Posts Tagged ‘ceramic’

Landskap

Por • 16 de marzo, 2012 • Tema: Exposiciones

Exposición de Helena Andersson en Estocolmo
del 17 de marzo al 11 de abril de 2012

KONSTHANTVERKARNA
Södermalmstorg 4
116 45 Stockholm
tel 08 – 611 03 70
mail: info[arroba]konsthantverkarna.se
www.konsthantverkarna.se



Made in Sweden, José-Antonio Sarmiento en blås&knåda

Por • 8 de marzo, 2010 • Tema: Exposiciones, José Antonio Sarmiento

jas_ms1_0254Algunos de los últimos trabajos de JA. Sarmiento se presentaron en Estocolmo, en la exposición presentación de los nuevos miembros de la cooperativa blås&knåda

Desde 1975 la cooperativa blås&knåda se ha hecho una importante reputación entre los círculos artísticos de Suecia, comercializando y exponiendo en la ciudad de Estocolmo la obra de sus artistas-artesanos asociados, ceramistas y vidrieros de estudio de todo el país. A lo largo de este tiempo la mencionada empresa ha ido creando una red de contactos más allá de sus fronteras, y cada año invitan a alguno de sus colegas a exponer en la galería. Para los coleccionistas e interesados en cerámica y vidrio con interés artístico, por la calidad en la selección de los trabajos expuestos, la visita a los dos espacios -tanto a la galería como a la tienda de artesanía- siempre merece la pena. En la presentación de los nuevos miembros (artistas invitados) de blås&knåda, celebrada el 9 de enero de este año, se han incluido cerámicas de José-Antonio Sarmiento.

jasarmiento_ amundonsverigeAprovechamos esta breve noticia para publicar algunas imágenes de las últimas series en las que Sarmiento ha estado trabajando en Suecia, piezas únicas de menor y mayor escala (entre 30 y 84cm), inspiradas y realizadas en este bello país de hielo. Formas expresivas en las que sobre una tonalidad luminosa destaca un jugoso esmalte tipo oribe aplicado con unos toques de pincel.

jas_ms2_0263-copy

jasarmiento_oribe_plato

Platos con esmalte de tipo oribe, 84x33x14 / 61x47x20 cm. /

Made in Sweden (2009-2010), JoséAntonio Sarmiento

Ver más sobre estos nuevos trabajos (en flickr)

*foto superior dcha, Sarmiento en la isla de Amundön; Living and working (ver imágenes en flickr)

    Información:


Destellos de plata

Por • 5 de marzo, 2010 • Tema: Exposiciones

branches_evazethraeusEva Zethraeus en Galleri Handkraft

Los paisajes de E. Zethraeus siguen creciendo. Desde su estancia en Japón ha estado trabajando con el paisaje y los elementos naturales, inspirada en la obra que hizo allí y, en particular en los jardines del budismo zen que visitó en Kyoto.

Every Cloud needs a silver lining , para esta exposición Eva se propuso desarrollar y ampliar el uso del hilo de plata y platino en combinación con la porcelana. El tema principal de la instalación Branches (ramas), detalle de la obra que se muestra en la imágen, es el fruto de un minucioso estudio y su desarrollo en torno al tema de las ramas de los árboles.

Información:

  • Exposición: Every Cloud needs a silver lining Eva Zethraeus – keramik
  • Fecha: 27 febrero – 25 marzo 2010
  • Lugar: Galleri Handkraft, Trollhättan (Sverige / Suecia)


Crisis, cambio y oportunidad

Por • 29 de marzo, 2009 • Tema: Citas

English version below

La crisis según Albert Eistein

No pretendamos que las cosas cambien, si siempre hacemos lo mismo. La crisis es la mejor bendición que puede sucederle a personas y países, porque la crisis trae progresos. La creatividad nace de la angustia, como el día nace de la noche oscura. Es en las crisis que nace la inventiva, los descubrimientos y las grandes estrategias. Quien supera la crisis, se supera a sí mismo sin quedar ‘superado’.

Quien atribuye a la crisis su fracasos y penurias, violenta su propio talento y respeta más a los problemas que a las soluciones. La verdadera crisis, es la crisis de la incompetencia. El inconveniente de las personas y los países es la pereza, para encontrar las salidas y soluciones. Sin crisis no hay desafíos, sin desafíos la vida es una rutina, una lenta agonía. Sin crisis no hay méritos. Es en la crisis donde aflora lo mejor de cada uno, porque sin crisis no hay méritos. Es en la crisis donde aflora lo mejor de cada uno, porque sin crisis todo viento es caricia. Hablar de crisis es promoverla, y callar en la crisis es exaltar el conformismo. En vez de esto, trabajemos duro. Acabemos de una vez con la única crisis amenazadora, que es la tragedia de no querer luchar por superarla.

Albert Einstein on crisis

Let’s not pretend that things will change if we keep doing the same things. A crisis can be a real blessing to any person, to any nation. For all crises bring progress.

Creativity is born from anguish, just like the day is born form the dark night. It’s in crisis that inventive is born, as well as discoveries, and big strategies. Who overcomes crisis, overcomes himself, without getting overcome. Who blames his failure to a crisis neglects his own talent, and is more respectful to problems than to solutions. Incompetence is the true crisis.

