Archivo del tema ‘Artículos’

MADOLA: Tierras y plomo

Por • 18 de marzo, 2007 • Tema: Artículos, Artistas

Obras que resisten el tiempo, obras con significado

«(…) en mi trabajo se necesitan diez años para aprender una técnica, diez años para llevarla a cabo y diez años para saber lo que quieres hacer con ella» (Madola, en una conversación con Montserrat Nomen)

MADOLA, nombre artístico de Mª Angels Domingo Laplana (Barcelona 1945), es una de las referencias importantes de la escultura cerámica. La tierra cocida en alta temperatura, el tachismo pictórico potenciador de su gesto de modelado informal (con predilección por tonalidades sobrias: negro, blanco y azul, junto con el color propio de la arcilla), o el empleo de la lámina de plomo presente en sus últimos trabajos –abrazando la materia cerámica–, definen el procedimiento técnico y matérico en el que se desarrolla el universo de esta singular escultora. Además, a todo lo dicho hay que añadir el lenguaje objetual que expresa la configuración del «sentido» en su inquietante y misteriosa obra, mediante la profundidad del «significado».

Serie “Aguas Perdidas” BROCAL 1999
Tierra chamotada, óxidos y esmalte; 80 x 53 x 50 cm

¿Cómo definir el tema, y el significado? Aunque en ocasiones la escala elegida sea de carácter monumental, sería muy poco decir que la obra se describe por su carácter arquitectónico; incluso si se inspira en formas propias de la arquitectura (columna, arco, menhir, dolmen, altar, puerta…), personalmente entiendo que la profundidad de su lenguaje articula estas formas más como símbolo que como representación. Y aunque en ocasiones toma para sí la resonancia de los objetos o enseres de la vida (en forma de libro, copa, urna…), tampoco considero exacto clasificar su obra como figurativa.

Madola

Serie “Aguas Perdidas” FONTBLAVA 2003
Tierra chamotada, óxidos y colorantes; 120 x 25 x 40cm

En un fugaz repaso por las diversas Series (siempre compuestas por piezas únicas) y otras esculturas aisladas que a lo largo de los últimos cuarenta años de dedicación plena Madola ha realizado –comenzó muy joven-, me parece interesante citar algunos de los títulos y cronología de las mismas, para situarnos en el lenguaje de la artista: Copa (1966); Serie “Bonys” 1977-78; Serie “Esteles” (Estelas) 1985; Serie “Aigües Perdides” (Aguas Perdidas)1999-2003; Serie “Urnes” (Urnas) 2003; Serie “El Cos” 2005; Serie “Llibres” (Libros) 2005. También citaré algunas piezas aisladas que representan el sentido de su trabajo: LEKU 2002 (tierras y plomo/ dolmen sagrado de memoria, del eco del viento); AFRICANA 2003 (Tierras y plomo/ que arrastra hacia la tierra virginal, primer lugar); CAP DE JOAN 2003 (Tierras y plomo/ dientes contra dientes, y siempre sangre, sangre y más sangre); LLIBRE BLAU. EL LIMIT DE LA MATERIA. HOMENATGE A JOAN MIRÓ 2004 (tierras y plomo/ límite de color y movimientos, y de alegría); MEMORY I 2004-2005 (Tierras y plomo/ dentro jarras grandes de barro rojo con un gran vientre); MEMORY II, 2004-2005 (Tierras y plomo, depósito de grano con dibujos, o sepultura); PESCI GUIDANO LA NOSTRA NAVEGAZIONE… HOMENATGE A ESTHER ALBARDANÉ, 2004 (Tierras y plomo/ ¿qué podemos hacer sino un pez azul? ¿la retendremos?).

