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Song for you – Helena Andersson

Por • 2 de marzo, 2010 • Tema: Exposiciones

4385372979_fb1f5006d2_mCon el título Sång Till Dig (Song for you), la galería sueca PANNCENTRALEN presenta relieves y esculturas, obra reciente de Helena Andersson

La cerámica es el medio elegido por esta artista sueca para expresarse. No le interesa tocar otros materiales. Sin duda todo su trabajo posee la cadencia de un fuerte impulso intuitivo, transmitido por el propio medio. Sin embargo esto no quiere decir que no posea un importante bagaje de conocimiento y experiencia del oficio, sino todo lo contrario. Por consiguiente, el resultado, amalgama estas dos vertientes (por un lado: el estudio, el conocimiento y la maestría del oficio; por otro: la libertad, la transgresión de las reglas y la pasión de adentrarse en caminos inexplorados). El resultado de dicha superposición es una combinación explosiva que determina la «razón de ser» de sus esculturas; un resultado fascinante que nos muestra obras brillantes, de una presencia tan rotunda como expresiva.

okant_andersson

(imágenes de esta exposición, en flickr ‘artceramics’ – 8 fotos)

Helena Andersson, Song for you ,SÅNG TILL DIG reliefer och Skulpturer

Información:



4º Exposición en la web:REVOLUTION, cerámicas de: Eva Castaño, Fernando Garcés, Gregory Miller, Janne Hieck

Por • 14 de febrero, 2009 • Tema: Anteriores portadas, Exposición en la web

Imágenes show (Flickr, Art Ceramics): REVOLUTION (Revolución)

«You say you want a revolution
well, you know
we all want to change the world
you tell me that it’s evolution
well, you know
we all want to change the world
but when you talk about destruction
don’t you know that you can count me out
don’t you know it’s gonna be all right
all right, all right
You say you got a real solution
well, you know
we’d all love to see the plan
you ask me for a contribution
well, you know […]» (Beatles, Revolution)

Ideológicamente el término revolución (del latín revolutio “una vuelta”) está lleno de sugerencias; podemos pensar en un cambio completo, o también en la modificación de lo que está vigente (siguiendo los dos modelos de revolución descritos por Aristóteles), en la consecuencia de que siempre los cambios parten de otras formas de apreciación; por otra parte, en una segunda definición, el término remite a una descripción del movimiento en espiral.

Sociológicamente en el arte de la cerámica nos encontramos en un momento de auge entre las diversas formas que dicha expresión utiliza, no obstante hoy queremos detenernos para subrayar la intención artística que emplea el uso del torno (la rueda de alfarero) como evolución del concepto artístico. El torno es una herramienta apropiada para dar forma a las piezas de alfarería, y en este caso es también sujeto y motivo: la espiral que da forma a la vasija mientras se graba con cada movimiento la huella del autor, el vacío donde se con-formará el uso en el espacio acotado (simbólicamente, una metáfora de la vida ordinaria).

Conceptualmente también hay un sector crítico que valora este significado más haya de si un objeto sirve para ser utilizado o para ser contemplado; el mensaje se contempla desde un arte que tiene sentido por su carácter singular, su excelencia plástica, y su filosofía como reflejo de pertenencia a la vida. De todo esto se trata precisamente, sobre todo para abrirse a varios significados (plásticos, místicos y sociales).

Eva Castaño, Fernando Garcés, Gregory Miller, Janne Hieck, son cuatro ceramistas independientes, artistas que Galería Azul ha reunido en esta muestra colectiva que hoy nos complace presentar dentro del programa de exposiciones en la web. Cada uno, a su manera, encuentra en la vasija un símbolo de individualidad en forma y concepto; su revolución es ver en el objeto, y más allá del mismo, el significado de hacer una alfarería para el momento actual (en la era de la tecnología).

La obra de cada uno de los mencionados autores es diferente entre sí (no solamente desde el método, técnica empleada y estilo, incluso a veces desde el planteamiento (ya sea por hacer Arte para usar, por extraer la plástica de la materia o crear un paisaje desde la armonía de una composición). Sin embargo, más allá de la geografía, más allá de la acción -el ritmo del proceso-, de la técnica o las referencias en que cada uno de los autores se apoya, los cuatro coinciden en el planteamiento desde un frente común: al elegir la vasija (vaso, plato, cuenco, etc.) como metáfora.

Generalmente la intención artística que usa el lenguaje de la alfarería trabaja desde un género que tradicionalmente se ha situado al margen de lo establecido como concepto artístico, al utilizar como objeto de su discurso planteamientos que se detienen en las cosas más sencillas de la vida o de la naturaleza. En un momento en que todo es susceptible de ser etiquetado sabemos sin embargo que cualquier material o disciplina no puede ser calificada de arte o artesanía solo por el método. Por otra parte, pocos artistas que utilizan el torno se preocupan de que sus obras se relacionen dentro del primer o segundo canon, (si ha de calificarse como arte, no arte, o anti-arte, les trae sin cuidado). El caso es bastante significativo porque seguramente lo que el artista busca es precisamente hacer esa revolución. Lo mismo ocurrió con el género del bodegón en la pintura, lo vemos por ejemplo en los maravillosos bodegones -desde Zurbarán, Sánchez Cotán, a nuestros contemporáneos como Morandi, Tàpies, etc.- entre muchos de los autores que han construido la historia del arte del pretérito y del presente, con una preocupación por las cosas sencillas, la naturaleza y la vida real (lo cotidiano) en contraposición a un interés por lo «sublime» (los temas recreados por la pintura de «gran estilo»: históricos, religiosos y míticos).

