu- se distinguen por tres estilos de esmalte característicos: Shino, Oribe (verde y negro), Setoguro (negro de Seto), y, Ki-Seto (Seto amarillo). Estos esmaltes, que por extensión dan nombre a un estilo de cerámica, fueron algunos de los seleccionados por su sobriedad y belleza por los maestros zen, para celebrar una ceremonia del té en armonía con la naturaleza y exenta de artificios (wabicha),

De entre estos esmaltes originarios de las cerámicas de Seto y Mino, dedicaremos este post al esmalte Shino, (shinoyaki o cerámica Shino). Éste fue en Japón el primer esmalte blanco de alta temperatura, muy apreciado durante el periodo Momoyama (1573-1615). En su composición, el Shino, tiene un alto contenido de feldespato o nefelina sienita (incluso hasta un 85 %) Presenta un aspecto lechoso, de nieve o de cubierta de azúcar, marcas anaranjadas al reaccionar con el óxido de hierro; desarrolla una escala cromática del blanco a una tonalidad de óxido anaranjado. Aunque no siempre, otro de los matices característicos del esmalte Shino son unos pequeños y visibles poros o cráteres que presenta en su superficie (efecto que los japoneses distinguen con el nombre de «orificios de nido» (suana), o también «piel de limón» (yuzuhada). Su desarrollo cromático varía sobre todo a causa de la atmósfera de cocción (oxidante o reductora) en sintonía con la cantidad aplicada (capa fina o gruesa). Realmente resulta único y de un aspecto que recuerda bellos paisajes de la naturaleza: nieve, espuma de mar, la niebla en el bosque…

La mayor parte de los estudios consultados sobre la cerámica japonesa Shino coinciden que este fue el primer esmalte blanco de alta temperatura, parece ser que durante la era Meinji se abandonó su producción, cuando los gustos se inclinaron hacia la cerámica decorada y se adoptaron otras técnicas de cocción más predecibles y menos laboriosas, en definitiva con menor riesgo. Fue la percepción artística lo que permitió un revival del Shino y de los anteriores esmaltes mencionados junto a las cerámicas cocidas en horno anagama, de la mano de algunos artistas durante los años treinta y cuarenta del siglo pasado. Entre algunos de los trabajos más relevantes se distingue la cerámica Shino de Toyozo Arakawa.

Cuando los maestros de té vieron las cerámicas de Arakawa no dudaron en afirmar que por su belleza, sus tazones y vasos había superado las obras de tiempos pasados. Por la excelencia de su trabajo se le otorgó la distinción de “tesoro intangible” (o tesoro viviente): una distinción del gobierno Nipón que se concede a algunos artistas y artesanos, para que cuando están activos puedan trasmitir los secretos de su obra a las siguientes generaciones; así la tradición queda preservada.

Toyozo Arakawa (Japón, 1894 – 1985)

para ver video ajustar sonido (archivo en youTube: enlace DavidAsterisco)

El momento actual, 1º Jornadas internacionales de cerámica en Giroussens (Octubre –2008)
(foto izqd: Cuenco shino; Takahiro Kato)

En múltiples ocasiones hemos dicho que esta estética japonesa relacionada con la ceremonia del té, fue retomada por la apreciación artística desde los años veinte, y con más fuerza o de un modo más extenso sobre todo a partir de los años sesenta del siglo XX; en consecuencia se le ha dado un fuerte impulso traspasando las fronteras entre Oriente a Occidente, hasta tender puentes entre tradición y vanguardia. La observación de la naturaleza desde parámetros del arte, el lenguaje abstracto y una determinada “filosofía” de trabajo, ha ido calando hasta marcar un estilo que mira en la tradición -más con sentido contemporáneo que con un cierto aire de nostalgia- hasta conseguir expresarse de un modo propio.