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“Artigas”, película documental

Por • 20 de enero, 2007 • Tema: Artículos, Noticias

ArtigasMientras esperamos impacientes el estreno de la película documental “Artigas”, después de que el pasado verano anunciásemos en el presente blog su presentación y pre-estreno en la Fundación Miró (Barcelona), y tras la emisión de un extracto o versión reducida de dicho documental (opera prima de Isao Llorens) emitido en el mes de noviembre de 2006 por La 2 de TVE [aunque lamentablemente no pudo visionarse en toda la Península por la incompatibilidad de las programaciones autonómicas; p.ej. en Cataluña la programación no recogió esta emisión], hemos recibido algunas llamadas interesándose por conseguir el DVD de dicha película. Para tranquilidad de todos los interesados, según hemos podido informarnos de fuente cercana a la dirección de tan interesante documental podemos comunicar a nuestros lectores que se espera dentro del año que ahora comienza su estreno definitivo en salas comerciales, así como la edición del tan esperado DVD una vez que la película finalice su fase de presentación en diversos festivales y quede la cinta definitivamente liberada para poder ser distribuida.

Sinopsis: Largometraje documental sobre la vida y obra del gran ceramista Josep Llorens i Artigas, con entrevistas y opiniones de sus familiares y amigos, y también una visión extensa de los contactos y colaboraciones a lo largo de su vida con un artista universal de la talla de Joan Miró.

Director: Isao Llorens. Productora: ABS PRODUCTION – BARCELONA, SL. Productor: Eva Baró. Productor ejecutivo: Joan Cutrina. Guión: Isao Llorens, Joan Gardy Artigas. Director de fotografía: Sergi Sampol. Montador: Guillem Puig. Música: Erik Satie, por Niclas Fogwall: Gnossienne N.5; Gymnopédie N.1; Petite ouverture à danser; 941018; 941108; 950311. Scott Joplin, por Pietro Deiro: International Rag. Frederic Mompou, por Rafaell Orozco: Cançó i dansa n.6. Jorge Cardozo, por Maximilien Ibañez y Jean Luc Le Marechal: Milonga, “Guitarreando”. Michio Miyagi, Tegoto por cortesía de Sunset-France. Dirección artística: Isao Llorens. Gènero: Documental. v.o. català. Reparto de entrevistados: Francesc Miralles, Pierrette Angera Gargallo, Mariette Llorens Gardy, Joan Gardy Artigas, José Corredor Matheos, Michel Muraour, Masako Ishikawa, Joana Artigas, Frederic Amat.

La obra cerámica del artista catalán Josep Llorens Artigas (1892-1981) y su filosofía cambió en nuestro país la forma de ver la cerámica adelantándose a su tiempo. Desde una postura de absoluta vanguardia dedicó su vida profundizando en el concepto artístico eligiendo el tema de la vasija. Una visión de una modernidad y apertura de pensamiento cuya dimensión por su complejidad siempre será motivo de estudio. Siempre que volvemos al estudio de este asunto en su obra encontramos nuevos hallazgos, argumentos y puntos de referencia sobre un tema en el que tanto han profundizado los orientales y que también se convirtió en una preocupación de las vanguardias occidentales. El Jarro fue el tema sobre el que el artista-ceramista catalán aportó su reflexión sobre la vida.

Con el permiso de sus autores a continuación incluimos unos artículos sobre LLorens Artigas en formato PDF. Por su cortesia nuestro agradecimiento a los autores y a las fuentes donde en su día fueron publicados.



La pluralidad de lenguajes en la cerámica actual

Por • 4 de diciembre, 2006 • Tema: Artículos

Algunas reflexiones al hilo de la exposición:
LA CERÁMICA ESPAÑOLA Y SU INTEGRACIÓN EN EL ARTE
Museo Nacional de Cerámica González Martí (Valencia, España)
por María Jesús Sarmiento

El desafío del arte actual consiste en comprender y definir el arte contemporáneo en general; a veces no resulta demasiado fácil de valorar, sobre todo, cuando hemos de hacerlo en el mismo momento en que se produce. En consecuencia, la filosofía y la crítica del arte, después de contemplar y tener en cuenta todo lo acontecido en el arte del último siglo necesitará otras formas de ver y analizar. Formas que permitan contemplar de un modo más plural y sin prejuicios (ni en los géneros, ni en los temas, ni en los medios empleados) para ver con claridad aquello que quizá no vemos, o mejor dicho resulta más complicado de ver en una primera lectura.