Eva Castaño se interesa desde niña por la música y las artes plásticas, decantándose más tarde por la pintura y la cerámica. La pintora Begoña Izquierdo (Bilbao 1926- Madrid 1999), amiga y maestra, es quien la inicia en el dibujo y la pintura, creando una base fundamental para su posterior trabajo de ceramista. Estudió en la Escuela de Cerámica Francisco Alcántara, Madrid (1982-1987).

Actualmente trabaja en su estudio con gres y porcelana, en escala que puede acogerse en la palma de la mano. De su obra se desprende una fragilidad y suavidad que tanto en el modelado como en el color busca un balance que proporciona a sus piezas una sensación de ingravidez, como si flotasen. Los contornos desdibujados frente a los tallados, contribuyen en la recreación de una atmósfera particular que se funde con toques de color que nos recuerdan a los de la acuarela. En cada serie de piezas se resume una clara vocación por la pieza única, y sin embargo hecha para ser usada.

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Eva Castaño; Plato con mosca, y Lunaria (porcelana, óxido y esmalte)

  • Precios estimados: entre 60 y 200 €; ver más imágenes en Galería Azul, Eva Castaño

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Fernando Garcés, tarro Fernando Garcés se graduó en cerámica en la Escuela Oficial de Cerámica Francisco Alcántara, Madrid (1987 – 1990). Desde 1991 es profesor titular de cerámica en la Escuela de Arte de Talavera de la Reina, ocupando en la actualidad el cargo de Jefe de Estudios. Entre varias actividades en las que ha participado ha desarrollado los talleres «El torno como herramienta» en la Facultad de Bellas Artes de Cuenca. Paralelamente a su amplio currículo docente, con experiencias aquí y en el extranjero, realiza en su taller una obra personal. El torno es objeto de estudio en su producción trabajando indistintamente el gres o la porcelana, incluso combina ambos materiales en un mismo cuerpo.

En su trabajo el blanco y las tonalidades de la arcilla -desnuda o esmaltada- se combinan para aportar una mezcla interesante por contraste de texturas (suave/áspero), incluso contrastando con una clara rusticidad el añadido preciosista del empleo del oro se aplica como una pincelada o golpe de efecto pleno de sugerencias. Garcés consigue seducirnos desde el conjunto de unas instalaciones en las que la forma del cuenco es recurrente para configurar un paisaje que sobrepasa su carácter utilitario.

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Fernando Garcés, Cuencos (porcelana, oro y esmalte transparente)

  • Precios estimados: entre 90 y 4.000 €; ver más imágenes en Galería Azul, F. Garcés

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Gregory Miller ha desarrollado su carrera desde su país, estados Unidos, Japón y Dinamarca donde vive y trabaja en la actualidad. Se ha especializado en hornos de leña, cocción en anagama y horno de sal. Desde 1997 hasta el momento presente ha expuesto sus cerámicas en Dinamarca, Estados Unidos, Japón, Noruega, y Alemania; también ha comisariado eventos relacionados con los hornos de leña. Sus estudios de antropología y su tesis sobre la comparación entre el movimiento de la artesanía japonesa y danesa son un reflejo de sus preocupaciones. Pasó un tiempo de aprendizaje (1992-1993) en el taller de Tatsuzo Shimaoka, cuya escuela y filosofía Mingey se deja ver en la obra de Miller.

Un amplio conocimiento de los esmaltes de alta temperatura, el empleo del horno anagama y un gusto por las formas de la alfarería utilitaria han construido su lenguaje. En el torno va construyendo las formas en diversas series pensando en el uso, la austeridad de las decoraciones se aprecia en la impresión de cuerdas impresas o en las marcas indicativas del proceso (la forma en que las obras han sido cargadas en el horno, las huellas del fuego…) imprimiéndo a cada pieza un carácter especial. Son piezas robustas para utilizar a diario, intemporales y diferentes.

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Gregory Miller;Botella gres anagama, esmalte shino

  • Precios estimados: entre 25 y 1300 €; ver más imágenes en Galería Azul, Gregory Miller

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Janne Hieck teapotJanne Hieck se formó en Alemania, su país natal, obteniendo la medalla de oro en el proyecto de fin de carrera. Después en el año 2005 se instaló en el norte de Dinamarca, donde ampliaría sus conocimientos como asistente del ceramista Gregory Miller.

En la actualidad reside en Dinamarca, es una artista emergente con una obra personal. Su trabajo se enmarca dentro de la llamada alfarería de estudio actual, en la especialidad del gres esmaltado con sal y la cocción de leña; un trabajo creativo y muy bien hecho que se define con su sello personal a través de formas sencillas, fuertes y escuetas, tonalidades naturales derivadas de un engobe de cobalto o del hierro contenido en la arcilla. Su lenguaje formal se articula en el proceso del gres desde formas utilitarias confortables, piezas únicas para disfrutar cada día, obras hechas con mucho talento que translucen el amor al oficio y son resistentes.

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Janne Hieck, Jarrita de leche; gres, cobalto, y esmalte de vapores de sal

  • Precios estimados: entre 25 y 1000 €; ver más imágenes en Galería Azul, Janne Hieck

Enlaces



Feliz reentrè: !Toquemos cerámica!

