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Presentación de la ‘nueva web’ de Helena Andersson

Por • 24 de marzo, 2009 • Tema: Anteriores portadas, Destacados, Noticias, Recomendados

Helena Andersson
Ceramic Sculpture

Una página web, o página en Internet, es un documento de información y una herramienta que actualmente consideramos muy recomendable para la comunicación, por no decir que resulta imprescindible en el ámbito en que nos movemos.

Helena Andersson (1969 Linköping, Suecia), artista de Galería Azul (presente en nuestra Exposición en la Web), -ceramista de estudio, a quien nuestros lectores ya conocen- actualiza su web inaugurando una nueva página en Internet: galería de imágenes y texto (en inglés y sueco).

La primera vez que vi trabajar a Helena Andersson, en el verano de 2007, me percaté que era una artista muy interesante. Al mes siguiente de este encuentro, cuando vino a España como nuestra invitada desde Suecia, en el tiempo que pasó trabajando en el estudio de San Cibrián de Ardón (León) se reafirmó esta convicción; así pues pensamos que sería conveniente que otras personas tuviesen la oportunidad de ver como realizaba su obra. Y así fue, en junio de 2008 la artista sueca participó como artista invitada en un workshop celebrado en León durante el I Curso anagama-noborigama, en San Cibrián de Ardón: modeló -en directo- algunas esculturas ante nuestra atenta y admirada mirada.

Verdaderamente resultó muy interesante ver como Helena realizaba su trabajo; me consta, -y me incluyo porque tuve la suerte de asistir como espectadora- que todos los allí presentes quedamos encantados con tan «energética» demostración.

El trabajo de H. Andersson se estructura en dos vertientes complementarias entre sí: por un lado la obra escultórica, y por otro el trabajo de piezas artísticas de carácter utilitario. No obstante, es necesario subrayar que la artista dedica el mismo cuidado, o lo que es lo mismo concede idéntica importancia a una vertiente que a otra. En estos dos géneros realiza piezas «únicas», y todas sus obras están concebidas desde una notable sensibilidad, virtuosismo, e intención artística, como se puede comprobar a la vista de los resultados.

Piezas de gran escala

Descriptivamente y a grandes rasgos, la obra escultórica de Helena Andersson se resuelve en piezas de gran formato o en instalaciones de múltiples (es decir compuestas por varias piezas que dialogan entre sí). En el aspecto técnico, una característica de su trabajo que me parece muy interesante es la utilización de churros(o cuerdas de arcilla) y pellizcos, como método constructivo para la creación de la forma: un procedimiento que, lejos de quedar oculto, la artista potencia al dejarlo visto como elemento plástico en-sí (estas técnicas de urdido, rescatadas de la alfarería primitiva, en este caso pueden verse en algunas de sus obras emblemáticas, por ejemplo en: Spirited of the Mountain, Bergtaen). Otros de los procedimientos a destacar, son el uso de engobes y esmaltes combinados entre sí, en interacción con la tonalidad natural de la arcilla y su desarrollo cromático en la atmósfera de cocción.

El lenguaje escultórico establece una relación interesante con la gran escala, o por medio de la composición y distribución de la instalación (lo vemos en Wall Collage, Vikafjellet, The Seal, Made in Pankow, Mar de la estrella…).

Helena Andersson Vikjafjellet, 2007-2008; earthenware
Adquirida para la colección del Museo Röhsska (The Röhsska Museum, Göteborg, Sweden)

