Posts Tagged ‘ceramic’

Conferencia en la Escuela de Arte de Talavera

Por • 19 de octubre, 2008 • Tema: Conferencias, José Antonio Sarmiento

«El sentido de cocer con leña: Una hornada de varios días»
Un análisis razonado sobre la obra de José Antonio Sarmiento, significado y motivos de inspiración.

Conferencia: impartida por María Jesús Sarmiento (documentada con DVD, sobre la cocción en el anagama-noborigama y power point; 1h + 15 mi. para coloquio y preguntas)

Fuegografías, José Antonio Sarmiento

Las marcas del fuego en la obra de JAS (imágenes en Flickr ‘Art Ceramic’)

Hay algo que va más lejos del hecho de conseguir alcanzar la temperatura o madurar un esmalte. Más allá de la técnica, la motivación se alimenta desde la visión y el temperamento artístico. La búsqueda de determinadas fuegografías lleva incluso a alargar intencionadamente las cocciones de un modo ininterrumpido, durante varios días o semanas.

Cocer con leña, para José Antonio Sarmiento, es el modo más natural de no abandonar la obra en ninguna de las partes del proceso; es decir, continuar interviniendo directamente en ella incluso cuando está dentro del horno. Literalmente se trata de pintar y modelar con el fuego blanco. Mirar en la tradición e ir más allá, aunque sea preciso arriesgar hasta el límite.

(PDF) María Jesús Sarmiento ejerce como crítica de arte freelance especializada en cerámica contemporánea, y edita este blog.

Información:
Día: 22 de octubre 2008 18:00 pm.
Lugar: Escuela de Arte de Talavera
C/ Segurilla, 1
45600 Talavera de la Reina (Toledo)
Teléfono: 925 811 942



Conexions – 4 x Keramik; exposición temporal en el Museo de Arte Vendsyssel

Por • 18 de octubre, 2008 • Tema: Exposiciones

Dinamarca, Vendsyssel Kunstmuseum
SAMMENHÆNGE – 4 X KERAMIK
Del 3 octubre al 4 enero de 2009

Inauguración con la presentación del profesor Poul Jensen, de la facultad de artes visuales de Oslo (Kunsthøgskolen i Oslo, Fakultet for visuell kunst).

Tove Anderberg(Dinamarca), Nina Hole (Dinamarca), Gregory Miller (EE.UU.), y Eva Zethraeus (Suecia).

Cuatro artistas ceramistas exponen juntos su obra en Hjørring, al norte de Dinamarca. Los trabajos de todos ellos son muy diferentes, sin embargo hay presente una evidente conexión que les relaciona entre si. Procede de sus fuentes de inspiración con la mirada puesta en la naturaleza y el desarrollo de formas que -teniendo presentes las antiguas cerámicas- evolucionan en el discurso actual partiendo del elemento «Vessel» (el vaso para ser contemplado).

Eva Zethraeus, Instalación de pared (detalle)

Obra de Nina Hole

Obra de Gregory H. Miller

Obra de Tove Anderberg

Más imágenes de la exposición en Flickr (Art Ceramics)

Visita guiada a la exposición, de la mano de Gregory Miller (izqda-video, English version)

Enlaces Relacionados



14ª Exposición Anual Joanna Bird Pottery

Por • 18 de octubre, 2008 • Tema: Exposiciones, Noticias recibidas

Lugar: Browse & Darby
19 Cork St, London W1S 3LP
Consultas: 020 8995 9960
Exposición: 020 7734 7984
Joanna Bird Pottery

CONTINENTAL EMBRACE
Del 20 al 25 Octubre 2008
10am – 5.30pm
Inaguración día 20 6-8pm

Danlami Aliyu, Svend Bayer, Jacob van der Beugel, Carina Ciscato, Natasha Daintry, Nicholas Rena, Julian Stair. Además: Joanna Constantinidis, Hans Coper, Shoji Hamada, Lucie Rie, Tatsuzo Shimaoka.

Continental Embrace muestra algunas de las mejores cerámicas del mundo, complaciéndose en ofrecer obra de artistas desde siete países en una nueva e imaginativa exposición este otoño.

Danlami Aliyu viajó hasta Minna en Nigeria para pasar tres meses trabajando en el estudio de Michael O’Brien heredero de la tradición de Michael Cardew. Aliyu realiza un trabajo de carácter utilitario con un brillante esmalte chun y celadon.

Continental Embrace muestra la obra de la artista sudamericana Carina Ciscato, nacida en Brasil, sus delicados esmaltes de porcelana exploran ideas de asimetría superpuestas con la escala.

