Archivo del tema ‘Anteriores portadas’

Dreams of Clay

Por • 27 de septiembre, 2008 • Tema: Anteriores portadas, Destacados, Exposiciones

“Havets Stjärna” (“Mar de la Estrella”), made by Helena Andersson
Installation: ceramic, earthenware and glaze; 2008
From exhibition “Dreams of Clay”, Sjöbo Konsthall julio-agosto 2008

Exposición: “Dreams of Clay”; Helena Andersson, Ulrika Henström, Pernilla Norrman.

En el catálogo de la exposición “Dreams of Clay” la especialista en cerámica Susanne Berglund dedica una reseña sobre la obra de las tres autoras (Helena Andersson, Ulrika Henström, Pernilla Norrman). Con este texto subraya la inspiración de la tradición cerámica que sugiere la expresión personal de sus respectivas lingüisticas en el manejo de la arcilla como base de su forma, cual germen desarrollado desde el enfoque del pensamiento actual, y un talante discursivo absolutamente contemporáneo.

Del texto original, en sueco, extraemos –mediante una traducción libre al castellano– las ideas fundamentales que Susanne Berglund plantea. Con el deseo de que dicho texto, en compañía de las imágenes, sea una herramienta útil para una aproximación a la obra de las tres autoras.

DREAMS OF CLAY

por Susanne Berglund (traducción del sueco con la asistencia de Google Translations Tools)

Mostrar una exposición de Arte, dedicada a la cerámica, en Sjöbo Konsthall, atrajo la expectación del público el pasado verano con la muestra (Alfarería Elfstrands) dedicada a la cerámica utilitaria.

En el Museo de artes decorativas de Sjöbo los visitantes solicitaron la oportunidad de ver, de entre las artes suecas, un número más significativo de exposiciones de cerámica. Por lo tanto, se consideró que sería interesante y aún más emocionante ofrecerles la oportunidad de contemplar cerámica contemporánea en Sjtöbo –una región con fuerte tradición cerámica.

Como punto de partida y antes de volver este verano a ofrecer exposiciones sobre “Cerámica Elfstrands” y su historia, decidimos invitar a tres ceramistas relacionados con Axel y Albert Elfstrands Cerámica para que mostraran su arte. Obras que con un punto en común con el pasado incluyesen la evolución de la artesanía, recibiendo inspiración de: la loza, las técnicas de cocción, los colores del folklore a través de los esmaltes y engobes, el estilo tradicional naivistiska y las formas orgánicas y expresivas de este lenguaje.

Helena Andersson juega con las variaciones de temperatura. En su trabajo se aprecia la transparencia del esmalte, la limpieza de color, veladuras de una profundidad que remite a la acuarela. En la limpieza del esmalte cristalino las tonalidades y los temas establecen una tensión entre la sofisticación del brillo de un esmalte que tapiza la superficie, la austeridad de la arcilla al descubierto, las huellas dactilares y las marcas de las herramientas.

Más imágenes de la instalación (4 fotos, en Flickr “Art Ceramic”)

Existen varias dimensiones de su universo táctil y el paisaje de lo áspero, el tapiz (capa de esmalte), entre lo rugoso y resbaladizo, los surcos y las grietas de sus superficies.

La forma expresiva en el lenguaje de Helena Andersson transciende desde lo intemporal en un arte puro donde se plasman los sentimientos.

En Ulrika Henström el arte no es el naturalismo que se afirma en la realidad, sino una alusión que en la ambigüedad nos muestra fragmentos de algo más extenso.

\"Ulrika Henströms\"

Más imágenes de la instalación (8 fotos, en Flickr “Art Ceramic”)

Los colores se extraen de la riqueza de matices contenidos en la arcilla y hablan de lo efímero de la vida mediante una translación a los personajes y objetos.

Sugiere soledad y melancolía, ternura y la voz de la amistad. En conjunto, las obras se recrean en el sueño, de un modo que convence al observador más profundo.

Pernilla Norman extrae de la tierra su propia arcilla para trasladar el sonido del barro a la cerámica conservando su esencia en el centro de la obra terminada; a través de la sencillez, de las variantes de color obtenido, por medio de los materiales y su desarrollo con el fuego.

Time on earth, 2008; obra de Pernilla Norrman

Más imagenes de la instalación (4 fotos, en Flickr “Art Ceramic”).

El cofre de su discurso guarda una reflexión meditativa sobre la fragilidad y lo corruptible de la vida humana. Pero también evoca la fuerza de la naturaleza desde la categoría o esencia
de los elementos. Paredes delgadas y circulares, espirales en las que repite la poesía sobre el renacer, lo que surgirá de las cenizas de nuevo.

Sueños de arcilla (Dreams of Clay), historias en cerámica, reúne una poética
de tres artistas contemporáneas que narran tres historias maravillosas con la asistencia del barro y el fuego.

Las obras conservan (recuerdan) las raíces de los alfareros Hertha Hillfon y Anders Liljefors. Donde el expresionismo, los conocimientos del material y un hacer artesano son fundamentales. Reunidos en torno a esta exposición contemplamos la naturaleza como fuente de fortaleza e inspiración.

Enlaces relacionados:



Resultados del anagama workshop en León

Por • 18 de septiembre, 2008 • Tema: Anteriores portadas, Cursos, Destacados, Técnica

En San Cibrián de Ardón (León, España)

A través de Flickr (Sarmiento’ Anagama), se pueden ver las imágenes sobre el
1º International Exchange “anagama-noborigama workshop” junio 2008, celebrado en León.

También, por gentileza de la Revista Cerámica, enlazamos con un artículo que relata la mencionada experiencia en la pluma de Esteban Cosano, uno de los particiantes del evento:
LA SEMANA DEL FUEGO por Esteban Cosano



Nordic Network Ceramic Studio Exchange

Por • 9 de agosto, 2008 • Tema: Anteriores portadas, Artículos, Conferencias, Exposiciones

Nääs Art and Crafts

El Centro de Arte y Artesanía de Nääs en Suecia, opera como una organización de artistas cuyo propósito es promocionar arte y artesanía de alta calidad. La organización, de la que hemos hablado en anteriores entradas publicadas, instalada en una preciosa finca, dispone de galería y tienda. En la tienda están representados alrededor de treinta artistas de diferentes disciplinas y procedentes de diversas demarcaciones de Suecia. En la galería, se presentan continuamente exposiciones individuales, de artistas suecos y de diversas partes de Europa u otras partes del mundo. Trabajos de formato de menor o mayor escala dentro de una gran variedad de expresiones personales y artísticas, que, a través de “Nääs Art and Crafts”, se ofrecen al gran público. Estas exposiciones, así como los seminarios paralelos que se celebran, en torno al tema del arte y de la artesanía de nuestro tiempo, sirven para acercar al público el arte y proporcionar los medios y conocimientos necesarios para su valoración. Para el desarrollo de estos interesantes proyectos la organización a menudo cuenta con la cooperación de otras entidades culturales colaboradoras.

