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Presentación de la ‘nueva web’ de Helena Andersson

Por • 24 de marzo, 2009 • Tema: Anteriores portadas, Destacados, Noticias, Recomendados

Helena Andersson
Ceramic Sculpture

Una página web, o página en Internet, es un documento de información y una herramienta que actualmente consideramos muy recomendable para la comunicación, por no decir que resulta imprescindible en el ámbito en que nos movemos.

Helena Andersson (1969 Linköping, Suecia), artista de Galería Azul (presente en nuestra Exposición en la Web), -ceramista de estudio, a quien nuestros lectores ya conocen- actualiza su web inaugurando una nueva página en Internet: galería de imágenes y texto (en inglés y sueco).

La primera vez que vi trabajar a Helena Andersson, en el verano de 2007, me percaté que era una artista muy interesante. Al mes siguiente de este encuentro, cuando vino a España como nuestra invitada desde Suecia, en el tiempo que pasó trabajando en el estudio de San Cibrián de Ardón (León) se reafirmó esta convicción; así pues pensamos que sería conveniente que otras personas tuviesen la oportunidad de ver como realizaba su obra. Y así fue, en junio de 2008 la artista sueca participó como artista invitada en un workshop celebrado en León durante el I Curso anagama-noborigama, en San Cibrián de Ardón: modeló -en directo- algunas esculturas ante nuestra atenta y admirada mirada.

Verdaderamente resultó muy interesante ver como Helena realizaba su trabajo; me consta, -y me incluyo porque tuve la suerte de asistir como espectadora- que todos los allí presentes quedamos encantados con tan «energética» demostración.

El trabajo de H. Andersson se estructura en dos vertientes complementarias entre sí: por un lado la obra escultórica, y por otro el trabajo de piezas artísticas de carácter utilitario. No obstante, es necesario subrayar que la artista dedica el mismo cuidado, o lo que es lo mismo concede idéntica importancia a una vertiente que a otra. En estos dos géneros realiza piezas «únicas», y todas sus obras están concebidas desde una notable sensibilidad, virtuosismo, e intención artística, como se puede comprobar a la vista de los resultados.

Piezas de gran escala

Descriptivamente y a grandes rasgos, la obra escultórica de Helena Andersson se resuelve en piezas de gran formato o en instalaciones de múltiples (es decir compuestas por varias piezas que dialogan entre sí). En el aspecto técnico, una característica de su trabajo que me parece muy interesante es la utilización de churros(o cuerdas de arcilla) y pellizcos, como método constructivo para la creación de la forma: un procedimiento que, lejos de quedar oculto, la artista potencia al dejarlo visto como elemento plástico en-sí (estas técnicas de urdido, rescatadas de la alfarería primitiva, en este caso pueden verse en algunas de sus obras emblemáticas, por ejemplo en: Spirited of the Mountain, Bergtaen). Otros de los procedimientos a destacar, son el uso de engobes y esmaltes combinados entre sí, en interacción con la tonalidad natural de la arcilla y su desarrollo cromático en la atmósfera de cocción.

El lenguaje escultórico establece una relación interesante con la gran escala, o por medio de la composición y distribución de la instalación (lo vemos en Wall Collage, Vikafjellet, The Seal, Made in Pankow, Mar de la estrella…).

Helena Andersson Vikjafjellet, 2007-2008; earthenware
Adquirida para la colección del Museo Röhsska (The Röhsska Museum, Göteborg, Sweden)

Las formas orgánicas de Helena Andersson retoman la inspiración a través de la orografía y la geología de su país (las siluetas de las islas, la costa escandinava vista desde el aire), sin embargo la intención no se detiene en una acción descriptiva, por el contrario se resuelve entendiendo a ‘la naturaleza y sus fuerzas’ como un lenguaje personal: entre la liberación de una carga de profundidad que, aunque no está exenta de aspectos poéticos, nos da la impresión que concentra toda la tensión en fuerzas donde, sobre todo, se potencian aspectos del inconsciente y los sentidos; en consecuencia, podemos situar sus esculturas en un cruce de caminos entre la inspiración que utiliza una tradición cerámica desde la libertad de las vanguardias contemporáneas: el llamado arte puro, donde el artista se sitúa en las estancias del instinto que permite aflorar la «expresión» sin ninguna otra contaminación, como una «fuerza de la naturaleza». Sobre esto último habría que profundizar mucho más y desde luego la reflexión nos llevaría a terrenos propios de la filosofía del arte, sin embargo no es nuestra intención en este momento seguir este camino…; así pues, dejándolo para otra ocasión, continuaremos con los detalles técnicos característicos de este trabajo.

Resumiendo, técnicamente la obra de H. A. se desarrolla indistintamente en horno de leña o gas (en atmósfera de reducción), emplea arcillas y esmaltes de temperatura baja o media,earthenware(loza). Es necesario decir que las calidades que la artista obtiene a través de unos procedimientos en cierto modo sencillos son, francamente, extraordinarias.

La obra de carácter utilitario:

En este caso, Andersson, adopta formas definidas en su sencillez; no solamente pensadas para un uso confortable (platos, bandejas ovaladas, tarros con tapa, tazas -todas ellas piezas únicas), también para que funcionen sin distracción como sujeto de su objetivo principal: servir de soporte a un campo cromático, en el que a través del empleo de los engobes elaborados por la artista (un trabajo interesante, con el que ha conseguido a lo largo del tiempo un «banco» de tesoros); la inteligencia, sensibilidad y el cómo se han aplicado estos engobes, potencian la luz con un sentido pictórico. En el desarrollo de este trabajo la consecuencia maneja una gama de color desde la pureza del blanco hasta una atrayente y bellisima gradación de azules, verdes y amarillos, para conformar una calidad fantástica: transparencia, limpieza, y hasta un brillo de una profundidad que como se puede comprobar recuerda a las calidades de alta temperatura (insisto, aunque emplee materiales de media o baja, y, además conservando naturalmente las brillantes escalas cromáticas de la loza). Sin duda, en este lenguaje inmerso en el color… nos conduce a la contemplación de una ‘belleza objetiva’.