En la actualidad encontramos varios artistas trabajando desde la mencionada perspectiva, y no solamente en Japón sino también en los lugares más distantes, hasta en Occidente. Hablamos de autores que aplican a su obra personal este tipo de esmalte (y que aún con sus variantes, e indistintamente de si pertenecen al Este o al Oeste, denominaremos con el nombre de origen, o estilo de cerámica): Shino. Como digo, hoy, en el ámbito internacional hay varios autores en activo que trabajan este esmalte de un modo relevante, y por este motivo su obra es muy apreciada entre los entendidos y amantes de la cerámica de estudio actual; así es que resulta una tarea imposible citar aquí a todos los que destacan en este estilo; no es esta nuestra intención. Sin embargo, a propósito de este tema, sí nos detendremos en un acontecimiento reciente que se ha celebrado en Francia. Se trata de un encuentro internacional que, con el nombre del título de este escrito: “Shino y Wabicha”, ha profundizado en el alcance de este lenguaje cerámico, el la poética de este esmalte. El acontecimiento nos servirá para poner imágenes a esta breve introducción, pues ha convocado a nada menos que once de estos artistas conocidos en el mundo del arte, celebrando un simposio organizado en Giroussens (Francia), el mes de octubre pasado por la asociación de ceramistas TERRE ET TERRES.

EXPOSICIÓN “Shino, de neige et de feu” (Shino, de la nieve y del fuego)- Giroussens

1º Jornadas internacionales de cerámica en Giroussens (Octubre – 2008)

Grâce à des mecénats privés, nous avons pu faire venir les meilleurs experts du shino contemporain pour des conférences, diaporama et démonstrations: Jean-Pierre Chollet (France), Ray Cavill (Australie), Pascal Geoffroy (France), Lisa Hammond (UK), Gary Hootman (USA), Randy Johnston (USA), Hein Janssen (Pays-Bas), Tateki Kawaguchi (Japon), Shozo Michikawa (Japon), Jeff Shapiro (USA) et Rizu Takahashi (Japon).

L’exposition concomitante à l’évènement, «Shino, de neige et de feu» rassemblait plusieurs oeuvres de ces céramistes ainsi que des oeuvres de Chris Gustin (USA) et Takahiro Kato (Japon). Le soir du vernissage, Marette Renaudin, Maître d’Ikebana à Toulouse, nous fit une démonstration de cet art dans les pièces de l’exposition.
(Asociación Terre et Terres)

[Por gentileza de mecenas privados, han podido intervenir algunos de los mejores expertos para las conferencias (documentadas con imágenes) y las demostraciones: Jean-Pierre Chollet (France), Ray Cavill (Australia), Pascal Geoffroy (Francia, Lisa Hammond (Reino Unido, Gary Hootman (EEUU), Randy Johnston (EEUU), Hein Janssen (Paises bajos), Tateki Kawaguchi (Japón), Shozo Michikawa (Japón), Jeff Shapiro (EEUU) y Rizu Takahashi (Japón).

La exposición «Shino, de la nieve y del fuego» ha reunido obras de los mencionados ceramistas así como las de Chris Gustin (EEUU) y Takahiro Kato (Japón). Además desde Toulouse, Marette Renaudin, maestra del arte de la Ikebana, realizó una demostración utilizando para sus composiciones las cerámicas de esta exposición].

Imágenes:

Enlaces relacionados:

  • PDF (en francés e inglés, resumen de las conferencias)
    • Más información sobre este evento:

      Terre & Terres (associations de céramistes en Midi-Pyrénés)
      L’Oulmié – 81120 LOMBERS Tél.Fax : (33)(0)5.63.79.03.10
      e-mail : contact

      Agradecimientos:
      Imágenes de la exposición en Giroussens, publicadas por cortesía de Mia Llauder y Joan Serra
      Video alojado en YouTube por DavidAsterisco

      TÉCNICA: Pruebas de curva de cocción para esmalte Shino

      Preguntamos a José-Antonio Sarmiento sobre el esmalte Shino.

      José Antonio, prefiere trabajar con una arcilla blanca o gris y engobes con alto contenido en hierro.

      Nos explica que combinando diversos tipos de arcillas que contengan hierro, obtiene diferentes efectos.