The greatest inconvenience of people and nations is the laziness with which they attempt to find the solutions to their problems. There’s no challenge without a crisis. Without challenges, life becomes a routine, a slow agony. There’s no merit without crisis. It’s in the crisis where we can show the very best in us. Without a crisis, any wind becomes a tender touch. To speak about a crisis is to promote it. Not to speak about it is to exalt conformism. Let us work hard instead.

Let us stop, once and for all, the menacing crisis that represents the tragedy of not being willing to overcome it.

Albert Einstein



Presentación de la ‘nueva web’ de Helena Andersson

Por • 24 de marzo, 2009 • Tema: Anteriores portadas, Destacados, Noticias, Recomendados

Helena Andersson
Ceramic Sculpture

Una página web, o página en Internet, es un documento de información y una herramienta que actualmente consideramos muy recomendable para la comunicación, por no decir que resulta imprescindible en el ámbito en que nos movemos.

Helena Andersson (1969 Linköping, Suecia), artista de Galería Azul (presente en nuestra Exposición en la Web), -ceramista de estudio, a quien nuestros lectores ya conocen- actualiza su web inaugurando una nueva página en Internet: galería de imágenes y texto (en inglés y sueco).

La primera vez que vi trabajar a Helena Andersson, en el verano de 2007, me percaté que era una artista muy interesante. Al mes siguiente de este encuentro, cuando vino a España como nuestra invitada desde Suecia, en el tiempo que pasó trabajando en el estudio de San Cibrián de Ardón (León) se reafirmó esta convicción; así pues pensamos que sería conveniente que otras personas tuviesen la oportunidad de ver como realizaba su obra. Y así fue, en junio de 2008 la artista sueca participó como artista invitada en un workshop celebrado en León durante el I Curso anagama-noborigama, en San Cibrián de Ardón: modeló -en directo- algunas esculturas ante nuestra atenta y admirada mirada.

Verdaderamente resultó muy interesante ver como Helena realizaba su trabajo; me consta, -y me incluyo porque tuve la suerte de asistir como espectadora- que todos los allí presentes quedamos encantados con tan «energética» demostración.

El trabajo de H. Andersson se estructura en dos vertientes complementarias entre sí: por un lado la obra escultórica, y por otro el trabajo de piezas artísticas de carácter utilitario. No obstante, es necesario subrayar que la artista dedica el mismo cuidado, o lo que es lo mismo concede idéntica importancia a una vertiente que a otra. En estos dos géneros realiza piezas «únicas», y todas sus obras están concebidas desde una notable sensibilidad, virtuosismo, e intención artística, como se puede comprobar a la vista de los resultados.

Piezas de gran escala

Descriptivamente y a grandes rasgos, la obra escultórica de Helena Andersson se resuelve en piezas de gran formato o en instalaciones de múltiples (es decir compuestas por varias piezas que dialogan entre sí). En el aspecto técnico, una característica de su trabajo que me parece muy interesante es la utilización de churros(o cuerdas de arcilla) y pellizcos, como método constructivo para la creación de la forma: un procedimiento que, lejos de quedar oculto, la artista potencia al dejarlo visto como elemento plástico en-sí (estas técnicas de urdido, rescatadas de la alfarería primitiva, en este caso pueden verse en algunas de sus obras emblemáticas, por ejemplo en: Spirited of the Mountain, Bergtaen). Otros de los procedimientos a destacar, son el uso de engobes y esmaltes combinados entre sí, en interacción con la tonalidad natural de la arcilla y su desarrollo cromático en la atmósfera de cocción.

El lenguaje escultórico establece una relación interesante con la gran escala, o por medio de la composición y distribución de la instalación (lo vemos en Wall Collage, Vikafjellet, The Seal, Made in Pankow, Mar de la estrella…).

Helena Andersson Vikjafjellet, 2007-2008; earthenware
Adquirida para la colección del Museo Röhsska (The Röhsska Museum, Göteborg, Sweden)

Las formas orgánicas de Helena Andersson retoman la inspiración a través de la orografía y la geología de su país (las siluetas de las islas, la costa escandinava vista desde el aire), sin embargo la intención no se detiene en una acción descriptiva, por el contrario se resuelve entendiendo a ‘la naturaleza y sus fuerzas’ como un lenguaje personal: entre la liberación de una carga de profundidad que, aunque no está exenta de aspectos poéticos, nos da la impresión que concentra toda la tensión en fuerzas donde, sobre todo, se potencian aspectos del inconsciente y los sentidos; en consecuencia, podemos situar sus esculturas en un cruce de caminos entre la inspiración que utiliza una tradición cerámica desde la libertad de las vanguardias contemporáneas: el llamado arte puro, donde el artista se sitúa en las estancias del instinto que permite aflorar la «expresión» sin ninguna otra contaminación, como una «fuerza de la naturaleza». Sobre esto último habría que profundizar mucho más y desde luego la reflexión nos llevaría a terrenos propios de la filosofía del arte, sin embargo no es nuestra intención en este momento seguir este camino…; así pues, dejándolo para otra ocasión, continuaremos con los detalles técnicos característicos de este trabajo.

Resumiendo, técnicamente la obra de H. A. se desarrolla indistintamente en horno de leña o gas (en atmósfera de reducción), emplea arcillas y esmaltes de temperatura baja o media,earthenware(loza). Es necesario decir que las calidades que la artista obtiene a través de unos procedimientos en cierto modo sencillos son, francamente, extraordinarias.