Lo he comentado en otra ocasión, «sirven estos utensilios de la vida cotidiana literalmente como superficies congeladas de las diversas cualidades de la luz, hasta emular las condiciones de la naturaleza que apreciamos en sustancias como el agua y el aire»; se trata de una recreación de los fenómenos de refración que distinguimos en la naturaleza: ya sean reflejados en el mar, en la superficie de un lago, en el cielo, en la nieve, en la luz que se filtra a través de la humedad y el follaje del bosque (los colores se refrescan con el aire del norte y la luz de su tierra natal).

La nueva web

En la web actualizada de Helena Andersson que ahora presentamos se puede ver una colección de imágenes muy interesante, con intención de argumentar su trabajo sin ánimo retrospectivo, aunque el recorrido discurra a través de la última década, por cierto fructífera ya que sin exagerar podemos calificarla de magistral.

Galería I, recoge una selección de esculturas cerámicas, desde 2002 hasta 2009 en el momento de esta publicación.

Enlace a las imágenes de Galleri I

Galería II, recoge imágenes de algunas de sus instalaciones, en este momento desde 1999 a 2005

Enlace a las imágenes de Galleri II

Galería III, en este apartado se pueden ver algunos ejemplos representativos del trabajo utilitario de esta autora. Bandejas y otras piezas, que no dudamos en calificar de obras de arte por sí mismas con independencia de su cualidad funcional.

Enlace a las imágenes de Galleri III

El resto de la información contenida en la web personal se completa con otros detalles de interés, entre los que se incluye el currículum artístico y su experiencia internacional (entre estos datos podemos citar su formación con Torbjörn Kvasbö -el prestigioso artista actualmente residente en Noruega); las becas obtenidas, una selección de exposiciones, la presencia de su obra en colecciones públicas, y su participación en simposios internacionales).

Resumiendo, a nuestro entender la escultura cerámica de Helena Andersson (desde cualquiera de las dos ramas que contempla y que aquí hemos descrito) es una inversión en todos los sentidos que sin duda el contemplador agradece. Confiamos que quienes se interesen en profundizar un poco más en el conocimiento de su obra, encuentren -en la nueva web de esta autora- un instrumento estimable.

Enlaces relacionados

Más información:
mjs[arroba]alfargaleriaazul.com



‘Silencios’ de Vilma Villaverde: escultura cerámica en el Museo de Arte López Claro

Por • 17 de marzo, 2009 • Tema: Exposiciones, Noticias recibidas

Coincidiendo con el día internacional en homenaje a la mujer, el museo argentino recoge esta muestra temporal de Vilma Villaverde bajo el enunciado ‘Silencios’ en el que nos muestra una crónica para la actualidad a través de la inspiración de imágenes del pasado. La muestra que se puede contemplar hasta el 25 de marzo de 2009.

Desde una inquietud escultórica, la cerámica es la materia de un lenguaje en el que a través de una concepción que se puede calificar de surrealismo (realismo honírico) busca recomponer la figura y la situación de la mujer desde una perspectiva sociológica que -en su crítica- Fermín Fevretro sitúa como crónica de «los aspectos más insólitos de la condición humana».

Actualmente Vilma Villaverde ejerce como profesora de escultura cerámica en la Universidad de Bellas Artes de Oberá en Misiones, así como en su propio estudio. Se graduó, en 1961, por el Instituto de artes plásticas de ‘Prilidiano Pueyrredon’; estudió con Mireya Baglietto, Ramón Castejón y Leo Tavella.

A continuación incluimos un extracto de la mencionada presentación, de la mano de Omar A. Duclos, intendente del Museo de Arte López Claro en la ciudad de Azul.

(…) En 2002, la comunidad artística de Azul se vio gratamente sorprendida cuando una mujer de una humildad notable puso ante nuestra mirada una obra plástica única: por sus dimensiones, por sus conceptos, por su trascendencia.

Sus numerosos reconocimientos nacionales e internacionales posicionan la cerámica argentina en el contexto artístico mundial. De la misma manera que Vilma Villaverde resulta cercana a nuestros afectos, nos sorprende saber que también lo es en países tan lejanos como Alemania, Japón, Taiwán al punto de ser la impulsora y creadora del Museo de la Cerámica de Argentina y Latinoamérica en Fuping, provincia de Xian, China.

Asimismo creo pertinente agradecer, una vez más, la donación realizada en oportunidad de la primera muestra, que acrecienta y jerarquiza nuestro acervo patrimonial cultural.

En el marco del Día Internacional de la Mujer, este reconocimiento a su trayectoria y a su permanente labor. (Omar A. Duclos)

Crítica

Texto: Fermín Févre
Madrid, 1997. Revista Hoy Arte Hoy. Año VI – número 10 – 2005

«La realización de las piezas cerámicas montadas en los elementos que integran las instalaciones sanitarias constituye un verdadero hallazgo de Vilma Villaverde que logra de ese modo, singulares formas escultóricas. Podría decirse que la artista elabora con ellas una verdadera poética en la que pone de manifiesto un tipo de realismo fantástico en donde la ironía, el humor y cierta crueldad se dan cita. Trasunta así una visión del mundo creando los medios y recursos para expresarla.

Si se pretende encontrar en sus obras alguna asociación con el surrealismo o con la actitud dadaísta de sacar de su contexto a los objetos de su uso dándoles un carácter estético, se advertirá que la artista va más allá de esta mera asociación. Su poética es toda una visión crítica de la realidad. Se trata de una crítica que nada tiene que ver con la denuncia social sino más bien con la condición humana y sus aspectos más insólitos e inesperados».

Enlaces realcionados



Eva Zethraeus, «Fairytale landscapes» Exposición en la galería Sintra

Por • 11 de marzo, 2009 • Tema: Exposiciones

Paisajes Encantados, donde habitan las hadas

FAIRYTALE LANDSCAPES – del 7 al 31 de marzo 2009

Durante años Eva Zethraeus ha trabajado con paisajes de porcelana y recreaciones de la naturaleza en instalaciones espaciales inspiradas en sus estancias en Japón, y en particular en los jardines del budismo-zen de Kioto.

Desde entonces, ella ha estado involucrada con los acontecimientos de la naturaleza, para crear una obra nueva. La inclusión de un material diferente, la plata, le ha dado una nueva dimensión a la porcelana y un contraste a los esmaltes mates o satinados con los que trabaja. La combinación conforma un Fairytale Landscape (“Paisaje encantado”, habitado por las hadas), su exposición se puede contemplar estos días en Sintra, galería ubicada en la ciudad sueca de Gotemburgo.