Desde lo más cercano se muestra un gran trabajo de cinco artistas europeos.

Svend Bayer: Anphora 2008; h. 81 cm. x 58 cm. D, cocción de leña


Svend Bayer
, realiza potentes formas en gres disfrutando con los resultados del esmaltado de las cocciones con leña.

Jacob van der Beugel desarrolla su personal concepto de instalación con una elección que quiere ir más allá de los esmaltes.

Julian Stair ha realizado un nuevo trabajo para esta exposición, basándose en su interés habitual por las arcillas coloreadas. En esta ocasión ha introducido una variedad de texturas, en algunas formas rescatadas desde una fábrica de ladrillos para mostrar nuevas formas a partir de una luz diferente.

Natasha Daintry, siempre exhuberante en el uso del color sobre la porcelana, brillantes recipientes y formas alteradas.

Nicholas Rena revitaliza las técnicas industriales de colada, procedente de formas de una elegancia arquitectónica con connotaciones simbólicas. El trabajo no es esmaltado sino bruñido con pátinas de color.

Continental Embrace también incluirá trabajos de varios prestigiosos nombres históricos en la alfarería de estudio.

Shoji Hamada y Tatsuzo Shimaoka nos aportan el gusto del Mingei de la alfarería japonesa. Joanna Constantinidis con sus trabajos esculturales y sus esmaltes de lustres responde a la belleza de la luz mientras Lucie Rie y Hans Coper, desde Austria and Germany respectivamente, no necesitan ninguna presentación: sus obras constituyen un punto de referencia, una influencia irrevocable en la evolución del arte de la cerámica contemporánea europea.

Otro de los artistas de la galería Joanna Bird Pottery:
Fernando Casasempere muestra Fusion en los jardines de Chatsworth, una nueva escultura en porcelana perteneciente a la exposición de Sothebys ‘Beyond Limits’, hasta el 2 de November 2008.



Asociación de Ceramología: programa del XIII Congreso Anual

Por • 16 de octubre, 2008 • Tema: Conferencias

Del 24 al 26 de octubre
Centro Cultural Rafael Morales
Talavera de la Reina (Toledo)

mini_museotalavera Este año, el XIII congreso anual de la AC se celebrará en Talavera del 24 al 26 de octubre, con el tema: «RENACIMIENTOS: En torno a la cerámica de Ruíz de Luna».

Último día para inscribirse: viernes 17 de octubre; (inscripción no socios: 35 €; dos créditos y descuento para estudiantes; socios AC: gratuita).

El Museo Ruiz de Luna, inaugurado en 1996, ocupa parte del edificio del antiguo convento de San Agustín. Este museo alberga una colección de cerámica representativa de esta localidad de la provincia de Toledo, obras del siglo XVI al siglo XX: cerámica con reminiscencia mudéjar de mediados del siglo XVI, serie tricolor, serie de helechos y golondrinas, y serie policroma del siglo XVII, la época más representativa de la tradición cerámica talaverana.

Programa de conferencias:
(PDF) Programa XIII Congreso AC, portada
(PDF) Programa XIII Congreso AC, interior

Enlaces relacionados
AC, asociación de ceramología



El Vendrell: La Cerámica, programa de actividades – Octubre 2008

Por • 16 de octubre, 2008 • Tema: Exposiciones, Noticias

El Vendrell, municipio de la comarca del bajo Penedés en provincia de Tarragona, celebra este mes de octubre un nutrido programa en torno a la cerámica del presente. La intención es estimular una mayor comprensión hacia la expresión de la cerámica actual –en palabras de Joan Descals (comisionado de la cerámica) – «poder opinar, actuar y compartir, es lo que se pretende con estas ofertas. De este modo la cerámica podrá ser apreciada no como un arte de otros tiempos sino como un proyecto futuro repleto de posibilidades creativas». En el presente, este momento ha llegado constatado en una realidad, a través de las interesantes exposiciones que durante este mes de octubre El Vendrell ofrece.