La obra de carácter utilitario:

En este caso, Andersson, adopta formas definidas en su sencillez; no solamente pensadas para un uso confortable (platos, bandejas ovaladas, tarros con tapa, tazas -todas ellas piezas únicas), también para que funcionen sin distracción como sujeto de su objetivo principal: servir de soporte a un campo cromático, en el que a través del empleo de los engobes elaborados por la artista (un trabajo interesante, con el que ha conseguido a lo largo del tiempo un «banco» de tesoros); la inteligencia, sensibilidad y el cómo se han aplicado estos engobes, potencian la luz con un sentido pictórico. En el desarrollo de este trabajo la consecuencia maneja una gama de color desde la pureza del blanco hasta una atrayente y bellisima gradación de azules, verdes y amarillos, para conformar una calidad fantástica: transparencia, limpieza, y hasta un brillo de una profundidad que como se puede comprobar recuerda a las calidades de alta temperatura (insisto, aunque emplee materiales de media o baja, y, además conservando naturalmente las brillantes escalas cromáticas de la loza). Sin duda, en este lenguaje inmerso en el color… nos conduce a la contemplación de una ‘belleza objetiva’.

Lo he comentado en otra ocasión, «sirven estos utensilios de la vida cotidiana literalmente como superficies congeladas de las diversas cualidades de la luz, hasta emular las condiciones de la naturaleza que apreciamos en sustancias como el agua y el aire»; se trata de una recreación de los fenómenos de refración que distinguimos en la naturaleza: ya sean reflejados en el mar, en la superficie de un lago, en el cielo, en la nieve, en la luz que se filtra a través de la humedad y el follaje del bosque (los colores se refrescan con el aire del norte y la luz de su tierra natal).

La nueva web

En la web actualizada de Helena Andersson que ahora presentamos se puede ver una colección de imágenes muy interesante, con intención de argumentar su trabajo sin ánimo retrospectivo, aunque el recorrido discurra a través de la última década, por cierto fructífera ya que sin exagerar podemos calificarla de magistral.

Galería I, recoge una selección de esculturas cerámicas, desde 2002 hasta 2009 en el momento de esta publicación.

Enlace a las imágenes de Galleri I

Galería II, recoge imágenes de algunas de sus instalaciones, en este momento desde 1999 a 2005

Enlace a las imágenes de Galleri II

Galería III, en este apartado se pueden ver algunos ejemplos representativos del trabajo utilitario de esta autora. Bandejas y otras piezas, que no dudamos en calificar de obras de arte por sí mismas con independencia de su cualidad funcional.

Enlace a las imágenes de Galleri III

El resto de la información contenida en la web personal se completa con otros detalles de interés, entre los que se incluye el currículum artístico y su experiencia internacional (entre estos datos podemos citar su formación con Torbjörn Kvasbö -el prestigioso artista actualmente residente en Noruega); las becas obtenidas, una selección de exposiciones, la presencia de su obra en colecciones públicas, y su participación en simposios internacionales).

Resumiendo, a nuestro entender la escultura cerámica de Helena Andersson (desde cualquiera de las dos ramas que contempla y que aquí hemos descrito) es una inversión en todos los sentidos que sin duda el contemplador agradece. Confiamos que quienes se interesen en profundizar un poco más en el conocimiento de su obra, encuentren -en la nueva web de esta autora- un instrumento estimable.

Enlaces relacionados

Más información:
mjs[arroba]alfargaleriaazul.com



Flameado con Sal, Escuela Municipal de Cerámica de Lomas

Por • 11 de marzo, 2009 • Tema: Noticias recibidas, Técnica

Reportaje de: Silvia Barrios

Flameado con sal: realización de una cocción, para desarrollar esta técnica.

Argentina – Lomas, sábado 8 de Noviembre de 2008.

El presente trabajo tiene como objetivo sintetizar y transmitir, por medio de imágenes, mi experiencia como participante durante la quema (cocción a cielo abierto), realizada en la Escuela Municipal de Cerámica de Lomas de Zamora.

La cocción con sales en baja temperatura a cielo abierto es una cocción de característica primitiva, en ella se puede sentir el mismo proceso que acompaña a la humanidad desde la antigüedad. El resultado en las piezas es una mezcla de colores: negros, grises, amarillos y naranjas.

Algunos pasos previos para el preparado de piezas antes de la cocción

1. Se comienza con la elaboración de la masa. Para esta técnica se prepara una pasta con talco y chamota, lo que la hace mas porosa, permitiendo que entre bien el efecto del humo y las sales durante la cocción, además de que el riesgo de ruptura se reduzca al mínimo.

2. Durante varias clases se trabaja preparando las piezas con la utilización de tornos alfareros.

!!Las piezas ya estan listas!! (para la cocción)

3. El dia de la «Quema» (cocción) se inicia con la construcción del horno. Antes de introducir las piezas, se les aplica a estas percloruro de hierro a pincel o con esponja.

4. Templado, comienza el proceso de la evaporación del agua que contiene la masa

A la hora y media del encendido, el horno aproximadamente tiene 200 grados centígrados.