Eva Zethraeus es una artista-ceramista que vive y trabaja en Gotemburgo, Suecia. Ha participado en varias exposiciones en Escandinavia y alrededor del mundo. Recientemente pueden contemplarse sus obras también en el Museo Vendsyssel, en Dinamarca, en Röhsska Museums Contemporary Craft Show en Gotemburgo (hasta 2 mayo) y Liljevalchs Konsthall Spring Art Show (hasta 29 de marzo). Su trabajo está representado en «Röhsska National Museum of Arts and Crafts» en Gotemburgo y en el Museo Nacional de Estocolmo.



Lipchitz; Schulz-Dornburg; Sarmiento: Visita guiada a las cuatro exposiciones ‘Arte y misticismo’

Por • 3 de noviembre, 2008 • Tema: Anteriores portadas, Artículos, Artistas, Destacados, Exposiciones

El texto introductorio que a continuación incluimos pertenece al leporello de presentación de la exposición «Arte y misticismo». De la misma fuente son igualmente los textos adjuntos en la presentación de cada uno de los tres artistas, pertenecientes a los catálogos (sobre Jacques Lipchitz, Ursula Schulz-Dornburg) y el cuadernillo ‘La materia consagrada al fuego’ (texto de Kosme de Barañano sobre la obra de José-Antonio Sarmiento), editados para este acontecimiento.

Además, incluimos algunos de los textos que también pueden leerse impresos en las paredes de las salas del auditorio de San Francisco -donde se han instalado las respectivas exposiciones (escultura y dibujos, fotografías y cerámicas) de los mencionados autores. Nos explica esta información, del mismo modo en que lo hizo la visita guiada por Kosme de Barañano y la conferencia de presentación impartida el día de la inauguración por David Rodríguez Caballero, el sentido de cada exposición: facilitando la lectura y por consiguiente una mejor comprensión sobre la extraordinaria calidad de las obras expuestas, su sentido y significado.

En las dos salas al fondo del auditorio, antigua Iglesia de San Francisco, en las que se exponen las obras cerámicas de José-Antonio Sarmiento se muestran siete de las series con las que se identifica a este autor, en las que el artista trabaja en los últimos años: Vasos monumentales, Paisajes del páramo, Contornos, White poplar (Álamo blanco), Esferas, Paisajes, Reversibles. Conjunto eacultórico que se ha dispuesto en grupos o instalaciones; trabajos que recogen el microcosmos del artista, es decir la concepción de su reflexión sobre el mundo y la existencia, a través de la materia (tierra) y los elementos (viento y fuego). Esta obra (‘materia consagrada al fuego’), según explicó Barañano durante la visita guiada, no debe ser contemplada simplemente como vasos o platos sino por su contenido. De este modo, para un más adecuado discernimiento sobre el concepto de la obra en cuestión, el comisariado ha incluido -impresos en los muros de las salas- junto a la presencia cerámica la presentación de 4 textos de diferentes mundos religiosos, y que por este motivo también nos ha parecido interesante incluir aquí.

Introducción y visita guiada
Comisariado: Kosme de Barañano y David Rodríguez Caballero

INTRODUCCIÓN

Arte y Misticismo
La exposición “Arte y misticismo” se enmarca dentro del congreso Internacional de Mística “La trama de la vida: Textos Sagrados de la humanidad”, organizado por el Ayuntamiento de Ávila y en el que la Junta de Castilla y León colabora con la presentación de cuatro exposiciones bajo el título “Arte y misticismo”, continuando así la línea de programación iniciada por la Conserjería de Cultura y Turismo en la que tiene una destacada importancia la difusión y promoción de la creación contemporánea nacional e internacional a lo largo de todo nuestro territorio.

Se establece de esta manera una colaboración entre instituciones de nuestra Comunidad y muy especialmente entre la Junta de Castilla y León y el Ayuntamiento de Ávila que lleva organizando año tras año y con destacado éxito, el Congreso Internacional de Mística; convirtiéndose así la ciudad de Ávila en la mayor referencia a nivel nacional e internacional en cuanto al estudio y análisis de la Mística pueda existir en la actualidad, tanto por razones históricas como por la importancia de los congresistas convocados durante los días que dura el Congreso, así por la enorme calidad de la obras que forman parte de la exposición y que son un claro ejemplo de cómo desde las artes plásticas adquiere una destacada importancia el misticismo en la mayoría de los creadores.

“Arte y misticismo” nos muestra los trabajos del célebre escultor lituano Jacques Lipchitz (1893-1973). Su obra ha sido investigada y mostrada internacionalmente a lo largo del siglo XX por los principales estudiosos del arte y por los más prestigiosos directores de museos. Está presente en casi todos los museos del mundo, como el Metropolitan de Nueva York, Museo de Jerusalem, Tate Gallery de Londres o Museo de Rotterdam. Su obra pública puede verse en ciudades como Philadelphia, Roma, Paris y Nueva York.

Son presentados en las salas de la Iglesia de San Francisco en Ávila un conjunto de 152 papeles con dibujos y grabados inéditos del artista. Obras que han estado en una carpeta guardadas desde su muerte hasta principios de este año 2008. Muchos son bocetos de esculturas, otros son dibujos de ideas rápidas en sobres y cartas o en el primer papel que el artista tuvo a mano. Estos dibujos recorren todos los estilos y etapas del artista, de sus comienzos a sus obras finales. Simultáneamente a la exposición de dibujos, tendremos la oportunidad de contemplar 9 esculturas de gran formato que irán situadas al aire libre entre el recorrido que va de la plaza del Ayuntamiento hasta la fachada principal de la Catedral.

Forma parte de la exposición “Arte y misticismo”, la obra de la fotógrafa alemana Ursula Schulz-Dornburg, esta exposición de 88 fotografías presenta épocas diversas de la trayectoria profesional de la artista: las iglesias de Birmania y sus estatuas de Buddha, con el interior vacío de las ermitas del románico del Pirineo. Todos ellos son lugares de culto ancestral que concitan la devoción del espacio litúrgico (sea en la luz sobre el altar, sea en la estatua de la divinidad) con la unidad del paisaje. A la vez, las fotografías manifiestan la erosión (la del tiempo y la del descuido) que han impregnado, pero sin arruinar todavía a esas arquitecturas y a esas esculturas.