Por • 5 de octubre, 2008 • Tema: Exposiciones, Noticias

En un soplo se nos ha pasado el verano. Ha sido intenso. Workshops, intercambios, inauguración de las exposiciones, recibir visitas, etc.

Charla y cena con velas en el jardín. No sólo de pan vive el hombre. En un ambiente apacible hablamos de arte, música, filosofía, cerámica. Hay un antídoto contra las noticias sensacionalistas: seguir trabajando. La vida dedicada al arte nunca y en ningún sentido fue fácil, pero nos parece necesaria para abrir los ojos a lo que realmente importa, para luchar por los valores en los que se cree y reflexionar sobre lo esencial. Trabajamos con valores sólidos, pero para prevenir que el ambiente de crispación sea contagioso es preciso rodearse de buenas vibraciones y combatir con las armas que tenemos. ¡Toquemos madera!, perdón quiero decir «!cerámica!».

Además de mirar es importante saber ver. Vivir con arte sirve para comunicarnos, ayuda a conocernos mejor. Sobre todo sirve para defenderse del miedo, respirar hondo y tomar aire, mirar hacia delante. Más que un «consuelo» el arte es una necesidad vital.

Ya tenemos en el borrador entradas sobre la programación de otoño y vemos que nos han quedado varias noticias interesantes en el tintero. Para despedir el verano incluimos algunas de ellas: tratan sobre exposiciones o inauguraciones con las que disfrutamos, y otras a las que nos hubiese gustado asistir.

Once upon a time / Érase una vez…
(orden cronológico, entre septiembre y junio de 2008)

1. EE.UU. Illinois, agosto – septiembre 2008

XAVIER TOUBES, exposición en Elmhurst Art Museum

Más imágenes de la exposición: «Clouds», Xavier ToubesFlickr «ArtCeramics»

2. Euskadi, Guipúzcoa, agosto 2008

«NATURALEZA HUMANA» Obra escultórica de Ángel Garraza

A comienzos de agosto se ha instalado en el parque botánico de Arenatzarte la obra “Naturaleza humana” de Angel Garraza.

En Arenatzarte se está llevando a cabo un proyecto de interrelación del arte con un espacio natural. Además de la creación de un itinerario de propuestas escultóricas permanentes, se están promoviendo intervenciones artísticas de carácter efímero, así como diversas actividades culturales y de reflexión sobre el arte y la naturaleza.

Este extraordinario entorno se encuentra ubicado en la localidad de Güeñes próxima a Bilbao.

3. Cataluña; Argentona, agosto 2008

58ª FESTA DEL CÀNTIR (FIESTA DEL BOTIJO)

Un año más Argentona convierte el mes de agosto en una cita para la cerámica. Además de convocar por las calles de la localidad la tradicional feria artesana de la cerámica, organizan exposiciones, acciones y sesión de proyecciones sobre cerámica.

Las exposiciones de esta su 58 edición:

Muros y fronteras, Arcadio Blasco

ARCADIO BLASCO, Ceràmiques
Presentación de obra reciente, cerámicas de pared: de la serie “Murs i fronteres

ÉMAIL OPUS 2, el esmalte y la obra contemporánea de 13 ceramistas de Francia

dossier completo en archivo PDF, cortesía del Museo de Argentona
(a la espera de recibir más imágenes)

4. Cataluña / Japón Julio 2008

YOH TANIMOTO cerámica Iga, en la Fundación talleres J. Llorens Artigas

En el Museo de cerámica de Barcelona, tuvo lugar una conferencia de Yoh Tanimoto sobre la tradición de cerámica Iga, una introducción a la obra de este artista japonés (amigo y colaborador en varias ocasiones de Gardy Artigas) y reconocido como especialista en esta tradición cerámica, lo que no exime de su aportación personal. Una muestra de sus obras pudo contemplarse en la sala de la Fundación Artigas, en Gallifa (Barcelona).

Las preciosas piezas de Yoh Tanimoto hablan de un estado de ánimo. En la muestra, con cada obra, un pequeño poema o semblanza en caligrafía japonesa (+ trascripción al catalán). Tanto el haiku (jaiku) como las cerámicas son fruto de la mano y el corazón del ceramista. El texto caligráfico sirve de prólogo para resumir la atmósfera inspiradora durante el momento de creación, como traducción semántica de la abstracción formal, para entender mejor la atmósfera impresa en cada vasija. Desde la pieza de menor tamaño (guinomi, ó copa para el licor de sake) a la de mayor escala (un gran jarro), todo adquiere un profundo sentido. Apreciamos en la cerámica de Yoh Tanimoto la ceniza, el humo, la fuegografía en la que se han materializado estados del alma y del proceso. Con plantas naturales recogidas en el lugar se completa la composición de alguna de las obras conformando una atmósfera precisa (ikebana de belleza incomparable que nos muestra la naturalidad y sencillez, recordando las sensaciones que buscaron quienes primero se consagraron a este arte con intención de meditar). Las cerámicas de Yoh Tanimoto explican o mejor dicho descubren la plena consciencia del instante presente.

Yoh Tanimoto, botella de sake 2008 (vista por dos caras) col. MJ.Sarmiento

EL JUEGO DE SAKE

A través del sake,
comienzan los momentos
agradables.

A través del sake,
profundizan las relaciones
entre personas.

En las manos,
las tacitas, las copitas,
hablan,
bailan,
cantan.

