Archivo del tema ‘Exposiciones’

Xavier Toubes: Descripciones sin lugar

Por • 21 de abril, 2006 • Tema: Artistas, Exposiciones, Noticias

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Homedepot, H.110 cm

El interesante ensayo de Rebeca Pérez Sánchez Montañés (ed.Colección NON DISPOÑIBLE, Fundación Luis Seoane): Xavier Toubes Descripciones sin lugar, subtítulo que la autora toma de la obra homónima —realizada en 1989 por el escultor nacido en Galicia, e instalación hoy adquirida por la colección Klaus Peter Fischer en Frankfurt— recoge el resultado de una «observación detenida» a través de la experiencia vital y de elección del artista, los parámetros de: reflexión, motivación y visión, así como las características y el sentido de la obra de Xavier Toubes (A Coruña, 1947), artista internacional o «nómada» como él mismo se define. Una obra que, aunque a veces o también pertenezca al medio de la fotografía o la pintura, preferentemente se materializa mediante la escultura de arcilla; una obra creada por la necesidad que siente su autor de vivir en compromiso con el arte pues tal compromiso le sirve como «herramienta para el conocimiento» (en palabras de Toubes, recogidas por la autora del ensayo, ser artista es “una forma de entender, de ser y de estar en el mundo, una herramienta para el conocimiento”).

Además de reparar en el carácter poético que se percibe al contemplar la obra de Toubes, es decir, en su carácter funcional para el espíritu, Rebeca Pérez subraya algunas cuestiones de vital importancia:

No obstante, la obra de Toubes no solamente ocupa el terreno inmaterial, sino que aspira a hacerse tangible y visual, para lo que el artista transmite un fuerte sentido de materialidad a sus piezas, como una forma de protesta por la ruptura entre mente y cuerpo en la identidad del artista y en el proceso creativo.

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11, 2005 Sistema y fotografía / Tras dos agros, fotografía y cerámica

El conocimiento de la experiencia vital de un artista, sobre todo el conocer sus motivaciones y su elección, seguramente y en cierto modo sirve de ayuda para entender más profundamente su universo. Por ejemplo, para analizar y entender la obra actual de Miquel Barceló, la perspectiva no alcanza la misma profundidad si no se conoce la convivencia y la relación del artista con el país Dogón. Del mismo modo la elección que Toubes hace en momentos claves de su vida delatan una personalidad energética, un coraje y una capacidad de elección que consecuentemente se refleja en su trabajo. En ese sentido, apunta la autora del texto que comentamos, que el arte le sirve a Toubes como una herramienta para enfrentarse a las contradicciones que van surgiendo en su vida.

Moza nunha paisaxe con calavera / Global

Mas son precisamente esas contradicciones, entre el entorno y sus convicciones, las que le llevan a la acción, a no doblegarse ante la comodidad, y a proseguir la búsqueda de nuevos horizontes… Hubo un tiempo en que el compromiso político y su creencia en la libertad le llevaría a un “exilio” más o menos voluntario en un momento oscuro de nuestro país (1967), cuando España sufría la represión franquista. Durante su estancia en Londres se encuentra con el arte, y el arte cambia su vida (cursa estudios, durante 1974-77, en Goldsmith College University of London). Pero ese compromiso con el arte le lleva, en un momento que se cuestionan los procedimientos, a salirse de las casillas hasta indagar en la periferia (la cerámica para los círculos artísticos en aquellos momentos en los que imperó la tendencia minimalista y conceptual resultaba insoportable). Y resulta que él precisamente decide involucrarse con la cerámica: en 1978 trabaja en Winchcombe Pottery.

LimChi

(…) su actitud es de rechazo a unas formas de entender el arte que ponen demasiado énfasis en el proceso y que con el tiempo han empujado al arte a su desmaterialización y llevado al objeto al borde de la extinción. El enfoque que Toubes da a su trabajo, sin que niegue su aspecto intelectual, busca que el cuerpo se involucre (…)

Fluids / LimChi

En este proceso intelectual y físico que menciona la autora, la historia hace un recorrido por su trayectoria: después de Inglaterra vendrá Nueva York (1978), el Master en Alfred University (1980-83), el ejercicio de la docencia en la Universidad de Carolina del Norte (Chapell Hill, 1983-93), hasta que en 1989 activa la creación del EKWC en Holanda de cuya dirección artística se hará cargo desde 1991 hasta 1999, fecha en la que regresa a Chicago como profesor de Arte en la School of Art Institute. La experiencia y los logros que Toubes consigue en el EKWC sin duda supondrán una piedra angular en su obra; por consiguiente, del periodo en el que Toubes se hace cargo de la dirección artística en el Centro Cerámico de Hertogenbosch, donde desarrolla objetivos y postulados, ocupa un apartado en el que la autora se detiene especialmente. Incluye, por supuesto, una descripción de unas obras que por los recursos allí disponibles Toubes realiza enfrentándose a una mayor escala, al tiempo que explora problemas «escultóricos y tecnológicos».