Por lo que se puede apreciar, desde hace unos años el Ayuntamiento de El Vendrell está apostado seriamente por la cerámica actual ofreciendo un fuerte impulso hacia la apreciación y el conocimiento. No solamente se trata de organizar la convocatoria de una Bienal Internacional, también se cuida que el resultado del certamen transcienda. Al año siguiente de cada convocatoria se muestra una exposición dedicada a los artistas premiados con una distinción, y edita los correspondientes catálogos: dedica uno general -a los tres premios otorgados-, y otro individual a quien haya obtenido el primer premio. En la última edición los miembros del jurado (J. Corredor Matheos, Enric Mestre, José Miranda, Alison Thinker, y Carles Vives) bajo la presidencia de la Sra. Concejala de Cultura Dña. Marta Tutusaus, otorgaron las distinciones a tres artistas de la comunidad europea: 1º premio, Rebecca Maeder (Suiza); 2º premio, Rachèle Rivère (Francia); 3º premio, Petra Benndorf (Alemania). Tres lenguajes diferentes que según su criterio subrayan la diversidad de campos aportados por la cerámica actual en el lenguaje de las formas y en el de los materiales simultáneamente.

"Acanthocoelenteron, Rebecca  Maeder

Acanthocoelenteron, porcelana y puntos de esmalte; Rebecca Maeder

"Cocoon, Petra Benndorf"

Kokon, porcelana; Petra Benndorf

"Memoire d'enfance, Rachèle Rivière"

Memoire d’enfance, placas y calcas de impresiones de dibujos; Rachèle Rivière.

Las tres exposiciones individuales de estas tres artistas premiadas en la IV Bienal de El Vendrell (2007), pueden visitarse estos días y hasta el 2 de noviembre de 2008 en la sala Portal del Pardo.

Fotos de la exposición en El Vendrell (flickr «Art Ceramics»)

Exposición en Galería Camil.la Pérez Salvà
Plaza de les Garrofes, 4; El Vendrell
De lunes a sábado de 18 a 20 h.

RELACIONADOS, esculturas cerámicas de Agustín Ruiz de Almodóvar

Compartiendo sala con obra utilitaria de Camila Pérez, nos encontramos con una serie de esculturas de Agustín Ruiz de Almodóvar (Granada), artista que en otras ocasiones también ha expuesto su trabajo en dicha sala. En esta ocasión podemos contemplar una selección de esculturas de dimensiones domésticas, en las que el estilo poliédrico que es característica de este artista conserva la misma fuerza que en otras obras en las que dicho autor se enfrenta a dimensiones constructivas de mayor escala. Desde nuestro punto de vista consideramos que en estas piezas cerámicas con aspecto de piedras, Ruiz de Almodóvar se plantea una vez más cuestiones sobre la densidad y el espacio. Un discurso sin duda inagotable con el que la identidad del escultor-ceramista se identifica, hasta confrontar certezas e incertidumbres sobre el sentido del «espacio-tiempo».

Camila Pérez apuesta sin reservas por este trabajo de Ruiz de Almodóvar, y no nos cabe duda que la elección ha de ser del agrado de su clientela habitual, pero también de quienes atraídos por estas jornadas en torno a la cerámica de arte se acercarán hasta El Vendrell.

Camila Pérez y Agustin Ruiz de Almodóvar, junto a una de las esculturas cerámicas que expone

Exposición: “Artigas – Fenosa”
En la Fundación Apel.les-Fenosa

"Artigas en fundación Apeles Fenosa"

La siguiente exposición hace referencia a la amistad que mantuvieron Artigas y el escultor cuya fundación lleva su nombre. Se trata de una agradable muestra de fotografía documental (fotografías de Nicole Florensa), que narra una visita en mayo de 1958 del escultor a Gallifa. Junto a las imágenes también pueden contemplarse tres vasijas de Josep Llorens Artigas que son propiedad del museo Apelles-Fenosa. Y si es cierto que la escasa iluminación y el reflejo del cristal de la vitrina no le favorecen demasiado a estas piezas, el conjunto que forman con las fotografías son razón suficiente para la visita (entrada 2 € ).

Y aún hay más, proyección del documental Artigas, un espectáculo de fuego, etc.…

Enlaces relacionados
Rebecca Maeder
Petra Benndorf
IV Bienal de Cerámica – El Vendrell
Camil.La Pérez Salvá
Fundación Apel-les Fenosa



Exposición de María Bofill en Sabadell

Por • 2 de octubre, 2008 • Tema: Exposiciones

En la meva obra hi ha la creació d’objetes sense cap funció, és una recerca entre el deis classicista i la ruptura contemporània. No em proposo assolir la perfecció, ans el contrari, estimo les coses naturals i vives com si es belluguessin. Aixi, les meves peces amb el pas dels anys, esdevenen una reflexió sobre el paisatge urbá i el paisatge imaginari, petites arquitecturas que poden ser vistes com a propostes realitzables o no, però sempre desde la vessant Mediterrània. (María Bofill)