Finalmente y paralelamente a los trabajos de Lipchitz y Ursula Schulz-Dornburg, podremos disfrutar en la Iglesia de San Francisco, con la cerámica del leonés José Antonio Sarmiento, artista que desde 1989 en el taller y hornos de San Cibrián de Ardón, León, trabaja incansable en la aventura de la cocción del gres con leña en alta temperatura.

La cerámica es –en la Historia del Arte- un género hecho sin pretensiones, y refleja el gusto de cada época. En la cerámica se manifiestan tanto una larga tradición de libertad artística que no busca el lujo, como la larga tradición de un oficio que se repite sobre sí mismo a veces unido a un sentido de la vida por la vía del fuego y de la purificación espiritual.

VISITA GUIADA

Jacques Lipchitz

Jacques Lipchitz (Druskieniki, Lituania, 1891 – Capri, Italia, 1973) es una figura esencial en el panorama artístico del siglo XX, como lo fueron Pablo Picasso, Juan Gris y Julio González. Estos artistas coincidieron con Lipchitz en el París de las dos primeras décadas de aquel siglo compartiendo inquietudes y proyectos, formulando las bases del vocabulario cubista en la pintura y la escultura.

El vocabulario del artista va derivando a una figuración que mezcla los temas bíblicos o mitológicos con un mensaje social a la vez que desarrolla un muy personal lenguaje de la interacción de las formas, que constituye su estilo y que se detecta enseguida. Lipchitz, como Julio González otro gran escultor que se entregó también al papel siempre como herramienta para su visión plástica, dibujó tanto antes como después de realizar su obra escultórica. Esto se debe, en buena medida, al potencial que tiene esta actividad como punto de partida de la escultura y a su utilidad para explorar diferentes temas y formas, que pueden volcarse posteriormente en construcciones tridimensionales.

Gobierno del pueblo, 1967 / Hacia un mundo nuevo, 1934

El grito ó La pareja, 1928-29 / David y Goliath, 1933

Regreso del niño, 1941

Jacob y el Ángel, 1932 / Belerofonte somete a Pegaso, 1964

Madre e hijo, 1949 / el último abrazo, 1970

Ursula Schulz-Dornburg

El sentido de esta exposición es relacionar dos series de fotografías en geografías alejadas con paisajes y arquitecturas diferentes, pero que demarcan el mismo pensamiento visual: la presencia de la ausencia.

Luz de la fotografía. Silencio de la arquitectura (PDF del catálogo)

  • La serie SONNENSTAND

La serie titulada Sonnenstand. Solar Position (Posición del Sol) es un amplio conjunto de fotografías realizadas en 1991 en ermitas del Pirineo español, a lo largo del Camino de Santiago, un verdadero trabajo de investigación, tanto histórico-artística, como de consideración del patrimonio. Schulz-Dornburg, a través de la atenta mirada de fotógrafo, devuelve a estas ermitas su consideración de calendarios, de pequeños centros litúrgicos pero también de guías astronómicas, guiadas en su construcción por la ciencia agraria árabe. El prototipo de las ermitas fotografiadas consta de una nave rectangular culminada con un ábside de diseño semicircular de tradición carolingia. Son iglesias de pequeñas dimensiones, con sala rectangular. Las cubiertas de estas iglesias solían ser de armadura de madera en prácticamente todos los casos. Normalmente no presentan ningún tipo de decoración gráfica o escultórica. La impresión de belleza que produce, es debida, más que a la completa adscripción de la construcción a su fin, a la perfección de su sencilla y humilde realización.

Espacios cristianos, ritos agrícolas

Todas las mesas de altar donde, como un dial, se apoya la luz que penetra por la ventana absidal, son muy parecidas: sencillos rectángulos construidos de piedra sin decoración alguna. La entrada de la luz en estos templos sobre el altar es lo que recogen la fotografías de Schulz-Dornburg. Este rayo que penetra y vivifica el interior del templo depende de la altura, forma, y apertura de la ventana, de su disposición en cuanto a la orientación al sol, del grosor del muro y del ángulo de su vano, del horizonte y de la época del año. Esa marca del paso de la luz en el templo es todo un calendario. Aquí lo árabe y lo cristiano, calendario de luz y espacio arquitectónico se unifican, y esto es lo que recoge Schulz-Dornburg, plástica y emocionalmente.

La línea que conforman las ermitas es la línea del Ebro que separa la España musulmana de la cristiana, es casi la antigua frontera de la Hispania tarraconense de los romanos.

Construcciones como calendarios

Esta serie de ermitas, casi todas del s. X-XI tienen las mismas características y el paso de la luz solar por las ventanas absidales es siempre idéntica. Las ermitas funcionan como relojes que dominan el tiempo, obedeciendo a un tipo de calendario árabe. La población cristiana que desde el 711 convivió con los invasores se llamó mozárabe o ‘arabizada’.

El Calendario de Córdoba es un libro escrito en el año. 961 por el médico judío Arib b. Sa’d (m. 980), y el obispo cristiano Recemundo (Rabi b. Zayd al-Usqûf), para el califa musulmán Al-Hakam II (961-976). El original del Calendario de Córdoba es un manuscrito en lengua árabe, pero escrito con caracteres hebreos en la Bibliothèque Nationale de Paris, el título es Kitâb al-Anwâ, en latín Liber anoe. El calendario es astronómico, meteorológico y agrícola, y constituye un material de gran valor para el conocimiento de la comunidad mozárabe y la actividad rural en la España musulmana, paralela a la construcción y el uso de las ermitas fotografiadas por Schulz-Dornburg.

  • KLAGELIEDER. Arquitectura DEL SILENCIO

En la meseta de Pagan, un altiplano que se extiende muchísimas hectáreas con una belleza natural salpicada de templos budistas, pertenecientes a una época –hace diez siglos– en que la región fue un importante reino, Schulz-Dornburg toma en 1977 no sólo fotografías del paisaje y de los templos, sino también de 25 esculturas de Buda, muchas de ellas con visibles trazas de mutilación, debido tanto al paso del tiempo como al descuido y a la barbarie.