(…) Toubes deja a un lado la naturaleza irreconciliable y el afán de resolución de la escultura figurativa para conducir su estudio hacia el objeto en proceso de transformación (…)



Homenaje a Chillida

Por • 14 de abril, 2006 • Tema: Exposiciones, Recomendados

En Bibao, hasta el 11 de Junio de 2006 el Guggenheim dedica una de sus exposiciones temporales en homenaje a Eduardo Chillida. La muestra, comisariada por Kosme de Barañano, bajo el enunciado Homenaje a Chillida reúne 43 obras (fechadas entre el 2002 y 2003 -después del 19 agosto de 2002, fecha del fallecimiento del artista vasco) que pertenecen a los fondos de la Fundación Grupo Urvasco. Trabajos realizados in memoriam por 45 artistas internacionales, entre ellos: Richard Serra, George Baselitz, Anthony Caro, Tony Cragg, Manolo Valdés, Miquel Barceló, Antoni Tàpies, Robert Rauschenberg, Ron Kitaj, Christo, Zao Won Ki, Miquel Navarro, A.R. Penk, Rafols Casamada, Magdalena Abakanovizc, Eduardo Arroyo, Gonzálo Chillida (hermano del escultor), Pedro Chillida y Eduardo Chillida (dos de los hijos del artista homenajeado), así como escritos de arquitectos que trabajaron con Chillida como Norman Foster, I. M. Pei, y Frank Gehry entre otros que se han sumado a este homenaje. Una exposición que se basa, en palabras de su comisario, «no en la retórica de las palabras, sino en la sencillez de unas obras que hablan a Chillida en el lenguaje particular de cada uno de los artistas presentes (…)».

En Santander, hasta el 11 de junio de 2006, la Fundación Marcelino Botín dedica también una muestra a Chillida con obra perteneciente al museo Chillida-Leku: entre las obras que pueden contemplarse 26 grabados, 36 obras de papel, 13 gravitaciones y 15 esculturas en hierro y tierra cocida.

En San Sebastián, hasta el 25 de septiembre de 2006, en el Museo Chillida-Leku, podrá contemplarse la exposición Chillida: Homenajes. Más de cuarenta obras, homenajes realizados por Chillida a diferentes autores pertenecientes al mundo de las artes plásticas, del pensamiento, de la música y de la poesía como Heidegger, san Juan de la Cruz, Vivaldi, Bach, Giacometti, Brancusi, Calder, entre otros.



Las Terracottas de Anthony Caro

Por • 7 de abril, 2006 • Tema: Exposiciones, Recomendados

Sir Anthony Caro (Reino Unido, Surrey 1924) es el más importante escultor británico vivo y una de las figuras clave de la historia del arte contemporáneo. Su obra, desprovista de pedestal, se inserta dentro de la abstracción; se acerca así al sujeto contemplador y le ofrece mediante una narrativa poética una fuerte conexión con los materiales que emplea. Según sus palabras, «comprender el material es un buen punto de partida para los artistas». La narrativa y poética de Caro va por consiguiente muy unida a esa estrecha relación que el artista establece con lo que se trae entre manos y de este modo él crea una figuración para el siglo XXI sin por ello abandonar su carácter abstracto. Acero pintado, plomo, papel, madera, plata, o terracotta (material que en esta exposición pretendemos abordar), le sirven al artista para desarrollar su personal lenguaje y para profundizar a través de una narrativa que se articula entre los límites internos y externos de la materia y sus cualidades.