— Yoh Tanimoto

5. Dinamarca, junio 2008

NINA HOLE Retrospectiva en Danmark Keramikmuseum

[PDF, encarte de la muestra, v. danés: Nina Hole, Retrospektiv]

6. Japón, Paramita Museum abril – junio 2008

EXPOSICIÓN DE RYOJI KOIE

Gres cocción de leña (stoneware,woodfired), Ryoji Koie

Texto del encarte de la exposición, traducción: Saori Takiguchi (Suimon)

“LA VASIJA QUE RESULTA COMO SE PROPONÍA”

En 1938 Ryoji Koie nació en Tokoname (Aichi) lugar de producción de la cerámica TOKONAME. En 1957 Se graduó en el instituto de segunda enseñanza del arte cerámico y entró en una compañía local de baldosas. En 1962 entró en el instituto de cerámica de Tokoname y estudió la cerámica. Además, en el mismo año fue seleccionado en la Exposición de cerámica japonesa contemporánea y en el año siguiente comenzó su actividad como ceramista, presentando su obra en importantes exposiciones como la Exposición de cerámica ASAHI, la Exposición de artesanía de artes utilitarias, etc.

Luego ha desplegado una actividad internacional, por ejemplo en EE.UU. y remitido su mensaje al mundo expresándose a través de la cerámica contemporánea.

Además, después de trasladar su taller desde Tokoname a Shitara-cho (Aichi), se ha concentrado en producir las obras incorporándoles la inspiración del ambiente local.

En esta ocasión está exponiendo sus vasijas incluyendo sus producción realizada en EE.UU. obra reciente, así como sus trabajos en papel, aluminio, etc. Les deseamos disfruten del atractivo mundo de Ryoji Koie.

Paramita Museum

7. Cataluña, Premià de Dalt
Se inauguró en Premià de Dalt una rotonda de cerámica

Madola; Font Blava, detalle

Más fotos en Flickr; ArtCeramic: Rotonda Font Blava

La intervención se planteó en un espacio circular, adaptándose a la topografia del terreno.
El agua ha sido el motivo recreado en esta propuesta artística de Madola, recreada por cuatro columnas de cerámica que conforman una fuente por la que el agua fluye sobre un pavimento de trencadís de color azul, inspirado en el azul del Maresme.



Nordic Network, visita a las tres exposiciones

Por • 18 de septiembre, 2008 • Tema: Exposiciones

Encarna, José Antonio y Helena en Nääs

Encarna Soler (en la imagen, a la izquierda, junto a José Antonio Sarmiento y Helena Andersson), nos envía el reportaje fotográfico sobre las tres exposiciones celebradas en Nääs, con motivo del “Nordic Network Ceramic Studio Exchange” –el encuentro internacional celebrado en Suecia.

Ceramistas daneses en Suecia

En la galería, obra de los ceramistas llegados desde Dinamarca: Janice Hunter (autora de las esculturas de mesa, en la vista frontal), seguidas de las piezas para la mesa realizadas por Janne Hieck, Gregory Miller y Joan Kristensen.

Projektum 1 (sala 1): exposición individual del ceramista español José Antonio Sarmiento; expuso en esta ocasión cerámicas (gres y porcelana) y pintura (acrílico sobre tabla). Atendiendo al espacio expositivo se concentra esta muestra en piezas escultóricas de pequeña y mediana escala; expresa con el lenguaje de la alfarería utilizado, como es habitual en dicho autor, como referencia o pnto de apoyo para la meditación sobre la relación del hombre y la naturaleza.

José Antonio Sarmiento, exposición individual en Nääs

Proyektum 2 (sala 2): exposición de cuatro ceramistas japoneses, venidos desde Mashiko: Minoru Suzuki, Takehiro Ito, Tamura Hajime, y Chiaki Shoji. En su trabajo mostraron una serie de piezas para la mesa; obras pensadas para una acción que les aportará una nueva vida.

Minoru Suzuki

Puedes encontrar más imágenes de las tres exposiciones en Flickr «Art Ceramics», (more images at):



Resultados del anagama workshop en León

Por • 18 de septiembre, 2008 • Tema: Anteriores portadas, Cursos, Destacados, Técnica

En San Cibrián de Ardón (León, España)

A través de Flickr (Sarmiento’ Anagama), se pueden ver las imágenes sobre el
1º International Exchange «anagama-noborigama workshop» junio 2008, celebrado en León.

También, por gentileza de la Revista Cerámica, enlazamos con un artículo que relata la mencionada experiencia en la pluma de Esteban Cosano, uno de los particiantes del evento:
LA SEMANA DEL FUEGO por Esteban Cosano



El blog de Bibbi Forsman, informa sobre las actividades en los hornos de Nääs

Por • 9 de mayo, 2008 • Tema: Anagama-Noborigama

El pasado 4 de mayo, Bibbi Forsman ha publicado en su blog un post sobre las actividades que estos días se están desarrollando en los hornos de leña de Nääs.

Se trata de una experiencia de trabajo con los estudiantes de la HDK, del departamento de arte de la Universidad de Gotemburgo, en la que los alumnos participantes son conducidos y supervisados por los artistas-ceramistas Helena Andersson y José Antonio Sarmiento. La cocción con leña es aquí -como práctica y técnica cerámica- contemplada desde la intención del arte y visión o sentido contemporáneo.

\"En la boca del horno; cocción en Nääs\"

Una de las estudiantes en la boca del horno, durante la experiencia de cocción de leña

Información:
Ver la noticia en el blog de Bibbi Forsman

Bibbi Forsman es directora de Ceramics Studio en Konstepidemin, actualmente un espacio estudio para 150 artistas profesionales. Responsabilidad que compagina con su actividad como crítica y fotógrafa independiente, colaboradora de diversas publicaciones o magazines especializados en artes aplicadas.