Las formas orgánicas de Helena Andersson retoman la inspiración a través de la orografía y la geología de su país (las siluetas de las islas, la costa escandinava vista desde el aire), sin embargo la intención no se detiene en una acción descriptiva, por el contrario se resuelve entendiendo a ‘la naturaleza y sus fuerzas’ como un lenguaje personal: entre la liberación de una carga de profundidad que, aunque no está exenta de aspectos poéticos, nos da la impresión que concentra toda la tensión en fuerzas donde, sobre todo, se potencian aspectos del inconsciente y los sentidos; en consecuencia, podemos situar sus esculturas en un cruce de caminos entre la inspiración que utiliza una tradición cerámica desde la libertad de las vanguardias contemporáneas: el llamado arte puro, donde el artista se sitúa en las estancias del instinto que permite aflorar la «expresión» sin ninguna otra contaminación, como una «fuerza de la naturaleza». Sobre esto último habría que profundizar mucho más y desde luego la reflexión nos llevaría a terrenos propios de la filosofía del arte, sin embargo no es nuestra intención en este momento seguir este camino…; así pues, dejándolo para otra ocasión, continuaremos con los detalles técnicos característicos de este trabajo.

Resumiendo, técnicamente la obra de H. A. se desarrolla indistintamente en horno de leña o gas (en atmósfera de reducción), emplea arcillas y esmaltes de temperatura baja o media,earthenware(loza). Es necesario decir que las calidades que la artista obtiene a través de unos procedimientos en cierto modo sencillos son, francamente, extraordinarias.

La obra de carácter utilitario:

En este caso, Andersson, adopta formas definidas en su sencillez; no solamente pensadas para un uso confortable (platos, bandejas ovaladas, tarros con tapa, tazas -todas ellas piezas únicas), también para que funcionen sin distracción como sujeto de su objetivo principal: servir de soporte a un campo cromático, en el que a través del empleo de los engobes elaborados por la artista (un trabajo interesante, con el que ha conseguido a lo largo del tiempo un «banco» de tesoros); la inteligencia, sensibilidad y el cómo se han aplicado estos engobes, potencian la luz con un sentido pictórico. En el desarrollo de este trabajo la consecuencia maneja una gama de color desde la pureza del blanco hasta una atrayente y bellisima gradación de azules, verdes y amarillos, para conformar una calidad fantástica: transparencia, limpieza, y hasta un brillo de una profundidad que como se puede comprobar recuerda a las calidades de alta temperatura (insisto, aunque emplee materiales de media o baja, y, además conservando naturalmente las brillantes escalas cromáticas de la loza). Sin duda, en este lenguaje inmerso en el color… nos conduce a la contemplación de una ‘belleza objetiva’.

Lo he comentado en otra ocasión, «sirven estos utensilios de la vida cotidiana literalmente como superficies congeladas de las diversas cualidades de la luz, hasta emular las condiciones de la naturaleza que apreciamos en sustancias como el agua y el aire»; se trata de una recreación de los fenómenos de refración que distinguimos en la naturaleza: ya sean reflejados en el mar, en la superficie de un lago, en el cielo, en la nieve, en la luz que se filtra a través de la humedad y el follaje del bosque (los colores se refrescan con el aire del norte y la luz de su tierra natal).

La nueva web

En la web actualizada de Helena Andersson que ahora presentamos se puede ver una colección de imágenes muy interesante, con intención de argumentar su trabajo sin ánimo retrospectivo, aunque el recorrido discurra a través de la última década, por cierto fructífera ya que sin exagerar podemos calificarla de magistral.

Galería I, recoge una selección de esculturas cerámicas, desde 2002 hasta 2009 en el momento de esta publicación.

Enlace a las imágenes de Galleri I

Galería II, recoge imágenes de algunas de sus instalaciones, en este momento desde 1999 a 2005

Enlace a las imágenes de Galleri II

Galería III, en este apartado se pueden ver algunos ejemplos representativos del trabajo utilitario de esta autora. Bandejas y otras piezas, que no dudamos en calificar de obras de arte por sí mismas con independencia de su cualidad funcional.

Enlace a las imágenes de Galleri III

El resto de la información contenida en la web personal se completa con otros detalles de interés, entre los que se incluye el currículum artístico y su experiencia internacional (entre estos datos podemos citar su formación con Torbjörn Kvasbö -el prestigioso artista actualmente residente en Noruega); las becas obtenidas, una selección de exposiciones, la presencia de su obra en colecciones públicas, y su participación en simposios internacionales).