De la serie Pot Ladies, exposición en la galería Garth Clark

Desde 1975, Caro trabaja con cerámica. Un material más de los que hasta entonces había utilizado para construir su lenguaje. Utilizará la tierra en su apariencia más austera, gres cocido con leña. Abordará con la tierra temas épicos; es el mencionado material, trabajado con naturalidad y con su aguda percepción, el que la mayor parte de las veces le inspirará el «tema». Tan complicada aventura, me refiero la de trabajar la tierra y manejar el gran fuego del modo en que lo ha hecho, llevaría toda una vida de exclusiva dedicación para enfrentarse a los problemas técnicos así pues le asisten otros artistas conocidos expertos, especializados en dicha disciplina y en la técnica que le interesa: lo hace en la Universidad de Siracusa con Jim Walsh, con Paul Chaleff (artista experto en anagama y autor de las piezas de torno de las que se ha servido Caro para construir sus Pot Ladies); y, en Grasse, al sur de Francia, con Hans Spinner (con quien Caro ha realizado entre otros trabajos sus instalaciones épicas: the Barbarians, Lastdjudgement, Tartar War), trabajando con bloques macizos de tierra chamotada.

Lastjudgement installlation (1995-1999)

La colosal instalación Lastjudgement (el Juicio Final), que por cierto ha sido comparada en importancia con el Guernica de Picasso, pudo contemplarse en la Bienal de Venecia de 1999. Sobre esta obra incluimos un artículo publicado en El Cultural, colaboración que agradecemos a su autor K. de Barañano / Anthony Caro El Jucio Final

El 27 de Marzo de 2006 llegaba a nuestro país Sir Anthony Caro para recibir del IVAM el Premio Internacional Julio González (2005), una distinción que desde el 31 de octubre de 2000 se creó por iniciativa de Kosme de Barañano —quien en ese momento tenía la responsabilidad de la dirección del centro. Distinción que el artista recibió, por su aportación al arte contemporáneo, agradecido y emocionado por lo que para él ha representado la obra de Julio González (en sus palabras, el primer escultor cubista) y en cuya tradición escultórica junto con la de Picasso se reconoce.



Anthony Caro, “The Barbarians”

Por • 7 de abril, 2006 • Tema: Exposiciones

El grupo escultórico The Barbarians (1999-2002), seis jinetes guerreros de casi dos metros de altura con un viejo carro tirado por un buey y guiado por una figura femenina (¿símbolo del tiempo perdido?), obra del genial escultor británico Sir Anthony Caro (Surrey 1924), podrá contemplarse hasta el 23 de abril de 2006 en el IVAM.

Sir Anthony Caro con uno de sus bárbaros en el IVAM (Valencia)

Tierra cocida (gres de gran fuego), madera, cuero y acero han sido los materiales empleados para la mencionada obra. Ensamblaje realizado con materiales considerados no tradicionales en la escultura que el artista «rescata» (potros de gimnasio encontrados en un almacén de King`s Cross), «amasa» (cuerpos de tierra, cocida con leña en el horno de Hans Spinner), «ensambla y viste» (con elementos industriales: acero y cuero) y «piensa» (homenaje al poeta Constantino Kavafis, nacido en Alejandría y piedra angular de la poesía griega del siglo XX).

Bárbaros, porque hoy en el siglo XXI, en la periferia de la llamada civilización, armados con látigos y porras, Golom, Kharjaar, Jiloo, Saardag, Sulde y Dooro junto a Kharsag que conduce el antiguo carro mongol, dan metafóricamente una bofetada al entramado corrupto de esta supuesta “civilización”.

Del catálogo de la exposición celebrada en el 2002 en galería Mitchell-Innes and Nash extraemos las palabras del artista:

Through the ages, civilizations have often been subject to unexpected assaults from warrior tribes. This happened when the Tartars overran Asia and the Huns and Goths plundered Rome. My Barbarians allude to this history.

Anthony Caro

(«A través de los tiempos, a menudo las civilizaciones han sido atacadas inesperadamente por tribus guerreras. Esto ocurrió cuando los tártaros invadieron Asia y los unos y los godos asaltaron Roma. Mis bárbaros son una alusión a esta historia»)

The Barbarians en la galería londinense Anely Juda Fine Art (expuesto en 2003)



Cumella, procesos escultóricos

Por • 31 de marzo, 2006 • Tema: Exposiciones

Exposición: Hasta el 2 de abril de 2006

Unos días antes de su clausura nos acercamos hasta el Museo de Granollers (Barcelona) para contemplar la exposición “Cumella, processos escultòrics” -también título del catálogo (texto en catalán) publicado para la ocasión y testimonio de esta interesante muestra comisariada por Manel Clot con la asistencia y colaboración de Glòria Fusté.