      En su obra José-Antonio prefiere aplicar el Shino con un tratamiento pictórico, es decir aplicando diferentes gruesos, por capas, hasta conseguir el color que desea en cada caso. De esta manera obtiene una amplia gama de tonalidades y texturas: del gris al blanco nieve, hasta un intenso naranja que se aviva y desarrolla con la transparencia, y con el fuego, con el juego del viento o la atmósfera en la cocción. En las imágenes que a continuación mostramos, pueden verse estos efectos en algunas de sus obras realizadas en España, en los hornos de San Cibrián de Ardón – León.

      COCCIÓN I
      0-1000º C. neutral
      1000-1300º C. oxidación 3h.
      1300-1300º C. oxidación 3h.
      1300-1100º C. oxidación 3h.
      1100-900º C. oxidación 3h.

      COCCION II
      0-1000º neutral
      1000-1300º C. reducción 3h.
      1300-1300º C. reducción 3h.
      1300-1100º C. reducción 3h.
      1100-900º C. reducción 3h.

      José Antonio Sarmiento, Hanaire (vaso para ikebana), cuenco, y plato shino 52 x 18 cm.

      www.joseantonio-sarmiento.com



Conferencia en la Escuela de Arte de Talavera

Por • 19 de octubre, 2008 • Tema: Conferencias, José Antonio Sarmiento

“El sentido de cocer con leña: Una hornada de varios días”
Un análisis razonado sobre la obra de José Antonio Sarmiento, significado y motivos de inspiración.

Conferencia: impartida por María Jesús Sarmiento (documentada con DVD, sobre la cocción en el anagama-noborigama y power point; 1h + 15 mi. para coloquio y preguntas)

Fuegografías, José Antonio Sarmiento

Las marcas del fuego en la obra de JAS (imágenes en Flickr ‘Art Ceramic’)

Hay algo que va más lejos del hecho de conseguir alcanzar la temperatura o madurar un esmalte. Más allá de la técnica, la motivación se alimenta desde la visión y el temperamento artístico. La búsqueda de determinadas fuegografías lleva incluso a alargar intencionadamente las cocciones de un modo ininterrumpido, durante varios días o semanas.

Cocer con leña, para José Antonio Sarmiento, es el modo más natural de no abandonar la obra en ninguna de las partes del proceso; es decir, continuar interviniendo directamente en ella incluso cuando está dentro del horno. Literalmente se trata de pintar y modelar con el fuego blanco. Mirar en la tradición e ir más allá, aunque sea preciso arriesgar hasta el límite.

(PDF) María Jesús Sarmiento ejerce como crítica de arte freelance especializada en cerámica contemporánea, y edita este blog.

Información:
Día: 22 de octubre 2008 18:00 pm.
Lugar: Escuela de Arte de Talavera
C/ Segurilla, 1
45600 Talavera de la Reina (Toledo)
Teléfono: 925 811 942



Arte y misticismo: inauguración de cuatro exposiciones de arte contemporáneo durante el Congreso Internacional de Mística

Por • 18 de octubre, 2008 • Tema: Anteriores portadas, Artículos, Artistas, Conferencias, Exposiciones, José Antonio Sarmiento, Noticias, Recomendados

JACQUES LIPCHITZ, dibujos y esculturas
JOSÉ ANTONIO SARMIENTO, cerámicas
URSULA SCHULZ-DORNBURG, fotografías

Exposiciones: ARTE Y MISTICISMO

Del 24 de octubre al 20 de diciembre de 2008 / Inauguración: 24 de octubre, 11:00 am.
Comisariado: Kosme de Barañano y David Rodríguez Caballero
Organiza: Junta de Castilla y León, Fundación Siglo; Colabora: Excmo. Ayuntamiento de Ávila y CIEM

El Congreso Internacional de Mística que este año se celebrará en Ávila (del 24 al 26 octubre) bajo la dirección de Lucía Ramón Carbonell y con el título “La trama de la vida: Textos sagrados de la humanidad” reunirá a varios especialistas como la teóloga coreana Chung Hyun Kyum, la catedrática de Ética y Filosofía Política Adela Cortina, Vicente Haya doctor en Filosofía y nipólogo, entre otros ponentes no menos ilustres.