Resumiendo, a nuestro entender la escultura cerámica de Helena Andersson (desde cualquiera de las dos ramas que contempla y que aquí hemos descrito) es una inversión en todos los sentidos que sin duda el contemplador agradece. Confiamos que quienes se interesen en profundizar un poco más en el conocimiento de su obra, encuentren -en la nueva web de esta autora- un instrumento estimable.

Enlaces relacionados

Más información:
mjs[arroba]alfargaleriaazul.com



Eva Zethraeus, «Fairytale landscapes» Exposición en la galería Sintra

Por • 11 de marzo, 2009 • Tema: Exposiciones

Paisajes Encantados, donde habitan las hadas

FAIRYTALE LANDSCAPES – del 7 al 31 de marzo 2009

Durante años Eva Zethraeus ha trabajado con paisajes de porcelana y recreaciones de la naturaleza en instalaciones espaciales inspiradas en sus estancias en Japón, y en particular en los jardines del budismo-zen de Kioto.

Desde entonces, ella ha estado involucrada con los acontecimientos de la naturaleza, para crear una obra nueva. La inclusión de un material diferente, la plata, le ha dado una nueva dimensión a la porcelana y un contraste a los esmaltes mates o satinados con los que trabaja. La combinación conforma un Fairytale Landscape (“Paisaje encantado”, habitado por las hadas), su exposición se puede contemplar estos días en Sintra, galería ubicada en la ciudad sueca de Gotemburgo.

Eva Zethraeus es una artista-ceramista que vive y trabaja en Gotemburgo, Suecia. Ha participado en varias exposiciones en Escandinavia y alrededor del mundo. Recientemente pueden contemplarse sus obras también en el Museo Vendsyssel, en Dinamarca, en Röhsska Museums Contemporary Craft Show en Gotemburgo (hasta 2 mayo) y Liljevalchs Konsthall Spring Art Show (hasta 29 de marzo). Su trabajo está representado en «Röhsska National Museum of Arts and Crafts» en Gotemburgo y en el Museo Nacional de Estocolmo.



Dreams of Clay

Por • 27 de septiembre, 2008 • Tema: Anteriores portadas, Destacados, Exposiciones

«Havets Stjärna» («Mar de la Estrella»), made by Helena Andersson
Installation: ceramic, earthenware and glaze; 2008
From exhibition «Dreams of Clay», Sjöbo Konsthall julio-agosto 2008

Exposición: «Dreams of Clay»; Helena Andersson, Ulrika Henström, Pernilla Norrman.

En el catálogo de la exposición «Dreams of Clay» la especialista en cerámica Susanne Berglund dedica una reseña sobre la obra de las tres autoras (Helena Andersson, Ulrika Henström, Pernilla Norrman). Con este texto subraya la inspiración de la tradición cerámica que sugiere la expresión personal de sus respectivas lingüisticas en el manejo de la arcilla como base de su forma, cual germen desarrollado desde el enfoque del pensamiento actual, y un talante discursivo absolutamente contemporáneo.

Del texto original, en sueco, extraemos –mediante una traducción libre al castellano– las ideas fundamentales que Susanne Berglund plantea. Con el deseo de que dicho texto, en compañía de las imágenes, sea una herramienta útil para una aproximación a la obra de las tres autoras.

DREAMS OF CLAY

por Susanne Berglund (traducción del sueco con la asistencia de Google Translations Tools)

Mostrar una exposición de Arte, dedicada a la cerámica, en Sjöbo Konsthall, atrajo la expectación del público el pasado verano con la muestra (Alfarería Elfstrands) dedicada a la cerámica utilitaria.

En el Museo de artes decorativas de Sjöbo los visitantes solicitaron la oportunidad de ver, de entre las artes suecas, un número más significativo de exposiciones de cerámica. Por lo tanto, se consideró que sería interesante y aún más emocionante ofrecerles la oportunidad de contemplar cerámica contemporánea en Sjtöbo –una región con fuerte tradición cerámica.

