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Presentamos la nueva web dedicada a José Antonio Sarmiento

Por • 31 de enero, 2008 • Tema: Artistas, José Antonio Sarmiento

Captura de joseantonio-sarmiento.comDesde mediados de esta semana está disponible –después de una primera fase de pruebas y ajustes– la nueva web dedicada en exclusiva a la obra y la trayectoria artística de José Antonio Sarmiento. A partir de ahora, se podrá acceder también desde este sitio web, al conjunto de la información sobre José Antonio que hemos ido publicando desde aquí los últimos años. Inauguramos de este modo, un portfolio que contiene en este momento una galería fotográfica formada por cuatro álbunes dedicados a la series “Reversibles” y “Paisajes y Esferas”, junto a otros dos álbunes que incluyen piezas realizadas en el anagama-noborigama de San Cibrián de Ardón: una selección de platos ‘escultóricos’ y la serie «Álamo Blanco» realizada en Marzo de 2007.

Estos contenidos visuales se complementan con textos críticos firmados por Kosme de Barañano o Javier Hernando. A lo largo de los próximos meses iremos introduciendo más contenidos para enriquecer el sitio, circunstancia de la que daremos cuenta aquí convenientemente. Así mismo, la versión inglesa de esta web irá recogiendo más información para acercarla de una manera más adecuada a los visitantes internacionales.



Exposición en Børglum Kloster

Por • 15 de julio, 2007 • Tema: Exposiciones, José Antonio Sarmiento, Recomendados

Exposición en Børglum Kloster (Detalle)Keramik
del 24 de julio al 26 de agosto 2007
Børglum Klostervej 255
Dinamarca DK-9760 Vrå

Con la participación de los siguientes artistas invitados: Poul Jensen (Noruega), Helena Andersson (Suecia), Gregory Miller (Estados Unidos /Dinamarca), José Antonio Sarmiento (España), Dale Huffman (Estados Unidos), Markus Rusch (Alemania), Anne-Mette Hjortshøj (Dinamarca), Ann-Charlotte Ohlsson (Suecia/Dinamarca), Janne Hieck (Alemania/Dinamarca), Nic Collin (Reino Unido); mas los miembros asociados a Børglum Keramik (Børglum Babes): Janice Hunter, Dorte Visby, Anna K. Johannsdottir, Dorthe Hansen, Catherine Collart y Else Rasmussen.

Exposición en Børglum Kloster

Obras de José Antonio Sarmiento
Love love love…all you need is love
acrílico y fuego sobre tela, cerámica anagama y plantas silvestres

Exposición en Børglum Kloster

Obras de Helena Andersson
cocción de leña, engobe y esmalte de plomo

El lugar

Se encuentra en el Norte de Dinamarca, en el recinto que desde 1983 se ha dedicado a galería de exposiciones temporales: situado en un anexo contiguo a las construcciones principales de Børglum Kloster (en otro tiempo abadía y monasterio -fundado en el s. XII-, señorío de propiedad privada desde 1622). El entorno ofrece un pintoresco paisaje donde la vista se pierde en el horizonte: 437 hectáreas de tierras de cultivo, campos de trigo, verdes praderas en la que pastan los caballos, y plantaciones de sauces para el autoabastecimiento de la producción energética del lugar. Edificaciones (antiguo monasterio y residencia episcopal) y finca (terrenos de cultivo) restauradas por los actuales propietarios -situado fuera de las edificaciones, en los campos frente a la entrada y al otro lado de la carretera, el visitante también puede ver un antiguo molino de viento (restaurado en 2003). Especialmente durante estos largos días de verano son muy numerosos los visitantes que se acercan al lugar.

La exposición

En este marco brevemente descrito se ha celebrado la inauguración de la muestra ‘Keramik’ que puede contemplarse hasta finales de agosto. El espacio expositivo tiene el carácter de un antiguo granero, con altos techos de vigas de madera. Las obras se han dispuesto agrupadas por autores, con lo que se ha facilitado su lectura al tener en cuenta que el espectador se encontrará con temáticas bastante diversas como reflejo de la personalidad de cada artista.