Exposición en el González Martí: Desde Gmunden/Austria (2006), 24 obras de 12 artistas europeos

Por • 23 de abril, 2008 • Tema: Conferencias, Exposiciones

Después de los simposiums celebrados en 2003 y 2004, organizados por Keramik Manufactory, el consejo de la ciudad de Gmunden decidió continuar con el evento contando con este principal patrocinador. De este modo, desde el año 2005, se ha consolidado con carácter bienal como muestra de cerámica contemporánea internacional: Gmunden Keramik Symposium.

gmunden_ Tania Estermann gmunden_ ferenc koleszar

Tanja Estermann / Ferenc Koleszár

Con intención de preservar la más alta calidad para dicho acontecimiento los artistas son invitados a enviar sus solicitudes, pasando por la selección de un jurado también internacional, compuesto por especialistas en la materia -entre los que se distinguen conocidos críticos, profesores, así como algunos artistas participantes de las anteriores ediciones. El jurado del la edición del 2006 estuvo formado por: Gabi Dewald (periodista, editora jefe de Keramik Magazin, Alemania), Magarete Gefke (artista-ceramista, miembro de la Academia de Arte de Linz), Simone van Bakel (aratista participante del simposium de 2004, Holanda), Caroline Wyhman (artista ceramista, Londres, Great Britain), Janos Probstner (Hungría), Enric Mestre (artista ceramista y hasta su jubilación profesor de la Escuela de Arte de Valencia, España).

Contenido de la Exposición

Se exponen 27 obras realizadas durante el Simposio Internacional de Cerámica de Gmunden en el año 2006, en el que participaron 12 artistas de diversas nacionalidades europeas:
Tanja Estermann. Austria
Senta Fabsits. Austria
Myriam Jiménez Huertas. España
Ferenc Koleszár. Hungría
Maren Koll. Alemania
Helene Kortner. Noruega
Gareth Mason. Gran Bretaña
Júlia Néma. Hungría
Sabine Selmke. Alemania
Annie Turner. Gran Bretaña
Netty van Osch. Holanda
Carolin Wachter. Alemania

Información Esencial:

  • Exposición con obra perteneciente del
    Simposio Internacional de Cerámica de Gmunden (2006) / Gmunden, Keramik Symposium
    Lugar:
    Museo Nacional de Cerámica González Martí
    C/ Poeta Querol, 2
    46002 VALENCIA
    Tel. 96 351 63 92 / Fax. 96 351 35 12
    Sala III, 3º planta
    Hasta el 29 de junio, 2008

    Organización:
    Museo Nacional de Cerámica y Artes Suntuarias González Martí
    Dirección Técnica:
    Antón Andert
    Coordinación:
    Eva Fürtbauer
    Carlos Cespedosa Pita



Noticias desde EE UU, workshop en Missouri

Por • 19 de abril, 2008 • Tema: Noticias

Eva Zethraeus, Gregory Miller y Jane Hyeck, tres de los participantes del intercambio celebrado en los países escandinavos, también han viajado a Estados Unidos para asistir a la celebración de NCECA. Además de participar con obra en la exposición “Nordic Woodfire” incluida en el programa de este singular evento CARNEGIE-SEWICKLEY ROUTE Stop 1, estos tres ceramistas participaron en un workshop en la Escuela Universitaria de Missouri (MSU), en Sprinfield.

En las imágenes: un momento del taller, preparación para la cocción de los trabajos que se cocieron en el noborigama, y a continuación viendo los resultados.

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MSU en Springfield, Missouri workshop 2008

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Preparando la cocción en noborigama; Orzarks College, Branston-Missouri

missouri cocción missouri resultados cocción



Presentación de J.A. Sarmiento a cargo de Abraham Rubio

Por • 8 de abril, 2008 • Tema: Anteriores portadas, Artículos, Artistas, Destacados, Exposiciones, José Antonio Sarmiento

(El día de la inauguración en la galería Cuatro Diecisiete, por Abraham Rubio)

Presentar a José Antonio Sarmiento en la Galería Cuatro Diecisiete es todo un honor. Primero, porque poder hablar de un artista íntegro es todo un privilegio y segundo porque es un lujo que el catálogo para la exposición haya sido escrito por uno de los grandes historiadores del arte español, Javier Hernando, al que admiro desde hace mucho tiempo y al que he citado en mis escritos en más de una ocasión.

El espacio de la Galería Cuatro Diecisiete se ha adaptado como anillo al dedo al saber hacer de José Antonio Sarmiento y el conjunto expresa bien su labor en el campo de las cerámica y el reflejo de sus técnicas de cocción, de tal manera que encontramos unas maravillosas esculturas-plato cocidas en el anagama, donde el fuego y la ceniza han pintado mano a mano con el artista expresivos y sugerentes matices del color de la naturaleza. Toda la fuerza de los emaltes blancos y negros impregnan el gran conjunto de las piezas llamadas “reversibles”, cocidas en las cámaras del noborigama a 1300 ºC, y que son un gran descubrimiento y un feliz hallazgo escultórico, donde el espectador dice su última palabra, ya que puede disponerlas por una u otra cara, según su estado de ánimo. Por último, aunque aquí las vemos nada más entrar, ha aprovechado el calor de la última cámara del noborigama, para cocer un conjunto de piezas de color rojo, con translúcidos engobes blancos, que nos sugieren sencillez y economía expresiva de medios, pero al mismo tiempo una compleja red conceptual.

reversible_ desayuno en la hierba

DESAYUNO EN LA HIERBA, 2008 gres y esmalte

Estamos convencidos de que el artista de la cerámica José Antonio Sarmiento ha llegado a la madurez como creador, y que si partiendo de la alfarería, del torno, del modelado, había sabido convertir obras utilitarias en piezas artísticas por sí mismas, ahora con estas esculturas “reversibles” ha dado un paso más, y ha llegado al núcleo del arte conceptual, logrando un equilibrio entre la naturaleza que le rodea y sus más íntimos sentimientos, a veces llenos de poética, como en la obra “Bajo la glicina”.