Paralelamente y dentro de los actos del Congreso se presentarán las cuatro exposiciones -patrocinadas por la Junta de Castilla y León- “Arte y misticismo” a cargo de los comisarios Kosme de Barañano y David Rodríguez Caballero. Se trata de un conjunto de cuatro exposiciones inéditas que se mostrarán en el Auditorio Municipal de San Francisco y en distintas ubicaciones de la ciudad de Ávila entre el 24 de octubre y el 20 de diciembre.

David and Goliath, 1933; Jacques Lipchitz

1. Esculturas de gran tamaño de Jacques Lipchitz. Un conjunto de 9 esculturas de temas bíblicos que recogen tanto la devoción hebrea como la católica y que serán ubicadas en el recorrido entre la plaza del Ayuntamiento y la catedral de la ciudad.

2. Dibujos inéditos de Jacques Lipchitz. 152 dibujos que explican las ideas de sus
esculturas en bronce.

Esferas, 2004 / 2007; José Antonio Sarmiento

3. Cerámicas de gran fuego de José Antonio Sarmiento. Un artista castellano-leonés que trabaja la cerámica con un amplio conocimiento del mundo japonés. Su filosofía de vida y dedicación desde el sentido artístico retoma el lenguaje de la alfarería como hilo conductor de una reflexión sobre aspectos esenciales de la vida, el hombre y la naturaleza (la vasija como representación abstracta del hombre y su relación con el entorno). En esta exposición se presentan un conjunto de más de 40 cerámicas de este artista junto con un vídeo que muestra su proceso de trabajo. El argumento de la muestra es el fuego como materia y elemento natural creador del color, el valor del fuego como experiencia y la consagración de la materia al fuego.

Pagan. Buddha. Burma. 1978 / 2006; Ursula Schulz-Dornburg

4. La mística en las fotografías de Ursula Schulz-Dornburg. Un conjunto de 88 fotografías articuladas en dos temas: los Buddhas en Pagan (presencia de la ausencia) y las ermitas mozárabes del Pirineo (la luz que penetra por la ventana absidal como calendario en el altar). Todas sus fotografías giran en torno al concepto de Shelter (refugio) y la espiritualidad. Se trata de un concepto que, dentro de la historia del arte y de la arquitectura del siglo XX muestra espacios intermedios y márgenes, lugares y situaciones de tránsito, marcados por una dinámica que suele crearse cuando comienzan a interactuar realidades distintas.

Notas de prensa sobre las exposiciones (PDF):

“Amic, Amat”. Se completarán los actos del programa del Congreso con la actuación musical de María del Mar Bonet, el día 25 de octubre a las 20.00 pm. El concierto “Amic, Amat” muestra, en una síntesis única, las raíces comunes de las culturas mediterráneas (árabes, judías y cristianas) inspirándose en la poesía mística de Verdaguer sobre Llull, El Cant de la Sibil-la, tonadas tradicionales mallorquinas, o una magnífica versión de un tema de Bruce Springsteen, para hacer una honda manifestación de la necesaria paz entre los pueblos.

Auditorio de San Francisco
C/ Valladolid s/n (Plaza de San Francisco)
05004 Ávila (Castilla y León), España
Horario: martes a viernes – 11:00 am. a 14:00 pm. y 17.00 a 20:30 pm; sábados y domingos – 11:00am. a 20:30 pm. (continuado); lunes – cerrado

Enlaces relacionados:



Asociación de Ceramología: programa del XIII Congreso Anual

Por • 16 de octubre, 2008 • Tema: Conferencias

Del 24 al 26 de octubre
Centro Cultural Rafael Morales
Talavera de la Reina (Toledo)

mini_museotalavera Este año, el XIII congreso anual de la AC se celebrará en Talavera del 24 al 26 de octubre, con el tema: “RENACIMIENTOS: En torno a la cerámica de Ruíz de Luna”.

Último día para inscribirse: viernes 17 de octubre; (inscripción no socios: 35 €; dos créditos y descuento para estudiantes; socios AC: gratuita).