La serie es una permanente y abierta galería a los signos de la erosión, a los estados diversos de la desnudez que el tiempo esculpe. Schulz-Dornburg fotografía un vacío, un vacío vivo, como el “silencio que sucede a los acordes no tiene nada que ver con un silencio corriente: es un silencio atento, es un silencio vivo”, dice Marguerite Yourcenar en Alexis ou le traité du vain Combat. Su visión de los Budas de Birmania no nos interesa por el evidente carácter de lugar sagrado que cada espacio y cada obra debió asumir en el pasado, por el concepto de témenos, por el lugar de santuario o por el valor escultórico. Lo que la fotografía nos documenta, ex-pone y manifiesta es otra dimensión más poética. Nos interesa por su esencialidad, como la del claro de un bosque: por el estremecimiento simbólico, de estar suspendidos en el espacio y en el tiempo.

  • TRINITY

Trinity no es una fotografía de paisaje, sino un trabajo sobre una fotografía documental. Se refiere a la primera explosión nuclear llevada a cabo por la ciencia actual, que tuvo lugar en el desierto de Alamogordo (Nuevo México), el día 16 de julio de 1945, a las cinco y media de la mañana, siguiendo las investigaciones del equipo de Julius Robert Oppenheimer (1904-1967). Este físico, conocido como el padre de la bomba atómica, designó con el nombre Trinity tanto el lugar donde se explosionó la bomba como el código secreto del proyecto. Aunque dió instrucciones de ponerse de espaldas a la explosión para protegerse del fuerte resplandor, no pudo evitar que varios observadores quedaran cegados por la luz. Oppenheimer quedó convencido de que había encontrado el arma que, un mes después, destruyó Hiroshima y Nagasaki. El título del experimento, propuesto por el propio Oppnheimer, se ha referido unas veces a un soneto de John Donne y otras a un poema hindú. Bhagavad Gita, que leía en su lengua original, pues había aprendido sánscrito en 1933.

José-Antonio Sarmiento

Las obras de Sarmiento olvidan su geometría objetual, el sentido de plato o de vaso, y se asemejan a organismos cuyo borde se transforma en pintura. Las piezas tienen el rango de escultura. Pierden su sentido artesanal para constituirse en mundo propio, en forma y concepto. La fuerza del material, alcanza una profundidad y una intensidad que no tiene que ver con lo doméstico sino con lo artístico, es decir, con el gesto y la voluntad artística. Sarmiento domina el lenguaje del fuego, habla en el sonido de la leña, en el sonido del fuego y en el sonido del roce de la llama sobre los objetos. La tierra no es el principal medio de la composición de sus trabajos en cerámica: son las manos y la mente del artista moldeando la arcilla y manejando el fuego como un director de orquesta maneja una partitura (la arcilla) y a los músicos que la hacen viva (el fuego).

K. de Barañano

Vaso monumental, 2008 / Plato monumental de la serie Paisajes del páramo, 2007

José-Antonio Sarmiento, cerámicas (Imágenes en Flickr Art Ceramic)

Cuatro textos de diferentes mundos religiosos, nos acercan el sentido de la obra: de la Biblia (1), del Tao (2), de un artista bahai (3), de un filósofo de la metafísica (4).,

1.
“Manipulando la arcilla laboriosamente el alfarero da forma a sus jarras para nuestro uso, pero de la misma tierra crea sin distinción el que ha de servir a un honorable fin y el otro. Mas es el moldeador de la arcilla el que decide la finalidad de cada uno”.

Libro de la Sabiduría

2.
Este espacio-vacío seno materno de las formas, no como algo a llenar sino como algo vivo, aparece ya en el Tao te Ching (XI), en la concepción de Lao Tse:
“Unimos treinta radios y lo llamamos rueda,
pero es en el vacío donde reside la utilidad de la rueda
Moldeamos arcilla para hacer un jarro;
pero es en el espacio vacío
donde reside la utilidad del jarro.
Abrimos puertas y ventanas al construir una casa;
son estos espacios vacíos
los que dan utilidad a la casa.
Igual que nos aprovechamos de lo que es,
deberíamos reconocer la utilidad de lo que no es”.

3.
“Estéticamente una cerámica puede ser analizada desde su contenido abstracto o en cuanto expresión humana; subjetiva u objetivamente; por su relación con la forma pura o por su sugerencia de fuente de contenido emocional. Puede ser fríamente intelectual, o tener calor emocional, e incluso una combinación de estas tendencias contrarias. Pero sea la que sea la escuela a la que pertenezca, su configuración y su pauta formal tienen, sin embargo, que conformarse con unos principios internos de crecimiento que se pueden sentir aun cuando no se puedan penetrar con el análisis intelectual. Cada movimiento está ahí congelado como música congelada en delicada y precisa tensión”.

Bernard Leach, A Potter’s Portfolio (Londres 1951)

4.
El sentido de la cerámica, especialmente en Oriente, está ligado a la meditación, como la poesía mística. Lo que hace un alfarero es moldear el vacío mediante la arcilla, lo que hace es dar forma al vacío (como lo había notado ya Lao-Tse) o en palabras del filósofo alemán Martin Heidegger “la cosidad del recipiente de ninguna manera descansa en la materia de que consta, sino en el vacío en cuanto capaz de contener” (Das Ding, 1950). Heidegger se pregunta por el ser del cántaro o jarra: el cántaro o jarra es un recipiente que recoge el líquido en su impermeable interior; pero ni el interior ni su impermeabilidad constituyen sin embargo el ser del cántaro, sino que es más bien el vacío, “esa nada en el cántaro”, lo que le constituye en cuanto recipiente. En griego antiguo el hacer sitio es chorein, y esto en un doble sentido: a) en “contener”, es decir, dejar sitio en sí. b) en “retirarse”, es decir, dejar sitio como lo hace el anacoreta (sustantivo de chorein, el que se ha retirado).

José Antonio Sarmiento (León, 1956): Tras formarse en las disciplinas de dibujo y pintura, Sarmiento se dedica desde el año 1980 exclusivamente a la cerámica. Ha diseñado y construido sus propios hornos siguiendo la milenaria tradición japonesa (anagama y noborigama) conservada hasta el momento presente, para desarrollar su propio estilo en su tierra nativa. Alimenta y controla el fuego, en altas temperaturas, a base de leña fundamentalmente. Desde 1988 tiene su taller-estudio a 15 Km. de la ciudad de León, en San Cibrián de Ardón. A lo largo de los años noventa ha impartido sus conocimientos a través de talleres y demostraciones de su método de trabajo, tanto en su alfar como en eventos internacionales. Uno de los más prestigiosos artistas en este campo, Ryoji Koie, le invitó a una estancia de tres meses en su estudio en Japón en 1999. Desde el año 2007 está colaborando con la universidad de Gotemburgo, Suecia, en cursos y talleres organizados por el departamento de cerámica artística.