En esta ocasión, el programa actual que estos días tiene lugar (tras el inicio de haberse reunido durante unas jornadas de trabajo; ver “Programa de Intercambio en Suecia”) y que se extenderá hasta el próximo mes de septiembre, ha contado con la colaboración del departamento de cerámica de la Escuela de Arte de la Universidad de Gotemburgo (College of Applied Arts and Crafts), catedrático Profesor Morten Loebner Espersen, y los profesores Lector Annett Floren y Renata Francescon. Un proyecto realizado con la ayuda de económica de IASPIS (Artists Studio Program in Sweden y Dansk/Svensk Samarbetsfond), como intercambio entre Dinamarca y Suecia.

El evento actual: Nordic Network Ceramic Exchange Program Woodfiring at Nääs
agosto – septiembre de 2008
Exposiciones / Cocción anagama / Presentaciones y Demostraciones a cargo de los artistas invitados.

Nääs Craft
abierto todos los días del 11-18 (agosto)
Viernes a domingo 11-16 (septiembre)

Exposición actual: del 9 agosto al 7 septiembre/2008
Inauguración 9 de Agosto a las 12h.

NORDIC NETWORK CERAMIC STUDIO EXCHANGE PROGRAM /DENMARK
GALLERY:
Gregory H. Miller, Janice Hunter, Janne Hieck y Joan Kistensen

Sala 1- José Antonio Sarmiento

Sala 2- Cerámica japonesa, desde Mashiko exponen su obra:
Takehiro Ito, Minoru Suzuki, Hajime Tamura y Chiaki Shoji

Listado Participantes cocción anagama:
3-8 septiembre

Gregory Miller – Dinamarca/USA
Janne Hieck – Dinamarca/Alemania
Janice Hunter – Dinamarca/Inglaterra
Joan Kristensen – Dinamarca
José Antonio Sarmiento – Suecia/España
Takehiro Ito – Japón
Minoru Suzuki – Japón
Hajime Tamura – Japón
Chiaki Shoji – Japón
Helena Andersson – Suecia
Ann-Louise Gustavsson – Suecia
Eva Zethraeus – Suecia

Estudiantes del departamento de cerámica del College of Applied Arts and Crafts, Universidad de Gotemburgo.

Demostraciones y conferencias artistas invitados: 6 – 7 septiembre
Apertura del horno: 11 septiembre

Programa – Archivo PDF

Comisariado y organización:
Eva Zethraeus, Helena Andersson, Ann-Louise Gustavsson – Suecia

Esperando más información sobre el transcurso de las jornadas, hasta entonces nuestros mejores deseos para el evento y ¡feliz inauguración de las tres exposiciones!.

Post Escriptum:
Enlaces relacionados, Visita a las exposiciones



In memoriam: Raushenberg

Por • 30 de mayo, 2008 • Tema: Anteriores portadas, Artistas

A los 82 años Robert Rauschenberg fallecía hace unos días a causa de un infarto; la triste noticia se difundía en los medios interesados en el arte de nuestro tiempo. Para quienes admiramos su obra se había convertido en una interesante referencia. La libertad con que se enfrentó a su trabajo y la aguda ironía salpicada de una dosis de lirismo resume su discurso en «todo puede ser posible».

¿Quién dijo que un artista no puede mezclar técnicas, estilos y disciplinas?, Rauschenberg rompió con todos los prejuicios. Combinó acciones del expresionismo abstracto con el lenguaje figurativo de la fotografía, y los gestos o imaginería que alimentaría el pop americano (lo que tal vez ha influido que se le etiquetase en ese estilo, algo de lo que personalmente disiento); empleó métodos y técnicas dispares: pintura, fotografía, grabado, litografía, collage, cerámica, ready made, música, escenografía… (medios diversos: métodos artesanales así como industriales, para prestarles la misma atención, situarlos dentro de un mismo canon). El resultado de su trabajo y creatividad se apoyó en las transferencias de todos estos medios para crear una imagen de nuestro tiempo. Su principal preocupación proclamó y reafirmó la necesidad de no separar el arte de la vida, integrarlo en lo cotidiano.

\"Monoframa, Robert Rauchenberg\"

Robert Rauschenberg, Monograma (1955). Estocolmo, Museo de Arte Moderno

De su extensa obra (combine painting), Monograma (1955-1959) es una de las piezas que personalmente más me han impresionado (sobre una pintura –dispuesta en horizontal, sobre el suelo– colocó un macho cabrio de angora al que le insertó a modo de flotador un neumático de coche). Recuerdo que en alguna ocasión, cuando el artista comentaba esta pintura-objeto, recordaba que al principio colocó el animal disecado sobre el cuadro y no funcionaba, decía que no era más que un macho cabrío sobre una pintura hasta que colocó el neumático y todo quedó integrado. Rauschenberg pensó que esta pieza le había dado especialmente suerte –atribuyendo una función fetiche- porque a partir de ella su trabajo comenzó a ser reconocido y se terminaron los serios problemas económicos que hasta entonces había padecido, cuando su arte no se entendía. Seguramente por eso nunca se olvidó de los duros comienzos, y creó una fundación para financiar artistas noveles de talento (entre otras cosas, las ventas de sus tazas y platos de café, en las que impresionó diversas vistas de ciudades –New York, París, Estocolmo etc.– sirvieron a este práctico y altruista fin).