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La Cerámica española y su integración en el Arte

Por • 22 de noviembre, 2006 • Tema: Artículos, Exposiciones

Del 8 noviembre hasta 4 febrero 2007
Museo Nacional de Cerámica “González Martí”
Valencia (España)
Comisario: José Miranda

Esta exposición, en palabras de su comisario «ahonda en las claves de la cerámica como material escultórico y su relación con el resto de las artes plásticas, confrontando el trabajo de artistas y ceramistas dentro de una misma estética contemporánea, desde aquellos que abrieron el camino hasta los más actuales». Un total de 137 obras pertenecientes a 64 autores, distribuidas en cuatro espacios del Museo, ofrecen una amplia perspectiva a través de la pluralidad de lenguajes en los que profundiza la cerámica de arte, mediante un recorrido que abarca cronológicamente un periodo de cien años (1902-2005) de creación española contemporánea. En la visita el observador se encuentra con las expresiones esenciales de cada autor, fruto del desarrollo de su concepción escultórica focalmente centrada en el tema o asunto de su interés: la integración arquitectónica, el contenido de la vasija más allá de su conformación objetual, la concepción formal propiamente escultórica y la narrativa puesta en escena a través de la instalación.

Relación de autores y contenidos del catálogo:

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Enric Mestre

Por • 21 de julio, 2006 • Tema: Artículos, Artistas

«El color de mi obra viene dado, una vez la pieza está cocida, tras un meditado diálogo con la materia, con los espacios. Ella sugiere y yo busco su color, sus tonos, sus luces y sombras definitivas»

Enric Mestre

«Poseen las obras cerámicas de Enric Mestre una factura de gusto constructivo, que yo pienso deben tener mucha relación con la naturaleza de su carácter, con su preocupación de la búsqueda de lo esencial en todos los ordenes de la experiencia vital. En este orden formal se percibe el equilibrio de una personalidad formada en el pensamiento crítico que, desde mi punto de vista, se acerca a la esencia platónica. No en vano Platón escribió en el frontispicio de la Academia «no entre aquí nadie sin saber geometría». Y es que, en cierto modo, me da la impresión al contemplar su obra que Enric Mestre busca la respuesta de sus planteamientos, desde el pensamiento platónico que consideró inseparable la virtud de la idea de belleza (en su estado puro). Con el paso del tiempo, Enric Mestre ha ido depurando sus formas en armónica simbiosis con el tratamiento pictórico al que también somete su obra. Él, como Klein, ha meditado sobre las cualidades materiales y espirituales del color y la forma. No es fácil conseguir el mismo equilibrio de maestría al conjugar ambas disciplinas; quiero decir que ninguna de ellas pese más que la otra, sin embargo, ésa es una de las posibilidades que pueden fundirse en la obra cerámica. En el caso de las cerámicas de Enric Mestre hay que decir que ambas habilidades tienen la misma medida en cuanto a destreza y profundidad. Seguramente por esta razón, porque ha encontrado un balance apropiado entre dos extremos, su trabajo resulta ser tan extraordinario.»*

* Extracto del artículo “Enric Mestre: Espacio y pintura”, publicado en Revista Cerámica, nº 101, Madrid.

Por cortesía del artista, Fotografías: Manuel Artero.



El anagama de la Fundación talleres J. Llorens Artigas

Por • 7 de julio, 2006 • Tema: Artículos, Noticias

Hace poco más de un año, en la Fundación talleres Llorens Artigas (Gallifa, Barcelona) se construyó un nuevo horno de leña de alta temperatura. Se trata de un horno de estilo japonés tipo túnel, construido en pendiente, de los denominados anagama (en el que las piezas y la leña comparten el mismo espacio, para así potenciar los efectos del fuego de un modo determinado). El ceramista japonés Yoh Tanimoto (Iga,1958), perteneciente a una conocida familia de ceramistas especializados en la tradición de la cerámica Iga (lugar situado en la prefectura de Mie, en Japón), aportó sus conocimientos y experiencia para la construcción de este anagama; vino desde el Japón para construirlo. “IGA” es el nombre propio que se le ha dado a este horno, según puede leerse en la caligrafía latina de un azulejo esmaltado que se ha incrustado encima de la boca del mismo, y en la caligrafía japonesa que, como puede verse en la fotografía adjunta, se ha pintado en la bandera que lo enmarca. Así pues, con el nombre de IGA se podrá distinguir este horno de los otros tres hornos de leña construidos anteriormente en Gallifa (“bautizados” con los nombres de: MASHIKO, noborigama de 3 cámaras; CELADON, noborigama de 4 cámaras; KORYU, catenario de cocción rápida).