Agregado constante de leña. El quebracho (leña de desecho, recortes) es un buen combustible para el proceso, durante el templado de las piezas

Las piezas comienzan a tomar una coloración oscura. El color negro del humo, nos indica que la temperatura es aun baja. Con una fogata constante, la temperatura alcanza entre 400 y 500 grados centígrados; evaporándose el agua química que contiene la pasta. Se continúa agregando leña fina en mayor cantidad, hasta el momento en que comienza el proceso de la conversión en cerámica.

Las piezas están al rojo vivo (la temperatura alcanza alrededor de los 900 grados). El mejor combustible en este momento es la leña fina. Todo combustible tiene una determinada composición química, que deja su huella. Esto produce en las piezas unos cambios, unido a las distintas velocidades de la combustión.

Se deja reducir el fuego. Se preparan paquetitos individuales de sales, conteniendo sulfato de cobre, de hierro, y de bórax (soda o sosa Solway). Se colocan los paquetitos encima de las piezas, humedecidos, para que las sales no se volatilicen. La mezcla de la ceniza con bórax produce un esmalte muy interesante.

Nuevamente agregado de leña fina (liviana), y que arda todo!!!.

Al reducirse el fuego, se tapa el horno. Produciéndose efectos maravillosos con la quema de sales.
Las piezas comienzan su proceso de enfriamiento. Al día siguiente la magia del fuego y las sales, nos sorprenden!!!

Dirección

Escuela Municipal de Cerámica de Lomas de Zamora
Avda Frías
1475 Lomas de Zamora
Buenos Aires (Argentina)

Director de la institución: Mario Domínguez
Profesores a cargo del área; Torno de Alfarero: Cristian Arce y Víctor Daniel Gallardo

Silvia Barrios, autora de este reportaje y de las obras cerámicas de la imagen izquierda, describe así su filosofía de trabajo:

«Me considero una persona de espíritu inquieto con ganas de aprender, de experimentar y de crear. El modelado del barro me acerca un poco más a la naturaleza, facilitándome fuentes inagotables de expresión, es el momento en que busco mi lugar. Así es como nació mi pasión por la cerámica, entre la relación con la arcilla, el esfuerzo y la maravilla del fuego, dando vida a formas abstractas de expresión en busca de armonía».

Imagen: Cerámicas de Silvia Barrios, «Plantas de otro planeta V», 2007; Museo de Cerámica Contemporánea – Jindengdezhen (China)



Eva Zethraeus, «Fairytale landscapes» Exposición en la galería Sintra

Por • 11 de marzo, 2009 • Tema: Exposiciones

Paisajes Encantados, donde habitan las hadas

FAIRYTALE LANDSCAPES – del 7 al 31 de marzo 2009

Durante años Eva Zethraeus ha trabajado con paisajes de porcelana y recreaciones de la naturaleza en instalaciones espaciales inspiradas en sus estancias en Japón, y en particular en los jardines del budismo-zen de Kioto.

Desde entonces, ella ha estado involucrada con los acontecimientos de la naturaleza, para crear una obra nueva. La inclusión de un material diferente, la plata, le ha dado una nueva dimensión a la porcelana y un contraste a los esmaltes mates o satinados con los que trabaja. La combinación conforma un Fairytale Landscape (“Paisaje encantado”, habitado por las hadas), su exposición se puede contemplar estos días en Sintra, galería ubicada en la ciudad sueca de Gotemburgo.

Eva Zethraeus es una artista-ceramista que vive y trabaja en Gotemburgo, Suecia. Ha participado en varias exposiciones en Escandinavia y alrededor del mundo. Recientemente pueden contemplarse sus obras también en el Museo Vendsyssel, en Dinamarca, en Röhsska Museums Contemporary Craft Show en Gotemburgo (hasta 2 mayo) y Liljevalchs Konsthall Spring Art Show (hasta 29 de marzo). Su trabajo está representado en «Röhsska National Museum of Arts and Crafts» en Gotemburgo y en el Museo Nacional de Estocolmo.



Noticias de aquí y de allá: Sofia Beça – Almacenar para el invierno;Silvia Barrios;El Salón Nacional de Artes Visuales (Argentina); Convocatorias;Revista CERÁMICA en la web

Por • 8 de marzo, 2009 • Tema: Noticias recibidas

1. PORTUGAL

Sofia Beça

Almacenar para el invierno

Hice este trabajo («Armazenar para o Inverno») para una exposición en Braga. Pensado para ser separado a medida que fuesen apareciendo interesados. En este momento ya no tengo todas las piezas, pero sí tengo algunas conmigo a la espera de compradores. (Porto, Sofía Beça)

«Armazenar para o Inverno» (Almacenar para el invierno), 2007; 500 x 180 x 10 cm.
Gres, madera, engobes, técnica de churro, cocción en horno de leña a 1050º C.
Precio estimado: desde 126 a 180 € (unidad)

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2. ARGENTINA

Silvia Barrios
Texto: Ornella Nerini (curadoria)

Si dejamos al observador intervenir en un espacio artístico con libertad, pretendemos romper con la imposición social de la vieja escuela académico/burguesa. Esta pretensión por romper las reglas que imponía el arte académico surge en las primeras décadas del siglo XX y llega a su máxima exponencia en los movimientos culturales de los años ’60.