Parece que fue ayer (1999) cuando el Guggengeim de Bilbao dedicó al artista americano una retrospectiva de las más completas que hasta ese momento se le había hecho. En la sala 104 (The Fish) pudimos contemplar el desarrollo de tan prolífica creatividad, por la que se le califica de uno de los creadores más influyentes del siglo XX. La muestra recogió parte de una obra que paulatinamente fue ampliando, The 1/4 Mile or 2 Furlong Piece (¼ de Milla ó 2 Estadios), en la que Rauschemberg trabajó durante años: una obra que en cierto modo resume su creatividad. Por medio de transferencias se sirvió de la artesanía pero también de la industria, interpretó el bagaje de la cultura artística desde el pasado al presente, para crear con su personal manera de interpretar el arte heredado y combinarlo con otras formas de mirar en su afán de reflejar el momento vital. Entre aquel collage de pintura, litografías, materiales de deshecho, objetos de la vida cotidiana, reunidos en una secuencia ininterrumpida a lo largo de la gran sala expresó una personalísima afirmación: un relato sobre su tiempo y su entorno.

RAUSCHENBERG EN SHIGARAKI

No fue extraño que Rauschenberg se sintiese atraído también por la materia cerámica, al valorar la versatilidad y las propiedades ilimitadas del medio (forma y color, pintura, escultura y fotografía). Aunque para ser exactos fue la industria cerámica de Japón, concretamente la tenacidad y persuasión del Sr. Okada (Otsuka Ohmi Ceramics Co.), quien previamente realizó varias visitas a los Estados Unidos, para plantear el plan de trabajo e informar al artista de las posibilidades que a su disposición ponía la mencionada factoría de Shigaraki.

\"Raushenberg, dirt-shrine\"

Rauschenberg,Dirt Shrine-West, 1982

De la serie Japanese clay works (250 x 470 cm.); técnica mixta: escalera de bambú, cerámica de alta temperatura y fotografía decalls (calcamonías cocidas bajo el esmalte)

Esta fábrica había conseguido realizar grandes paneles cerámicos (que hubiesen parecido impensables en años anteriores), con el fin de utilizarlos con propósitos arquitectónicos, y que en aquel tiempo -los años ochenta- no tenían precedentes (2cm x 60 x 300cm y 90 x 250cm, en cualquier color y a los que también podían transferir imágenes fotográficas). Los artistas Taro Okamoto (1911-1966), Hisao Domoto (1928) y Kojin Kudo habían producido en dicha fábrica su obra, y (en 1981) Jun Kaneko había realizado las placas de 300 cm. que expuso en el Museo de Arte Contemporáneo de Houston, así como en una galería de Nagoya (Japón). Después de la mencionada experiencia –según el Sr. Okada– Otshuka Ohmi Ceramics decidió invitar a otros artistas, para realizar su obra en la fábrica. Pensaron en el trabajo de Robert Rauschenber, pues sus combine-objects se interesaban siempre por el empleo de diversos materiales, y los medios técnicos que podían proporcionarle seguramente le interesarían al artista.

El resultado fueron los grandes paneles ensamblados a los que Rauschemberg trasladó su imaginación, combinó con otros objetos e incorporó diversas imágenes tomadas con su propia cámara por los rincones mas inverosímiles de Japón, fotografiando detalles cotidianos o rincones que a cualquiera seguramente le hubiesen pasado desapercibidos. Posteriormente, en una segunda visita a Japón, R.R. realizaría su última serie cerámica de grandes dimensiones, la tituló “Japanese Recreational Clay Works”: utilizó el mismo sistema de imágenes transferidas a la arcilla, aunque en este caso fueron obras maestras de la historia del arte (La Mona Lisa de Leonardo, La Madonna y el niño de Rafael, la Venus de Botticheli, la Maja de Goya…), imágenes que combinó con una libre gráfica de su impronta. Estas obras cerámicas, realizadas en alta temperatura, a las que se aplicaron calcamonias de imágenes fotográficas bajo la capa de esmalte, darían paso a la experiencia Rauschenber Overseas Culture Interchange (R.O.C.I), en las que el artista aprovecharía los viajes por diversos países para alimentarse (inspirarse) con su cultura, aprovechando lo que encontraba a su paso, en una reflexión artística, vital y enriquecedora.

\"Rauschenberg_lamaja\"

Robert Rauschemberg, de la serie Japanese Recreational Clay Works

Enlaces relacionados:
The New York Times
Retrospectiva en el Guggenheim Bilbao (PDF)
Rauschenber slideshow



I curso “anagama noborigama”: International Exchange

Por • 27 de abril, 2008 • Tema: Anagama-Noborigama, Anteriores portadas, Cursos, José Antonio Sarmiento, Recomendados

English Version Bellow

ANAGAMA INTERNATIONAL EXCHANGE
Curso de cocción de leña: demostraciones, cocción, y práctica con los asistentes

San Cibrián de Ardón – León, 16 al 24 de Junio 2008

Comisario del evento y director de la hornada: José Antonio Sarmiento
Artistas invitados: Helena Andersson (Suecia) / Dale Huffman (Estados Unidos)
Colaboradores: Hanne Niess (Dinamarca) / Josep Lluis Sancho (Cataluña)
Coordinación: Alfar Galería Azul

!!Ven y haz tu propia obra con nosotros en un horno de estilo japonés!! Ah, y a un precio increíble por ser el primer año. No te lo puedes perder.

Curso dirigido a ceramistas profesionales o amateurs, artistas plásticos y demás interesados en profundizar en el conocimiento y manejo del “anagama-noborigama”. Se estudiará la realización de formas y esmaltes, la carga del horno y la cocción en alta temperatura con leña. Los asistentes recibirán atención personalizada atendiendo a cualquier nivel de conocimiento.

\"demostracción cocción\"

demostración de la cocción en el anagama-noborigama

\"Dale Huffman junto a su obra\" \"Demostración de Helena Andersson\"

Dale Huffman / Helena Andersson

José Antonio Sarmiento (España), pintor y ceramista con una amplia experiencia en hornos de estilo oriental y cocción con leña.

Artistas invitados:

  • Helena Andersson (Suecia), escultora y ceramista especializada en cocción de leña, colaboradora en las actividades de Näas.
  • Dale Huffman (Estados Unidos), profesor asociado en Carlow College –presidente del departamento de arte desde 1998, cargo que compagina con el de miembro de la Facultad de Pittsburgh en el Centro para las Escuelas de Arte–, y ceramista especializado en cocción de leña.