El anagama “IGA”, construido en la Fundación Artigas

Conversación con Joan Gardy Artigas, Junio 2006

María Jesús y José Antonio Sarmiento

Fundació tallers Josep Llorens Artigas; Gallifa, Barcelona (España)

El lector puede consultar el texto del artículo “ENCUENTRO CON JOAN GARDY ARTIGAS: En la Fundació Tallers J. Llorens Artigas” (Revista Cerámica, núm. 68, Pág. 80-83), donde se aportan más datos sobre la Fundación y la obra personal de este gran artista. También un texto extraido de la conferencia de Joan Gardy Artigas “Eroticizing the World”, pronunciada en Elvehjem Museum of Art of the University of Wisconsin-Madison (EE.UU.) el 3 de mayo de 1982 (publicada en inglés por Spaightwood Galleries).



Miquel Barceló: Un mar de arcilla

Por • 19 de mayo, 2006 • Tema: Artículos, Recomendados

MIQUEL BARCELÓ (1957 Felanitx, Mallorca) es uno de los artistas plásticos actuales más geniales. Pintor y escultor de proyección internacional valorado prácticamente desde el principio de su carrera (en los albores de los años ochenta) por los más reconocidos expertos del Arte. Un artista de nuestro tiempo, energético, de los que como pocos se han comprometido con la materia: inspirado por la naturaleza, la literatura, la música, el Mediterráneo, los clásicos, el primitivismo y el mismo proceso en sí. Un creador de talento que trabaja intensamente, sumergido en la materia que maneja; de este modo respira y hace la digestión metido hasta los codos en la misma esencia de la pintura o de la arcilla.

Miquel Barceló ha construido su propio lenguaje para trabajar siempre «a su modo», en un estilo que sentimos cercano a un “neo-expresionismo salvaje” pues en el tratamiento encontramos en su obra puntos en común con la pintura de Anselm Kiefer (Alemania,1945). Trabaja Barceló siempre de un modo «franco», desde la perspectiva de sus entornos y vivencias. Lo hace con todo el sistema nervioso alerta, dejándose llevar por la materia de un modo intuitivo y directo, sintiendo lo que se trae entre manos. Lo sabemos, porque del resultado de su trabajo se percibe el misterio y la fuerza que solamente posee una obra maestra. Nos referimos a esa potencia inagotable que resuena en cada una de su obras, la energía incorrupta al paso del tiempo o de las tendencias; la tensión que atrapa al contemplador sensible a su arte, una y otra vez, sin darle tregua hasta que consigue sumergirlo en las aguas profundas de su genio. Hasta llegar a las profundidades donde se nos permite sentir el arte como una necesidad primordial de la existencia; del modo en que el artista lo vive, del modo en que los auténticos artistas lo sienten: como una pasión.

Un día, con pasión, el pintor se puso a trabajar la terracota. Mallorca, París, Mali… son algunos de los lugares donde el artista trabaja, y precisamente en el país de los dogones, en Mali, fue donde comenzó Barceló su relación con la arcilla cocida, y así lo cuenta:

Estaba en Banani (Mali) a finales del año 1994, hacía un calor de 50 grados y mucho viento que levantaba arena y polvo, no podía pintar. Por eso, y después de conseguir que una alfarera me preparara la tierra, hice las primeras terracotas. Eran henchidas, macizas, y tenía que cocerlas en un horno a baja temperatura, porque si no reventaban, algunas las cocía al sol. No eran esculturas como las que había hecho en los años anteriores en París con yeso, que tenían un alma de hierro o de madera, y que después pasaba a bronce. El alma de las terracotas era el aire.

Miquel Barceló en Silos. Catálg. ed. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, 2002; págs. 16 y 17.