Imágenes:

Enlaces relacionados



Arte y misticismo: inauguración de cuatro exposiciones de arte contemporáneo durante el Congreso Internacional de Mística

Por • 18 de octubre, 2008 • Tema: Anteriores portadas, Artículos, Artistas, Conferencias, Exposiciones, José Antonio Sarmiento, Noticias, Recomendados

JACQUES LIPCHITZ, dibujos y esculturas
JOSÉ ANTONIO SARMIENTO, cerámicas
URSULA SCHULZ-DORNBURG, fotografías

Exposiciones: ARTE Y MISTICISMO

Del 24 de octubre al 20 de diciembre de 2008 / Inauguración: 24 de octubre, 11:00 am.
Comisariado: Kosme de Barañano y David Rodríguez Caballero
Organiza: Junta de Castilla y León, Fundación Siglo; Colabora: Excmo. Ayuntamiento de Ávila y CIEM

El Congreso Internacional de Mística que este año se celebrará en Ávila (del 24 al 26 octubre) bajo la dirección de Lucía Ramón Carbonell y con el título “La trama de la vida: Textos sagrados de la humanidad” reunirá a varios especialistas como la teóloga coreana Chung Hyun Kyum, la catedrática de Ética y Filosofía Política Adela Cortina, Vicente Haya doctor en Filosofía y nipólogo, entre otros ponentes no menos ilustres.

Paralelamente y dentro de los actos del Congreso se presentarán las cuatro exposiciones -patrocinadas por la Junta de Castilla y León- “Arte y misticismo” a cargo de los comisarios Kosme de Barañano y David Rodríguez Caballero. Se trata de un conjunto de cuatro exposiciones inéditas que se mostrarán en el Auditorio Municipal de San Francisco y en distintas ubicaciones de la ciudad de Ávila entre el 24 de octubre y el 20 de diciembre.

David and Goliath, 1933; Jacques Lipchitz

1. Esculturas de gran tamaño de Jacques Lipchitz. Un conjunto de 9 esculturas de temas bíblicos que recogen tanto la devoción hebrea como la católica y que serán ubicadas en el recorrido entre la plaza del Ayuntamiento y la catedral de la ciudad.

2. Dibujos inéditos de Jacques Lipchitz. 152 dibujos que explican las ideas de sus
esculturas en bronce.

Esferas, 2004 / 2007; José Antonio Sarmiento

3. Cerámicas de gran fuego de José Antonio Sarmiento. Un artista castellano-leonés que trabaja la cerámica con un amplio conocimiento del mundo japonés. Su filosofía de vida y dedicación desde el sentido artístico retoma el lenguaje de la alfarería como hilo conductor de una reflexión sobre aspectos esenciales de la vida, el hombre y la naturaleza (la vasija como representación abstracta del hombre y su relación con el entorno). En esta exposición se presentan un conjunto de más de 40 cerámicas de este artista junto con un vídeo que muestra su proceso de trabajo. El argumento de la muestra es el fuego como materia y elemento natural creador del color, el valor del fuego como experiencia y la consagración de la materia al fuego.

Pagan. Buddha. Burma. 1978 / 2006; Ursula Schulz-Dornburg

4. La mística en las fotografías de Ursula Schulz-Dornburg. Un conjunto de 88 fotografías articuladas en dos temas: los Buddhas en Pagan (presencia de la ausencia) y las ermitas mozárabes del Pirineo (la luz que penetra por la ventana absidal como calendario en el altar). Todas sus fotografías giran en torno al concepto de Shelter (refugio) y la espiritualidad. Se trata de un concepto que, dentro de la historia del arte y de la arquitectura del siglo XX muestra espacios intermedios y márgenes, lugares y situaciones de tránsito, marcados por una dinámica que suele crearse cuando comienzan a interactuar realidades distintas.

Notas de prensa sobre las exposiciones (PDF):

«Amic, Amat». Se completarán los actos del programa del Congreso con la actuación musical de María del Mar Bonet, el día 25 de octubre a las 20.00 pm. El concierto “Amic, Amat” muestra, en una síntesis única, las raíces comunes de las culturas mediterráneas (árabes, judías y cristianas) inspirándose en la poesía mística de Verdaguer sobre Llull, El Cant de la Sibil-la, tonadas tradicionales mallorquinas, o una magnífica versión de un tema de Bruce Springsteen, para hacer una honda manifestación de la necesaria paz entre los pueblos.

Auditorio de San Francisco
C/ Valladolid s/n (Plaza de San Francisco)
05004 Ávila (Castilla y León), España
Horario: martes a viernes – 11:00 am. a 14:00 pm. y 17.00 a 20:30 pm; sábados y domingos – 11:00am. a 20:30 pm. (continuado); lunes – cerrado

Enlaces relacionados:



Santi Moix, Del fang a l’Escultura

Por • 5 de julio, 2008 • Tema: Destacados, Exposiciones

Del barro a la escultura

El Museu de Ceràmica de Barcelona expone hasta el 10 de enero de 2009 una selección de las mejores obras cerámicas de Santi Moix.

Santi Moix \"Argelès-sur Mar  2005 III\"

Santi Moix, Argelès-sur Mer 2005 III

La escultura de Santi Moix es un reflejo de su fascinación por la naturaleza. De los paisajes del Ampurdán, del mar, de los recuerdos de su infancia; pero también es una traducción tridimensional de sus dibujos y pinturas, que forman parte de un universo propio y fácilmente identificable como parte de su biografía. Moix se dedica a la cerámica sólo en verano, cuando abandona Nueva York por Vullpellac (Girona), donde el ceramista Joan Raventòs tiene su taller y donde, desde hace 14 años, Moix trabaja las formas sinuosas y geométricas, de sus esculturas. El Museu de Ceràmica presenta, a partir del 20 de mayo, una selección de obras en pequeño formato de Santi Moix, que pueden verse por primera vez en Barcelona.