La ceramista Janice Hunter, coordinadora del evento, junto a sus compañeras de asociación (conocidas artistas locales), han estado organizando durante los últimos años una exposición anual en este lugar. El pasado 24 de junio fueron las anfitrionas de los nueve artistas invitados (procedentes de Dinamarca, Suecia, Estados Unidos, Alemania y España).

La ceremonia de inauguración este año coincidió con los días de la fiesta de la hoguera de s. Juan. Comenzó con un recital de violín y guitarra, seguido de un lunch ofrecido al numeoso público asistente y ceremonia del té -oficiada por la maestra Chisato Hosoi, en cuencos únicos (chawan) realizados en anagama durante el Simposium de cocción de leña (Nordic Woodfire Marathon, Hirtshals). El té verde batido, sin duda, potencia y da un mayor sentido al interior de los cuencos pero sobre todo predispone al participante a disfrutar de una atmosfera de tranquilidad (propicia para la contemplación y la apreciación del arte). En Japón se suele servir como un honor y cortesía hacia los invitados (en este caso estos han sido los artistas extranjeros).

Exposición en Børglum Kloster - Nic Collins

Nic Collins

Exposición en Børglum KlosterExposición en Børglum Kloster

Markus Rusch | Gregory Miller

Exposición en Børglum KlosterExposición en Børglum Kloster

Poul Jensen | Catherine Collart

Exposición en Børglum KlosterExposición en Børglum Kloster

Ann-Charlotte Ohlsson | Dorte Visby

Exposición en Børglum KlosterExposición en Børglum Kloster

Dorthe Hansen | Dale Huffman

Exposición en Børglum KlosterExposición en Børglum Kloster

Janne Hieck | Anne-Mette Hjortshøj

Exposición en Børglum KlosterExposición en Børglum Kloster

Anna K. Johannsdottir | Else Rasmussen

Exposición en Børglum KlosterExposición en Børglum Kloster

Helena Andersson | Janice Hunter

Exposición en Børglum Kloster

José Antonio Sarmiento

Exposición en Børglum Kloster - General - I

Algunos de los artistas participantes con la maestra del té

Exposición en Børglum Kloster - General - II

El día de la inauguración

Enlaces relaccionados:



La pluralidad de lenguajes en la cerámica actual

Por • 4 de diciembre, 2006 • Tema: Artículos

Algunas reflexiones al hilo de la exposición:
LA CERÁMICA ESPAÑOLA Y SU INTEGRACIÓN EN EL ARTE
Museo Nacional de Cerámica González Martí (Valencia, España)
por María Jesús Sarmiento

El desafío del arte actual consiste en comprender y definir el arte contemporáneo en general; a veces no resulta demasiado fácil de valorar, sobre todo, cuando hemos de hacerlo en el mismo momento en que se produce. En consecuencia, la filosofía y la crítica del arte, después de contemplar y tener en cuenta todo lo acontecido en el arte del último siglo necesitará otras formas de ver y analizar. Formas que permitan contemplar de un modo más plural y sin prejuicios (ni en los géneros, ni en los temas, ni en los medios empleados) para ver con claridad aquello que quizá no vemos, o mejor dicho resulta más complicado de ver en una primera lectura.

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Estibado del anagama de José Antonio Sarmiento

Por • 23 de junio, 2006 • Tema: Anagama-Noborigama, José Antonio Sarmiento, Técnica

Cuando un artista trabaja en su obra utiliza todos los recursos que están a su alcance, en sus manos, en su memoria y en su experiencia; busca incansablemente perseguir la obra que imagina, por la que vive, para producir y dar vida a su expresión. La intención –ese dirigirse hacia un objetivo– tiene una parte agente, en la que se eligen los caminos a seguir y otra paciente, que se determina por lo que cambia fuera de nosotros, la vida, la materia, es decir, todo aquello con lo que el artista interactúa.