El Museo Ruiz de Luna, inaugurado en 1996, ocupa parte del edificio del antiguo convento de San Agustín. Este museo alberga una colección de cerámica representativa de esta localidad de la provincia de Toledo, obras del siglo XVI al siglo XX: cerámica con reminiscencia mudéjar de mediados del siglo XVI, serie tricolor, serie de helechos y golondrinas, y serie policroma del siglo XVII, la época más representativa de la tradición cerámica talaverana.

Programa de conferencias:
(PDF) Programa XIII Congreso AC, portada
(PDF) Programa XIII Congreso AC, interior

Enlaces relacionados
AC, asociación de ceramología



Nordic Network Ceramic Studio Exchange

Por • 9 de agosto, 2008 • Tema: Anteriores portadas, Artículos, Conferencias, Exposiciones

Nääs Art and Crafts

El Centro de Arte y Artesanía de Nääs en Suecia, opera como una organización de artistas cuyo propósito es promocionar arte y artesanía de alta calidad. La organización, de la que hemos hablado en anteriores entradas publicadas, instalada en una preciosa finca, dispone de galería y tienda. En la tienda están representados alrededor de treinta artistas de diferentes disciplinas y procedentes de diversas demarcaciones de Suecia. En la galería, se presentan continuamente exposiciones individuales, de artistas suecos y de diversas partes de Europa u otras partes del mundo. Trabajos de formato de menor o mayor escala dentro de una gran variedad de expresiones personales y artísticas, que, a través de “Nääs Art and Crafts”, se ofrecen al gran público. Estas exposiciones, así como los seminarios paralelos que se celebran, en torno al tema del arte y de la artesanía de nuestro tiempo, sirven para acercar al público el arte y proporcionar los medios y conocimientos necesarios para su valoración. Para el desarrollo de estos interesantes proyectos la organización a menudo cuenta con la cooperación de otras entidades culturales colaboradoras.

En esta ocasión, el programa actual que estos días tiene lugar (tras el inicio de haberse reunido durante unas jornadas de trabajo; ver “Programa de Intercambio en Suecia”) y que se extenderá hasta el próximo mes de septiembre, ha contado con la colaboración del departamento de cerámica de la Escuela de Arte de la Universidad de Gotemburgo (College of Applied Arts and Crafts), catedrático Profesor Morten Loebner Espersen, y los profesores Lector Annett Floren y Renata Francescon. Un proyecto realizado con la ayuda de económica de IASPIS (Artists Studio Program in Sweden y Dansk/Svensk Samarbetsfond), como intercambio entre Dinamarca y Suecia.

El evento actual: Nordic Network Ceramic Exchange Program Woodfiring at Nääs
agosto – septiembre de 2008
Exposiciones / Cocción anagama / Presentaciones y Demostraciones a cargo de los artistas invitados.

Nääs Craft
abierto todos los días del 11-18 (agosto)
Viernes a domingo 11-16 (septiembre)

Exposición actual: del 9 agosto al 7 septiembre/2008
Inauguración 9 de Agosto a las 12h.

NORDIC NETWORK CERAMIC STUDIO EXCHANGE PROGRAM /DENMARK
GALLERY:
Gregory H. Miller, Janice Hunter, Janne Hieck y Joan Kistensen

Sala 1- José Antonio Sarmiento

Sala 2- Cerámica japonesa, desde Mashiko exponen su obra:
Takehiro Ito, Minoru Suzuki, Hajime Tamura y Chiaki Shoji

Listado Participantes cocción anagama:
3-8 septiembre

Gregory Miller – Dinamarca/USA
Janne Hieck – Dinamarca/Alemania
Janice Hunter – Dinamarca/Inglaterra
Joan Kristensen – Dinamarca
José Antonio Sarmiento – Suecia/España
Takehiro Ito – Japón
Minoru Suzuki – Japón
Hajime Tamura – Japón
Chiaki Shoji – Japón
Helena Andersson – Suecia
Ann-Louise Gustavsson – Suecia
Eva Zethraeus – Suecia

Estudiantes del departamento de cerámica del College of Applied Arts and Crafts, Universidad de Gotemburgo.