Exposición: Porcelanas de María Bofill
del 2 al 30 de Octubre 2008
lugar: Espai Foc – Cal Ventura
Via Massagué 5-7
Inauguración 2 octubre 20.00 h

Conversación con María Bofill
9 octubre
Escola Illa
Ctra/ Barcelona 249

Organiza: Asociación de ceramistas del Vallés

Diptico (archivo PDF)

Fotos, de la exposición: María Bosch



Dreams of Clay

Por • 27 de septiembre, 2008 • Tema: Anteriores portadas, Destacados, Exposiciones

«Havets Stjärna» («Mar de la Estrella»), made by Helena Andersson
Installation: ceramic, earthenware and glaze; 2008
From exhibition «Dreams of Clay», Sjöbo Konsthall julio-agosto 2008

Exposición: «Dreams of Clay»; Helena Andersson, Ulrika Henström, Pernilla Norrman.

En el catálogo de la exposición «Dreams of Clay» la especialista en cerámica Susanne Berglund dedica una reseña sobre la obra de las tres autoras (Helena Andersson, Ulrika Henström, Pernilla Norrman). Con este texto subraya la inspiración de la tradición cerámica que sugiere la expresión personal de sus respectivas lingüisticas en el manejo de la arcilla como base de su forma, cual germen desarrollado desde el enfoque del pensamiento actual, y un talante discursivo absolutamente contemporáneo.

Del texto original, en sueco, extraemos –mediante una traducción libre al castellano– las ideas fundamentales que Susanne Berglund plantea. Con el deseo de que dicho texto, en compañía de las imágenes, sea una herramienta útil para una aproximación a la obra de las tres autoras.

DREAMS OF CLAY

por Susanne Berglund (traducción del sueco con la asistencia de Google Translations Tools)

Mostrar una exposición de Arte, dedicada a la cerámica, en Sjöbo Konsthall, atrajo la expectación del público el pasado verano con la muestra (Alfarería Elfstrands) dedicada a la cerámica utilitaria.

En el Museo de artes decorativas de Sjöbo los visitantes solicitaron la oportunidad de ver, de entre las artes suecas, un número más significativo de exposiciones de cerámica. Por lo tanto, se consideró que sería interesante y aún más emocionante ofrecerles la oportunidad de contemplar cerámica contemporánea en Sjtöbo –una región con fuerte tradición cerámica.

Como punto de partida y antes de volver este verano a ofrecer exposiciones sobre «Cerámica Elfstrands» y su historia, decidimos invitar a tres ceramistas relacionados con Axel y Albert Elfstrands Cerámica para que mostraran su arte. Obras que con un punto en común con el pasado incluyesen la evolución de la artesanía, recibiendo inspiración de: la loza, las técnicas de cocción, los colores del folklore a través de los esmaltes y engobes, el estilo tradicional naivistiska y las formas orgánicas y expresivas de este lenguaje.

Helena Andersson juega con las variaciones de temperatura. En su trabajo se aprecia la transparencia del esmalte, la limpieza de color, veladuras de una profundidad que remite a la acuarela. En la limpieza del esmalte cristalino las tonalidades y los temas establecen una tensión entre la sofisticación del brillo de un esmalte que tapiza la superficie, la austeridad de la arcilla al descubierto, las huellas dactilares y las marcas de las herramientas.

Más imágenes de la instalación (4 fotos, en Flickr «Art Ceramic»)

Existen varias dimensiones de su universo táctil y el paisaje de lo áspero, el tapiz (capa de esmalte), entre lo rugoso y resbaladizo, los surcos y las grietas de sus superficies.

La forma expresiva en el lenguaje de Helena Andersson transciende desde lo intemporal en un arte puro donde se plasman los sentimientos.

En Ulrika Henström el arte no es el naturalismo que se afirma en la realidad, sino una alusión que en la ambigüedad nos muestra fragmentos de algo más extenso.

\"Ulrika Henströms\"

Más imágenes de la instalación (8 fotos, en Flickr «Art Ceramic»)

Los colores se extraen de la riqueza de matices contenidos en la arcilla y hablan de lo efímero de la vida mediante una translación a los personajes y objetos.

Sugiere soledad y melancolía, ternura y la voz de la amistad. En conjunto, las obras se recrean en el sueño, de un modo que convence al observador más profundo.

Pernilla Norman extrae de la tierra su propia arcilla para trasladar el sonido del barro a la cerámica conservando su esencia en el centro de la obra terminada; a través de la sencillez, de las variantes de color obtenido, por medio de los materiales y su desarrollo con el fuego.