Como punto de partida y antes de volver este verano a ofrecer exposiciones sobre «Cerámica Elfstrands» y su historia, decidimos invitar a tres ceramistas relacionados con Axel y Albert Elfstrands Cerámica para que mostraran su arte. Obras que con un punto en común con el pasado incluyesen la evolución de la artesanía, recibiendo inspiración de: la loza, las técnicas de cocción, los colores del folklore a través de los esmaltes y engobes, el estilo tradicional naivistiska y las formas orgánicas y expresivas de este lenguaje.

Helena Andersson juega con las variaciones de temperatura. En su trabajo se aprecia la transparencia del esmalte, la limpieza de color, veladuras de una profundidad que remite a la acuarela. En la limpieza del esmalte cristalino las tonalidades y los temas establecen una tensión entre la sofisticación del brillo de un esmalte que tapiza la superficie, la austeridad de la arcilla al descubierto, las huellas dactilares y las marcas de las herramientas.

Más imágenes de la instalación (4 fotos, en Flickr «Art Ceramic»)

Existen varias dimensiones de su universo táctil y el paisaje de lo áspero, el tapiz (capa de esmalte), entre lo rugoso y resbaladizo, los surcos y las grietas de sus superficies.

La forma expresiva en el lenguaje de Helena Andersson transciende desde lo intemporal en un arte puro donde se plasman los sentimientos.

En Ulrika Henström el arte no es el naturalismo que se afirma en la realidad, sino una alusión que en la ambigüedad nos muestra fragmentos de algo más extenso.

\"Ulrika Henströms\"

Más imágenes de la instalación (8 fotos, en Flickr «Art Ceramic»)

Los colores se extraen de la riqueza de matices contenidos en la arcilla y hablan de lo efímero de la vida mediante una translación a los personajes y objetos.

Sugiere soledad y melancolía, ternura y la voz de la amistad. En conjunto, las obras se recrean en el sueño, de un modo que convence al observador más profundo.

Pernilla Norman extrae de la tierra su propia arcilla para trasladar el sonido del barro a la cerámica conservando su esencia en el centro de la obra terminada; a través de la sencillez, de las variantes de color obtenido, por medio de los materiales y su desarrollo con el fuego.

Time on earth, 2008; obra de Pernilla Norrman

Más imagenes de la instalación (4 fotos, en Flickr «Art Ceramic»).

El cofre de su discurso guarda una reflexión meditativa sobre la fragilidad y lo corruptible de la vida humana. Pero también evoca la fuerza de la naturaleza desde la categoría o esencia
de los elementos. Paredes delgadas y circulares, espirales en las que repite la poesía sobre el renacer, lo que surgirá de las cenizas de nuevo.

Sueños de arcilla (Dreams of Clay), historias en cerámica, reúne una poética
de tres artistas contemporáneas que narran tres historias maravillosas con la asistencia del barro y el fuego.

Las obras conservan (recuerdan) las raíces de los alfareros Hertha Hillfon y Anders Liljefors. Donde el expresionismo, los conocimientos del material y un hacer artesano son fundamentales. Reunidos en torno a esta exposición contemplamos la naturaleza como fuente de fortaleza e inspiración.

Enlaces relacionados:



I Exposición en la web: Artistas de la Galería Azul

Por • 11 de mayo, 2007 • Tema: Anteriores portadas, Artistas, Destacados, Exposición en la web

Artistas de la Galería Azul
Madola / Carme Collell / María Bofill / Jordi Marcet & Rosa Vila-Abadal / José-Antonio Sarmiento

San Cibrián de Ardón 24232 LEON (España)
C/ Real, 1
Tlf/fax: 34+ 987 30 46 93
Visitas concertadas / by appointment:
Tlf/ (34) + 676 47 45 48 / 987 68 05 76 y 987 30 46 93

Desde 1995, Galería Azul ha orientado su línea de actuación a la difusión de la cerámica de arte (alfarería y escultura). Hoy, ampliando nuestra presencia en la web iniciada en 1998, emprendemos una nueva etapa con una primera exposición exclusiva a través de la red, en la que pueden contemplarse obras de Madola, María Bofill, Carme Collell, José Antonio Sarmiento y la obra en coproducción de Jordi Marcet & Rosa Vila-Abadal. Obras que ponemos a disposición de nuestros lectores: colecciones de arte, clientes-amigos, e interesados o conocedores de la cerámica de autor.