Demostraciones y conferencias artistas invitados: 6 – 7 septiembre
Apertura del horno: 11 septiembre

Programa – Archivo PDF

Comisariado y organización:
Eva Zethraeus, Helena Andersson, Ann-Louise Gustavsson – Suecia

Esperando más información sobre el transcurso de las jornadas, hasta entonces nuestros mejores deseos para el evento y ¡feliz inauguración de las tres exposiciones!.

Post Escriptum:
Enlaces relacionados, Visita a las exposiciones



Conclusiones sobre las jornadas celebradas en Alcora

Por • 1 de junio, 2008 • Tema: Conferencias

Imágenes de la exposición ArtX15 en las instalaciones de la escuela de cerámica de Alcora (Castellón), muestra que puede contemplarse hasta el 12 de Junio.

Algunas de las conclusiones de la mesa redonda:

Sobre la mesa se pusieron asuntos interesantes, en cuanto a la valoración en nuestro país de la práctica cerámica como expresión artística. Desde la posición y el criterio de cada invitado: Eladi Grangel (director del Museo de Alcora), Antonio Gascó (crítico de arte), Alberto Andrés (ceramista que en este caso ejerció como representante de Cerco’ 08, feria de cerámica contemporánea celebrada en Zaragoza de la que ha sido comisario en esta última y octava edición), y María Jesús Sarmiento -quien esto escribe- desde mi experiencia como estudiosa de la cerámica contemporánea, autora de este blog, y Art Dealer a través de las diversas actuaciones organizadas por la Galería Azul. Diversidad de campos de acción que como profesionales del medio podemos resumir en pos de un conocimiento específico para instrumentar los medios de difusión necesarios que reconocen la cerámica y su lugar en el ámbito del arte.

Un asunto que solo es posible lograr a través de la difusión cultural, de la comercialización por medio de galerías de arte o especializadas en cerámica, y con la labor imprescindible del apoyo del pensamiento crítico (la crítica, desde mi punto de vista, es fundamental y así lo expresé, como medio de traducir al público no experto un conocimiento más profundo sobre el sentido, la intención y lo que es más importante: la calidad de las diversas propuestas artísticas).

Con el objetivo de alcanzar una difusión más efectiva, toma de conciencia y revalorización del medio, es conveniente señalar algunos de los puntos más importantes:

1- La labor didáctica del museo, con exposiciones y actuaciones paralelas (con este fin el Museo de l’Alcora subrayó su apuesta por el taller didáctico para niños, entre otras actuaciones); 2- La implicación de las escuelas de arte (como ha sido el caso de L’Alcora al organizar exposiciones en la que se muestra obra de profesionales, así como cursos demostración a cargo de un artista), iniciativas que van más allá de ser un complemento del programa educativo (por ejemplo: las clases magistrales, cuyo precedente es clásico de los conservatorios de música y de la escuelas de bellas artes son imprescindibles para que el alumnado pueda ver como se mueve el autor con los materiales entre sus manos). 3- La labor divulgativa y comercializadora de las galerías; y teniendo en cuenta que en nuestro país son escasas las que por el momento apuestan por el medio, es conveniente la organización de eventos y festivales –siempre que se cuide la calidad al máximo, sin excusas ante las dificultades del mercado–, por esta razón tal vez sea importante ir paulatinamente mostrando lo mejor, es decir primar la calidad sobre la cantidad, ya que lo contrario ejercerá un efecto boomerang en detrimento de lo que queremos conseguir, o dicho de otro modo: una mezcla sin criterio no aportará nada en cuanto al incremento del prestigio sino todo lo contrario.