Programa 16 al 24 de junio 2008:

Día 16 lunes desde las 9h. y a lo largo del todo el día

Entrega de la documentación. Demostración, explicación sobre el horno, y realización de piezas. Los participantes van llegando y comienza la realización de piezas en el taller. Si se prefiere los participantes pueden traer piezas bizcochadas –realizadas en un gres para cocer a 1300º C. (con un límite de 6 piezas bizcochadas por participante -ó 6Kg. de pasta cruda; más instrucciones al formalizar la inscripción).

Día 17 martes
Carga de las piezas en el horno y encendido (el modo de cargar el horno también se afronta como parte del proceso creativo).

Días 18 miércoles, 19 jueves y 20 viernes
Continúa la cocción día y noche
La hornada estará a cargo del director, y en cada turno siempre habrá un maestro para dirigir a cada equipo. Los participantes podrán ir y venir o participar si lo desean junto a los diversos turnos de relevo al que sean asignados.

Día 21 sábado
Enfriado del horno
Día libre (descanso). Visita al MUSAC (museo de arte contemporáneo)

Día 22 domingo y 23 lunes
El horno sigue enfriando
Descanso, charla con imágenes y demostraciones a cargo de los artistas invitados.

Día 24 martes
Descarga del horno
Limpieza pulido y valoración de las obras
Mesa redonda con los artistas, entrega de los certificados de asistencia. Ceramic party.
Vuelta a casa con tus piezas.

Precios
Participante Workshop: 340 € (materiales y seguro incluído). Descuento para estudiantes o anteriores participantes a nuestros cursos -10% (310 €).
Visitante : 25 € ver cocción viernes día 20 y asistir martes día 24 al ceramic party .

Acomodación y comidas
Solicitar la lista disponible de alojamientos (hotel, pensión y camping) en la zona.
En los pueblos cercanos también hay restaurantes típicos, ubicados en antiguas bodegas excavadas en la tierra (Cembranos, Valdevimbre, Ardón), casas de comidas con plato del día a precios populares, y tienda de comestibles (en Cembranos y Valdevimbre).

Si se prefieren los bocadillos… los embutidos de Cembranos (El Pórtico), la panadería y el vino de Valdevimbre son recomendables.

(Nota: los horarios pueden estar sujetos a ajustes en función del desarrollo del trabajo)

    Información esencial

    Abierto plazo de inscripción (desde 28 abril). PLAZAS LIMITADAS.

  • Fechas de celebración: 16-24 de junio 2008
  • Lugar: España, San Cibrián de Ardón – LEÓN (15 km. Al sur de la ciudad de León,
    a 2 km. de Cembranos)
  • Idiomas: castellano, catalán, English, Svenska, Rigsdansk
    Consultas por email ó tel. (+34) 676 47 45 48

ACCEDER AL FORMULARIO DE INSCRIPCIÓN

Más información sobre los artistas y su obra (orden alfabético):

\"demostración de José Antonio Sarmiento\"

Demostración de José Antonio Sarmiento

¿Cómo encontrarnos?


Ver mapa más grande


ANAGAMA INTERNATIONAL EXCHANGE
Woodfiring workshop: demonstration, firing and participants working

Curator and woodfiring director: José Antonio Sarmiento (Spain)
Guest Artist: Helena Andersson (Sweden) / Dale Huffman (USA)

Collaborators: Hanne Niess (DK) / Josep Lluís Sancho (Catalonia)
Coordination: Alfar Galería Azul

COME AND CREATE YOUR OWN PIECES WITH US IN A JAPANESE STYLE KILN!

Ah, and at an incredibly affordable price as a first time offer! Don’t miss it!

The course is aimed at professional potters, artists, and people who simply enjoy pottery, and will give you a deeper understanding of working with an “anagama-noborigama” kiln. We will be looking at the entire process, from shaping your piece, to glazing, to loading the kiln, and wood-firing at high temperatures. Participants will receive personalised attention, tailored to their level of experience.

Programme:

Monday 16th from 9h.
Arrive participants, presentation, demonstration and discussion about kiln. Participants made pots or can bring bisque fired pots suitable clay for stoneware (1300º C.) 6 pieces or 6Kg. raw clay (more instructions with inscription).

Tuesday 17th
Kiln stacking and Start firing

Wednesday 18th, Thursday 19th , Friday 20th
Firing day and night

Firing will be headed by the director, and on each shift there will always be a master to lead each team. Participants may come and go or if they wish to participate in the various shifts relay to which they are assigned.

Saturday 21th
Kiln cooling
Free day (relax). Contemporary museum MUSAC guided tour

Sunday 22th and Monday 23th
Kiln cooling
Rest, slide show and discussion, guest artist demostrations.

Tuesday 24th
Unpack, clean pots, valuing the works
Panel discussion with artists, delivery of certificates and ceramic party
Back home with your pieces.

Prices
Workshop participant: 340 € (material and insurance include).
Discount for students 10% (310 €).
Visitor: 25 €, only see firing day 20th and open kiln day 24th, discussion board and ceramic party.

Acomodation and lunches:
A list of (hotel, B&B, camping) in the area is available.

Information

Dates 16-24 June 2008
tel. (+34) 676 47 45 48
PLACES LIMITED

Spain, San Cibrián de Ardón – LEÓN (see map above)
Languages: Spanish, Catalán, English, Svenska, Rigsdansk.

INSCRIPTION FORM

Post escriptum, otros enlaces relacionados:
RESULTADOS DEL WORKSHOP



Presentación de J.A. Sarmiento a cargo de Abraham Rubio

Por • 8 de abril, 2008 • Tema: Anteriores portadas, Artículos, Artistas, Destacados, Exposiciones, José Antonio Sarmiento

(El día de la inauguración en la galería Cuatro Diecisiete, por Abraham Rubio)

Presentar a José Antonio Sarmiento en la Galería Cuatro Diecisiete es todo un honor. Primero, porque poder hablar de un artista íntegro es todo un privilegio y segundo porque es un lujo que el catálogo para la exposición haya sido escrito por uno de los grandes historiadores del arte español, Javier Hernando, al que admiro desde hace mucho tiempo y al que he citado en mis escritos en más de una ocasión.