En 1999, durante el IV Congreso de la Asociación de Ceramología conocí por primera vez la obra de José Antonio Sarmiento de la mano de su hermana María Jesús, que pronunció una reveladora conferencia sobre las cerámicas de influencia japonesa que salían de su horno de leña de dos cámaras construido en San Cibrián de Ardón (un año después construiría en el mismo lugar un anagama-noborigama). Ahora, para todos los que hacen cerámica o escriben sobre esta materia, este pequeño pueblo leonés es muy conocido, al menos de oídas o a través de fotos y textos. En aquel Congreso de Vitoria yo presentaba una ponencia sobre los ceramistas Zuloaga, de quienes estaba preparando una tesis en la Universidad Complutense y a quienes consideraba unos de los protagonistas del cambio que se producía a finales del siglo XIX y principios del siglo XX en la cerámica española, como era el cambio de artesano a artista. José Antonio y María Jesús estaban en otra onda, en la de la cerámica totalmente actual, mientras yo estudiaba lo que había pasado hacía cien años. Creo que nunca llegué a hablar con ellos sobre mis experiencias con la cerámica contemporánea, pero siempre me había interesado ese campo y también su relación con el arte de vanguardia. De hecho, parte de mi aprendizaje cultural se produjo en Cuenca en los años en que su museo de Arte Abstracto daba mucho que hablar, de 1975 a 1978, y a mi llegada a Madrid en 1980 entré en un taller de cerámica y trabajé en el mío propio desde 1982 a 1985, y como no, también me sentí muy atraído por la cerámica oriental, en especial la japonesa.

Cuando vi lo que era capaz de hacer José Antonio Sarmiento con la arcilla me dejó totalmente cautivado, y pensé lo que hubiera dado por haber estado en un taller como el suyo en aquellos lejanos años de principios de los ochenta. Presentí que él llegaría muy lejos, sobre todo si conseguía encontrar un equilibrio entre todo ese aprendizaje e influencia japonesa, tamizarla por la cultura occidental e insuflarle ese espíritu creativo que se le adivinaba en su manera de ser.

Desde que dieron a conocer a través de su página Web tanto sus obras como las de muchos ceramistas internacionales reunidas en la Galería Azul, siempre curioseo para ver las novedades que presentan y para ver como va evolucionando la obra de José Antonio. Sin duda ha llegado a una etapa de madurez, creativa y personal, sin olvidar las raíces de la técnica y estética oriental. Por otro lado, no ha abandonado esa obra totalmente mimética con lo japonés, de tal manera que no creo que haya ningún español que se sienta tan identificado con la cultura nipona como él. Es como un nuevo Bernard Leach a la española, o casi mejor a la leonesa, si nos lo permite decir el caso también ejemplar del catalán Artigas.

Cuando hace dos años me propusieron dar una conferencia en el Museo Cerralbo de Madrid sobre la influencia de la cerámica oriental en la cerámica española, después de ir repasando las distintas etapas de la historia del arte en ese campo, cuando llegué a la fase actual y tuve que buscar un buen ejemplo, no se me ocurrió otro mejor que el de José Antonio Sarmiento. Recuerdo las expresiones de asombro del público cuando vieron imágenes de sus piezas y sobre todo de ese monumental horno anagama-noborigama. Tal vez para los ceramistas especializados o interesados en el tema, este horno se vea como más normal, pero para un público amplio no tan especializado, sino solamente interesado en el mundo de la cerámica en general, el encuentro con las técnicas de cocción japonesas es todo un descubrimiento impactante.

Después de lo mucho que ya se ha dicho sobre José Antonio, escribir algo nuevo sobre sus cerámicas es toda una responsabilidad. Entre los que se han ocupado de su arte hay que citar las muchas referencias de Antonio Vivas en sus artículos introductorios en la revista Cerámica, los imprescindibles artículos de su hermana María Jesús Sarmiento, el modélico catálogo de Kosme de Barañano, el creativo catálogo para esta exposición con cubierta hecha por la mano del artista y el texto de Javier Hernando, y sobre todo tengo que reconocer que fue en un pequeño texto de Eduardo Zotes para la exposición de Salamanca “Después del invierno”, donde de pronto encontré qué era lo que tanto me gustaba de sus cerámicas, y es ese aura que desprenden.

Desde luego, José Antonio Sarmiento domina las técnicas de modelado y torneado a la perfección, los esmaltes cerámicos y las técnicas de cocción, pero si fuera sólo eso sería un artesano más. Él hace arte con las pastas cerámicas y tiene su estilo propio, que lo distingue de los demás. Ésa es una de las cualidades a la que todo artista aspira y en él es ya una realidad.