Es asunto de suma importancia, en la carga del anagama, el modo en que José Antonio Sarmiento elige colocar las piezas (su lugar dentro del horno, los espacios libres dejados entre ellas). Esta acción se incluye dentro del proceso creativo de un modo inseparable a la elección de la forma de las obras, y afecta al movimiento del fuego en la cámara del horno, grabando, imprimiendo este elemento, generando su fuegografía. Así pues, teniendo en cuenta el hecho de que una nueva hornada nunca es igual a las que le han precedido, el artista estudia con sumo cuidado en cada ocasión lo que busca que ocurra dentro del horno. De este modo también José Antonio Sarmiento dirige el ritmo y el camino de las llamas que se abren paso a través de la obra, equilibrando el juego de la variabilidad de los elementos con su carácter.

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Hikidashi / Once años de seminarios en San Cibrián

Por • 18 de junio, 2006 • Tema: Cursos, José Antonio Sarmiento

Desde 1995/1996, inicialmente a raíz de la petición de algunos ceramistas, Alfar Galería Azul dedica una semana al año a la celebración de un seminario en San Cibrián de Ardón, en el que José Antonio Sarmiento comparte sus métodos de trabajo con horno de gas (en baja y alta temperatura).

El modo de organizar el grupo de trabajo atiende, sobre todo, a la oportunidad de mostrar cómo se gesta la obra de Sarmiento y ofrecer asistencia personalizada a los asistentes al curso para que realicen algunas piezas, lo que es posible mediante la limitación del número de participantes. De este modo también se contempla el hecho de compatibilizar los diferentes grados de experiencia o preparación de los participantes (ceramistas profesionales o estudiantes, entusiastas de la cerámica y artistas plásticos interesados por el medio).

Sacar la pieza del horno aun caliente (al rojo) es un sistema que José Antonio Sarmiento viene utilizando en su obra desde 1980, es decir desde que comenzó haciendo murales cerámicos empleando este procedimiento. El adoptar este método para estos seminarios no tiene otro fin más que hacer el proceso más ágil, teniendo en cuenta el apretado programa de trabajo (demostración y práctica). Se ha elegido la acción de extraer la cerámica al rojo porque permite tener la obra terminada, en tus manos, el mismo día de su cocción; ya que los resultados buscados por este artista también se podrían conseguir empleando métodos específicos dentro del horno y sin tener que recurrir necesariamente a extraer la pieza en caliente. Inclusive los tratamientos con humo, que podrían hacerse introduciendo la obra con materia orgánica dentro de sagares o gacetas (cajas cerámicas cerradas).

Cuando hace veinticinco años José Antonio Sarmiento comenzó a extraer la cerámica del horno al rojo, se interesó por un lenguaje comprometido con la experimentación y el azar que mayoritariamente el ámbito de la cerámica contemporánea occidental reconoce bajo el término «rakú». Un término que, en Occidente, sobre todo desde los años setenta, a raíz de las experiencias del ceramista americano Paul Soldner se emplea como denominación de un proceso técnico, para un modo de hacer cerámica de baja temperatura que precisamente se popularizó con éxito entre los ceramistas y entre los amantes de la cerámica artística moderna –partiendo del interés que despertó, durante las décadas de los cuarenta y sesenta en los círculos artísticos el relato de Bernard Leach recogido en su famoso libro acerca de un modo de hacer cerámica que el maestro tuvo la oportunidad de conocer en Japón (la cerámica Raku íntimamente relacionada con la ceremonia del té). Un planteamiento que como hemos dicho en diversas ocasiones, cristalizó bajo una atmósfera de experimentación y libertad en el modo de hacer, bajo el carisma de Soldner como principal artífice de la difusión del término «rakú» en sentido de técnica. A pesar del desacuerdo manifestado en sucesivas ocasiones por parte de los propios ceramistas Raku, únicos herederos de este sello. Segun quedó de manifiesto en la conferencia celebrada en Kioto el año 1979, en que debatieron sobre este tema de un lado Paul Soldner y Rick Hirsch, y del otro Kakunyu Raku XIV (1918-1980) y su hijo Raku XV (1949) -hoy el actual Kichizaemon desde 1981.