El espacio de la Galería Cuatro Diecisiete se ha adaptado como anillo al dedo al saber hacer de José Antonio Sarmiento y el conjunto expresa bien su labor en el campo de las cerámica y el reflejo de sus técnicas de cocción, de tal manera que encontramos unas maravillosas esculturas-plato cocidas en el anagama, donde el fuego y la ceniza han pintado mano a mano con el artista expresivos y sugerentes matices del color de la naturaleza. Toda la fuerza de los emaltes blancos y negros impregnan el gran conjunto de las piezas llamadas “reversibles”, cocidas en las cámaras del noborigama a 1300 ºC, y que son un gran descubrimiento y un feliz hallazgo escultórico, donde el espectador dice su última palabra, ya que puede disponerlas por una u otra cara, según su estado de ánimo. Por último, aunque aquí las vemos nada más entrar, ha aprovechado el calor de la última cámara del noborigama, para cocer un conjunto de piezas de color rojo, con translúcidos engobes blancos, que nos sugieren sencillez y economía expresiva de medios, pero al mismo tiempo una compleja red conceptual.

reversible_ desayuno en la hierba

DESAYUNO EN LA HIERBA, 2008 gres y esmalte

Estamos convencidos de que el artista de la cerámica José Antonio Sarmiento ha llegado a la madurez como creador, y que si partiendo de la alfarería, del torno, del modelado, había sabido convertir obras utilitarias en piezas artísticas por sí mismas, ahora con estas esculturas “reversibles” ha dado un paso más, y ha llegado al núcleo del arte conceptual, logrando un equilibrio entre la naturaleza que le rodea y sus más íntimos sentimientos, a veces llenos de poética, como en la obra “Bajo la glicina”.

En 1999, durante el IV Congreso de la Asociación de Ceramología conocí por primera vez la obra de José Antonio Sarmiento de la mano de su hermana María Jesús, que pronunció una reveladora conferencia sobre las cerámicas de influencia japonesa que salían de su horno de leña de dos cámaras construido en San Cibrián de Ardón (un año después construiría en el mismo lugar un anagama-noborigama). Ahora, para todos los que hacen cerámica o escriben sobre esta materia, este pequeño pueblo leonés es muy conocido, al menos de oídas o a través de fotos y textos. En aquel Congreso de Vitoria yo presentaba una ponencia sobre los ceramistas Zuloaga, de quienes estaba preparando una tesis en la Universidad Complutense y a quienes consideraba unos de los protagonistas del cambio que se producía a finales del siglo XIX y principios del siglo XX en la cerámica española, como era el cambio de artesano a artista. José Antonio y María Jesús estaban en otra onda, en la de la cerámica totalmente actual, mientras yo estudiaba lo que había pasado hacía cien años. Creo que nunca llegué a hablar con ellos sobre mis experiencias con la cerámica contemporánea, pero siempre me había interesado ese campo y también su relación con el arte de vanguardia. De hecho, parte de mi aprendizaje cultural se produjo en Cuenca en los años en que su museo de Arte Abstracto daba mucho que hablar, de 1975 a 1978, y a mi llegada a Madrid en 1980 entré en un taller de cerámica y trabajé en el mío propio desde 1982 a 1985, y como no, también me sentí muy atraído por la cerámica oriental, en especial la japonesa.

Cuando vi lo que era capaz de hacer José Antonio Sarmiento con la arcilla me dejó totalmente cautivado, y pensé lo que hubiera dado por haber estado en un taller como el suyo en aquellos lejanos años de principios de los ochenta. Presentí que él llegaría muy lejos, sobre todo si conseguía encontrar un equilibrio entre todo ese aprendizaje e influencia japonesa, tamizarla por la cultura occidental e insuflarle ese espíritu creativo que se le adivinaba en su manera de ser.

Desde que dieron a conocer a través de su página Web tanto sus obras como las de muchos ceramistas internacionales reunidas en la Galería Azul, siempre curioseo para ver las novedades que presentan y para ver como va evolucionando la obra de José Antonio. Sin duda ha llegado a una etapa de madurez, creativa y personal, sin olvidar las raíces de la técnica y estética oriental. Por otro lado, no ha abandonado esa obra totalmente mimética con lo japonés, de tal manera que no creo que haya ningún español que se sienta tan identificado con la cultura nipona como él. Es como un nuevo Bernard Leach a la española, o casi mejor a la leonesa, si nos lo permite decir el caso también ejemplar del catalán Artigas.

Cuando hace dos años me propusieron dar una conferencia en el Museo Cerralbo de Madrid sobre la influencia de la cerámica oriental en la cerámica española, después de ir repasando las distintas etapas de la historia del arte en ese campo, cuando llegué a la fase actual y tuve que buscar un buen ejemplo, no se me ocurrió otro mejor que el de José Antonio Sarmiento. Recuerdo las expresiones de asombro del público cuando vieron imágenes de sus piezas y sobre todo de ese monumental horno anagama-noborigama. Tal vez para los ceramistas especializados o interesados en el tema, este horno se vea como más normal, pero para un público amplio no tan especializado, sino solamente interesado en el mundo de la cerámica en general, el encuentro con las técnicas de cocción japonesas es todo un descubrimiento impactante.

Después de lo mucho que ya se ha dicho sobre José Antonio, escribir algo nuevo sobre sus cerámicas es toda una responsabilidad. Entre los que se han ocupado de su arte hay que citar las muchas referencias de Antonio Vivas en sus artículos introductorios en la revista Cerámica, los imprescindibles artículos de su hermana María Jesús Sarmiento, el modélico catálogo de Kosme de Barañano, el creativo catálogo para esta exposición con cubierta hecha por la mano del artista y el texto de Javier Hernando, y sobre todo tengo que reconocer que fue en un pequeño texto de Eduardo Zotes para la exposición de Salamanca “Después del invierno”, donde de pronto encontré qué era lo que tanto me gustaba de sus cerámicas, y es ese aura que desprenden.

Desde luego, José Antonio Sarmiento domina las técnicas de modelado y torneado a la perfección, los esmaltes cerámicos y las técnicas de cocción, pero si fuera sólo eso sería un artesano más. Él hace arte con las pastas cerámicas y tiene su estilo propio, que lo distingue de los demás. Ésa es una de las cualidades a la que todo artista aspira y en él es ya una realidad.

Abraham Rubio Celada es doctor en Historia del Arte, colaborador de la Real Academia de la Historia, experto y autor de diversas publicaciones relacionadas con el arte de la cerámica contemporánea, y miembro de la Asociación de Ceramología. Actualmente reside en Madrid.