Abraham Rubio Celada es doctor en Historia del Arte, colaborador de la Real Academia de la Historia, experto y autor de diversas publicaciones relacionadas con el arte de la cerámica contemporánea, y miembro de la Asociación de Ceramología. Actualmente reside en Madrid.

Fotos en Art Ceramics (Flickr)

Otras entradas relacionadas:



Conferencias celebradas en la Escuela Francisco Alcántara

Por • 8 de abril, 2008 • Tema: Conferencias, José Antonio Sarmiento, Técnica

En torno a la obra de José Antonio Sarmiento
PAISAJES-OBJETO

(Se trata de un extracto de las dos conferencias pronunciadas por María Jesús Sarmiento en la Escuela de Arte Francisco Alcántara; Madrid, 26 y 27 de marzo de 2008)

anagama-noborigamaLa cerámica le sirve a José Antonio Sarmiento como medio en el que desarrollar una simbiosis entre forma y fuego, y elemento en el que unir en un mismo cuerpo: volumen, color y la expresión de la alfarería desde una visión contemporánea (asunto que interpreta por su carácter social, entendiéndolo como símbolo de la vida y las relaciones humanas). Después de un tiempo trabajando como dibujante y pintor, del mismo modo que el músico elige su instrumento, sintió José Antonio que la cerámica era el medio en el que le interesaba profundizar. Desde 1980 a ello se dedica a tiempo completo y de modo independiente. Profundizará en la disolución de las fronteras del arte ante la necesidad de ser consecuente con su modo de entender y vivir, y expresarse con el lenguaje de la plástica.

La resistencia y la maleabilidad del material le atrajo desde el primer momento ante la posibilidad de hacer indistintamente: escultura, obras para integrar en la arquitectura y objetos que sirviesen al «uso utilitario», sin renunciar en ninguno de los casos a la intención del arte y dedicándole tanto a uno como a otro asunto la misma importancia. De la obra de José Antonio Sarmiento se desprenderá la observación de la naturaleza como metáfora o referencia de su influencia sobre el hombre.

A todas estas razones él ha sumado la aplicación del fuego (trabajando con temperaturas desde 1000 a 1350º C.) de un modo directo y personal, con una intención artística conseguida que va más allá de la consolidación de la materia o la búsqueda de determinados efectos. Si construye sus propios hornos, o prepara sus propias arcillas y esmaltes es por una mera cuestión práctica: adaptar las herramientas y los medios a los resultados buscados, incorporando así «su» carácter a la arcilla y a todo el corpus material de la obra.

Entre los diversos procedimientos, el método de cocción elegido se integra dentro del proceso creativo de un modo inseparable a la forma: extraer una pieza del horno al rojo e incluso realizar en ella diferentes tratamientos postcocción en caliente (con humo); en el esmaltado con vapores de sal o soda; y mediante la cocción de leña (en la que este artista se ha especializado desde 1988). Estas serán acciones significativas además de sus herramientas o medios habituales de trabajo. Lo más relevante es la utilización de estos métodos sin dogmas ni ortodoxias, contemplándolos desde la libertad y buscando siempre la mayor economía de medios posible para obtener los resultados buscados del modo más natural. En consecuencia la simplicidad es una pauta recurrente en su obra.

En alta temperatura la arcilla se trasforma en un material de gran dureza y resistencia al choque mecánico –la elección del método para José Antonio depende del destino de las obras (el uso o la ubicación), pero también el modo de conseguir determinadas tonalidades, matices y texturas. Sin embargo, vemos que en su caso no le otorga más importancia a un material que a otro, sino que simplemente (el gres, la terracotta o la porcelana) se contemplarán según su naturaleza, en el sentido de construir el vocabulario apropiado para expresar literalmente un determinado discurso interpretado a lo largo de su interpretación conceptual.

Después de más de diez años trabajando con muy buenos resultados en un horno de leña de dos cámaras, con cámara de fuego estilo Bourry (cocción rápida de 12 a 14 horas a 1300 ºC.), decidió construir otro horno más grande buscando el modo de hacer cocciones de varios días; con el fin de potenciar una mayor acumulación de ceniza en el cuerpo de la arcilla (vidriando la materia a base de veladuras sin necesidad de esmaltarla, por medio de los flameados y otros fenómenos provocados). El resultado de lo que hace es pintar literalmente con fuego, potenciando el gesto del modelado y del pincel del flameado, con el viento y la ceniza.

En el año 2000, después de su estancia en Japón como invitado del prestigioso artista Ryoji Koie, José Antonio Sarmiento construyó un nuevo horno de leña en su estudio de San Cibrián de Ardón (al sur de León), combinando en uno solo las propiedades de dos tipos de hornos retomados de la tradición japonesa: el anagama y el noborigama. De este modo hace en una misma hornada (de varios días) diferentes trabajos con o sin esmalte e incluso puede cocer en cada una de las cámaras a diferentes temperaturas si así lo decide. En el ‘anagama-noborigama’ realiza cocciones con una duración de entre 4 a 7 días, dependiendo de la naturaleza del trabajo.

En la primera parte de este horno (anagama), la leña y la obra modelada comparten el mismo espacio: aquí suele realizar obras de mayor escala (en monococción), y potencia el carácter del fuego sobre la arcilla desnuda (1300 ºC). Los efectos de la ceniza convertida en esmalte deslizándose por el principio de la gravedad, las tonalidades conseguidas mediante el empleo de diferentes tipos de leña, temperatura, arcillas, atmósferas…, se combinan con el modo (posición y lugar) en que las piezas se colocan en el interior del hogar (espacio de fuego) y que junto a la duración de la hornada se suman al resultado final.