La exposición ha reunido un total de 106 obras (28 esculturas y 78 piezas de torno) procedentes de la colección de la familia Cumella, de colecciones particulares y fondos de diversas instituciones, fechadas entre los años 1935 y 1981; obras que conforman una interesante representación de cada década comprendida entre las mencionadas fechas, para entender lo que representa, en el ámbito de la cerámica contemporánea de nuestro país, el trabajo y la creación personal de este reconocido artista. “Para reflexionar sobre el proceso escultórico, y explicar la trayectoria cívica, artística y cultural del artista”, en palabras de la organización de la muestra.

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Vista panorámica de la muestra, Museu de Granollers

Antoni Cumella (Granollers, 1913-1985) forma parte de la historia del arte contemporáneo de nuestro país. Su obra es un referente para la cerámica artística catalana; para la alfarería de estudio que desde la inquietud artística se expresa por medio del torno y el modelado. Vasos (gerros) y volúmenes en el espacio, ambos temas por él tratados y concebidos desde la misma sensibilidad, bajo el criterio de la perspectiva escultórica, representan el trabajo de una vida dedicada al arte; una inquietud con lenguaje cerámico: gres de gran fuego, dominio del oficio y la técnica, pero también desde la percepción del arte moderno.

Del catálogo de la muestra extraemos las palabras del artista: “La ceràmica és una escultura de revolució”. Tal afirmación es sin duda reveladora de su universo: Vasos torneados, bañados por esmaltes mates, satinados y aterciopelados, de gran profundidad y amplia variedad de matices. Volúmenes en el espacio, modelados de abstracción antropomorfa, y vegetal.

Cumella interpretó la alfarería como escultura: recibió la inspiración de la naturaleza, de las obras artísticas que admiró (desde Gaudí, Artigas, Le Corbusier, Mies van der Rohe, Manolo Hugué, Cézanne, la cerámica Sung, la filosofía de la Bauhaus…), desde el conocimiento del oficio (que recibió por lazos familiares), de su experiencia vital, de su preocupación por la cultura. En palabras del curador de esta muestra su obra se describe como “relación con la naturaleza, el material, la forma y el volumen”.

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Volúmenes en el espacio, obra de Antoni Cumella

Si la memoria no nos falla, hacia mucho tiempo que no se había podido contemplar en nuestro país una retrospectiva dedicada a este artista; desde 1986 en lo que fue el Museo de Arte contemporáneo de Madrid, “Homenaje a Cumella”. Así pues esta ocasión merece una celebración, también porque ha recogido después de dos años de trabajo una importante documentación sobre la trayectoria del ceramista: desde 1928 fecha en que realiza sus primeras piezas cerámicas (con quince años de edad), fotografías sobre su obra mural, sus exposiciones más importantes, las relaciones con otros artistas y personajes relevantes de la cultura, y los reconocimientos que obtuvo a lo largo de tan fructífera carrera en España y en el extranjero. Una documentación que seguramente será de interés para los estudiosos de su obra.

Fotos: Pere Cornellas

(Más fotos en continuar leyendo; gentileza y colaboración que Alfar Galería Azul agradece al Museo de Granollers)

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Exposición de Chillida en Japón

Por • 10 de marzo, 2006 • Tema: Exposiciones

La experiencia de Chillida es una experiencia de los límites,
y en cierta manera un intento de interrelación o de transgresión de los mismos, como lo es la experiencia de los místicos en el terreno del lenguaje

Kosme de Barañano

Comisariada por Kosme de Barañano, la exposición itinerante por tres ciudades japonesas mostrará más de 60 obras entre esculturas, grabados y terracotas de Eduardo Chillida (1924-2002), el genial escultor donostiarra. Obras que, siguiendo el calendario del 2006, pueden y podrán contemplarse: del 21 febrero al 2 abril en el Museo de arte de la Prefectura de Nagasaki, del 11 de abril al 21 de mayo en el recientemente renovado Museo de Arte de la Prefectura de Mie,y, del 10 de junio al 30 de julio en el Museo de Arte Moderno de Kamakura.