Acceso a más imágenes de la exposición celebrada en el Museu de Ceràmica – Barcelona (Flickr ArtCeramics / Santi Moix)

Texto sobre la obra de Santi Moix, cortesía Museu de Ceràmica



Veinte años de la producción artística de Chillida en el CaixaForum de Palma

Por • 7 de enero, 2008 • Tema: Exposiciones, Noticias

Por Oscar García García

Chillida en el CaixaForum de PalmaEl CaixaForum de Palma presenta a partir del día 28 de diciembre la exposición Chillida 1980-2000, que muestra los últimos veinte años de la obra de Eduardo Chillida (San Sebastián, 1924-2002), fruto de la colaboración entre la Fundación «la Caixa» y el Museo Chillida-Leku. La muestra con 58 piezas se compone de esculturas, relieves, dibujos y obra gráfica, repasa la carrera de este gran escultor desde 1980 hasta el año 2000. Este periodo temporal se caracteriza por un giro en la producción artística de Chillida, será a partir de los años 80 cuando comience a utilizar otros materiales como el hormigón, la terracota o las maderas antiguas, profundice en la dimensión arquitectónica de la escultura y estudie la relación de estas piezas con el entorno que las rodea. En 1980 Chillida ya era un artista internacionalmente conocido, su obra ocupaba grandes museos de Europa y Estados Unidos, y varias de sus intervenciones en espacios públicos habían contribuido a la renovación de la escultura monumental. El resultado de la exposición es un extraordinario conjunto de obras representativas de uno de los periodos más prolíficos y creativos del artista.

Chillida en el CaixaForum de PalmaChillida en el CaixaForum de Palma

Chillida 1980-2000 da la bienvenida al espectador con la obra «Homenaje al mar» realizada en alabastro, un material muy utilizado por el escultor por su capacidad de recoger y expulsar la luz. A continuación la muestra se divide en tres apartados reflejo de diferentes facetas del artista vasco: las tierras, gravitaciones y obra pública. La tierra o el barro es un material que en un principio Chillida había negado, pero finalmente quedará fascinado con él , creando obras como «La casa del poeta I» o sus lurras de arcilla. Las gravitaciones exploran las posibilidades escultóricas del papel y el dibujo, a través de capas que se superponen y que generalmente están sujetas por hilos «gravitando». La faceta de la obra pública, esencial en su producción artística y sobre todo a partir de los 80, queda representada por seis maquetas a escala de acero, de proyectos que posteriormente alcanzarían un tamaño monumental, como «La casa de Goethe», situada en Frankfurt; o el «Homenaje a Hokusai» de Matsuda, en Japón. En este recorrido por 20 años de evolución creativa vemos como las formas se vuelven cada vez más densas y compactas, reduciéndose los espacios que ocultan e invitándonos a la meditación metafísica; se trata de formas que cada vez tienen más inspiración y relación con la naturaleza. También podemos percibir un concepto básico para esta época, la idea de habitar, la obra se inscribe en un paisaje natural o urbano creando un lugar nuevo.

Chillida en el CaixaForum de PalmaChillida en el CaixaForum de Palma

La muestra que podrá verse hasta el 24 de febrero en el CaixaForum de Palma de Mallorca, recorrerá posteriormente otras ciudades españolas, empezando por Tarragona y Alicante. Y contará con un servicio de visitas guiadas con tres modalidades: visitas familiares, comentadas y dinamizadas.

Información esencial

  • Exposición: Chillida 1980-2000
  • Fecha de la exposición: 28 de diciembre 2007 – 24 de febrero 2008
  • Comisario: Eduardo Chillida Belzunde
  • Lugar: CaixaForum Palma. Plaza de Weyler, 3 (Palma de Mallorca)

Fuentes: Masdearte; Obra Social «La Caixa».

Nota: Esta noticia fue originalmente publicada en Art Signal E-News. La compartimos con nuestros lectores gracias a la cortesía de Art Signal Magazine.

Enlace a otros textos sobre la obra de Eduardo Chillida



Claudi Casanovas: Memorial a los vencidos

Por • 30 de junio, 2006 • Tema: Noticias

Hemos viajado desde León hasta Olot —en la provincia catalana de Gerona— para asistir, el pasado 25 de junio, al acto de inauguración de una escultura de escala monumental “EN MEMORIA A LOS VENCIDOS (ALS VENÇUTS)”. Una obra que esta ciudad ha querido dedicar «A los defensores de la II República, y a todos los que han hecho posible la recuperación de la democracia y la libertad», según se recoge en el programa de mano editado para la ocasión. Claudi Casanovas es el autor de esta extraordinaria obra que desde ahora puede contemplarse en un paseo que une el lugar denominado las Fuentes de San Roc y el camino de la Teulería de la mencionada ciudad.

El escultor ha realizado una obra magnífica que invita al espectador a participar en el recuerdo del sufrimiento y la muerte de los vencidos de la guerra civil española (1936-1939), mediante el esfuerzo de asomarse para ver un enorme bloque cerámico que permanece oculto a la mirada en el interior de un gran cubo de hormigón encofrado. Un cubo de dimensiones arquitectónicas en el que existen unas angostas aberturas al no converger completamente las verticales de sus aristas. Construcción que se ha situado en una plataforma accesible al viandante, a través de un paseo rodeado por un campo de rocas volcánicas.

Según explica el artista lo más importante después de la elaboración del proyecto inicial no ha sido tanto la complicada ejecución del enorme bloque cerámico sino el reto de su posterior “negación a la mirada”. En este gran bloque «cueva-cripta» que alude a la muerte, es donde se articula todo el sentido conceptual de la obra. Así se genera esa acción de mirar cautelosamente, con respeto, recuperando la memoria episódica de un capítulo muy doloroso de nuestra historia. Protegiéndolo de la mancha de mirar y abriéndolo a la vida…

«Obrint cautelosament l’espai a la mirada, protegint-lo, però, de la inherent maculació de mirar, l’obrim a la vida. La cova-cripta passa a ser refugi-matriu. La conciencia i els records hi són posibles» (Notas del autor, 2006).

Vista general de las inmediaciones del Memorial (Als Vençunts)

Mirada hacia el interior

Exterior e interior del Memorial

Claudi Casanovas, escultor

Ricard Creus, poeta y escritor

Maya Kanaan, estudiante universitaria.
Al fondo (empezando por la derecha, el cuarto), Lluís Sacrest, Alcalde de Olot;
(tercero) Ferran Mascarell, Consejero de Cultura;
(segunda) María Jesús Bono, coordinadora general del Memorial Democrático (Generalitat de Cataluña).