Es preciso decir que durante veinte años, hasta 1999, por la mencionada información que nos había llegado a través de las revistas especializadas y libros publicados, nosotros hemos también utilizado en España el término «rakú» en sentido de técnica. Escrito con minúscula y tilde para distinguirlo del genuino Raku japonés, o también añadiéndole el calificativo de «occidental» para denominar estos métodos de trabajo de baja temperatura que han tomado a la genuina cerámica Raku de punto de partida para afrontar la creación artística; y que por otra parte ha desembocado en un trabajo con planteamientos muy diferentes, lo que no quiere decir que necesariamente tengan que ser enfrentados.

Sin embargo el tiempo pasa, y en lo que a nosotros concierne, con los conocimientos que ahora tenemos, nos hemos replanteado esta postura. Japón es muy importante para el mundo de la cerámica global, allí también están abiertos al resto del mundo, y es de suponer que del lado Occidental también hemos de tenerlo en cuenta. Raku para un conocedor japonés significa un sello; una dinastía de ceramistas distinguidos con este sello, del que es actual heredero Kichizaemon Raku (XV generación de ceramistas Raku).

José Antonio Sarmiento
Hikidashi (alta temperatura), esmalte y marcas de conchas

José Antonio Sarmiento
Hikidashi (baja temperatura), esmalte turquesa y humo

Cuando en 1999, José Antonio Sarmiento y yo, viajamos a Japón invitados por Ryoji Koie pudimos visitar el Museo Raku en Kioto. En Japón también conocimos el término HIKIDASHI que los japoneses utilizan para describir la acción de sacar al rojo una pieza del horno. Ryoji Koie y Shiro Tsujimura son algunos de los más prestigiosos maestros actuales con los que allí pudimos compartir esta experiencia.

Recorrido fotográfico por diez años de seminarios en San Cibrián

Seminario hikidashi (alta temperatura) 2005

Seminario hikidashi (alta temperatura) 2004;
participantes modelando sus piezas

Seminario hikidashi (alta temperatura) 2003

Curso hikidashi (baja temperatura) 2003

Seminario hikidashi (alta temperatura) 2002

Seminario hikidashi (baja temperatura) 2002

Marta de Pablos (España), artista en residencia; San Cibrián 2001

Eva Bartolomé, participante en acción; San Cibrián 2000

Stephan Peschard (Japón), estudiante en residencia; San Cibrián 2000

Algunos de los articipantes, 2000

Demostración hikidashi-guro (alta temperatura) 2000

Esteban Cosano, participante en acción; 2000

Seminario hikidashi (baja temperatura) 2000

Curso rakú occidental, esmalte y cobre fugitivo 1999

Curso rakú occidental, terra sigillata, reserva de engobe 1999

Curso verano 98 rakú occidental, cobre fugitivo
y esmaltes

Demostración reserva de engobe 1998

Demostración horno de leña; cobre fugitivo sobre pastas blancas 1998

Seminario rakú occidental; reserva de engobe, terra sigillata 1998

Seminario rakú occidental, cobre fugitivo 1998 (2º grupo)

Seminario sal y soda 1997

Demostración sal y soda 1997

Seminario rakú 1997

Seminario Iniciación rakú demostración cobre fugitivo 1996

A continuación:

Listado de los participantes en los seminarios con José Antonio Sarmiento, San Cibrián 1996-2005.

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Inscripción: Seminario “Sacar al rojo / Hikidashi” en baja y alta temperatura

Por • 9 de junio, 2006 • Tema: Cursos

Hasta el 9 de Julio abierto el plazo de inscripción para el Seminario “SACAR AL ROJO / HIKIDASHI” que, de la mano de José Antonio Sarmiento, tendrá lugar del 7 al 11 de agosto 2006; dos cursos en el trascurso de los cinco días, impartidos en la tranquilidad de su taller-estudio (en San cibrián de Ardón, León).

Obra de José Antonio Sarmiento: Hikidashi baja y alta temperatura

Plazas limitadas. Para inscribirse, enviar preferentemente antes del 30 de Junio los siguientes datos: Nombre, domicilio, localidad, país y teléfono de contacto, a Alfar Galería Azul, por e-mail (mjs [simboloarroba] alfargaleriaazul.com) o correo postal, por teléfono: (+34) 987 30 46 93/ móvil: (+34) 676 47 45 48).