Hay que señalar que en esta mesa redonda que comentamos resultó muy interesante la participación entusiasta del público asistente, ya que todas las propuestas y matizaciones que en ese momento se hicieron sirvieron, además de para dar un repaso a nuestras principales preocupaciones, para proponer o pensar en iniciativas adicionales. Entre estas propuestas considero interesante destacar la intervención de Manuel Aramendía (artista y profesor de la Facultad de Bellas Artes de Barcelona) que planteó la conveniencia de colaboración con las facultades de bellas artes interesadas en trabajar junto a ceramistas profesionales, así como también la incorporación del tejido industrial que se interese en contemplar colaboraciones puntuales con los artistas plásticos, ceramistas o no –como ocurre en otros países (Limoges, Shigaraki, Copenhague, etc)–; dicho de otro modo, aprovechar la riqueza que la materia cerámica ofrece en el campo creativo a través de su diversidad de métodos (tanto artesanales como industriales) para enriquecer el vocabulario de la plástica.

En conclusión: quedó patente que es imprescindible la difusión por parte del museo y el tejido comercial especializado (de calidad). En definitiva, la búsqueda de la excelencia como única vía de instrumentar el incremento de valoración y prestigio del medio. Los mejores ejemplos los encontraremos a través de la obra que pueda contemplarse en exposiciones, atendiendo a los diversos estilos y a la diversidad de los géneros. No me canso de repetirlo, y perdonar que insista, teniendo en cuenta que arte puede ser escultura, alfarería, instalaciones…, aquello que solamente por su calidad y no por cuestiones de forma van a merecer ser calificados como tales objetos). Pero, además, es necesario encontrar o mejor dicho desarrollar fórmulas nuevas que sirvan para llegar al público preocupado por estas cuestiones. En este sentido es evidente que el ciudadano de la calle cada vez está más preparado, así es que si se le ofrece calidad sin confusiones la apreciará y lo agradecerá. No hay más que pensar que estadísticamente nunca como ahora -me refiero al momento presente- hubo una preocupación por el arte tan mayoritaria, por el mismo motivo que nunca hubo tantos artistas o personas dedicadas a producirlo, del mismo modo que nunca se han vendido tantos libros especializados, o las exposiciones de los grandes museos y centros de arte han visto crecer el número de visitantes en un número nada despreciable (y por cierto con público no perteneciente al círculo reducido de entendidos).

Para terminar, tal como yo lo veo y en mi modesta opinión, la mejor y única forma que realmente será efectiva en lo que nos concierne a quienes de un modo u otro a esto estamos dedicando la vida, es la de ofrecer información para que el público pueda aprender a discernir la calidad –educar la mirada con la mente abierta– y lo hemos de hacer con todos estos instrumentos que tenemos a nuestro alcance.

Pienso también que muy importante es contribuir mediante la adquisición del trabajo de nuestros autores, (cada cual según sus fuerzas -ya sean obras más grandes o más pequeñas, de uso o de contemplación-, atendiendo a nuestra disponibilidad de espacio y poder adquisitivo) ya que es el único modo de que los artistas puedan seguir creando. Siempre insisto en este punto, en cualquier caso rodearse de buenas piezas sin duda será beneficioso en muchos sentidos –como usuario independientemente, y si se es ceramista o se está en el camino de serlo más a mi favor. Y claro está huelga decir que son los Museos de Cerámica o los Centros de Arte contemporáneo los primeros que deben predicar con el ejemplo, de hecho es lo que ocurre en otros países. Se me contestará que ya están las adquisiciones a través de los concursos de cerámica que desde hace unos años se vienen organizando, ciertamente es una medida de apoyo, en tanto que pueden servir como plataforma de los nuevos valores, y sin duda estos certámenes son una ayuda económica para los ganadores… pero hay que hacer más. Si tenemos en cuenta que muchos de los artistas consolidados no van a presentarse a estos certámenes, lo más conveniente es que paralelamente a la adquisición por medio de los concursos, exista una comisión de expertos de reconocido prestigio que al menos una vez al año adquiriese como mínimo una obra de los más interesantes valores internacionales (de aquí o de allá, de donde sea). Para que esto sea posible es evidente que necesitamos más presupuesto, así que ahora habría que estudiar por qué los museos de cerámica de nuestro país han de trabajar en condiciones tan precarias. Mientras no nos enfrentemos a todas estas realidades de una manera constructiva, no podremos decir que la cerámica en España puede equipararse al ámbito internacional, aunque sin duda contamos con algunos autores interesantes.