Time on earth, 2008; obra de Pernilla Norrman

Más imagenes de la instalación (4 fotos, en Flickr «Art Ceramic»).

El cofre de su discurso guarda una reflexión meditativa sobre la fragilidad y lo corruptible de la vida humana. Pero también evoca la fuerza de la naturaleza desde la categoría o esencia
de los elementos. Paredes delgadas y circulares, espirales en las que repite la poesía sobre el renacer, lo que surgirá de las cenizas de nuevo.

Sueños de arcilla (Dreams of Clay), historias en cerámica, reúne una poética
de tres artistas contemporáneas que narran tres historias maravillosas con la asistencia del barro y el fuego.

Las obras conservan (recuerdan) las raíces de los alfareros Hertha Hillfon y Anders Liljefors. Donde el expresionismo, los conocimientos del material y un hacer artesano son fundamentales. Reunidos en torno a esta exposición contemplamos la naturaleza como fuente de fortaleza e inspiración.

Enlaces relacionados:



Santi Moix, Del fang a l’Escultura

Por • 5 de julio, 2008 • Tema: Destacados, Exposiciones

Del barro a la escultura

El Museu de Ceràmica de Barcelona expone hasta el 10 de enero de 2009 una selección de las mejores obras cerámicas de Santi Moix.

Santi Moix \"Argelès-sur Mar  2005 III\"

Santi Moix, Argelès-sur Mer 2005 III

La escultura de Santi Moix es un reflejo de su fascinación por la naturaleza. De los paisajes del Ampurdán, del mar, de los recuerdos de su infancia; pero también es una traducción tridimensional de sus dibujos y pinturas, que forman parte de un universo propio y fácilmente identificable como parte de su biografía. Moix se dedica a la cerámica sólo en verano, cuando abandona Nueva York por Vullpellac (Girona), donde el ceramista Joan Raventòs tiene su taller y donde, desde hace 14 años, Moix trabaja las formas sinuosas y geométricas, de sus esculturas. El Museu de Ceràmica presenta, a partir del 20 de mayo, una selección de obras en pequeño formato de Santi Moix, que pueden verse por primera vez en Barcelona.

Acceso a más imágenes de la exposición celebrada en el Museu de Ceràmica – Barcelona (Flickr ArtCeramics / Santi Moix)

Texto sobre la obra de Santi Moix, cortesía Museu de Ceràmica



Conclusiones sobre las jornadas celebradas en Alcora

Por • 1 de junio, 2008 • Tema: Conferencias

Imágenes de la exposición ArtX15 en las instalaciones de la escuela de cerámica de Alcora (Castellón), muestra que puede contemplarse hasta el 12 de Junio.

Algunas de las conclusiones de la mesa redonda:

Sobre la mesa se pusieron asuntos interesantes, en cuanto a la valoración en nuestro país de la práctica cerámica como expresión artística. Desde la posición y el criterio de cada invitado: Eladi Grangel (director del Museo de Alcora), Antonio Gascó (crítico de arte), Alberto Andrés (ceramista que en este caso ejerció como representante de Cerco’ 08, feria de cerámica contemporánea celebrada en Zaragoza de la que ha sido comisario en esta última y octava edición), y María Jesús Sarmiento -quien esto escribe- desde mi experiencia como estudiosa de la cerámica contemporánea, autora de este blog, y Art Dealer a través de las diversas actuaciones organizadas por la Galería Azul. Diversidad de campos de acción que como profesionales del medio podemos resumir en pos de un conocimiento específico para instrumentar los medios de difusión necesarios que reconocen la cerámica y su lugar en el ámbito del arte.

Un asunto que solo es posible lograr a través de la difusión cultural, de la comercialización por medio de galerías de arte o especializadas en cerámica, y con la labor imprescindible del apoyo del pensamiento crítico (la crítica, desde mi punto de vista, es fundamental y así lo expresé, como medio de traducir al público no experto un conocimiento más profundo sobre el sentido, la intención y lo que es más importante: la calidad de las diversas propuestas artísticas).