Una vez confirmada la inscripción por parte de Galería Azul, el pago de 450€ (importe del seminario, incluidos materiales y cocciones) se efectuará por ingreso bancario o giro postal; se deberá enviar el justificante de pago junto con el boletín de inscripción (entre el 10 y 15 de Julio).

No enviar dinero antes de recibir el boletín de inscripción.

Si por alguna circunstancia de fuerza mayor Galería Azul se viese oligada a la cancelación del curso devolvería el importe integro de la inscripción.

Además de la técnica hay en las obras de arte un aura que se puede sentir y que no puede explicarse con palabras; precisamente esa vibración es lo que distingue y hace diferente el trabajo artístico del que es meramente artesano. Es la vida o la fuerza de la obra que puede captar la percepción sensible. Para potenciar tal percepción el ambiente propicio puede resultar muy revelador. Ver trabajar, cómo se mueve el artista, y compartir su entorno es, sin duda, muy importante para poder captar la esencia de la expresión personal materializada a través de la herramienta del proceso.

Programa publicado anteriormente: Hikidashi: Seminario del 7 al 11 de Agosto 2006.

Antes de iniciar cada proceso de trabajo con los asitentes a los dos cursos José Antonio Sarmiento realizará demostraciones de cómo hace su trabajo y compartirá las fórmulas de los esmaltes que él mismo se prepara.

A continuación: Información de cómo llegar a San Cibrián y alojamientos en la zona:

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Tierra-Signos-Escultores por Kosme de Barañano

Por • 12 de mayo, 2006 • Tema: Artistas, Conferencias, José Antonio Sarmiento, Recomendados

Extracto de la conferencia TIERRA – SIGNOS – ESCULTORES

(Se trata de unos apuntes comentados a lo largo de 40 imágenes y de un film de 7 minutos, por el catedrático Kosme de Barañano, en el aula del edificio Altabix de la Universidad Miguel Hernández de Elche, el 5 de mayo del 2006. Curso organizado por el Instituto de Cultura Gil-Albert de Alicante.)

El impulso a marcar algo en un soporte, ha sido siempre asociado con el deseo de decir algo sobre el mundo. Estos pensamientos (statements gráficos) han sido intuitivos y frecuentemente expresados en forma simbólica, pero son fundamentalmente pensamientos acerca de la forma de estar en el mundo del hombre y de su habilidad para comprender y hacer mejor un contexto vital.

Voy a referirme en esta charla a tres artistas muy diferentes, que utilizan la tierra y la forma de dejar su impronta, sus signos, de maneras muy particulares y muy distanciadas entre ellas.

Hablaré aqui y ahora de tres escultores

en barro
en tierra cocida
en cerámica

con tres formas de imprimir, de experimentar, en este material
sus diferentes signos, su diferente pensamiento visual:
es decir, de TIERRA- ESCULTORES y SIGNOS.

1.

CHARLES SIMONDS, 1945 New York
TERRITORIOS POÉTICOS

La obra de Simonds comienza a finales de los sesenta con los dwellings, urbanismo de corte bonsái realizado con tierra sin cocer, es decir, derretible en cualquier momento. Construye escenografías urbanas de paisajes aborígenes, de pueblos extraños, lejanos a la civilización neoyorquina, y los coloca a lo largo de agujeros, ruinas, esquinas de la ciudad como una cigüeña que va poniendo sus nidos no en lo alto de los campanarios de los museos sino en los rincones mas insospechados de los barrios. Sus características frente al pop y al minimalismo son la inmediatez, la pequeñez, la fragilidad, el anonimato y el incógnito.

Busca los lugares del abismo en la ciudad, no construye formas puras sino las más frágiles y con el material más liviano: el barro.

Charles Simods, Performance en la playa

2.

EDUARDO CHILLIDA, 1924 – 2002 San Sebastián
CHILLIDA: SISTEMA Y SIGNOS

Chillida sigue un sistema de signos que se apoya al menos en tres registros: en un equilibrio asimétrico, en un movimiento virtual, y en el ritmo de sus secuencias.