En un artículo publicado en el diario El País (19 de junio de 1999) —con motivo de la exposición Barceló: cerámicas 1995-1998 que en aquel momento tenía lugar en el Museu d`Art Contemporari de Palma de Mallorca (Fundación Juan March)— Calvo Serraller escribió:

Quien haya seguido la evolución artística de Barceló no puede, por tanto, extrañarse de que, en cierto momento, trabaje ya directamente con terracota, como tampoco que cada vez mejor su obra revele mejor su raíz mediterránea. Con ello o a través de ello, Barceló no sólo revalida lo que otros artistas catalanes contemporáneos han hecho, desde el propio Miró hasta Guinovart, sino que se remonta a una ancestral tradición local de fabricación popular de figuritas de cerámica. La forma como Barceló trabaja la cerámica posee, no obstante, un sello muy personal, el de su peculiar libertinaje a la hora de enfrentarse con técnicas y materiales. Es entonces cuando nos recuerda a Picasso, que no dejó de experimentar nada, pero siempre a su manera. (…)

Cuando contemplamos las cerámicas de Miquel Barceló, elaboradas con la más sencilla técnica, nos damos cuenta que él ha sabido muy bien comprender el espíritu de la arcilla al nutrirse con su tacto orgánico y saciar su sed en las fuentes de la alfarería más rudimentaria.

Extensamente podríamos hablar sobre las vasijas de Miquel Barceló: formas que partiendo de la alfarería (vasijas, platos, lebrillos, y etc.) rebasan su función utilitaria para conformar objetos de contemplación a modo de “vasos rituales” o esculturas. Mas es nuestra intención detenernos aquí en una sola obra, una obra de titanes, en la que el artista mallorquín ha volcado los estímulos y la experiencia de su relación establecida en los últimos años con el barro (hasta el momento presente seguramente la obra más ambiciosa que ha realizado). Nos referimos al mural creado para la Capilla de San Pere de la Catedral de Mallorca: una inmensa piel de arcilla, una gran «ola de barro», cuyo tema (bajo la inspiración de un fondo marino) ilustra el Milagro Bíblico de los panes y los peces del Evangelio de San Juan. Una obra monumental de aproximadamente trescientos metros cuadrados de arcilla modelada y pintada con óxidos y engobes, y cocida (a una temperatura de 1000 grados C.) para consolidar la materia. Una gran piel trabajada en tres lienzos enteros (de una pieza), cada lienzo del tamaño necesario para cubrir cada una de las paredes (dos laterales y el frontal) de la mencionada Capilla. No quiso Barceló hacer placas o baldosas que después se colocasen una al lado de otra como un alicatado; por esta razón dejó actuar a la materia y propició un agrietamiento orgánico natural para realizar el despiece de estos grandes lienzos. Y de tal modo se obtuvieron grandes pedazos irregulares (hasta de tres metros más o menos), que una vez secos fueron llevados a un horno construido para este fin, y posteriormente colocados en el espacio de la Capilla sin ocultar el proceso de ejecución (ni siquiera el agrietamiento orgánico) –para la instalación los paneles se fijaron al muro de piedra de la Seu mediante un complicado sistema de anclaje.

Un testimonio de todo el proceso de creación, así como del de instalación, ha quedado impreso bajo el título MIQUEL BARCELÓ, LA CATEDRAL BAJO EL MAR en una edición impecable (ed. Galaxia Gutemberg / Circulo de lectores; fotos: Agustín Torres).

Detalle: Fondo marino

Detalle: Cristo

Mientras esperamos con impaciencia el día en que se abrirá al público esta Capilla, seguramente tendremos que esperar aun un tiempo, hasta que finalice la intervención del artista en la misma —parece ser que actualmente se encarga de la ejecución de los vitrales. En la web Fons Documental Miquel Barceló puede accederse a través de ACTUALIDAD DEL ARTISTA: LA CATEDRAL DE PALMA DE MALLORCA a las impresionantes fotografías, imágenes tomadas por el también artista-fotógrafo Agustín Torres durante todo el proceso creativo de esta importante intervención de Barceló para la Catedral mallorquina; así como del proceso de instalación del mencionado muro de cerámica que desde el pasado mes de mayo de 2005 concluyó con la colocación de la puerta del sagrario (cerámica dorada).