Entiende José Antonio Sarmiento estos procedimientos técnicos, según sus palabras, como «la manera más natural de no abandonar la obra en ninguna de las fases del proceso», lo que significa que puede actuar en todo momento sobre la pieza incluso cuando está dentro del horno, planteándose la cocción como parte del proceso creativo por extensión de los matices de su plástica. Es conveniente decir que como artista se enfrenta a la técnica con conocimiento y apreciando la sabiduría de la tradición; hecho que no le impide ser consciente y asumir todo el bagaje cultural que ha revolucionado la historia del arte contemporáneo. La recompensa de su experiencia personal, después de tantos años de intensa dedicación, se manifiesta en el modo en que siempre permanece atento y abierto a lo desconocido –siempre dispuesto a arriesgar hasta el límite. El aprender de los errores, le ayudó para aceptar la imperfección como una consecuencia de la vida y de los acontecimientos. De este modo contemplará la naturaleza para admirarla pero también para asumirla incluso bajo las circunstancias menos amables.

En el noborigama (varias cámaras en pendiente) coloca las piezas en las que desea revelar flameados menos violentos, y también las esmaltadas de determinada forma. A veces protegidas en cajas refractarias o gacetas (1), destinadas a salvaguardar de la llama y la ceniza un determinado esmalte o el movimiento del trazo del pincel, aunque si aprovechando el beneficio de la atmósfera y de la maduración lenta del fuego.

El horno tardará aproximadamente una semana en enfriar y es entonces, con la distancia, cuando el artista completará definitivamente el proceso: al escoger las piezas que considerará completas (después realizará unos pequeños retoques de pulido en las huellas dejadas por las conchas de mar donde se han apoyado, unas marcas que le sirven como un elemento plástico que introduce sombras y relieve en las superficies esmaltadas, y que a la vez impide que las piezas como es el caso de sus Reversibles, que esmalta por todas las caras, queden adheridos a las estanterías del horno donde se han apoyado. Para concluir todo el proceso final seleccionará las obras que considera satisfactorias de las que han de volver a hornearse para aportarles más carácter, y descartará sin contemplaciones las que no le agradan o se hayan perdido sin remedio (algo con lo que siempre cuenta debido a los riesgos que asume). Éste es el desafío. Al evaluar los resultados, la satisfacción de contemplar lo conseguido sin duda compensará todas las dificultades.

josé antonioEl resultado del trabajo de José Antonio Sarmiento es de una gran fortaleza y expresividad. Como la naturaleza, a veces refleja la violencia, y otras lo sutil, la lírica de lo humilde y hasta lo exquisito. Una profunda filosofía de carácter social se transparenta en cada una de sus piezas. En el libro El arte y sus lugares, su autor, el admirado artista Antoni Tàpies nos habla de ciertos objetos que contienen «una fuerza carismática intransferible que encuentra su punto de llegada en la mente del contemplador, no para describirle nada, sino para arrebatarle la conciencia y conseguir que sea él mismo quien abra los ojos del espíritu al misterio de la más profunda Realidad».

En su reflexión José Antonio Sarmiento subraya la contemplación de lo Relativo, confluencia en la que han coincidido Oriente y Occidente: desde parámetros del arte «zen» al llamado «arte informel europeo». Teniendo en cuenta que este artista es de los que piensa que ni la técnica ni el material son relevantes en la calificación de una obra de arte. Y que para él lo esencial es la “forma”, la mano y la mente del artista y el modo en que ambas actúan en todo el proceso (Barañano). No es casualidad, sino consecuencia, que el carácter de esta completa dedicación (de JAS) refleje –en la forma y en el fondo– la tensión de los elementos que maneja como extensión inseparable de su postura ante la vida. De esta filosofía extrae del paisaje su reversibilidad, para reflexionar sobre determinados aspectos universales que a todos nos conciernen.

En la actual exposición de José Antonio Sarmiento, REVERSIBLES paisajes-objeto, podemos contemplar objetivamente obras realizadas en la primera cámara desde la violencia expresionista, por medio de una “fuego-grafia” revelada en el gres desnudo, tallada con el esmaltado de leña, hasta la lírica de su profundidad pictórica y gestual (materializada igualmente en la profundidad y belleza de los esmaltes hechos y aplicados por la mano del artista), o sumada a la poética extraída de la humildad de la terracotta. Incluso podemos contemplar la expresión de la escultura en su propio lenguaje, y en el de una alfarería contemporánea que profundiza más allá de lo utilitario y lo decorativo. En lo subjetivo, en mi opinión, esta obra sirve también para abrir la mirada hacia la «profunda Realidad». Porque, además del placer estético que sin duda nos proporcionan estas piezas reversibles, descubre a la mirada atenta razones para pensar. En todos los sentidos y por extensión, no nos queda más que recomendar detenerse ante estas obras reversibles.

Fotos del horno de leña (anagama-noborigama)
Cerámicas de JA. Sarmiento

Otros enlaces relacionados:

(1) Gaceta: (del francés caissette, cassette, dim. de caisse, del lat. capsa, caja) f. Caja refractaria que sirve para colocar dentro del horno los baldosines que han de cocerse. (pág. 5179, tomo 12; Diccionario Enciclopédico Espasa (1989) ed. Espasa-Calpe S.A., Madrid)