Evidentemente todos estos años de lucha no sirvieron de mucho, el arte (especialmente las plásticas) sigue siendo observado, casi sin excepción, de la misma forma que hace cien años. Educamos a nuestros hijos de tal forma que les imponemos, como nos han impuesto, a respetar al arte como algo sublime e intocable. En lo de sublime estoy totalmente de acuerdo, ¿Pero quien dijo que el arte no se puede tocar?

¡¡¡PROHIBIDO NO TOCAR!!! Admiremos su valor para imponerse ante las reglas.

Sin duda la obra de la artista Silvia Barrios es atrevida, aunque no debemos caer en la redundancia de este término, hundiéndonos en el pleno caos, y alejándonos de la verdadera esencia… trasmitir.
Buscando indefinida y desesperadamente el cambio absoluto y la innovación se cometieron los peores errores de la historia mundial. Pero también es verdad que si alguien no empieza a gritar contra las reglas, estas terminan por absorbernos.

Lo adecuado seria un equilibrio, pero que pido, estamos hablando de arte, de esto se trata, de la desmesura, del desenfreno, de hybris… Igual atentos espectadores, no estamos ante un entretenimiento, en el arte las reglas no desaparecen nunca, solo se corren de lugar…
Apreciar interviniendo…

Probablemente a esta artista lo que menos le importa es que observen su obra; esta cansada de que las reglas se cumplan, así que desde su lugar invita a los observadores a jugar, a relajarse, a salir de ese papel tan duro e inmóvil.

Cada obra, cada estilo, cada técnica requiere ser observada de distinta forma, para poder apreciarse como se debe, en su totalidad. Pero en cambio hace siglos que miramos todas las artes de la misma forma, como nos enseñan de chicos, como lo imponen las instituciones del arte.
A todo aquel que tenga hijos jóvenes les recomiendo esta instalación, porque el verdadero resultado lo vamos a ver en ellos, que son los que se aburren en el museo. Lo que esta artista propone es mostrarnos que el arte es mucho más que un objeto único e intocable…

Nos propone volver a ser niños, que nos salgamos de esas reglas que tautológicamente nos fueron impuestas, que juguemos, que seamos artistas por unos minutos, que hagamos una vez eso que siempre quisimos hacer: ¡¡¡TOCAR!!!

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3. PALAIS DE GLACE (ARGENTINA)

El Salón Nacional de Artes Visuales, que se realiza cada año en el Palais de Glace, es -en palabras de la organización- «el concurso más importante de las artes plásticas de la Argentina, y supone un estímulo constante para la creación artística en las ocho disciplinas en las que otorga premios y menciones: pintura, escultura, grabado, dibujo, arte cerámico, fotografía, arte textil y nuevos soportes e instalaciones».


En las imágenes (detalles) de la obra Banquete de la Nostalgia, Alejandra Jones (Argentina)
a quien se otorgó en la edición de 2008 el 1º Premio Adquisición – categoría: cerámica

Año tras año, «se incrementa la participación de artistas de todas las regiones del país haciendo así cada vez más arduo el trabajo de los jurados para seleccionar y distribuir los premios. Asimismo, el Salón, lejos de ser una institución anclada en el tiempo, se adecua constantemente a las nuevas tendencias y técnicas expresivas, dándole albergue a las nuevas generaciones de artistas y a los aires de renovación que ellos aportan».

Dice Oscar Smoje, Director del Palais:

(…) Tengo para mí la idea de que una verdadera obra de arte, más allá de técnicas, modas y tendencias, es aquella que produce transformación: en quien la hace y en quien la observa. … el Salón es también un foro de discusión en el cual se puede apreciar la vigencia, vigor y rigor de nuestros creadores….

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4. ESPAÑA

Convocatorias

BASES IX Bienal Internacional de Cerámica de Manises

1. Esta Bienal tiene como objetivo el fomentar la creación en el ámbito de la cerámica de creación y promocionar el nombre de Manises como ciudad ceramista.
2. Podrán participar, tanto de forma individual como colectiva, los ceramistas de cualquier país del mundo.
3. Las obras que se presenten, con un máximo de tres, tendrán que ser originales, no haber participado en otros concursos y estar realizadas en su mayor parte con materiales cerámicos cocidos a más de 900º C.
4. No se admitirán obras que excedan de 2 m. en su mayor dimensión, ni tampoco aquellas que no alcancen los 0,35 m.
5. Las solicitudes de inscripción deberán de llegar al Museu de Ceràmica de Manises (MCM), Calle Sagrario, 22. 46940 Manises (Valencia, España), antes de las 19 h del día 22 de junio de 2009.
(…) ver Bases completas en (PDF adjunto)

BASES V Bienal de Cerámica del Vendrell

Esta Bienal está abierta a todos los creadores que utilicen técnicas cerámicas, los cuales podrán participar de forma individual o colectiva.

Cada participante puede presentar un máximo de tres obras.

Los artistas tienen que presentar, antes del 19 de junio de 2009, tres fotografías en color de cada obra, hechas desde ángulos diferentes y sobre un fondo neutro. Además, se adjuntará un mínimo de 7 fotografías de obras anteriores para valorar mejor la trayectoria del ceramista. Las fotografías de las obras presentadas se someterán a una selección previa por parte del Jurado.

Con las obras seleccionadas se hará una exposición y se editará un catálogo (octubre de 2009).
Los premios serán los siguientes: 1º premio: Edición de un libro que incluirá ilustraciones y el análisis de la obra dentro del contexto del arte contemporáneo a cargo de una persona experta en arte y el currículum del autor. Será editado en catalán e incluirá la traducción en castellano y en inglés. Este libro se publicará durante el año siguiente y se presentará el día de la inauguración de la exposición que el Ayuntamiento organizará para los tres ganadores (octubre de 2010). 2º y 3º premios: Exposición conjunta con la edición de un catálogo durante el año siguiente.

(…) ver Bases completas en (PDF adjunto)

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5. ESPAÑA
Revista CERÁMICA en la web

Desde 1978 «Revista CERÁMICA» edita, en castellano, una publicación trimestral (impresa) especializada en lo que ocurre en el mundo de la cerámica artística: artículos sobre ceramistas internacionales y otras noticias.

Después de las primeras páginas del editorial donde se recogen los comentarios desde el punto de vista «personal” de su director, Antonio Vivas, sobre el «panorama de actualidad», se incluye [a continuación] un directorio de exposiciones (aunque sin fecha).

Parece ser que la carencia de calendario se debe a un desfase entre el momento de la publicación y la distribución de la revista. La verdad es que esta carencia años atrás ha sido un problema, hoy afortunadamente solucionado (desde 2006) por medio de la página web, en “revistaceramica.com” (editada por Wlady Vivas), donde se completa la información con una sección más dinámica, directorio de: «noticias», «exposiciones», «enlaces», más un «directorio, agenda», y la sección «librería cerámica»; también, en otra pestaña, se introduce «Infocerámica: Recursos para ceramistas» (una línea abierta a las colaboraciones, y la edición de vídeos con enlace a YouTube). Sin duda un trabajo extra y un servicio gratuito que el lector agradece. Resulta muy práctico, sobre todo si se trata de planear con tiempo la visita a una exposición.

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Liu Jianhua, reflexión sobre la realidad actual

Por • 4 de marzo, 2009 • Tema: Exposiciones, Noticias recibidas

La exposición “Zonas de riesgo” reunió, en una muestra celebrada en CaixaForum de Barcelona, obra de 28 artistas (pertenecientes a la colección de Arte Contemporáneo de la Fundación «la Caixa»), cuyo sentido de la muestra –en palabras de su comisaria Nimfa Bisbe– se propuso hacer «una reflexión sobre la compleja realidad en la que vivimos».

Entre las diferentes propuestas artísticas se incluyó la del artista chino Liu Jianhua; sobre este trabajo publicamos una reseña, cortesía del blog PastaFangs

Liu Jianhua en el Caixaforum

Texto: Elisabet Moretó

Liu Jianhua nació en octubre de 1962 en Ji’an, provincia de Jiangxi (China). Entró muy joven en contacto con la cerámica: con sólo quince años empezó a trabajar en la Fábrica de Escultura de Cerámica y Porcelana de Jingdezhen que dirigía un tío suyo. Más adelante, estudió escultura en el Departamento de Bellas Artes del Instituto de Cerámica de Jingdezhen, graduándose el 1989. En la actualidad es co-profesor de la Academia de Arte de Yunnan, en Kunming, donde vive. Ha expuesto de forma individual en Hong Kong, Taiwán y China, y ha participado en varias exposiciones colectivas en todo el mundo.

Liu Jianhua, retrato Liu Jianhua 2

La porcelana, símbolo identitario de la China tradicional es, en manos Jianhua, vehículo de representación de la evolución hacia una modernidad cuestionable. Así, su experiencia en el proceso de la producción cerámica industrial, influencia obras como «Sueño» (2006), un hacinamiento de pieza utilitaria de porcelana que alude de forma rotunda al desaforado ciclo producción-consumo de la sociedad actual.

La obra más conocida de Liu Jianhua son quizás unas pequeñas esculturas de fibra de vidrio y porcelana de la que forman parte diversas series de cuerpos de mujer «servidas” en platos como si fueran una deliciosa comida oriental. Se trata de una reflexión crítica sobre las actitudes hacia las mujeres, tanto en la China como en la escena del arte contemporáneo y de la política mundiales. Pero es Shangai la protagonista de la obra que podemos ver en el tercer montaje de la propuesta «Zonas de Riesgo» (en la que también podemos contemplar, entre otras ,»El profeta» de la siempre sugerente pintora sudafricana Marlene Dumas, o la inquietante instalación «Movimiento en falso» del mexicano Damián Ortega). La ciudad de Jianhua, parece tambalearse, aguantándose en unos frágiles cimientos que en el fondo son tan sólo su propio reflejo, la sombra oscura de la inestabilidad, la precariedad, la desigualdad …

Liu Jianhua, «Sueño» (2006)

En segunda edición, algunas de las obras de la exposición «Zonas de riego», pueden contemplarse hasta el 3 de mayo de 2009 en CaixaForum Madrid

Otros enlaces relacionados

  • EcoDiario: Una exposición en CaixaForum propone una reflexión sobre la compleja realidad actual


Visita guiada a la exposición de Gerd Knäpper en Valencia

Por • 24 de febrero, 2009 • Tema: Artículos, Conferencias, Destacados, Exposiciones, Recomendados

Valencia, 29 de enero de 2009, día de la inauguración de la exposición de Gerd Knäpper en el Museo Nacional de cerámica «González Martí».

El artista –en la imagen, segundo por la izquierda- entre el traductor y Liliane Cuesta, conservadora del museo valenciano y coordinadora de la muestra, fue presentado al público asistente por el cónsul honorario de Alemania, Ilmo. Sr. D. José Luís Cervera, quien destacaba en su discurso lo que en síntesis según su percepción es característica principal de la obra del artista alemán residente en Japón: Una obra cerámica de extraordinaria factura en la que se aprecia la combinación del carácter alemán en el rigor de la estructura junto a una poética oriental asentada en la contemplación de la naturaleza y la sabiduría de la tradición cerámica del Japón en la aplicación del horno Noborigama con el que el ceramista trabaja. A la derecha de la foto, junto al cónsul, la presencia del ceramista Mariano Poyatos, coordinador de los I Encuentros Internacionales de Arte – Culla Contemporánea (2007, Castellón), en los que Gerd Knäpper ha sido artista participante, en calidad de invitado de honor.

Knäpper  junto a una imagen de su horno Noborigama Lugar, inspiración y proceso

Desde finales de los años sesenta, Gerd Knäpper (Alemania, Wuppertal 1943) vive en Japón, donde ha desarrollado una carrera como escultor y ceramista independiente, hasta el punto de que el éxito obtenido allí determinó su residencia de modo definitivo al formar una familia (contrajo matrimonio con una japonesa) y consolidar en la tranquilidad del campo un lugar idílico (Tarasoka, “estudio-galería” y hornos de leña) para la creación de su obra personal.

El mismo artista nos lo comentaba durante la inauguración de esta exposición en Valencia, afirmando que cuando fue a Japón para ampliar conocimientos dentro de la especialidad cerámica no tenía intención de quedarse nada más que dos o tres años; sin embargo, el éxito que obtuvo con su trabajo como hemos dicho fue decisivo. Bernard Leach le recomendó al prestigioso maestro Tatsuzo Shimaoka (quien le aceptó como ayudante en su taller de Mashiko por un tiempo, después de estudiar en Seto con Suzuki, su destino después de recorrer diversos países y embarcarse desde Estados Unidos hasta Japón, atraído sobre todo por la cerámica). Entre los diversos reconocimientos obtenidos en el país del sol naciente seguramente fue decisivo para su futuro conseguir el gran premio otorgado por el Primer Ministro de Educación (I Premio de Cerámica Artística, Tokio 1971, a una cerámica tradicional japonesa), para sorpresa de todos, incluso de los miembros del jurado, ya que se trataba de una obra contemporánea de carácter japonés cuyo autor resultó ser un extranjero (un ceramista originario de Alemania, formado entre Alemania, Estados Unidos y Japón).

Sin embargo, Gerd Knäpper no considera su obra ni alemana ni japonesa sino inspirada en el arte primitivo y moderno de muchas culturas. «Como artista -dice- no me considero a mi mismo ni japonés ni alemán. Gracias a mi singular situación, mi obra posee una estructura independiente tanto del Este como del Oeste».

Gerd Knäpper, imágenes de izqda a dcha ONDAS / TORSO (65 x 39 x 30 cm) 2001

Técnicamente la obra de Knäpper se ha realizado fundamentalmente en un horno Noborigama, utilizando pino rojo como combustible (su horno tiene cuatro cámaras construidas en pendiente, sin contar la cámara de fuego para la leña) y consolidada en una cocción rápida -36 horas-, alcanzando 1280-1300 grados centígrados. Un número importante de piezas presentan el color tostado del flameado sobre la arcilla y un “autoesmaltado” que en los bajorrelieves de las piezas talladas revelan un difuminado bastante regular, conseguido posiblemente como resultado de aplicar en crudo un engobe de ceniza, fundido en el cuerpo de la arcilla al ser sometido a tan altas temperaturas, madurado y soldado por toda la superficie junto a los restos de cenizas y sales volátiles.

Visita a la Exposición

Tres fotografías murales, instaladas en la sala, muestran el entorno del taller-estudio del artista: en una se ve un precioso paisaje nevado, con los campos y los edificios de la residencia Tarosaka en Daigo, donde Knäpper ha devuelto todo el esplendor a la antigua finca tras una impecable restauración efectuada en los edificios originales construidos con madera y la tradicional cubierta de paja trenzada; en la segunda foto, podemos ver el horno Noborigama; y en el tercer panel, al autor en el patio de la casa seleccionando piezas para una importante exposición que se celebró en Tokio, en la que se mostraron entre otras obras significativas de su sello grandes platos y bandejas de sesenta centímetros. Dicha puesta en escena es sin duda un documento singular para entender el ambiente del artista, la tranquilidad del campo donde desarrolla su trabajo, su relación con el entorno rural -en una vecindad de apenas siete granjas-, donde el maestro es el único ceramista del pueblo.

Las formas se completan con decoraciones talladas y trenzadas en un estado de la arcilla que se denomina «dureza de cuero»; un lenguaje personal que busca la representación del movimiento (el viento sobre los campos, en el cielo y el agua). La tierra chamotada y la marca del fuego de leña potencian aun más la precisión de las aristas, la tensión de un modelado virtuoso; no se trata de una mera decoración, el relieve forma una parte indivisible del objeto y no hace sino subrayar la arquitectura de unas formas sugerentes -construidas en secuencias equidistantes-, mediante un recurso de torsiones y virados que se ven realzados en aquellos Vasos que descansan sobre sus propios pies –elevándose ligeramente a unos centímetros de la base.

El eco de estas formas parece proceder de un sonido primigenio, presente en las ondulaciones y esculpido del viento en el agua, o, en la arena, en la arquitectura de las conchas de mar o de las plantas, en un lenguaje que evoca una percepción casi gaudiniana donde la mirada se alimenta al contemplar la naturaleza. Otros diseños recuerdan secuencias presentes en los esmerados tejidos orientales hechos con fibras vegetales, o la disposición en capas que va formando una corteza como se puede ver en la imagen de esta corteza de palmera que hemos fotografiado (potenciada la sensibilidad, después de contemplar la exposición se nos presentaron en una dimensión muy sugerente los troncos de las palmeras de Valencia).

Para mostrar la obra de Knäpper, las dos salas de la planta superior del «González Martí» se han llenado de cerámica con varios ejemplos (piezas firmadas con su sello personal y realizadas entre 1983 y 2008), algunas de estas obras son replicas en metal (bronce, y aleación de cromo-niquel), otras litografías manuales, impresas sobre papel Washi (también hecho a mano con corteza de morera, una artesanía muy apreciada en Japón) en las que se han plasmado los diseños de las vasijas. Los objetos cerámicos son variados y de mayor o menor escala, piezas únicas, -desde vasos y platos de carácter escultórico hasta formas que son propiamente esculturas (estelas) pero cuya forma surge dentro del lenguaje de la alfarería. También hay otras piezas de menor tamaño, destinadas a un uso utilitario como cuencos, vasos para Ikebana, utensilios para la ceremonia del té: taza (Chawan), el recipiente que se utiliza en la ceremonia del té para el agua fresca (Misuzashi), alguna botella para sake (Tokuri) con sus correspondientes tazas (Guinomi), tarros para el té, cajas para el incienso (Kogo), botellitas de agua (que los japoneses utilizan para disolver la pastilla de tinta caligráfica), platos, bandejas, etc.

Todo se ha dispuesto sobre módulos blancos, así como en vitrinas (las piezas de mano) o en la pared (los grabados enmarcados). El recorrido por consiguiente debe ser pausado –hay mucho que ver- para poder apreciar y dedicar el tiempo necesario a cada pieza.

Las obras de Gerd Knäpper ganan mucho al natural, en mi opinión la cerámica y concretamente este tipo de objetos resultan mejor en directo, generalmente esto suele ocurrir con las mejores piezas y en particular con las de cocción de leña (por la sobriedad y profundidad del color y los matices que presentan); por otra parte el arte que trata de la alfarería suele ser más íntimo que la escultura monumental, así es que las imágenes difícilmente recogen todo el misterio de un objeto en el que la escala, el peso y la textura, son elementos esenciales que forman un todo.

Detalle de la muestra en el Museo González Martí, Valencia

En cuanto a la disposición de las obras, hay que tener en cuenta que las bases o módulos solo son un “mobiliario” adicional, es decir provisional, para distribuir las piezas en la sala, así es que en mi opinión es preferible eliminarlo mentalmente durante la contemplación, ya que resulta como algo ajeno a su entorno natural, es decir en el que realmente cobrarán vida y mostrarán todo su esplendor las cerámicas: cuando se dispongan en la mesa (para disfrutarlas en la mano), o -en el caso de las de mayor tamaño- en el tokonoma y si en una casa de diseño moderno ocupando un lugar especial donde se pueda disfrutar tranquilamente con su contemplación, o incluso en un jardín si se trata de aquellas de mayor escala, siendo el exterior lugar donde también pueden situarse sin inconveniente -las piezas cocidas en alta temperatura pueden resistir hasta las más adversas condiciones climáticas. Teniendo todo esto en cuenta comenzamos la visita a la exposición saboreando cada objeto, uno a uno, detenidamente. La obra lo merece, y comprobando que estamos ante piezas dignas de museo, no podemos evitar el pensar que sería una buena noticia si al menos alguna de estas obras se quedase en España (adquiridas por alguna institución, museo, o formando parte de alguna colección privada).

Texto: Mª Jesús Sarmiento / Fotos: Cortesía MNC «González Martí», Valencia (España)

Información

La exposición podrá contemplarse en Valencia hasta el 26 de abril de 2009 y después viajará de vuelta hasta Alemania, pudiéndose contemplar en Munich del 27 de mayo al 30 de septiembre de 2009 (Nationals Völkerkundemuseum, München).

Catálogo de la exposición

Edición: asociación de Amigos del museo Nacional de Cerámica; Patrocinio: TÜV Rheinland Group Asia; Textos: Jaume Coll, Claudius Müller, Antonio Vivas, Kenji Kaneko, Seizo Sasaki, Ingeborg Wiegand-Uhl, Gerhard Bott, Gerd Knäpper, Fujio Koyama, Tetsuzo Tanigawa; Páginas 184, ISBN 978-84-612-8619-5; Idiomas: Castellano, Valenciano, English.

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