Fotos en Art Ceramics (Flickr)

Otras entradas relacionadas:



Visita guiada: Reversibles, paisajes-objeto

Por • 3 de abril, 2008 • Tema: Anteriores portadas, Exposiciones, José Antonio Sarmiento

CERÁMICAS de José Antonio Sarmiento

La exposición REVERSIBLES Paisajes-Objeto, que estos días y hasta el 14 de abril puede contemplarse en la galería Cuatro Diecisiete muestra a través de una sugerente instalación obras en las que José Antonio Sarmiento ha plasmado su reflexión en el entorno del paisaje. De este trabajo se desprende la observación de la naturaleza (el paisaje y los elementos) contemplado como metáfora de su influencia y conexión con el hombre. Y lo hace de manera diferente en el modo en que apreciamos las cosas que simplemente nos agradan, hasta conseguir sacudir todos los sentidos (percepción y mente) por la fuerza carismática que se desprende de estos objetos “verdaderos”. Sin duda esta obra nos ayuda a pensar o mejor dicho proporciona razones para hacerlo.

galería Cuatrodiecisiete: Reversibles Reversibles (detalle)

Detalle de la instalación; Galería Cuatro Diecisiete

Indeed, José Antonio Sarmiento makes some very excellent work and I wish him much success in bringing such beauty to the table and homes of many people!
(Robert Yellin; Mishima, Japan 2008)

contornos

contorno2_jaSarmiento contorno07_nº1

Justo al entrar en la galería nos encontramos (a la derecha) con una instalación en la que el color blanco marca el ritmo de la composición: Contornos (engobe blanco y grattage sobre terracotta), varias piezas de pared o de mesa más tres esculturas de mesa. En el enunciado o título de estas piezas el artista emplea un juego de palabras de doble lectura: “con-torno” (hecho con el torno) y “Contorno” (en la naturaleza), en alusión a los contornos que se aprecian por medio de la transformación en que aparece un paisaje invernal (ie. en las formas cubiertas por la nieve). Formas sutiles, difuminadas bajo el blanco, intuyen representaciones de diferentes elementos como ramas, hojas, pequeños frutos y otros objetos. Son paisajes que por medio de la humildad de la materia se abren a la imaginación del espectador proporcionándole múltiples sugerencias. Personalmente me recuerdan las sombras del jardín a través de un shōji (ventanal de papel de arroz) en una casa tradicional japonesa.

Contorno08_jaSarmiento detalle contornos-jaSarmiento

Contorno nº 11 2007; D.33,5 cm. Engobe blanco sobre terracotta / Contornos (detalle)

Continuando el recorrido de la muestra vemos que en el fondo de la sala se han colocado tres “platos-paisaje”. Unas obras realizadas en el anagama, a modo de paisajes resueltos mediante una abstracción expresionista en su contexto formal y pictórico. En el ritmo del trazo o la pintura de fuego y ceniza materializada en estas piezas se expanden diversos matices y tonalidades que van del gris al blanco azulado pasando por una gama de amarillos entre el oro y el limón –colores y texturas integradas en el gesto y movimiento de las formas. Han de contemplarse estos “paisajes” no en sentido descriptivo sino en su cualidad sensorial, y de ese modo conducen al observador hasta emociones y sugerencias insospechadas. Estos platos que ahora contemplamos han conseguido revivir en mí el color y la fuerte sensación percibida durante una fría mañana de marzo (cerca del anagama); al contemplarlos me ha recorrido por la espalda el sonido del viento, el olor de la plantación de álamos blancos, la sensación de un momento preciso, congelado, en forma de sensación de los primeros rayos de sol y de la escarcha que resbala por la corteza y los líquenes adheridos a los troncos de los olmos.

paisajes 123_jaSarmiento

Paisajes 2007 (de izq a drcha) D. 47cm. 43 cm. y 53cm; gres anagama

instalación_reversibles jaSarmiento

A lo largo de la sala una plataforma de madera pintada, con un difuminado que va del azul oscuro al claro, sirve de soporte para situar varias esculturas-bandeja a pocos centímetros del suelo. Estas obras también son Reversibles en varios aspectos: por contener en su plástica dos caras y una naturaleza escultórica que respira a través de su contenido pictórico,y, además porque poseen una doble función como escultura y mesa o bandeja. Deshielo, Nocturno, Túmicielo, Lago, Bajo la glicina, Sömn (sueño), Desayuno en la hierba… son algunos de los sugerentes títulos. Las marcas de conchas de mar integradas en la profundidad del esmalte, blanco o negro (tenmoku), introducen sombras y relieve en las superficies planas. Según el catálogo de presentación: «la regularidad de su definición formal es quebrada de inmediato por su autor para insuflar en cada una de aquellas piezas elevadas dosis de expresividad, de gesto. Para ello rompe la linealidad de los lados y en algunos casos fisura el interior de la superficie hasta producir oquedades, sumideros por los que se evacua el espacio. Además introduce “sombras” en la propia superficie; por ejemplo mediante la huella dejada por las conchas que han servido de sostén a la plancha durante el periodo de cocción. Así la tersura brillante de la superficie, recubierta por el esmalte blanco o negro se transforma en un campo plástico sutilmente alterado que al mismo tiempo testimonia el desarrollo de su proceso de elaboración.[…]» (Javier Hernando).

silueta21_jassilueta20_jas

En una de las paredes se ha colocado una secuencia de 10 piezas, Siluetas, formas recortadas en el espacio que se apoyan en los segmentos que le sirven de pie cuando funcionan como bandejas. Se detiene este diálogo en la presencia del color negro profundo (sobrio y elegante) representado con amplitud de matices. En otra de las paredes, con el título de Sömn (sueño sueco), se evoca por medio de una pieza blanca y otra negra el resumen de la lírica de todo el discurso planteado en el tema de Reversibles. Un resumen que recoge el sentido de esta exposición donde la conseguida intención artística de José Antonio Sarmiento ha sintetizado la expresión del volumen y la pintura junto a su pensamiento sobre la razón de ser de una alfarería contemporánea que utiliza para reflexionar sobre los valores de la hospitalidad. Flota en el aire la presencia y representación de lo Relativo, confluencia en la que han coincidido Oriente y Occidente –desde parámetros del arte «zen» al llamado arte «informal» europeo.