Con el objetivo de alcanzar una difusión más efectiva, toma de conciencia y revalorización del medio, es conveniente señalar algunos de los puntos más importantes:

1- La labor didáctica del museo, con exposiciones y actuaciones paralelas (con este fin el Museo de l’Alcora subrayó su apuesta por el taller didáctico para niños, entre otras actuaciones); 2- La implicación de las escuelas de arte (como ha sido el caso de L’Alcora al organizar exposiciones en la que se muestra obra de profesionales, así como cursos demostración a cargo de un artista), iniciativas que van más allá de ser un complemento del programa educativo (por ejemplo: las clases magistrales, cuyo precedente es clásico de los conservatorios de música y de la escuelas de bellas artes son imprescindibles para que el alumnado pueda ver como se mueve el autor con los materiales entre sus manos). 3- La labor divulgativa y comercializadora de las galerías; y teniendo en cuenta que en nuestro país son escasas las que por el momento apuestan por el medio, es conveniente la organización de eventos y festivales –siempre que se cuide la calidad al máximo, sin excusas ante las dificultades del mercado–, por esta razón tal vez sea importante ir paulatinamente mostrando lo mejor, es decir primar la calidad sobre la cantidad, ya que lo contrario ejercerá un efecto boomerang en detrimento de lo que queremos conseguir, o dicho de otro modo: una mezcla sin criterio no aportará nada en cuanto al incremento del prestigio sino todo lo contrario.

Hay que señalar que en esta mesa redonda que comentamos resultó muy interesante la participación entusiasta del público asistente, ya que todas las propuestas y matizaciones que en ese momento se hicieron sirvieron, además de para dar un repaso a nuestras principales preocupaciones, para proponer o pensar en iniciativas adicionales. Entre estas propuestas considero interesante destacar la intervención de Manuel Aramendía (artista y profesor de la Facultad de Bellas Artes de Barcelona) que planteó la conveniencia de colaboración con las facultades de bellas artes interesadas en trabajar junto a ceramistas profesionales, así como también la incorporación del tejido industrial que se interese en contemplar colaboraciones puntuales con los artistas plásticos, ceramistas o no –como ocurre en otros países (Limoges, Shigaraki, Copenhague, etc)–; dicho de otro modo, aprovechar la riqueza que la materia cerámica ofrece en el campo creativo a través de su diversidad de métodos (tanto artesanales como industriales) para enriquecer el vocabulario de la plástica.

En conclusión: quedó patente que es imprescindible la difusión por parte del museo y el tejido comercial especializado (de calidad). En definitiva, la búsqueda de la excelencia como única vía de instrumentar el incremento de valoración y prestigio del medio. Los mejores ejemplos los encontraremos a través de la obra que pueda contemplarse en exposiciones, atendiendo a los diversos estilos y a la diversidad de los géneros. No me canso de repetirlo, y perdonar que insista, teniendo en cuenta que arte puede ser escultura, alfarería, instalaciones…, aquello que solamente por su calidad y no por cuestiones de forma van a merecer ser calificados como tales objetos). Pero, además, es necesario encontrar o mejor dicho desarrollar fórmulas nuevas que sirvan para llegar al público preocupado por estas cuestiones. En este sentido es evidente que el ciudadano de la calle cada vez está más preparado, así es que si se le ofrece calidad sin confusiones la apreciará y lo agradecerá. No hay más que pensar que estadísticamente nunca como ahora -me refiero al momento presente- hubo una preocupación por el arte tan mayoritaria, por el mismo motivo que nunca hubo tantos artistas o personas dedicadas a producirlo, del mismo modo que nunca se han vendido tantos libros especializados, o las exposiciones de los grandes museos y centros de arte han visto crecer el número de visitantes en un número nada despreciable (y por cierto con público no perteneciente al círculo reducido de entendidos).

Para terminar, tal como yo lo veo y en mi modesta opinión, la mejor y única forma que realmente será efectiva en lo que nos concierne a quienes de un modo u otro a esto estamos dedicando la vida, es la de ofrecer información para que el público pueda aprender a discernir la calidad –educar la mirada con la mente abierta– y lo hemos de hacer con todos estos instrumentos que tenemos a nuestro alcance.