Crítica a la polémica de las «grietas»

Saliendo al paso sobre la polémica que se ha suscitado en alusión a las «grietas», un método optado por el artista para fraccionar los gigantescos paños de arcilla —como hemos dicho, además de la decisión del autor de mostrarlas al descubierto sin ocultar nada—, hemos de subrayar el error que están cometiendo algunos círculos de opinión de la isla (Palma de Mallorca) a la vista de los ácidos comentarios que aparecieron en la prensa local al respecto. Nos referimos concretamente a la opinión de los escritores Joan Ferrer Miserol y Antoni Serra, y al galerista que los secunda Juan Oliver «Maneu», por sus desafortunadas y absolutamente erráticas sentencias e inconsistentes argumentos de manifiesto rechazo hacia esta magnífica obra. Estos señores que se auto-definen “expertos en cerámica” —a la vista está que no lo son, salvo si se trata de hablar de alicatados para los cuartos de baño o de baldosas para un pavimento; evidentemente sus argumentos no nos sirven para hablar de arte algo muy distinto por cierto y de lo que al parecer, tal y cómo se desprende de sus comentarios, parecen entender ni lo mínimo. Han tachado la obra de la que ahora nos ocupamos de «mal cocida», dictaminando «importantes deficiencias técnicas» en ella. Técnicamente, salvo por las dificultades que entraña el modelar en una tan basta extensión, el manejar, transportar y montar una obra de tan ciclópeas dimensiones, la técnica cerámica que ha empleado Barceló es muy sencilla y se ha manejado del modo más natural posible y repito sin ocultar nada (modelado, pintado con óxidos y engobes cocidos a su temperatura, y fragmentación provocando las condiciones para un agrietado natural).

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Arte y utilidad

Por • 24 de marzo, 2006 • Tema: Artículos, Recomendados

La pregunta sería: ¿puede considerarse “Arte” una pieza utilitaria, aun si ha sido concebida con ambas intenciones? La respuesta puede ser contradictoria dependiendo de la mentalidad, el conocimiento y la visión de quien a dicha pregunta responda. Al menos en ese sentido, Japón es un país que se ha caracterizado por su sentido común; y no digamos que ha sido exclusivamente reconocido internacionalmente por los avances en el campo de la tecnología, pues en el terreno artístico ya nuestras vanguardias históricas se dieron cuenta de aquella avant-garde establecida por los primitivos maestros de té (filosofía Zen, s.XVI), al contemplar como tal una determinada cerámica y por ello la taza de té elegida para dicha ceremonia (chanoyu), ampliando así los límites del arte de un modo sin precedentes; hecho que, sin duda, ha supuesto toda una inspiración para la modernidad.

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Museo Raku

A ese sentido común anteriormente mencionado, se debe que la modernidad pueda convivir en perfecta armonía con la sabiduría de las tan respetadas e incluso preservadas tradiciones japonesas (lo que incluye el hecho de favorecer la transmisión de conocimientos de primera mano, o lo que es igual impartidos por artistas a los que el departamento de cultura nipón otorga el rango de “Tesoro Nacional viviente”/o, intangible). Siempre se habla del importante arraigo en la tradición que tiene allí la cerámica artística, y mucho más si resulta que es utilitaria. Y es que en cierto modo siempre se contempla como extensión de la tradición aun siendo obvia su diferencia, o lo que es igual, aun siendo una interpretación personal impregnada de la expresión de su autor. Esto ocurre porque en su interior, el autor, siempre se siente deudor de sus antecesores.

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Museo Raku

En las imágenes precedentes, pueden contemplarse dos obras distantes en el tiempo (450 años): una taza de té realizada por Chôjirô (Raku I), y otra del presente heredero del sello Raku (XV generación) o actual Kichizaemon.