Se ofrece al espectador/usuario la oportunidad de participar de un modo activo al decidir el uso: la posición en que la pieza podrá ser contemplada, o utilizada en determinados momentos de celebración.

Túmicielo17_ jaSarmientotúmicielo17b_jas

José Antonio Sarmiento Reversible: Túmicielo 2008

37 x 27 x 5 cm. Gres, esmalte, cobalto y marcas de conchas; 350€

Fotos en Flickr:

DESHIELO / TÚMICIELO / NOCTURNO Y SILUETAS / LUGARES / CONTORNOS

Información:

Galería Cuatro Diecisiete
C/ Príncipe de Vergara 17
Madrid
tlf: 91 4353020 / 91 4348546

Enlaces relacionados:



3º Exposición en la web: Paisajes de porcelana y Pottery lenguaje

Por • 7 de marzo, 2008 • Tema: Anteriores portadas, Artistas, Destacados, Exposición en la web

Cerámicas de: Katsunori Nakashima / Eva Zethraeus

Es un placer poder presentar el trabajo de estos dos artistas que desde hoy incluimos en nuestra sección de “Artistas de la Galería” (exposición en la web). Katsunori Nakashima vive y trabaja en Japón y Eva Zethraeus en Suecia.

Katsunori Nakashima_ teabolweva zethraeus_coral

Katsunori Nakashima, Chawan / Eva Zethraeus, Coral

Katsunori Nakashima: YAKIMONO

Katsunori Nakashima (Japón, Seto 1963) realiza su obra en gas o cocción de leña indistintamente. Emplea técnicas tradicionales y propias de la cerámica japonesa (esmalte oribe, alta temperatura, el uso de las conchas de mar, formas propias de la alfarería…) Sin embargo imprime a sus piezas una impronta personal que transciende en su trabajo y que eleva estos utensilios utilitarios a obras de arte.

Nakashima se graduó en cerámica en Aichi Prefectural Seto Ceramic High School. Entre 1986-1991 impartió clases en la Escuela de Alfarería y Porcelana en Toluca (Méjico), donde también participó en una exposición colectiva. Cuando regresó a Japón continuó produciendo cerámica en el estudio de Ryoji Koie en Kitashitara-gun en la Prefectura de Aichi. En verano del año 2005 fue artista invitado en el Simposiun de Cerámica celebrado en Innsbruck (Austria). Actualmente vive y trabaja en su propio estudio, en Seto (Japón). Desde su primera exposición individual (1992) hasta el momento actual realiza 7 u 8 exposiciones cada año en galerías de Tokio, Nagoya, Osaka, entre otras ciudades de Japón.

Katsunori Nakashima_takoashi Katsunori Nakashima_sometshuke

Katsunori Nakashima: Takoashi Tshubo (vasija con pies de pulpo) / Sometshuke (tetera)

Katsunori Nakashima: Yakimono (acceso a la exposición en la web)

    Eva Zetraeus: LANDSCAPES (Paisajes)

    Eva Zethraeus vive y trabaja en Göteborg (Suecia). Su carrera artística ha ido adquiriendo un lenguaje propio desde su graduación (Master of Fine Arts in Applied Arts & Crafts) en la Universidad de Gotemburgo, y con la experiencia y participación en varios proyectos internacionales en Suecia y en el extranjero (Dinamarca, EE.UU. Japón, Korea, Méjico…).

    Una trayectoria que se desarrolla con naturalidad en el arte de la instalación, en el ámbito internacional y el medio expresivo de la cerámica. Trabaja la porcelana, y construye esculturas modeladas o realizadas en el torno, y combinando ambos medios: sugeridas por el agua y el entorno marino; formas caprichosas – de virtuosa factura–, que respiran a través de suaves y difuminadas tonalidades en una paleta de color muy sugerente, que intensifica la expresión a través del difuminado: tonos acuosos (amplia gama de verde, gris, azul…). Extensiones modeladas que acaparan las superficies (suelo o pared) extendiéndose como “organismos”. Una recreación que da cuerpo a una ilusión muy convincente, sobre el mundo que habita en las profundidades.

    Eva Zethraeus_ varg

    Eva Zethraeus; Tema con variaciones: Under Water Stream

    Eva Zethraeus: Landscapes / Paisajes de porcelana (acceso a la exposición en la web)

    Enlaces relacionados:

    Próxima Exposición:

    REVOLUTION
    Eva Castaño, Fernando Garcés, Gregory Miller, Janne Hieck



2º Exposición en la web: Helena Andersson

Por • 29 de febrero, 2008 • Tema: Anteriores portadas, Artistas, Destacados, Exposición en la web

EARTHENWARE

En anteriores entradas hemos hablado de la obra de Helena Andersson. Hoy, celebramos poder incluir a esta interesante artista en nuestra sección dedicada a los artistas de la Galería Azul, EXPOSICIÓN EN LA WEB. Mostramos su trabajo a través de esta exposición exclusiva en la red, esperando que sirva para dar un paso más en la profundización del conocimiento de su trabajo como ceramista que se interesa en el aspecto escultórico y en la alfarería de estudio indistintamente, con la misma intensidad. Helena vive y trabaja en Gotemburgo (Suecia), suele emplear para su obra earthenware (mayólica), engobes y esmaltes; realiza la cocción en horno de leña o de gas. La naturaleza se refleja en su obra como una “resonancia” en la presencia del volumen, la trasparencia del color, la tensión entre las fuerzas del carácter abstracto y personal del paisaje re-creado.