Galería Azul · Exposición en la web - Madola

Madola, Escritos de taller

Galería Azul · Exposición en la web - María BofillGalería Azul · Exposición en la web - Carme Collell

María Bofill, Nubes de porcelana | Carme Collell, Rosa Cúbica

Galería Azul · Exposición en la web - Marcet & Vila-AbadalGalería Azul · Exposición en la web - José Antonio Sarmiento

J. Marcet & R. Vila-Abadal, Plato | J-A. Sarmiento, Noche en el desierto I

Ver: I Exposición en la web

Para más información dirigirse por e-mail; envíos internacionales.
For more information please send an e-mail; international shipping.

Galería Azul ofrece desinteresadamente un servicio de asesoramiento y colaboración para galerías de arte, instituciones, y coleccionistas.



Más sobre “El Juicio Final” de Caro

Por • 21 de abril, 2006 • Tema: Textos

A la entrada del 7 de abril, Las Terracottas de Anthony Caro, le hemos añadido el artículo publicado en EL CULTURAL (28 Junio, 2000), «Anthony Caro El Juicio Final». Una colaboración que agradecemos a Kosme de Barañano, autor de dicho texto.

El Juicio Final resume cincuenta años de trabajo, a la vez que se emparenta con los grandes relatos dramáticos, desde el propio Juicio Final de Miguel Ángel, pasando por el Guernica de Picasso o por los trípticos de Max Beckman. En palabras del propio Caro, en una conversación con Carandente, “no es posible producir arte hoy en día sin ninguna clase de referencia visual a una obra suprema como el Guernica de Picasso”. El Juicio Final de Caro desarrolla en el plano, como en sus anteriores Mesas, o en Olympia, un gran relieve que se convierte en arquitectura, un relieve horizontal que adquiere una armonía de arquitectura monástica, de contención religiosa, a pesar de la audacia de composición articulada, separada en varios sintagmas que parece que nada tienen que ver entre sí si no aparecen organizados en una frase.

Para acceder al archivo PDF que contiene el artículo volver a dicha entrada o entrar directamente en el mismo desde este enlace adjunto:

Anthony Caro El Jucio Final, Kosme de Barañano



Las Terracottas de Anthony Caro

Por • 7 de abril, 2006 • Tema: Exposiciones, Recomendados

Sir Anthony Caro (Reino Unido, Surrey 1924) es el más importante escultor británico vivo y una de las figuras clave de la historia del arte contemporáneo. Su obra, desprovista de pedestal, se inserta dentro de la abstracción; se acerca así al sujeto contemplador y le ofrece mediante una narrativa poética una fuerte conexión con los materiales que emplea. Según sus palabras, «comprender el material es un buen punto de partida para los artistas». La narrativa y poética de Caro va por consiguiente muy unida a esa estrecha relación que el artista establece con lo que se trae entre manos y de este modo él crea una figuración para el siglo XXI sin por ello abandonar su carácter abstracto. Acero pintado, plomo, papel, madera, plata, o terracotta (material que en esta exposición pretendemos abordar), le sirven al artista para desarrollar su personal lenguaje y para profundizar a través de una narrativa que se articula entre los límites internos y externos de la materia y sus cualidades.