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Hall del Museo de Nagasaki

Eduardo Chillida decía que su obra es reflejo de la luz negra de su tierra, la luz del País Vasco. Su trabajo, supo recoger esa luz junto con el sonido, la respiración y el lenguaje de los materiales empleados. El hierro, el acero, el hormigón, el alabastro, la madera, la piedra, el fieltro, el papel y la tierra cocida fueron los medios que utilizó para reflexionar sobre lo esencial. En las obras de Chillida pueden contemplarse la gravitación, la pesantez, la geometría que esculpe el vacío, o también lo lleno. Precisamente, sobre lo lleno hablan las terracotas de Chillida; él las llamó lurras (en el idioma euskera). En las lurras de Eduardo Chillida puede sentirse la potencia, el peso de la expresión maciza. Trabajó en estas obras desde 1977 en St. Paul de Vence (Francia), con la colaboración y en los hornos del ceramista de estudio Hans Spinner; Chillida se entusiasmó con el peso de la tierra chamotada, con el sonido de la pella al caer sobre la madera. Se encontró con un material en sus manos que moldeó en grandes bloques escultóricos; en forma de estelas; en forma de losas que utilizó como muro de sus pinturas con óxidos de hierro y cobre. En las lurras puede saborearse la alta temperatura y la tonalidad de la cocción: limpia cuando el artista eligió el horno eléctrico, y, la marca del fuego en la piel gresificada cuando optó por la cocción de leña.

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Obra cerámica de Eduardo Chillida



Más sobre 2005 y primer trimestre de 2006: Fundación Seoane, Japonia Zeramikagunea, Artium-Gasteiz

Por • 10 de marzo, 2006 • Tema: Artículos, Conferencias, Cursos, Exposiciones

Exposición: Xavier Toubes, GLOBAL

En la Fundación Seoane, A Coruña. Desde 26 Oct/05 y hasta 13 de marzo del 2006.

La Fundació Luis Seoane – A Coruña, inauguró,con obra de Xavier Toubes, su proyecto cultural «Espacio no disponible». En este proyecto, se invita a un artista a mostrar obra en los espacios no habituales de la fundación (patio, claustro o biblioteca). La iniciativa es interesante además de por insertar el arte en el deambular del espectador (con el que éste se topa, aun sin buscarlo), por la espléndida publicación que con tal motivo se le dedica al artista elegido. La extraordinaria obra del prestigioso artista gallego residente actualmente en Chicago, se articula por el recorrido designado bajo el enunciado de Global :

Una referencia al momento histórico actual, en lo que lo local y universal se tocan sin mezclarse completamente, a un momento político concreto, en el que todo parece nuevo (…)

Para seguir leyendo entrar en la pagina de la Fundación, ir a: agenda, y abrir “Espacio no disponible”.

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Xavier Toubes

Artium Vitoria-Gasteiz

Charlas Julio 2005 sobre cerámica japonesa, organizadas por el colectivo de ceramistas vascos EKG.

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Ponentes por orden de intervención: María Jesús Sarmiento, Carmen Ballester, Hisae Yanase, Pepa Jordana y Angel Garraza.

Extracto de la conferencia “El horno anagama y noborigama”:

Cocer la tierra es el método de conseguir, a partir de un material blando y maleable como lo es la arcilla, otro material: duro, consistente y resistente. Hace 26.000 años que el hombre comenzó con esta tarea, y hasta hoy se han desarrollado muchos métodos que a su vez tienen una relación directa con los combustibles empleados: leña, carbón, gasóleo, propano, gas natural, etc. Sin duda, la leña es el combustible que se ha utilizado durante más tiempo.

Puedes leer el texto completo descargando el PDF (464 Kb). Necesitarás el lector Acrobat Reader para abrir este archivo.

Exposición: Richard Deacon, The Size of it (2 junio al 28 agosto 2005)

Deacon.jpg«Noventa y dos pequeños estudios en cerámica situados en un lateral de la sala,se muestran como vértebras de un mismo cuerpo expositivo, del pensamiento y la obra, que el escultor Richard Deacon nos presenta en ARTIUM de Álava. Diferentes formatos, desde 5cm a 12 metros, y diferentes técnicas y materiales escultóricos son atravesados por el mismo espíritu vinculante que define una trayectoria de trabajo representados en la exposición. Varias piezas de gran formato,dibujos y la imponente presencia de cuatro grandes esculturas se conjugan explicitamente de este artista galés nacido en 1940» (extracto del encarte de la muestra).



Exposiciones 2005-2006

Por • 3 de marzo, 2006 • Tema: Exposiciones, Noticias, Recomendados

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José Antonio Sarmiento / Tea bowl, wood fired
Summer exhibition Besson Galerie

Exposiciones en el ámbito internacional:

  • En Londres, Galerie Besson mostró dentro de su exposición colectiva anual obra de José Antonio Sarmiento.
  • En Munich, Galerie b15 exposición individual de Enrique Mestre, uno de nuestros maestros consagrados.
  • En Ginebra, el Museo Ariana reúne hasta el 20 de Marzo del 2006 escultura cerámica de algunos de los autores españoles más conocidos internacionalmente: Claudi Casanovas, Enric Mestre, Ángel Garraza y Xavier Toubes.