Coral Fructus Temporis

El artista, en un momento de conversación con el público asistente

Fotografías: Eduardo Zotes Sarmiento



Tierra-Signos-Escultores por Kosme de Barañano

Por • 12 de mayo, 2006 • Tema: Artistas, Conferencias, José Antonio Sarmiento, Recomendados

Extracto de la conferencia TIERRA – SIGNOS – ESCULTORES

(Se trata de unos apuntes comentados a lo largo de 40 imágenes y de un film de 7 minutos, por el catedrático Kosme de Barañano, en el aula del edificio Altabix de la Universidad Miguel Hernández de Elche, el 5 de mayo del 2006. Curso organizado por el Instituto de Cultura Gil-Albert de Alicante.)

El impulso a marcar algo en un soporte, ha sido siempre asociado con el deseo de decir algo sobre el mundo. Estos pensamientos (statements gráficos) han sido intuitivos y frecuentemente expresados en forma simbólica, pero son fundamentalmente pensamientos acerca de la forma de estar en el mundo del hombre y de su habilidad para comprender y hacer mejor un contexto vital.

Voy a referirme en esta charla a tres artistas muy diferentes, que utilizan la tierra y la forma de dejar su impronta, sus signos, de maneras muy particulares y muy distanciadas entre ellas.

Hablaré aqui y ahora de tres escultores

en barro
en tierra cocida
en cerámica

con tres formas de imprimir, de experimentar, en este material
sus diferentes signos, su diferente pensamiento visual:
es decir, de TIERRA- ESCULTORES y SIGNOS.

1.

CHARLES SIMONDS, 1945 New York
TERRITORIOS POÉTICOS

La obra de Simonds comienza a finales de los sesenta con los dwellings, urbanismo de corte bonsái realizado con tierra sin cocer, es decir, derretible en cualquier momento. Construye escenografías urbanas de paisajes aborígenes, de pueblos extraños, lejanos a la civilización neoyorquina, y los coloca a lo largo de agujeros, ruinas, esquinas de la ciudad como una cigüeña que va poniendo sus nidos no en lo alto de los campanarios de los museos sino en los rincones mas insospechados de los barrios. Sus características frente al pop y al minimalismo son la inmediatez, la pequeñez, la fragilidad, el anonimato y el incógnito.

Busca los lugares del abismo en la ciudad, no construye formas puras sino las más frágiles y con el material más liviano: el barro.

Charles Simods, Performance en la playa

2.

EDUARDO CHILLIDA, 1924 – 2002 San Sebastián
CHILLIDA: SISTEMA Y SIGNOS

Chillida sigue un sistema de signos que se apoya al menos en tres registros: en un equilibrio asimétrico, en un movimiento virtual, y en el ritmo de sus secuencias.

Estos signos de Chillida en la tierra cocida, en la chamota, UNA TIERRA QUE PESA, tienen una caligrafía que respira, que de nuevo nos devuelve al sentido de la piel. La caligrafía de Chillida, incluso en sus momentos orientalizantes, busca más la vibración, su temblor o su respiración (la dinamización del espacio) que la concentración del trazo del expresionismo americano.

Eduardo Chillida, Lurra, Oxido 42

En las tierras llamadas lurras por el artista, se detectan también diferentes procesos técnicos (tierras dibujadas con cortes de cuchillas o pincel, tierras cocidas en hornos de leña que adquieren así el color específico de los metales que contienen, o tierras cocidas en hornos eléctricos, es decir, con saturación de oxígeno, y por lo tanto más asépticas, más blanquecinas, etc.). En las lurras la espacialidad viene pues trabajada en dos frentes, en un doble lenguaje: el de la perforación -la talla del cuchillo que las abre y excava- y el de lo impreso con el óxido de cobre que marca el espacio negro.

Eduardo Chillida

En la obra La casa del poeta transciende Chillida lo escultórico para buscar la arqui-tectura, el texto original del concepto espacio.

3.
JOSE ANTONIO SARMIENTO, 1956 León
LA MATERIA CONSAGRADA AL FUEGO

Para Sarmiento esculpir no es imponerse a la materia es manejarla, es actuarla con las manos, vuelta a una artesanía original, vuelta a la significación de la materia y al dominio del fuego.

La materia arcilla no es el principal medio de la composición de los trabajos en cerámica: son las manos y la mente del artista moldeando la arcilla y manejando el fuego como un director de orquesta maneja una partitura (la arcilla) y a los músicos que la hacen viva (el fuego).

José Antonio Sarmiento, Nebulosidad

Desde 1989 en el taller y hornos de San Cibrián de Ardón, León, Sarmiento trabaja incansable en la aventura de la cocción con leña en alta temperatura. Trabaja fundamentalmente lo que llamamos gres (del francés grès, arenisca) una cerámica cocida a muy altas temperaturas y repito siempre con horno de leña.

José Antonio Sarmiento y su anagama-noborigama

Los hornos hablan en el sonido de la leña, en el sonido del fuego y en el sonido del roce de la llama sobre los objetos. Este lenguaje del fuego construido y encerrado en el noborigama es uno de los virtuosismos de la técnica de Sarmiento.

Kosme de Barañano



Más sobre “El Juicio Final” de Caro

Por • 21 de abril, 2006 • Tema: Textos

A la entrada del 7 de abril, Las Terracottas de Anthony Caro, le hemos añadido el artículo publicado en EL CULTURAL (28 Junio, 2000), «Anthony Caro El Juicio Final». Una colaboración que agradecemos a Kosme de Barañano, autor de dicho texto.

El Juicio Final resume cincuenta años de trabajo, a la vez que se emparenta con los grandes relatos dramáticos, desde el propio Juicio Final de Miguel Ángel, pasando por el Guernica de Picasso o por los trípticos de Max Beckman. En palabras del propio Caro, en una conversación con Carandente, “no es posible producir arte hoy en día sin ninguna clase de referencia visual a una obra suprema como el Guernica de Picasso”. El Juicio Final de Caro desarrolla en el plano, como en sus anteriores Mesas, o en Olympia, un gran relieve que se convierte en arquitectura, un relieve horizontal que adquiere una armonía de arquitectura monástica, de contención religiosa, a pesar de la audacia de composición articulada, separada en varios sintagmas que parece que nada tienen que ver entre sí si no aparecen organizados en una frase.

Para acceder al archivo PDF que contiene el artículo volver a dicha entrada o entrar directamente en el mismo desde este enlace adjunto:

Anthony Caro El Jucio Final, Kosme de Barañano