Estos signos de Chillida en la tierra cocida, en la chamota, UNA TIERRA QUE PESA, tienen una caligrafía que respira, que de nuevo nos devuelve al sentido de la piel. La caligrafía de Chillida, incluso en sus momentos orientalizantes, busca más la vibración, su temblor o su respiración (la dinamización del espacio) que la concentración del trazo del expresionismo americano.

Eduardo Chillida, Lurra, Oxido 42

En las tierras llamadas lurras por el artista, se detectan también diferentes procesos técnicos (tierras dibujadas con cortes de cuchillas o pincel, tierras cocidas en hornos de leña que adquieren así el color específico de los metales que contienen, o tierras cocidas en hornos eléctricos, es decir, con saturación de oxígeno, y por lo tanto más asépticas, más blanquecinas, etc.). En las lurras la espacialidad viene pues trabajada en dos frentes, en un doble lenguaje: el de la perforación -la talla del cuchillo que las abre y excava- y el de lo impreso con el óxido de cobre que marca el espacio negro.

Eduardo Chillida

En la obra La casa del poeta transciende Chillida lo escultórico para buscar la arqui-tectura, el texto original del concepto espacio.

3.
JOSE ANTONIO SARMIENTO, 1956 León
LA MATERIA CONSAGRADA AL FUEGO

Para Sarmiento esculpir no es imponerse a la materia es manejarla, es actuarla con las manos, vuelta a una artesanía original, vuelta a la significación de la materia y al dominio del fuego.

La materia arcilla no es el principal medio de la composición de los trabajos en cerámica: son las manos y la mente del artista moldeando la arcilla y manejando el fuego como un director de orquesta maneja una partitura (la arcilla) y a los músicos que la hacen viva (el fuego).

José Antonio Sarmiento, Nebulosidad

Desde 1989 en el taller y hornos de San Cibrián de Ardón, León, Sarmiento trabaja incansable en la aventura de la cocción con leña en alta temperatura. Trabaja fundamentalmente lo que llamamos gres (del francés grès, arenisca) una cerámica cocida a muy altas temperaturas y repito siempre con horno de leña.

José Antonio Sarmiento y su anagama-noborigama

Los hornos hablan en el sonido de la leña, en el sonido del fuego y en el sonido del roce de la llama sobre los objetos. Este lenguaje del fuego construido y encerrado en el noborigama es uno de los virtuosismos de la técnica de Sarmiento.

Kosme de Barañano



Génesis de la obra de José Antonio Sarmiento

Por • 28 de abril, 2006 • Tema: José Antonio Sarmiento, Técnica

1. Elegir la tierra: color, plasticidad, resistencia. Polvo y agua, remangarse los pantalones y la camisa.

2. Mezclar y amasar: dolor de espalda, sudor, trabajo. Las máquinas entran en acción, en ese momento no es posible oír a Mozart. Mezclar la chamota igual que el cocinero pone sal en el guiso. El gran espaguetti de Leonardo estaba pensado para saciar el hambre de todo un ejército.

Polvo y agua / mezclar y amasar

3. Dar forma: modelar la frescura de la arcilla, el tacto, el olor. El gesto es la huella y el trazo en el lodo, el de la pincelada de óxido de hierro. El tallado es el surco en el campo, el movimiento de las lombrices de tierra. Son los colores los de la tierra de los campos abrasados. El color de la primavera y la ceniza son los verdes y amarillos. El blanco es el del caolín, el de las nieves del invierno, el de la escarcha sobre la hierba de primavera, el de la flor del ciruelo, el de la luna llena. El negro es del humo y las sombras de la noche, el del hierro, el del carbón, el de la pena. El azul es el de los cielos, el de las aguas, el azul y rojo de los atardeceres.

Domingo al sol

Dar forma

4. La energía del fuego: la acción en el horno, la llama devoradora de madera, dominar el viento, sujetar el tornado de fuego; sentir el día, la noche, el amanecer y el día de nuevo, la lluvia y el sol, el frío y el calor en la cara.

La energía del fuego (atizando el noborigama)

5. Soportar con paciencia la espera: tapiar y dejar enfriar el horno, elegir, encontrar respuestas, plantearse nuevas preguntas, insistir una y otra vez, el tema adquiere otro significado más allá del objeto. Comenzar de nuevo.