De la serie Pot Ladies, exposición en la galería Garth Clark

Desde 1975, Caro trabaja con cerámica. Un material más de los que hasta entonces había utilizado para construir su lenguaje. Utilizará la tierra en su apariencia más austera, gres cocido con leña. Abordará con la tierra temas épicos; es el mencionado material, trabajado con naturalidad y con su aguda percepción, el que la mayor parte de las veces le inspirará el «tema». Tan complicada aventura, me refiero la de trabajar la tierra y manejar el gran fuego del modo en que lo ha hecho, llevaría toda una vida de exclusiva dedicación para enfrentarse a los problemas técnicos así pues le asisten otros artistas conocidos expertos, especializados en dicha disciplina y en la técnica que le interesa: lo hace en la Universidad de Siracusa con Jim Walsh, con Paul Chaleff (artista experto en anagama y autor de las piezas de torno de las que se ha servido Caro para construir sus Pot Ladies); y, en Grasse, al sur de Francia, con Hans Spinner (con quien Caro ha realizado entre otros trabajos sus instalaciones épicas: the Barbarians, Lastdjudgement, Tartar War), trabajando con bloques macizos de tierra chamotada.

Lastjudgement installlation (1995-1999)

La colosal instalación Lastjudgement (el Juicio Final), que por cierto ha sido comparada en importancia con el Guernica de Picasso, pudo contemplarse en la Bienal de Venecia de 1999. Sobre esta obra incluimos un artículo publicado en El Cultural, colaboración que agradecemos a su autor K. de Barañano / Anthony Caro El Jucio Final

El 27 de Marzo de 2006 llegaba a nuestro país Sir Anthony Caro para recibir del IVAM el Premio Internacional Julio González (2005), una distinción que desde el 31 de octubre de 2000 se creó por iniciativa de Kosme de Barañano —quien en ese momento tenía la responsabilidad de la dirección del centro. Distinción que el artista recibió, por su aportación al arte contemporáneo, agradecido y emocionado por lo que para él ha representado la obra de Julio González (en sus palabras, el primer escultor cubista) y en cuya tradición escultórica junto con la de Picasso se reconoce.



Anthony Caro, “The Barbarians”

Por • 7 de abril, 2006 • Tema: Exposiciones

El grupo escultórico The Barbarians (1999-2002), seis jinetes guerreros de casi dos metros de altura con un viejo carro tirado por un buey y guiado por una figura femenina (¿símbolo del tiempo perdido?), obra del genial escultor británico Sir Anthony Caro (Surrey 1924), podrá contemplarse hasta el 23 de abril de 2006 en el IVAM.

Sir Anthony Caro con uno de sus bárbaros en el IVAM (Valencia)

Tierra cocida (gres de gran fuego), madera, cuero y acero han sido los materiales empleados para la mencionada obra. Ensamblaje realizado con materiales considerados no tradicionales en la escultura que el artista «rescata» (potros de gimnasio encontrados en un almacén de King`s Cross), «amasa» (cuerpos de tierra, cocida con leña en el horno de Hans Spinner), «ensambla y viste» (con elementos industriales: acero y cuero) y «piensa» (homenaje al poeta Constantino Kavafis, nacido en Alejandría y piedra angular de la poesía griega del siglo XX).

Bárbaros, porque hoy en el siglo XXI, en la periferia de la llamada civilización, armados con látigos y porras, Golom, Kharjaar, Jiloo, Saardag, Sulde y Dooro junto a Kharsag que conduce el antiguo carro mongol, dan metafóricamente una bofetada al entramado corrupto de esta supuesta «civilización».

Del catálogo de la exposición celebrada en el 2002 en galería Mitchell-Innes and Nash extraemos las palabras del artista:

Through the ages, civilizations have often been subject to unexpected assaults from warrior tribes. This happened when the Tartars overran Asia and the Huns and Goths plundered Rome. My Barbarians allude to this history.

Anthony Caro

(«A través de los tiempos, a menudo las civilizaciones han sido atacadas inesperadamente por tribus guerreras. Esto ocurrió cuando los tártaros invadieron Asia y los unos y los godos asaltaron Roma. Mis bárbaros son una alusión a esta historia»)

The Barbarians en la galería londinense Anely Juda Fine Art (expuesto en 2003)