Pienso también que muy importante es contribuir mediante la adquisición del trabajo de nuestros autores, (cada cual según sus fuerzas -ya sean obras más grandes o más pequeñas, de uso o de contemplación-, atendiendo a nuestra disponibilidad de espacio y poder adquisitivo) ya que es el único modo de que los artistas puedan seguir creando. Siempre insisto en este punto, en cualquier caso rodearse de buenas piezas sin duda será beneficioso en muchos sentidos –como usuario independientemente, y si se es ceramista o se está en el camino de serlo más a mi favor. Y claro está huelga decir que son los Museos de Cerámica o los Centros de Arte contemporáneo los primeros que deben predicar con el ejemplo, de hecho es lo que ocurre en otros países. Se me contestará que ya están las adquisiciones a través de los concursos de cerámica que desde hace unos años se vienen organizando, ciertamente es una medida de apoyo, en tanto que pueden servir como plataforma de los nuevos valores, y sin duda estos certámenes son una ayuda económica para los ganadores… pero hay que hacer más. Si tenemos en cuenta que muchos de los artistas consolidados no van a presentarse a estos certámenes, lo más conveniente es que paralelamente a la adquisición por medio de los concursos, exista una comisión de expertos de reconocido prestigio que al menos una vez al año adquiriese como mínimo una obra de los más interesantes valores internacionales (de aquí o de allá, de donde sea). Para que esto sea posible es evidente que necesitamos más presupuesto, así que ahora habría que estudiar por qué los museos de cerámica de nuestro país han de trabajar en condiciones tan precarias. Mientras no nos enfrentemos a todas estas realidades de una manera constructiva, no podremos decir que la cerámica en España puede equipararse al ámbito internacional, aunque sin duda contamos con algunos autores interesantes.

Otra cosa que resulta preocupante es que el número de alumnos en la mayoría de los centros sea tan escaso, aunque por lo general y salvo excepciones puntuales contemos con una dotación de profesorado eficiente y entusiasta, añadida a una dotacióncada vez mejor en cuanto a instalaciones y medios (gratamente me sorprendió la escuela de cerámica de l’Alcora que por cierto no conocía: el inmueble de reciente construcción y la dotación de las aulas son un ejemplo de modernidad). Así es que hay que plantearse seriamente que es lo que ocurre para establecer el diagnóstico y aplicar el remedio. Pero hay que hacerlo sin echarle las culpas a nadie y asumiendo la parte de responsabilidad que sin duda tiene el colectivo. Por esta razón son necesarias todas estas actuaciones y más, y han de llevarse a cabo sin dilación. Lo que es seguro es que contamos con la colaboración y el interés de todos, así es que más que nunca ahora es el momento de remar en el mismo barco, juntos que no revueltos y controlando la situación.

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In memoriam: Raushenberg

Por • 30 de mayo, 2008 • Tema: Anteriores portadas, Artistas

A los 82 años Robert Rauschenberg fallecía hace unos días a causa de un infarto; la triste noticia se difundía en los medios interesados en el arte de nuestro tiempo. Para quienes admiramos su obra se había convertido en una interesante referencia. La libertad con que se enfrentó a su trabajo y la aguda ironía salpicada de una dosis de lirismo resume su discurso en «todo puede ser posible».

¿Quién dijo que un artista no puede mezclar técnicas, estilos y disciplinas?, Rauschenberg rompió con todos los prejuicios. Combinó acciones del expresionismo abstracto con el lenguaje figurativo de la fotografía, y los gestos o imaginería que alimentaría el pop americano (lo que tal vez ha influido que se le etiquetase en ese estilo, algo de lo que personalmente disiento); empleó métodos y técnicas dispares: pintura, fotografía, grabado, litografía, collage, cerámica, ready made, música, escenografía… (medios diversos: métodos artesanales así como industriales, para prestarles la misma atención, situarlos dentro de un mismo canon). El resultado de su trabajo y creatividad se apoyó en las transferencias de todos estos medios para crear una imagen de nuestro tiempo. Su principal preocupación proclamó y reafirmó la necesidad de no separar el arte de la vida, integrarlo en lo cotidiano.

\"Monoframa, Robert Rauchenberg\"

Robert Rauschenberg, Monograma (1955). Estocolmo, Museo de Arte Moderno

De su extensa obra (combine painting), Monograma (1955-1959) es una de las piezas que personalmente más me han impresionado (sobre una pintura –dispuesta en horizontal, sobre el suelo– colocó un macho cabrio de angora al que le insertó a modo de flotador un neumático de coche). Recuerdo que en alguna ocasión, cuando el artista comentaba esta pintura-objeto, recordaba que al principio colocó el animal disecado sobre el cuadro y no funcionaba, decía que no era más que un macho cabrío sobre una pintura hasta que colocó el neumático y todo quedó integrado. Rauschenberg pensó que esta pieza le había dado especialmente suerte –atribuyendo una función fetiche- porque a partir de ella su trabajo comenzó a ser reconocido y se terminaron los serios problemas económicos que hasta entonces había padecido, cuando su arte no se entendía. Seguramente por eso nunca se olvidó de los duros comienzos, y creó una fundación para financiar artistas noveles de talento (entre otras cosas, las ventas de sus tazas y platos de café, en las que impresionó diversas vistas de ciudades –New York, París, Estocolmo etc.– sirvieron a este práctico y altruista fin).