No se habla aquí de objetos decorativos, no de frivolidades.

Disfrutemos pues de esos momentos privilegiados que hacen posible encontrarnos con el lenguaje de la obra de arte. Escuchémosla a ella hablar con toda su fuerza porque nos mantiene alerta, ofreciendo armas para enfrentarse a esta aventura que es la vida del homo faber con toda su complejidad. Sirve para ayudarnos en la búsqueda de respuestas, sirve para abrir los ojos y ver más allá de nuestras narices.

Canción de tierra, gres anagama D. 80cm.

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Hikidashi: Seminario del 7 al 11 de Agosto 2006

Por • 24 de marzo, 2006 • Tema: Cursos, José Antonio Sarmiento

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Hikidashi es el término japonés que describe la acción de sacar al rojo, incandescente, la pieza del horno.

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José Antonio Sarmiento / Hikidashi de baja y alta temperatura

Desde 1980, el artista plástico José Antonio Sarmiento (León, 1956) se expresa desde el medio cerámico a tiempo completo. Siempre desde la visión artística, de su experiencia como pintor, escultor cerámico y alfarero de estudio, ha conseguido que toda la expresión de su arte, pueda contemplarse en la palma de la mano a través de una taza “sacada al rojo”.

Organizado por Galería Azul, solamente una vez al año y durante una semana, José Antonio Sarmiento abre su estudio para compartir e impartir sus conocimientos, su experiencia, modo de moverse y sentir la cerámica. Hikidashi (sacar al rojo) es un método directo que se implica con el fuego de baja y alta temperatura: le permite explicar con claridad y fluidez –durante los cinco intensos días de demostración y trabajo con los participantes– conceptos que son fruto de años de experiencia sumados al sentido de percepción.

El lugar: su estudio-alfar, en San Cibrián de Ardón a 15 Kms. al sur de la ciudad de León (España); una atmósfera propicia para la creación, en la tranquilidad del campo.

PROGRAMA

Teoría y demostración: pastas, esmaltes de baja, reservas, terra sigillata, humo, reducción postcocción, esmaltes de alta y marcas de conchas.

Práctica: Después de ver las demostraciones, cada participante podrá hacer su propia pieza y terminar las que se le entregarán bizcochadas.

Horario intensivo desde las 10h AM hasta última hora de la tarde o lo que precisen las hornadas.

Precio: 450 € (incluye materiales y cocciones) / Plazas limitadas.

Más información sobre Hikidashi



Keshiki (paisajes)

Por • 17 de marzo, 2006 • Tema: Anagama-Noborigama, José Antonio Sarmiento, Técnica

El término japonés keshiki se refiere a los “paisajes” formados en la cerámica cocida en el horno anagama: los efectos conseguidos por la experiencia y el conocimiento del ceramista junto con los fenómenos naturales ocurridos dentro del mismo horno, cuando en éste se ha alcanzado y mantenido durante un tiempo considerable, desde al menos cuatro días, altisima temperatura (fuego blanco).

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José Antonio Sarmiento / «Paradoja» D.47cm.

Estos matices y marcas de fuego narran la historia de lo ocurrido: la acumulación de ceniza, la temperatura y la atmósfera o el viento, el lugar y la posición que las piezas han ocupado dentro del anagama.

Acercamos la mirada a algunos de estos paisajes. Entiéndase que hay muchos más y que a su vez cada uno de ellos puede derivarse en una variedad sin límite. De igual modo, las denominaciones o nombre propio que los distingue una veces no son más que símiles lógicos en alusión inspirada por el recuerdo de cosas encontradas en la naturaleza, otras simplemente son una sencilla descripción de lo ocurrido, de los materiales manejados y de los fenómenos acontecidos por las condiciones.

Las fotos, pertenecen a detalles de la obra de José Antonio Sarmiento (España – León, 1956), horneada en anagama durante siete días y en un rango aproximado de entre 1300 y 1350 grados ºC, dependiendo del lugar o situación que la pieza ocupó en el anagama.

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