Sin embargo, cuando en el Oeste se escucha la palabra tradición, sin más matizaciones, tal afirmación parece inducir a interpretaciones confusas con respecto a lo que algunos occidentales consideran un “estar en la modernidad”; y esto se debe más a un tipo de mentalidad conservadora adherida a ciertos postulados académicos del pasado. Por poner un ejemplo práctico es preciso subrayar que, por lo menos en términos artísticos, lo que se define como tradicional para un occidental es muy diferente de lo que dicho término significa para un japonés. Para entenderlo hay que tener en cuenta que allí, en lo que se refiere a la creación, la denominada “tradición” nunca se ha interpretado como obstáculo para el desarrollo de la creatividad, la expresión personal y el avance. Es más, dichos conocimientos se han interpretado como bagaje cultural que ha aportado el conocimiento del oficio tan necesario del “saber hacer”; así pues, la expresión de «su tiempo» (siempre desde “su” visión contemporánea) realiza un arte capaz de integrarse en la vida diaria: como objeto digno de ser contemplado, lo que no significa que no pueda ser útil al mismo tiempo.

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Ryoji Koie / “Chawan”

Mas esta interacción entre la expresión artística y la vida, no solamente le incumbe a una línea discontinua que engarza el presente con la tradición. Desde el punto de vista de la modernidad y de todo lo que se arriesga a transpasar lo establecido: artistas contestatarios como lo han sido Noguchi, Yagi, o lo es actualmente Ryoji Koie son una realidad. De este modo, la “taza”, en su simplicidad, se muestra ante el espectador/usuario como “tema” para la expresión y representación de una apertura en la mirada y en el concepto, capaz de disolver cualquier frontera:sobre lo artístico, pero también entre la mentalidad del Este o del Oeste.

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José Antonio Sarmiento
“Cuenco de verano”, Hikidashi guro

Artist Potters.com: exposición de tazas

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Más sobre 2005 y primer trimestre de 2006: Fundación Seoane, Japonia Zeramikagunea, Artium-Gasteiz

Por • 10 de marzo, 2006 • Tema: Artículos, Conferencias, Cursos, Exposiciones

Exposición: Xavier Toubes, GLOBAL

En la Fundación Seoane, A Coruña. Desde 26 Oct/05 y hasta 13 de marzo del 2006.

La Fundació Luis Seoane – A Coruña, inauguró,con obra de Xavier Toubes, su proyecto cultural «Espacio no disponible». En este proyecto, se invita a un artista a mostrar obra en los espacios no habituales de la fundación (patio, claustro o biblioteca). La iniciativa es interesante además de por insertar el arte en el deambular del espectador (con el que éste se topa, aun sin buscarlo), por la espléndida publicación que con tal motivo se le dedica al artista elegido. La extraordinaria obra del prestigioso artista gallego residente actualmente en Chicago, se articula por el recorrido designado bajo el enunciado de Global :

Una referencia al momento histórico actual, en lo que lo local y universal se tocan sin mezclarse completamente, a un momento político concreto, en el que todo parece nuevo (…)

Para seguir leyendo entrar en la pagina de la Fundación, ir a: agenda, y abrir “Espacio no disponible”.

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Xavier Toubes

Artium Vitoria-Gasteiz

Charlas Julio 2005 sobre cerámica japonesa, organizadas por el colectivo de ceramistas vascos EKG.

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Ponentes por orden de intervención: María Jesús Sarmiento, Carmen Ballester, Hisae Yanase, Pepa Jordana y Angel Garraza.

Extracto de la conferencia “El horno anagama y noborigama”:

Cocer la tierra es el método de conseguir, a partir de un material blando y maleable como lo es la arcilla, otro material: duro, consistente y resistente. Hace 26.000 años que el hombre comenzó con esta tarea, y hasta hoy se han desarrollado muchos métodos que a su vez tienen una relación directa con los combustibles empleados: leña, carbón, gasóleo, propano, gas natural, etc. Sin duda, la leña es el combustible que se ha utilizado durante más tiempo.

Puedes leer el texto completo descargando el PDF (464 Kb). Necesitarás el lector Acrobat Reader para abrir este archivo.