Parece que fue ayer (1999) cuando el Guggengeim de Bilbao dedicó al artista americano una retrospectiva de las más completas que hasta ese momento se le había hecho. En la sala 104 (The Fish) pudimos contemplar el desarrollo de tan prolífica creatividad, por la que se le califica de uno de los creadores más influyentes del siglo XX. La muestra recogió parte de una obra que paulatinamente fue ampliando, The 1/4 Mile or 2 Furlong Piece (¼ de Milla ó 2 Estadios), en la que Rauschemberg trabajó durante años: una obra que en cierto modo resume su creatividad. Por medio de transferencias se sirvió de la artesanía pero también de la industria, interpretó el bagaje de la cultura artística desde el pasado al presente, para crear con su personal manera de interpretar el arte heredado y combinarlo con otras formas de mirar en su afán de reflejar el momento vital. Entre aquel collage de pintura, litografías, materiales de deshecho, objetos de la vida cotidiana, reunidos en una secuencia ininterrumpida a lo largo de la gran sala expresó una personalísima afirmación: un relato sobre su tiempo y su entorno.

RAUSCHENBERG EN SHIGARAKI

No fue extraño que Rauschenberg se sintiese atraído también por la materia cerámica, al valorar la versatilidad y las propiedades ilimitadas del medio (forma y color, pintura, escultura y fotografía). Aunque para ser exactos fue la industria cerámica de Japón, concretamente la tenacidad y persuasión del Sr. Okada (Otsuka Ohmi Ceramics Co.), quien previamente realizó varias visitas a los Estados Unidos, para plantear el plan de trabajo e informar al artista de las posibilidades que a su disposición ponía la mencionada factoría de Shigaraki.

\"Raushenberg, dirt-shrine\"

Rauschenberg,Dirt Shrine-West, 1982

De la serie Japanese clay works (250 x 470 cm.); técnica mixta: escalera de bambú, cerámica de alta temperatura y fotografía decalls (calcamonías cocidas bajo el esmalte)

Esta fábrica había conseguido realizar grandes paneles cerámicos (que hubiesen parecido impensables en años anteriores), con el fin de utilizarlos con propósitos arquitectónicos, y que en aquel tiempo -los años ochenta- no tenían precedentes (2cm x 60 x 300cm y 90 x 250cm, en cualquier color y a los que también podían transferir imágenes fotográficas). Los artistas Taro Okamoto (1911-1966), Hisao Domoto (1928) y Kojin Kudo habían producido en dicha fábrica su obra, y (en 1981) Jun Kaneko había realizado las placas de 300 cm. que expuso en el Museo de Arte Contemporáneo de Houston, así como en una galería de Nagoya (Japón). Después de la mencionada experiencia –según el Sr. Okada– Otshuka Ohmi Ceramics decidió invitar a otros artistas, para realizar su obra en la fábrica. Pensaron en el trabajo de Robert Rauschenber, pues sus combine-objects se interesaban siempre por el empleo de diversos materiales, y los medios técnicos que podían proporcionarle seguramente le interesarían al artista.

El resultado fueron los grandes paneles ensamblados a los que Rauschemberg trasladó su imaginación, combinó con otros objetos e incorporó diversas imágenes tomadas con su propia cámara por los rincones mas inverosímiles de Japón, fotografiando detalles cotidianos o rincones que a cualquiera seguramente le hubiesen pasado desapercibidos. Posteriormente, en una segunda visita a Japón, R.R. realizaría su última serie cerámica de grandes dimensiones, la tituló “Japanese Recreational Clay Works”: utilizó el mismo sistema de imágenes transferidas a la arcilla, aunque en este caso fueron obras maestras de la historia del arte (La Mona Lisa de Leonardo, La Madonna y el niño de Rafael, la Venus de Botticheli, la Maja de Goya…), imágenes que combinó con una libre gráfica de su impronta. Estas obras cerámicas, realizadas en alta temperatura, a las que se aplicaron calcamonias de imágenes fotográficas bajo la capa de esmalte, darían paso a la experiencia Rauschenber Overseas Culture Interchange (R.O.C.I), en las que el artista aprovecharía los viajes por diversos países para alimentarse (inspirarse) con su cultura, aprovechando lo que encontraba a su paso, en una reflexión artística, vital y enriquecedora.

\"Rauschenberg_lamaja\"

Robert Rauschemberg, de la serie Japanese Recreational Clay Works

Enlaces relacionados:
The New York Times
Retrospectiva en el Guggenheim Bilbao (PDF)
Rauschenber slideshow