Otra cosa que resulta preocupante es que el número de alumnos en la mayoría de los centros sea tan escaso, aunque por lo general y salvo excepciones puntuales contemos con una dotación de profesorado eficiente y entusiasta, añadida a una dotacióncada vez mejor en cuanto a instalaciones y medios (gratamente me sorprendió la escuela de cerámica de l’Alcora que por cierto no conocía: el inmueble de reciente construcción y la dotación de las aulas son un ejemplo de modernidad). Así es que hay que plantearse seriamente que es lo que ocurre para establecer el diagnóstico y aplicar el remedio. Pero hay que hacerlo sin echarle las culpas a nadie y asumiendo la parte de responsabilidad que sin duda tiene el colectivo. Por esta razón son necesarias todas estas actuaciones y más, y han de llevarse a cabo sin dilación. Lo que es seguro es que contamos con la colaboración y el interés de todos, así es que más que nunca ahora es el momento de remar en el mismo barco, juntos que no revueltos y controlando la situación.

Otras entradas relacionadas: Programación



I Jornadas sobre cerámica artística en Alcora

Por • 20 de mayo, 2008 • Tema: Conferencias, Cursos

Del 22 al 23 de mayo, 2008

Organiza: Ayuntamiento de l’Alcora (Castellón), Museo de Cerámica y Escuela Superior de Cerámica de l’Alcora

cartellalcora Presentadas por Eladi Grangel, director del Museo de Cerámica de l’Alcora, darán comienzo las primeras jornadas sobre cerámica artística.

Jueves 22
10.00 h. Acreditación y entrega de documentación
11:00 h. Inauguración de una exposición colectiva de cerámica actual:
“Art X15” (Amparo Almela / Aleix-Vicent Guzmán / Cristina Guzmán i Traver / Cristóbal Saborit / Fernando Malo / Joan Serra / Juan Ortí / Juan Pérez / Mia Llauder / Miguel Angel Gil / Myriam Jiménez / Rafaela Pareja / Pepe Barrachina / Samuel Bayarri / Trini Roig / Yanka Mikhailova).

12:00 h. Mesa redonda (moderador: Eladi Grangel, director del Museo de l’Alcora; particiantes: Antonio Gascó, Alberto Andrés, Mª Jesús Sarmiento): “La cerámica como medio de expresión artística”, debate sobre la consideración del objeto cerámico como objeto de arte y el contexto en el que se produce, la influencia del bagaje artesanal, su introducción en el panorama artístico contemporáneo, y etc).

Se completarán estas dos jornadas con dos talleres monográficos abiertos a la participación, impartidos por los ceramistas: Pepe Barrachina (día 23 a las 16:00 h. taller: rakú, extraer piezas al rojo del horno), Juan Pérez (día 23 a las 9:30 h. conferencia y a las 11:30h. taller: técnicas industriales, la serigrafía en la cerámica artística).

Información:
Escuela Superior de Cerámica de l’ Alcora

Museo de la Cerámica de l´Alcora
C/ Teixidors, 5
Tel. 964 36 23 68
website:alcora.org

\"Artx15\"

\"Artx15_Alcora\"

Un momento de la inauguración: ArtX15, Escuela de Cerámica de l’Alcora

\"Demostración de Juan Pérez\"

Demostración de Juan Pérez en la Escuela de Cerámica de l’Alcora

Post escriptum
Rectificamos el programa anteriormente publicado a causa de los cambios de último momento, ya que por otros compromisos Jaume Coll y Carmen Alborch que en principio estaba previsto asistieran a la mesa redonda junto a los nombres de los arriba mencionados no pudieron asistir. La mesa redonda se celebró después de inaugurar la exposición ArtX15, con muy buena acogida del público asistente que también participó con sus aportaciones.

\"Presentación exposición ArtX15\"

Otras entradas publicadas sobre este tema: Enlace a las conclusiones