Helena andersson, nest Helena Andersson_Nest

Resonance, earthenware; Lerverk solo show (2005), Göteborg / Nest (detalle)

HelenaAndersson_ Resonance

Wall Collage, Röda sten Göteborg (Suecia);earthenware y esmalte (varias hornadas)

En palabras de la artista:

«Siento la crudeza de la oscura y fría mañana de Octubre cuando llego al pie de horno. Está lloviendo y mi cuerpo está todavía dolorido a causa del peso que he cargado. Veinte esculturas fueron colocadas en el horno el día anterior. Ahora tengo por delante 12 horas de cocción. Tengo cuidado para que la temperatura se incremente lentamente. Hay que tener cuidado con los grandes volúmenes –si la temperatura sube demasiado rápido todo se puede perder. Dentro del horno de leña la arcilla tiene una vida, la propia naturaleza de las llamas, el fuego, añade a la obra matices que no pueden ser activados de otra manera. Le doy mucha importancia al poder de la intuición en el proceso creativo. El violento esfuerzo con la arcilla también debe salir fuera. El horno está vacío unos pocos días después. Incluso pensando lo que ocurriría, involucrándome con el fuego, nada salió como lo había planeado… Fue mucho mejor.» (H. Andersson)

acceso a la exposición

Helena Andersson: Earthenware

    Después del cambio de diseño en el blog, como podéis ver, también inauguramos un nuevo formato en nuestra sección de artistas en la galería:

    Exposición en la web: Artistas en la Galería Azul

    En esta sección, continuaremos añadiendo a más artistas pero también obra reciente de los existentes. Los cambios que se vayan sucediendo se comunicarán como hasta ahora a través de un post. Para visitar cada exposición individualmente utilizamos el enlace de nuestro espacio anexo, ART CERAMICS alojado en Flickr.

    Para cualquier información adicional sobre las obras expuestas o los artistas, se ruega contactar a través del e-mail o los teléfonos de este blog. Nuestro mayor interés es cuidar la calidad, así es que esperamos que disfrutéis con todas las obras que os proponemos.

    Para recibir la información en el momento que se publique un post, os recomendamos –si aun no lo habéis hecho– realizar la suscripción en el apartado destinado a tal efecto.

    Próxima exposición en la web:

    • “Paisajes de Porcelana & Pottery lenguaje”:
      Eva Zethraeus / Katshunori Nakashima .


COLLECT, Victoria & Albert Museum – London

Por • 21 de febrero, 2008 • Tema: Anteriores portadas, Destacados, Exposiciones

COLLECT
25 – 29 de enero de 2008
Feria dedicada al arte objetual; Victoria & Albert Museum, London

V & A Museum LondonAl entrar en el Victoria and Albert Museum nos da la bienvenida el Chandelier de Dale Chihuly, un poema sinfónico de cristal soplado, explosión de luz, forma y color; obra que desde 1999 puede contemplarse suspendido de la bóveda del vestíbulo del que es uno de nuestros museos favoritos. Además de haber revolucionado el arte del cristal soplado, Dale Chihuly (Washington, 1941), es un ejemplo de entre los creadores destacados de nuestro tiempo que han conseguido que géneros tradicionalmente relacionados con las ‘artes-artesanales’ influyan en el mundo del Arte con mayúscula. Hasta dislocar las estructuras del concepto artístico, pulverizando el criterio tradicional de clasificación a partir de los materiales o géneros (las llamadas “bellas artes” y “artes aplicadas”). Personalmente pienso que el Chandelier estimula la reflexión sobre la situación y función de las diversas disciplinas en las que se desarrolla el arte actual.

Ken Mihara

Ken Mihara, Vase sekki (Galeria Yufuku)

Del mismo modo, COLLECT (feria anual, dedicada a las artes-objetuales: cerámica, cristal, madera, textil, metal y joyería), celebrada hace unas semanas en las estancias del Victoria and Albert Museum, nos ha permitido disfrutar y tomar el pulso del arte en este sentido. Se trata de una feria excelente, avalada por la organización y selección del Craft Council del Reino Unido, que ha reunido a 42 galerías especializadas en artes aplicadas (procedentes del Reino Unido, Italia, Austria, Holanda, Alemania, Suiza, Bélgica, Noruega, Dinamarca, Japón, Corea del sur, y Suecia), ofreciendo máxima calidad con el objetivo de estimular la adquisición a los compradores particulares e institucionales.

Este tipo de ferias, con un número limitado de participantes y una cuidada selección, se inserta en la última tendencia en la que los criterios artísticos se anteponen al negocio facilitando una visita sin agobios (criterio que también se ha seguido en la anterior edición de SWAB, en Barcelona). De este modo, el visitante, dispone del tiempo necesario para contemplar todos los módulos y sopesar las compras con comodidad, sin someterse a la tortura de las mega-ferias (en las que por el contrario todo se diluye, pues es agotador recorrer módulos de calidad desigual en un recorrido interminable en el que hay demasiado que ver y poco interesante para mirar).

En esta ocasión, como decimos, la visita ha sido un auténtico placer y una oportunidad para la adquisición de obras excelentes en cada una de las diversas especializaciones que se han contemplado.

devon guild craftscenter tim andrews

Devon Guild Crafts Center: Svend Bayer (izquierda) / Tim Andrews (derecha)

Centrándonos en nuestra especialización, la cerámica contemporánea, encontramos obras relevantes. Entre estas, Yufuku Gallery presentó obra de Ken Mihara; en la galería Joanna Bird Pottery: entre los históricos, Hans Coper, Lucie Rie, Benard Leach y Hamada son algunos ejemplos, y entre los artistas actuales: una fantástica pieza de gran escala de Fernando Casasempere –en la que el artista ha utilizado material reciclado de la industria–, y también piezas de anagama de Kohara Yasuhiro, entre otras.

johanna bird pottery

stand de la galería Joanna Bird Pottery

En la Galerie Hélène Porèe, celadones de Jean François Fouilhoux; Cultural Connection CC, galería especializada en obra de ceramistas daneses, obras de Hans Vangsø, Ivan Weiss, Inger Rokkjaer, entre otras. Devon Guild of Craftsmen, piezas sacadas al rojo de Tim Andrews, y estupendas cerámicas de anagama de Svend Bayer y Nic Collins; en Flow Gallery, la sencillez y belleza de las obras de Kati Tuominen tampoco nos pasaron desapercibidas. Clare Beck en Adrian Sassoon, expuso obra de Elisabeth Fritsch, y, además, la interacción entre la alfarería y el espacio arquitectónico subrayaron la evidencia de las muchas posibilidades del medio –en el stand que esta magnífica galería dedicó a piezas monumentales–; firmaron las obras realizadas por encargo para el espacio Monumental Pots 2008: Julian Stair, Felicity Aylieff, Kate Malone y Ruper Spira.

rupert spira felicity aylieff

Monumental Pots: Ruper Spira (izquierda) / Felicity Aylieff (derecha)

stand flow gallery

Flow Gallery (sobre la mesa, a la derecha, obra de Kati Tuominen

Más imágenes en Flickr (art ceramics): Collect 2008

Enlaces relacionados: