Posts Tagged ‘arte’

Síntesis expresiva

Por • 23 de marzo, 2012 • Tema: Entrada de Portada, José Antonio Sarmiento

VASOS PARA FLORES, porcelana

El carácter y la personalidad del trabajo de José Antonio Sarmiento subraya la independencia de su «ser» expresión y concepto, decantándose siempre por mantenerse al margen de cualquier tendencia.

Incluso al trabajar la porcelana insiste José Antonio Sarmiento en la deconstrucción formal del volumen simétrico, inspirado en la evolución natural del trabajo de cada día y los medios que maneja. Así, desde la sencillez, partiendo de una mirada escultórica, él ha creado las piezas que aquí presentamos, en su actual taller-estudio de Gotemburgo (espacio que desde hace un tiempo comparte con su compañera Helena Andersson; desde que José Antonio se estableció en Suecia, hacia finales del 2007, ambos artistas alternan temporadas de trabajo entre el estudio sueco de Sockerbruket y el alfar de San Cibrián en España).

Este trabajo que ahora comentamos trata de una serie de vasos de porcelana (pieza única); es decir, torneados y modelados individualmente, presentados bajo el enunciado de un epígrafe humilde “Vasos para flores” y “Cuencos”. En su conjunto, y desde mi punto de vista, la composición contiene la sonoridad de un «aria» exquisita, aunque en este caso que nos ocupa interpretada bajo la perspectiva de la huella de la mano en la arcilla blanca, desde la resonancia de la luz congelada del norte en la transparencia del esmalte.

De series anteriores a la presente, en las que también ha utilizado la misma arcilla de caolín, recordar que hizo una dedicatoria (homenaje) a Grieg, el músico de Bergen. Y si la contemplación de aquellos vasos casi minimalistas nos evocaron el aura sonora de la canción de Solveig, estos nos llevarán a un poema de amor.


EXISTÍAN tus manos

Un día el mundo se quedó en silencio;
los árboles, arriba, eran hondos y majestuosos,
y nosotros sentíamos bajo nuestra piel
el movimiento de la tierra.

Tus manos fueron suaves en las mías
y yo sentí la gravedad y la luz
y que vivías en mi corazón.

Todo era verdad bajo los árboles,
todo era verdad. Yo comprendía
todas las cosas como se comprende
un fruto con la boca, una luz con los ojos.

Antonio Gamoneda*

* Poema: EXISTÍAN tus manos; Antonio Gamoneda, Antología poética pág. 55, Alianza Editorial; Madrid, 2006.

Vasos para flores (handmade in Sweden, 2011-2012): José Antonio Sarmiento



Destellos de plata

Por • 5 de marzo, 2010 • Tema: Exposiciones

branches_evazethraeusEva Zethraeus en Galleri Handkraft

Los paisajes de E. Zethraeus siguen creciendo. Desde su estancia en Japón ha estado trabajando con el paisaje y los elementos naturales, inspirada en la obra que hizo allí y, en particular en los jardines del budismo zen que visitó en Kyoto.

Every Cloud needs a silver lining , para esta exposición Eva se propuso desarrollar y ampliar el uso del hilo de plata y platino en combinación con la porcelana. El tema principal de la instalación Branches (ramas), detalle de la obra que se muestra en la imágen, es el fruto de un minucioso estudio y su desarrollo en torno al tema de las ramas de los árboles.

Información:

  • Exposición: Every Cloud needs a silver lining Eva Zethraeus – keramik
  • Fecha: 27 febrero – 25 marzo 2010
  • Lugar: Galleri Handkraft, Trollhättan (Sverige / Suecia)


Museo Röhsska – Salón de las Artes 2010

Por • 23 de febrero, 2010 • Tema: Exposiciones, José Antonio Sarmiento

rohsska_konstslojdsalongDel 6 de febrero al 9 de mayo de 2010
Röhsska Museet – Konstslöjdsalong

Comisariado por: Ted Hesselbom, Bisse Evers, Ase Törngvist

En el museo Röhsska (en Gotemburgo, Suecia), se presentó el Salón de invierno de este año, dedicado a las Artes aplicadas y el Diseño (Konstslöjdsalong), con la inclusión de 61 obras de 54 creadores actuales. Las obras seleccionadas por la dirección curatorial han seguido tres ejes puntuales: 1. la moda, 2. la inspiración de la naturaleza, y 3. la observación de la sociedad de consumo desde distintos ángulos. Por consiguiente, se han incluido diversos lenguajes al servicio de la creatividad actual (y materiales cómo cerámica, joyería, cristal, fibras naturales, textil, así como otros procedentes del reciclado). Hay en esta selección propuestas que dan un giro contrapuesto a lo que se pudiese esperar, ya sea por la naturaleza del material, ya por el uso que pudiese conllevar implícito. En ocasiones, se proyecta una acusada tendencia y preocupación hacia la ecología y el reciclaje (cómo un claro estímulo de creatividad e innovación).

La búsqueda del impacto positivo en el medio ambiente y en el ‘arte-manual’, entiende esta expresión como un desafío para los muchos y diferentes tipos de materiales que aquí se pueden contemplar. «En nuestra sociedad de la información – afirma Åse Törnqvist- estamos inmersos cada vez más en busca de nuevos medios y materiales para expresarnos. Esto es perfectamente natural, porque siempre hemos buscado nuevas formas de representar el tiempo en que vivimos. Todo esto es muy estimulante y excitante de contemplar».

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Para Bisse Evers, «La expresión artística está cambiando con el tiempo y tenemos la responsabilidad de interpretar las tendencias y las impresiones de un período de rápida evolución». Ted Hesselbom, director-conservador del museo Röhsska, destaca que: «Muchas de las obras que se incluyen en el Salón de las Artes Aplicadas de este año, tienen en común el poseer un alto nivel de originalidad y creatividad, más la lujuria de una alta innovación, el conocimiento de los materiales y la oposición potencial a su uso más tradicional.»

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En la exposición pueden verse las nuevas obras dialogando con objetos de otras épocas. Además, se ha programado una conferencia para el día 23 de febrero a las 18.00 horas, así como demostraciones y talleres; un «Maratondag» (día de maratón), en el que los artistas presentarán sus trabajos. Con este salón, el museo Röhsska, plantea un interesante debate propiciando la reflexión acerca de los muy diferentes modos de expresión y la utilidad (el servir) de los mismos.

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JA.Sarmiento, Landscape-Objet; Röhsska Musset Konstslöjdsalong catálogo pág.49

Información:

  • Lugar: Röhsska Museet (museo de la moda, el diseño y las artes decorativas), Göteborg (Sweden)
  • Exposición: Konstslöjdsalong’ 2010


Un cuadro de Van Gogh a la venta en TEFAF Maastricht

Por • 21 de marzo, 2009 • Tema: Noticias recibidas

TEFAF Maastricht es la feria de ‘arte y antigüedades’ más influyente del mundo. Un número récord de 239 participantes hacen de esta 22 edición la más grande hasta ahora. TEFAF tendrá lugar en el MECC (Maastricht Exhibition and Congress Centre) del 13 al 22 de marzo. Este año una nueva sección llamada TEFAF Design reunirá a expertos internacionales del diseño y las artes aplicadas del S. XX y aumentará el número de secciones a un total de siete. Una amplisima gama de pinturas y dibujos de arte clásico, cuadros impresionistas, arte moderno y contemporáneo, muebles, plata, cerámica, joyería y otras piezas de arte serán expuestas. Su común denominador será la calidad. Todas las obras expuestas en TEFAF han sido exhaustivamente controladas por 25 comités especialistas constituidos por 155 expertos internacionales.
(noticia publicada por Logo-Press)

“Jardín en el Hospital Saint-Paul” de Vincent van Gogh, óleo sobre lienzo

Sale a la venta este cuadro de Vincent van Gogh, por 25 millones de euros

Ver el artículo publicado en la revista LogoPress:

  • ‘Jardín en el Hospital Saint-Paul’ de Vincent van Gogh, por Mª Jesús Burgueño

    Sobre el transcurso de la feria

    Nuevas noticias. A continuación un comentario referente a la prospección de resultados en el transcurso de la feria: «TEFAF pone de manifiesto que el mercado del arte continúa vivo y que los grandes coleccionistas apuestan por las obras de calidad y de firma como Rubens, Breughel, Le Corbusier, Basquiat, Louise Bourgeois…

    Entre las ventas más importantes figura Retrato de un hombre viejo de Peter Paul Rubens, de la galería Bernheimer-Colnaghi Fine Old Masters de […]»

  • Enlaces relacionados

    TEFAF confirma que el mercado del arte permanece sólido

    TEFAF Maastrich 2009 acontece en un momento delicado, cuando la mayor crisis de la historia de la economía global. Después de los acontecimientos de la subasta en París de la colección de Yves St. Laurent, todas las miradas se vuelven expectantes a TEFAF en estos tiempos turbulentos. El resultado ha sido lo que todos deseaban pero no se podían creer: «el apetito por los valores seguros permanece sólido». Entre las ventas más importantes la feria confirma un pastel de Degas, una escultura figurativa, de tamaño real, de Duane Hanson, y un par de Vasos chinos (Chinese ‘soldier’).

    Calificada por la organización como la feria de ‘arte y antigüedades’ más importante del mundo, TEFAF atrae a importantes coleccionistas privados e institucionales, contando entre los visitantes más ilustres importantes museos como el Metropolitan, El Louvre, el Británico, el prado y el Hermitage. Según afirma, TEFAF es una feria seria para compradores serios. Donde se pueden encontrar desde importantes firmas históricas a recientes descubrimientos, tesoros que no han estado en el mercado durante décadas, rarezas, y hasta lo inusual y de importancia. Este año, comentan, el interés ha sido muy fuerte por parte de 180 museos de 29 países diferentes, realizando importantes compras o reservando para un futuro próximo. La anécdota del jueves pasado era que 130 yets privados habían aterrizado ese día en el aeropuerto de Maastricht.

    El próximo encuentro en TEFAF será, del 12 al 21 de marzo del 2010, en el MECC (Maastricht Exhibition and Congress Centre), en Maastricht, Holanda.



‘Silencios’ de Vilma Villaverde: escultura cerámica en el Museo de Arte López Claro

Por • 17 de marzo, 2009 • Tema: Exposiciones, Noticias recibidas

Coincidiendo con el día internacional en homenaje a la mujer, el museo argentino recoge esta muestra temporal de Vilma Villaverde bajo el enunciado ‘Silencios’ en el que nos muestra una crónica para la actualidad a través de la inspiración de imágenes del pasado. La muestra que se puede contemplar hasta el 25 de marzo de 2009.

Desde una inquietud escultórica, la cerámica es la materia de un lenguaje en el que a través de una concepción que se puede calificar de surrealismo (realismo honírico) busca recomponer la figura y la situación de la mujer desde una perspectiva sociológica que -en su crítica- Fermín Fevretro sitúa como crónica de «los aspectos más insólitos de la condición humana».

Actualmente Vilma Villaverde ejerce como profesora de escultura cerámica en la Universidad de Bellas Artes de Oberá en Misiones, así como en su propio estudio. Se graduó, en 1961, por el Instituto de artes plásticas de ‘Prilidiano Pueyrredon’; estudió con Mireya Baglietto, Ramón Castejón y Leo Tavella.

A continuación incluimos un extracto de la mencionada presentación, de la mano de Omar A. Duclos, intendente del Museo de Arte López Claro en la ciudad de Azul.

(…) En 2002, la comunidad artística de Azul se vio gratamente sorprendida cuando una mujer de una humildad notable puso ante nuestra mirada una obra plástica única: por sus dimensiones, por sus conceptos, por su trascendencia.

Sus numerosos reconocimientos nacionales e internacionales posicionan la cerámica argentina en el contexto artístico mundial. De la misma manera que Vilma Villaverde resulta cercana a nuestros afectos, nos sorprende saber que también lo es en países tan lejanos como Alemania, Japón, Taiwán al punto de ser la impulsora y creadora del Museo de la Cerámica de Argentina y Latinoamérica en Fuping, provincia de Xian, China.

Asimismo creo pertinente agradecer, una vez más, la donación realizada en oportunidad de la primera muestra, que acrecienta y jerarquiza nuestro acervo patrimonial cultural.

En el marco del Día Internacional de la Mujer, este reconocimiento a su trayectoria y a su permanente labor. (Omar A. Duclos)

Crítica

Texto: Fermín Févre
Madrid, 1997. Revista Hoy Arte Hoy. Año VI – número 10 – 2005

«La realización de las piezas cerámicas montadas en los elementos que integran las instalaciones sanitarias constituye un verdadero hallazgo de Vilma Villaverde que logra de ese modo, singulares formas escultóricas. Podría decirse que la artista elabora con ellas una verdadera poética en la que pone de manifiesto un tipo de realismo fantástico en donde la ironía, el humor y cierta crueldad se dan cita. Trasunta así una visión del mundo creando los medios y recursos para expresarla.

Si se pretende encontrar en sus obras alguna asociación con el surrealismo o con la actitud dadaísta de sacar de su contexto a los objetos de su uso dándoles un carácter estético, se advertirá que la artista va más allá de esta mera asociación. Su poética es toda una visión crítica de la realidad. Se trata de una crítica que nada tiene que ver con la denuncia social sino más bien con la condición humana y sus aspectos más insólitos e inesperados».

Enlaces realcionados



Eva Zethraeus, «Fairytale landscapes» Exposición en la galería Sintra

Por • 11 de marzo, 2009 • Tema: Exposiciones

Paisajes Encantados, donde habitan las hadas

FAIRYTALE LANDSCAPES – del 7 al 31 de marzo 2009

Durante años Eva Zethraeus ha trabajado con paisajes de porcelana y recreaciones de la naturaleza en instalaciones espaciales inspiradas en sus estancias en Japón, y en particular en los jardines del budismo-zen de Kioto.

Desde entonces, ella ha estado involucrada con los acontecimientos de la naturaleza, para crear una obra nueva. La inclusión de un material diferente, la plata, le ha dado una nueva dimensión a la porcelana y un contraste a los esmaltes mates o satinados con los que trabaja. La combinación conforma un Fairytale Landscape (“Paisaje encantado”, habitado por las hadas), su exposición se puede contemplar estos días en Sintra, galería ubicada en la ciudad sueca de Gotemburgo.

Eva Zethraeus es una artista-ceramista que vive y trabaja en Gotemburgo, Suecia. Ha participado en varias exposiciones en Escandinavia y alrededor del mundo. Recientemente pueden contemplarse sus obras también en el Museo Vendsyssel, en Dinamarca, en Röhsska Museums Contemporary Craft Show en Gotemburgo (hasta 2 mayo) y Liljevalchs Konsthall Spring Art Show (hasta 29 de marzo). Su trabajo está representado en «Röhsska National Museum of Arts and Crafts» en Gotemburgo y en el Museo Nacional de Estocolmo.



Noticias de aquí y de allá: Sofia Beça – Almacenar para el invierno;Silvia Barrios;El Salón Nacional de Artes Visuales (Argentina); Convocatorias;Revista CERÁMICA en la web

Por • 8 de marzo, 2009 • Tema: Noticias recibidas

1. PORTUGAL

Sofia Beça

Almacenar para el invierno

Hice este trabajo («Armazenar para o Inverno») para una exposición en Braga. Pensado para ser separado a medida que fuesen apareciendo interesados. En este momento ya no tengo todas las piezas, pero sí tengo algunas conmigo a la espera de compradores. (Porto, Sofía Beça)

«Armazenar para o Inverno» (Almacenar para el invierno), 2007; 500 x 180 x 10 cm.
Gres, madera, engobes, técnica de churro, cocción en horno de leña a 1050º C.
Precio estimado: desde 126 a 180 € (unidad)

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2. ARGENTINA

Silvia Barrios
Texto: Ornella Nerini (curadoria)

Si dejamos al observador intervenir en un espacio artístico con libertad, pretendemos romper con la imposición social de la vieja escuela académico/burguesa. Esta pretensión por romper las reglas que imponía el arte académico surge en las primeras décadas del siglo XX y llega a su máxima exponencia en los movimientos culturales de los años ’60.

Evidentemente todos estos años de lucha no sirvieron de mucho, el arte (especialmente las plásticas) sigue siendo observado, casi sin excepción, de la misma forma que hace cien años. Educamos a nuestros hijos de tal forma que les imponemos, como nos han impuesto, a respetar al arte como algo sublime e intocable. En lo de sublime estoy totalmente de acuerdo, ¿Pero quien dijo que el arte no se puede tocar?

¡¡¡PROHIBIDO NO TOCAR!!! Admiremos su valor para imponerse ante las reglas.

Sin duda la obra de la artista Silvia Barrios es atrevida, aunque no debemos caer en la redundancia de este término, hundiéndonos en el pleno caos, y alejándonos de la verdadera esencia… trasmitir.
Buscando indefinida y desesperadamente el cambio absoluto y la innovación se cometieron los peores errores de la historia mundial. Pero también es verdad que si alguien no empieza a gritar contra las reglas, estas terminan por absorbernos.

Lo adecuado seria un equilibrio, pero que pido, estamos hablando de arte, de esto se trata, de la desmesura, del desenfreno, de hybris… Igual atentos espectadores, no estamos ante un entretenimiento, en el arte las reglas no desaparecen nunca, solo se corren de lugar…
Apreciar interviniendo…

Probablemente a esta artista lo que menos le importa es que observen su obra; esta cansada de que las reglas se cumplan, así que desde su lugar invita a los observadores a jugar, a relajarse, a salir de ese papel tan duro e inmóvil.

Cada obra, cada estilo, cada técnica requiere ser observada de distinta forma, para poder apreciarse como se debe, en su totalidad. Pero en cambio hace siglos que miramos todas las artes de la misma forma, como nos enseñan de chicos, como lo imponen las instituciones del arte.
A todo aquel que tenga hijos jóvenes les recomiendo esta instalación, porque el verdadero resultado lo vamos a ver en ellos, que son los que se aburren en el museo. Lo que esta artista propone es mostrarnos que el arte es mucho más que un objeto único e intocable…

Nos propone volver a ser niños, que nos salgamos de esas reglas que tautológicamente nos fueron impuestas, que juguemos, que seamos artistas por unos minutos, que hagamos una vez eso que siempre quisimos hacer: ¡¡¡TOCAR!!!

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3. PALAIS DE GLACE (ARGENTINA)

El Salón Nacional de Artes Visuales, que se realiza cada año en el Palais de Glace, es -en palabras de la organización- «el concurso más importante de las artes plásticas de la Argentina, y supone un estímulo constante para la creación artística en las ocho disciplinas en las que otorga premios y menciones: pintura, escultura, grabado, dibujo, arte cerámico, fotografía, arte textil y nuevos soportes e instalaciones».


En las imágenes (detalles) de la obra Banquete de la Nostalgia, Alejandra Jones (Argentina)
a quien se otorgó en la edición de 2008 el 1º Premio Adquisición – categoría: cerámica

Año tras año, «se incrementa la participación de artistas de todas las regiones del país haciendo así cada vez más arduo el trabajo de los jurados para seleccionar y distribuir los premios. Asimismo, el Salón, lejos de ser una institución anclada en el tiempo, se adecua constantemente a las nuevas tendencias y técnicas expresivas, dándole albergue a las nuevas generaciones de artistas y a los aires de renovación que ellos aportan».

Dice Oscar Smoje, Director del Palais:

(…) Tengo para mí la idea de que una verdadera obra de arte, más allá de técnicas, modas y tendencias, es aquella que produce transformación: en quien la hace y en quien la observa. … el Salón es también un foro de discusión en el cual se puede apreciar la vigencia, vigor y rigor de nuestros creadores….

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4. ESPAÑA

Convocatorias

BASES IX Bienal Internacional de Cerámica de Manises

1. Esta Bienal tiene como objetivo el fomentar la creación en el ámbito de la cerámica de creación y promocionar el nombre de Manises como ciudad ceramista.
2. Podrán participar, tanto de forma individual como colectiva, los ceramistas de cualquier país del mundo.
3. Las obras que se presenten, con un máximo de tres, tendrán que ser originales, no haber participado en otros concursos y estar realizadas en su mayor parte con materiales cerámicos cocidos a más de 900º C.
4. No se admitirán obras que excedan de 2 m. en su mayor dimensión, ni tampoco aquellas que no alcancen los 0,35 m.
5. Las solicitudes de inscripción deberán de llegar al Museu de Ceràmica de Manises (MCM), Calle Sagrario, 22. 46940 Manises (Valencia, España), antes de las 19 h del día 22 de junio de 2009.
(…) ver Bases completas en (PDF adjunto)

BASES V Bienal de Cerámica del Vendrell

Esta Bienal está abierta a todos los creadores que utilicen técnicas cerámicas, los cuales podrán participar de forma individual o colectiva.

Cada participante puede presentar un máximo de tres obras.

Los artistas tienen que presentar, antes del 19 de junio de 2009, tres fotografías en color de cada obra, hechas desde ángulos diferentes y sobre un fondo neutro. Además, se adjuntará un mínimo de 7 fotografías de obras anteriores para valorar mejor la trayectoria del ceramista. Las fotografías de las obras presentadas se someterán a una selección previa por parte del Jurado.

Con las obras seleccionadas se hará una exposición y se editará un catálogo (octubre de 2009).
Los premios serán los siguientes: 1º premio: Edición de un libro que incluirá ilustraciones y el análisis de la obra dentro del contexto del arte contemporáneo a cargo de una persona experta en arte y el currículum del autor. Será editado en catalán e incluirá la traducción en castellano y en inglés. Este libro se publicará durante el año siguiente y se presentará el día de la inauguración de la exposición que el Ayuntamiento organizará para los tres ganadores (octubre de 2010). 2º y 3º premios: Exposición conjunta con la edición de un catálogo durante el año siguiente.

(…) ver Bases completas en (PDF adjunto)

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5. ESPAÑA
Revista CERÁMICA en la web

Desde 1978 «Revista CERÁMICA» edita, en castellano, una publicación trimestral (impresa) especializada en lo que ocurre en el mundo de la cerámica artística: artículos sobre ceramistas internacionales y otras noticias.

Después de las primeras páginas del editorial donde se recogen los comentarios desde el punto de vista «personal” de su director, Antonio Vivas, sobre el «panorama de actualidad», se incluye [a continuación] un directorio de exposiciones (aunque sin fecha).

Parece ser que la carencia de calendario se debe a un desfase entre el momento de la publicación y la distribución de la revista. La verdad es que esta carencia años atrás ha sido un problema, hoy afortunadamente solucionado (desde 2006) por medio de la página web, en “revistaceramica.com” (editada por Wlady Vivas), donde se completa la información con una sección más dinámica, directorio de: «noticias», «exposiciones», «enlaces», más un «directorio, agenda», y la sección «librería cerámica»; también, en otra pestaña, se introduce «Infocerámica: Recursos para ceramistas» (una línea abierta a las colaboraciones, y la edición de vídeos con enlace a YouTube). Sin duda un trabajo extra y un servicio gratuito que el lector agradece. Resulta muy práctico, sobre todo si se trata de planear con tiempo la visita a una exposición.

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Liu Jianhua, reflexión sobre la realidad actual

Por • 4 de marzo, 2009 • Tema: Exposiciones, Noticias recibidas

La exposición “Zonas de riesgo” reunió, en una muestra celebrada en CaixaForum de Barcelona, obra de 28 artistas (pertenecientes a la colección de Arte Contemporáneo de la Fundación «la Caixa»), cuyo sentido de la muestra –en palabras de su comisaria Nimfa Bisbe– se propuso hacer «una reflexión sobre la compleja realidad en la que vivimos».

Entre las diferentes propuestas artísticas se incluyó la del artista chino Liu Jianhua; sobre este trabajo publicamos una reseña, cortesía del blog PastaFangs

Liu Jianhua en el Caixaforum

Texto: Elisabet Moretó

Liu Jianhua nació en octubre de 1962 en Ji’an, provincia de Jiangxi (China). Entró muy joven en contacto con la cerámica: con sólo quince años empezó a trabajar en la Fábrica de Escultura de Cerámica y Porcelana de Jingdezhen que dirigía un tío suyo. Más adelante, estudió escultura en el Departamento de Bellas Artes del Instituto de Cerámica de Jingdezhen, graduándose el 1989. En la actualidad es co-profesor de la Academia de Arte de Yunnan, en Kunming, donde vive. Ha expuesto de forma individual en Hong Kong, Taiwán y China, y ha participado en varias exposiciones colectivas en todo el mundo.

Liu Jianhua, retrato Liu Jianhua 2

La porcelana, símbolo identitario de la China tradicional es, en manos Jianhua, vehículo de representación de la evolución hacia una modernidad cuestionable. Así, su experiencia en el proceso de la producción cerámica industrial, influencia obras como «Sueño» (2006), un hacinamiento de pieza utilitaria de porcelana que alude de forma rotunda al desaforado ciclo producción-consumo de la sociedad actual.

La obra más conocida de Liu Jianhua son quizás unas pequeñas esculturas de fibra de vidrio y porcelana de la que forman parte diversas series de cuerpos de mujer «servidas” en platos como si fueran una deliciosa comida oriental. Se trata de una reflexión crítica sobre las actitudes hacia las mujeres, tanto en la China como en la escena del arte contemporáneo y de la política mundiales. Pero es Shangai la protagonista de la obra que podemos ver en el tercer montaje de la propuesta «Zonas de Riesgo» (en la que también podemos contemplar, entre otras ,»El profeta» de la siempre sugerente pintora sudafricana Marlene Dumas, o la inquietante instalación «Movimiento en falso» del mexicano Damián Ortega). La ciudad de Jianhua, parece tambalearse, aguantándose en unos frágiles cimientos que en el fondo son tan sólo su propio reflejo, la sombra oscura de la inestabilidad, la precariedad, la desigualdad …

Liu Jianhua, «Sueño» (2006)

En segunda edición, algunas de las obras de la exposición «Zonas de riego», pueden contemplarse hasta el 3 de mayo de 2009 en CaixaForum Madrid

Otros enlaces relacionados

  • EcoDiario: Una exposición en CaixaForum propone una reflexión sobre la compleja realidad actual


Visita guiada a la exposición de Gerd Knäpper en Valencia

Por • 24 de febrero, 2009 • Tema: Artículos, Conferencias, Destacados, Exposiciones, Recomendados

Valencia, 29 de enero de 2009, día de la inauguración de la exposición de Gerd Knäpper en el Museo Nacional de cerámica «González Martí».

El artista –en la imagen, segundo por la izquierda- entre el traductor y Liliane Cuesta, conservadora del museo valenciano y coordinadora de la muestra, fue presentado al público asistente por el cónsul honorario de Alemania, Ilmo. Sr. D. José Luís Cervera, quien destacaba en su discurso lo que en síntesis según su percepción es característica principal de la obra del artista alemán residente en Japón: Una obra cerámica de extraordinaria factura en la que se aprecia la combinación del carácter alemán en el rigor de la estructura junto a una poética oriental asentada en la contemplación de la naturaleza y la sabiduría de la tradición cerámica del Japón en la aplicación del horno Noborigama con el que el ceramista trabaja. A la derecha de la foto, junto al cónsul, la presencia del ceramista Mariano Poyatos, coordinador de los I Encuentros Internacionales de Arte – Culla Contemporánea (2007, Castellón), en los que Gerd Knäpper ha sido artista participante, en calidad de invitado de honor.

Knäpper  junto a una imagen de su horno Noborigama Lugar, inspiración y proceso

Desde finales de los años sesenta, Gerd Knäpper (Alemania, Wuppertal 1943) vive en Japón, donde ha desarrollado una carrera como escultor y ceramista independiente, hasta el punto de que el éxito obtenido allí determinó su residencia de modo definitivo al formar una familia (contrajo matrimonio con una japonesa) y consolidar en la tranquilidad del campo un lugar idílico (Tarasoka, “estudio-galería” y hornos de leña) para la creación de su obra personal.

El mismo artista nos lo comentaba durante la inauguración de esta exposición en Valencia, afirmando que cuando fue a Japón para ampliar conocimientos dentro de la especialidad cerámica no tenía intención de quedarse nada más que dos o tres años; sin embargo, el éxito que obtuvo con su trabajo como hemos dicho fue decisivo. Bernard Leach le recomendó al prestigioso maestro Tatsuzo Shimaoka (quien le aceptó como ayudante en su taller de Mashiko por un tiempo, después de estudiar en Seto con Suzuki, su destino después de recorrer diversos países y embarcarse desde Estados Unidos hasta Japón, atraído sobre todo por la cerámica). Entre los diversos reconocimientos obtenidos en el país del sol naciente seguramente fue decisivo para su futuro conseguir el gran premio otorgado por el Primer Ministro de Educación (I Premio de Cerámica Artística, Tokio 1971, a una cerámica tradicional japonesa), para sorpresa de todos, incluso de los miembros del jurado, ya que se trataba de una obra contemporánea de carácter japonés cuyo autor resultó ser un extranjero (un ceramista originario de Alemania, formado entre Alemania, Estados Unidos y Japón).

Sin embargo, Gerd Knäpper no considera su obra ni alemana ni japonesa sino inspirada en el arte primitivo y moderno de muchas culturas. «Como artista -dice- no me considero a mi mismo ni japonés ni alemán. Gracias a mi singular situación, mi obra posee una estructura independiente tanto del Este como del Oeste».

Gerd Knäpper, imágenes de izqda a dcha ONDAS / TORSO (65 x 39 x 30 cm) 2001

Técnicamente la obra de Knäpper se ha realizado fundamentalmente en un horno Noborigama, utilizando pino rojo como combustible (su horno tiene cuatro cámaras construidas en pendiente, sin contar la cámara de fuego para la leña) y consolidada en una cocción rápida -36 horas-, alcanzando 1280-1300 grados centígrados. Un número importante de piezas presentan el color tostado del flameado sobre la arcilla y un “autoesmaltado” que en los bajorrelieves de las piezas talladas revelan un difuminado bastante regular, conseguido posiblemente como resultado de aplicar en crudo un engobe de ceniza, fundido en el cuerpo de la arcilla al ser sometido a tan altas temperaturas, madurado y soldado por toda la superficie junto a los restos de cenizas y sales volátiles.

Visita a la Exposición

Tres fotografías murales, instaladas en la sala, muestran el entorno del taller-estudio del artista: en una se ve un precioso paisaje nevado, con los campos y los edificios de la residencia Tarosaka en Daigo, donde Knäpper ha devuelto todo el esplendor a la antigua finca tras una impecable restauración efectuada en los edificios originales construidos con madera y la tradicional cubierta de paja trenzada; en la segunda foto, podemos ver el horno Noborigama; y en el tercer panel, al autor en el patio de la casa seleccionando piezas para una importante exposición que se celebró en Tokio, en la que se mostraron entre otras obras significativas de su sello grandes platos y bandejas de sesenta centímetros. Dicha puesta en escena es sin duda un documento singular para entender el ambiente del artista, la tranquilidad del campo donde desarrolla su trabajo, su relación con el entorno rural -en una vecindad de apenas siete granjas-, donde el maestro es el único ceramista del pueblo.

Las formas se completan con decoraciones talladas y trenzadas en un estado de la arcilla que se denomina «dureza de cuero»; un lenguaje personal que busca la representación del movimiento (el viento sobre los campos, en el cielo y el agua). La tierra chamotada y la marca del fuego de leña potencian aun más la precisión de las aristas, la tensión de un modelado virtuoso; no se trata de una mera decoración, el relieve forma una parte indivisible del objeto y no hace sino subrayar la arquitectura de unas formas sugerentes -construidas en secuencias equidistantes-, mediante un recurso de torsiones y virados que se ven realzados en aquellos Vasos que descansan sobre sus propios pies –elevándose ligeramente a unos centímetros de la base.

El eco de estas formas parece proceder de un sonido primigenio, presente en las ondulaciones y esculpido del viento en el agua, o, en la arena, en la arquitectura de las conchas de mar o de las plantas, en un lenguaje que evoca una percepción casi gaudiniana donde la mirada se alimenta al contemplar la naturaleza. Otros diseños recuerdan secuencias presentes en los esmerados tejidos orientales hechos con fibras vegetales, o la disposición en capas que va formando una corteza como se puede ver en la imagen de esta corteza de palmera que hemos fotografiado (potenciada la sensibilidad, después de contemplar la exposición se nos presentaron en una dimensión muy sugerente los troncos de las palmeras de Valencia).

Para mostrar la obra de Knäpper, las dos salas de la planta superior del «González Martí» se han llenado de cerámica con varios ejemplos (piezas firmadas con su sello personal y realizadas entre 1983 y 2008), algunas de estas obras son replicas en metal (bronce, y aleación de cromo-niquel), otras litografías manuales, impresas sobre papel Washi (también hecho a mano con corteza de morera, una artesanía muy apreciada en Japón) en las que se han plasmado los diseños de las vasijas. Los objetos cerámicos son variados y de mayor o menor escala, piezas únicas, -desde vasos y platos de carácter escultórico hasta formas que son propiamente esculturas (estelas) pero cuya forma surge dentro del lenguaje de la alfarería. También hay otras piezas de menor tamaño, destinadas a un uso utilitario como cuencos, vasos para Ikebana, utensilios para la ceremonia del té: taza (Chawan), el recipiente que se utiliza en la ceremonia del té para el agua fresca (Misuzashi), alguna botella para sake (Tokuri) con sus correspondientes tazas (Guinomi), tarros para el té, cajas para el incienso (Kogo), botellitas de agua (que los japoneses utilizan para disolver la pastilla de tinta caligráfica), platos, bandejas, etc.

Todo se ha dispuesto sobre módulos blancos, así como en vitrinas (las piezas de mano) o en la pared (los grabados enmarcados). El recorrido por consiguiente debe ser pausado –hay mucho que ver- para poder apreciar y dedicar el tiempo necesario a cada pieza.

Las obras de Gerd Knäpper ganan mucho al natural, en mi opinión la cerámica y concretamente este tipo de objetos resultan mejor en directo, generalmente esto suele ocurrir con las mejores piezas y en particular con las de cocción de leña (por la sobriedad y profundidad del color y los matices que presentan); por otra parte el arte que trata de la alfarería suele ser más íntimo que la escultura monumental, así es que las imágenes difícilmente recogen todo el misterio de un objeto en el que la escala, el peso y la textura, son elementos esenciales que forman un todo.

Detalle de la muestra en el Museo González Martí, Valencia

En cuanto a la disposición de las obras, hay que tener en cuenta que las bases o módulos solo son un “mobiliario” adicional, es decir provisional, para distribuir las piezas en la sala, así es que en mi opinión es preferible eliminarlo mentalmente durante la contemplación, ya que resulta como algo ajeno a su entorno natural, es decir en el que realmente cobrarán vida y mostrarán todo su esplendor las cerámicas: cuando se dispongan en la mesa (para disfrutarlas en la mano), o -en el caso de las de mayor tamaño- en el tokonoma y si en una casa de diseño moderno ocupando un lugar especial donde se pueda disfrutar tranquilamente con su contemplación, o incluso en un jardín si se trata de aquellas de mayor escala, siendo el exterior lugar donde también pueden situarse sin inconveniente -las piezas cocidas en alta temperatura pueden resistir hasta las más adversas condiciones climáticas. Teniendo todo esto en cuenta comenzamos la visita a la exposición saboreando cada objeto, uno a uno, detenidamente. La obra lo merece, y comprobando que estamos ante piezas dignas de museo, no podemos evitar el pensar que sería una buena noticia si al menos alguna de estas obras se quedase en España (adquiridas por alguna institución, museo, o formando parte de alguna colección privada).

Texto: Mª Jesús Sarmiento / Fotos: Cortesía MNC «González Martí», Valencia (España)

Información

La exposición podrá contemplarse en Valencia hasta el 26 de abril de 2009 y después viajará de vuelta hasta Alemania, pudiéndose contemplar en Munich del 27 de mayo al 30 de septiembre de 2009 (Nationals Völkerkundemuseum, München).

Catálogo de la exposición

Edición: asociación de Amigos del museo Nacional de Cerámica; Patrocinio: TÜV Rheinland Group Asia; Textos: Jaume Coll, Claudius Müller, Antonio Vivas, Kenji Kaneko, Seizo Sasaki, Ingeborg Wiegand-Uhl, Gerhard Bott, Gerd Knäpper, Fujio Koyama, Tetsuzo Tanigawa; Páginas 184, ISBN 978-84-612-8619-5; Idiomas: Castellano, Valenciano, English.

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Exposición de Gerd Knäpper en el González Martí



China: aproximación al arte contemporáneo, la cerámica e imágenes sobre el viaje de los socios de la Academia Internacional de la cerámica (IAC)

Por • 21 de enero, 2009 • Tema: Recomendados

En los últimos años China está siendo el punto de atención de múltiples ámbitos. Sobre todo desde que comenzó su espectacular desarrollo hacia una urbanización sin precedentes, en lo que se refiere a la expresión artística las galerías de todo el mundo han comenzado a vender “arte chino contemporáneo”, atraídos por múltiples factores. Desde Shanghai Gallery of Art, o la personal 1918-ArtSpace, podemos tomar el pulso de la actualidad; hoy, Shangáy que ha sido el centro administrativo y comercial también se está convirtiendo en la capital intelectual de China. Atraídos por una ventajosa inversión una población china de entre 30 y 40 años, mayoritariamente educados en el extranjero, afirman apostar fuertemente por el arte. Por otra parte, algunos coleccionista occidentales siguen expectantes lo que se está haciendo en China donde, además, dicen que resulta mucho más económico producir obra de considerables dimensiones que en Europa, Estados Unidos y Japón.

Obra de MA Jun, disponible en la galería 1918 ArtSpace, Shanghay

Viaje a Jingdezhen

Varios ceramistas españoles han viajado recientemente a China, con ocasión de la celebración de la asamblea bianual de la IAC. Incluso hemos leído, en el nº 111 de Revista Cerámica, que algunos de ellos han apostado por colaborar con el proyecto Flicam.

Como anexo a esta información, agradeciendo la colaboración de los ceramistas catalanes Mia Llauder y Joan Serra, publicamos algunas fotos sobre este viaje a China con motivo de la asamblea de la IAC (Academia Internacional de la Cerámica); imágenes que hemos alojado en una de nuestras páginas de Flickr.

Exposición: Rojo a parte

A modo de aproximación sobre la temperatura del arte en China, nos detenemos en el recuerdo de la última y por cierto magnífica exposición que sobre arte chino hemos podido contemplar en la Fundación Joan Miró de Barcelona, a través de los fondos de la colección Ulli y Rita Sigg.

Con el título Rojo aparte (Vermell a part): más de 80 obras de 51 artistas chinos contemporáneos (1986 – 2007) procedentes de la colección del diplomático y empresario suizo (pintura, escultura, instalación, fotografía y vídeo), en las que se materializó una mirada objetiva al arte contemporáneo de este país. Estas obras de diferentes estilos y géneros aportan un enriquecedor conocimiento que no deja dudas de la indudable calidad del arte chino desde el Realismo Socialista hasta nuestros días.

De entre los cinco apartados seleccionados por la Fundación con diversas temáticas y géneros, personalmente lo que más me sorprendió fue el apartado dedicado a Nuevas visiones de antiguas tradiciones artísticas, en las que se recogía ejemplos entre la diversidad de tratamientos de formas y géneros (desde la cerámica, la cera o la materia textil) descontextualizando la práctica y procedimientos vinculados con estos materiales, sin renegar de la esencia de una identidad propia.

El enriquecimiento que supone el intercambio entre Este-Oeste amplía la visión de la esfera donde la singularidad cultural rompe con los límites más allá de lo geográfico, ideológico, político… Quiero decir que esta magnífica exposición que tomamos como referencia es un ejemplo latente de la realidad actual; al respecto, el diario el País presentó una reseña de las últimas exposiciones (2008-2009) sobre arte chino actual celebradas en nuestro país, como puede verse en un artículo publicado en el pasado año 2008.

En el ámbito de nuestra especialización, la materia cerámica, más allá de la indudable riqueza histórica de China [inevitablemente siempre se mencionan los impresionantes guerreros de terracota de Xian, dinastía Qin, los admirables celadones de la época Sung (Song), la porcelana azul… en definitiva todos los ejemplos de sobra conocidos y que sin duda han sido o son una fuente de inspiración para muchos ceramistas contemporáneos de todo el mundo] y siendo el peso de la tradición del Lejano Oriente indudable, nos preguntamos no obstante sobre los artistas contemporáneos cuyos nombres aun no han trascendido tanto como sabemos sobre otros artistas/ceramistas internacionales, incluidos los japoneses. Dolors Folch (directora de la Escuela de Estudios de Asia oriental de la UPF) en un artículo publicado en el mencionado diario, explica la situación del arte en China: (…) «En los años treinta, la formidable eclosión artística de China situó su literatura, con Lu Xun, y su pintura, con Qi Baishi, en la escena universal. Hoy por hoy no hay, ni en literatura ni en artes plásticas, nombres que destaquen de forma tan singular. Pero la vitalidad de la China actual es extraordinaria, o sea que tiempo al tiempo. Mientras tanto, aprovechémonos nosotros también para recuperar el tiempo perdido en la comprensión del mundo chino y de su compleja apertura hacia la modernidad.» (enlace al artículo: Arte chino contemporáneo; el Pais.com)

Asia, cerámicas: inovaciones con barro

No hay que olvidar que la producción cerámica en Asia lleva implícita en su historia una continua e importante evolución. Un vídeo publicado en YouTube, editado por un profesor del Instituto de Arte de Mineapolis, nos ofrece un inspirador documento: “Ceramic production in Asia dates back many thousands of years. The Chinese have always been regarded as the undisputed masters of ceramics. Other Asian cultures have made astonishing contributions as well. The collection at the Minneapolis Institute of Arts sheds light on virtually every type of Asian ceramic —from Neolithic vessels, to Japanese tea bowls, to Chinese export porcelain, and beyond”. (La producción cerámica en Asia data de miles de años. Los chinos han sido distinguidos como indiscutibles maestros de la cerámica. No obstante otras culturas de Asia han contribuido también a este enriquecimiento. La colección del Instituto de arte de Mineapolis ofrece una luz sobre esta evolución de la cerámica –desde los vasos del Neolítico, las tazas de té japonesas, a las exportaciones de porcelanas Chinas).

El vídeo está producido en el 2006, en colaboración con el programa para la interacción entre los medios artísticos en Asia y el instituto de las artes (The Minneapolis Institute of Arts).


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