Exposición: Richard Deacon, The Size of it (2 junio al 28 agosto 2005)

Deacon.jpg«Noventa y dos pequeños estudios en cerámica situados en un lateral de la sala,se muestran como vértebras de un mismo cuerpo expositivo, del pensamiento y la obra, que el escultor Richard Deacon nos presenta en ARTIUM de Álava. Diferentes formatos, desde 5cm a 12 metros, y diferentes técnicas y materiales escultóricos son atravesados por el mismo espíritu vinculante que define una trayectoria de trabajo representados en la exposición. Varias piezas de gran formato,dibujos y la imponente presencia de cuatro grandes esculturas se conjugan explicitamente de este artista galés nacido en 1940» (extracto del encarte de la muestra).



La idea de cerámica contemporánea en España

Por • 15 de diciembre, 2003 • Tema: Artículos, Previo Agosto 2005

1. En busca de criterios objetivos para una definición más acertada

Utilizar el término «cerámica» de un modo genérico, para establecer clasificaciones distintivas, de poco nos sirve. Puede decirse que, desde un propósito descriptivo, tal aplicación se ha complicado mucho más no solamente a consecuencia de la aparición de los procedimientos industriales, también desde los múltiples procedimientos artesanales adoptados con fines y criterios dispares e incluso enfrentados. En tal caso, la palabra por sí misma solamente nos puede servir como referencia abstracta adscrita a la materia (tierra cocida por acción del fuego), sin permitirnos entrever cualificaciones de orden categorial.

De tal modo, si tenemos en cuenta que los productos cerámicos no son solamente fruto de la materia trasformada, en la que han intervenido elementos de categoría mineral y elementos de la naturaleza (agua, fuego, viento), puesto que también se encuentran relacionados con las acciones que provienen del pensamiento del hombre (modos e intenciones), ya intervengan procesos manuales o mecánicos, conceptos artísticos o no, ya sean en cualquiera de los casos de carácter artesanal o industrial, percibimos el término —a secas— bastante desdibujado por sí mismo. Es un hecho que el momento actual abarca un campo demasiado amplio, al ocupar diferentes parcelas suficientemente distanciadas e incluso antagónicas, con lo que resulta conveniente acompañar al sustantivo de un adicional término clarificador, bajo el fin de aplicarlo del modo más descriptivo posible: «alfarería de estudio», «escultura cerámica», «cerámica industrial de diseño», «cerámica para la construcción», «alfarería tradicional», etc; de tal modo que resulte el enunciado más perfilado, al contemplar no solo el concepto sustancialista, sino también el concepto funcionalista en toda su dimensión e intención (tanto si es artístico como si no).

Igualmente, resulta útil añadir descripciones que consiguen describir un tipo de procedimiento o método concreto: «cocción de leña», «vapores de sal», «terra sigillata», «sacar al rojo»… y con ello queda sobrentendido un modo de hacer técnico, que aunque no sea determinante en un orden categorial individualizado, se acerca —hablando en términos gremiales— a un determinado tono (gusto o estilo) cuyo pulso toma como espejo a los más notables artífices o especialistas en dicho campo.

Por otra parte, se suele ampliar la descripción con acepciones a modo de acompañamiento. Al decir «contemporáneo(a)», se emplea el adjetivo en sentido local, es decir, se inserta en el sentido que le proporciona el argot del ámbito artístico; con ello, se sobrentiende que lleva implícita la pretensión artística, también como de «nueva creación», o, creativo; distinguiéndose, o mejor dicho distanciándose del modo «tradicional» (el del pretérito, y el hecho según tal modelo aunque pertenezca al presente físico).

A modo de inciso, debemos aclarar que nuestra pretensión, desde el prisma de enfoque que hemos elegido para este artículo, es tratar los conceptos implicados desde la visión objetiva, por lo tanto, dejamos intencionadamente aquellos conceptos de orden subjetivo que buscarían su reivindicación bajo el concepto Arte, algo que siempre es preferible afrontar de un modo concreto, individual, y, por consiguiente, no de forma tan general como es el caso que nos ocupa. Sin embargo, hay que decir que todos los ejemplos que tenemos en mente son, sin duda, aquellos que por su calidad serían justamente merecedores de tal rango; y si no pondremos el énfasis en calificarles de tales, es por ser ése un enfoque que entraría dentro del campo de la subjetividad.

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