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Claudi Casanovas / Bloc

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Enric Mestre / Gres

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Xavier Toubes



El Renacer del Arte Aurático: sobre las cerámicas anagama de J-A. Sarmiento

Por • 3 de marzo, 2006 • Tema: Exposiciones, José Antonio Sarmiento, Textos

catdesinv.jpgEl presente artículo fue escrito y publicado originalmente para un encarte de la exposición «Después del invierno» de José Antonio Sarmiento. En él se tratan aspectos de teoría estética y de filosofía del arte, a través de la consideración de obra de José Antonio Sarmiento.

Para esta tarea se parte de distinciones como la de “arte aurático” (que aparece reseñada en el mismo título del artículo) y que viene a contraponerse a la de “arte post-aurático”. Esta distinción tiene su origen en el escrito de Walter Benjamin titulado La obra de arte en la era de su reproducción técnica. Otras referencias utilizadas para realizar este análisis son la obra de Arthur C. Danto Después del fin del arte así como la concepción del arte como techné de Aristóteles.

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«Después del Invierno» en el Centro Hispano-Japonés

Por • 15 de marzo, 2005 • Tema: Exposiciones, José Antonio Sarmiento, Textos

JOSÉ ANTONIO SARMIENTO
“DESPUÉS DEL INVIERNO”
Cerámicas de anagama y noborigama

Del 2 al 22 de Marzo de 2005
CENTRO CULTURAL HISPANO-JAPONÉS
Salamanca (España)

WABI SABI

Algunas obras de arte, independientemente del lugar y tiempo a que pertenezcan, consiguen despertar en nosotros ese estado de contemplación del misterio. En el libro El Arte y sus lugares Antoni Tàpies habla de ello y de esa clase de trabajos que según sus palabras: «lejos de ser fantasías de artistas y poetas son una necesidad para nuestra salud (o salvación) tanto individual como colectiva».

«Después del Invierno» muestra cerámicas de José Antonio Sarmiento (León, 1956); alfarería actual realizada en un horno de estilo japonés anagama-noborigama. Trabajos de espíritu artístico y carácter informal que hasta hace poco el gusto occidental consideraba «heterodoxos», lo que ya no es así desde el conocimiento de la expresión actual que ha visto ampliado su horizonte con la profundización de otros planteamientos en materia de arte. Entiende J-A. Sarmiento que el momento de la vida actual necesita, más que nunca, la integración del arte en la misma. A ello se entrega sin descanso. En busca del sentido o la razón de ser, vivir y sentir el arte; sobre todo, se trata del Arte de la Vida. Toma para sí la sabiduría de la tradición pero hace el camino a la inversa, es decir parte de la extensión de la modernidad.

Los trabajos que contemplamos nos muestran las cosas tal y como son, aceptan la realidad. Son obra del hombre y de los elementos: la tierra y el fuego blanco ―alimentado con leña de pino durante siete días completos―, de la ceniza y el viento, del agua y del sentir el cambio de las estaciones. La conciencia del artista deja trabajar a la inconsciencia del artesano. José Antonio pone los medios para que todo se desarrolle del modo más natural posible. No hay premeditación, y, sin embargo, todo está hecho de modo consciente. Ante todo, para él es importante tomar parte en todas las fases del proceso, no abandonar la pieza en ningún momento. Surge el sonido: la sinfonía de la tierra silenciosa. Ante todo, libertad en las formas. Austeridad en el modo de trabajar: preparar la pasta cerámica y los esmaltes, la elección escueta de los colores (pocos, elegantes y profundos), el modo de concebir la obra y profundizar en el sentido de la misma. De cada uno de los pasos y de todos ellos transparenta un concepto estético universal próximo al Wabi Sabi. En Japón, Wabi Sabi son términos que describen un concepto de belleza absolutamente desprovisto de sofisticación, un sentir, un estilo de arte o mejor dicho un modo de percibirlo. De dicho concepto surgió la belleza del teatro Noh, la de los objetos contemplados por la estética Zen más austera, el poema breve o Jaiku, los jardines de piedra… ¿Cómo traducir a otras lenguas el significado de Wabi Sabi? No hay palabra que pueda expresarlo, mas a su espíritu nos acercan los versos de Fujiwara Teika (1162-1241):

Miro más allá
No veo flores
No veo hojas carmesí
En la playa, una cabaña solitaria con cubierta de paja recién cortada
En la luz menguante
De una tarde de otoño

Las cerámicas de José Antonio Sarmiento, que ahora pueden contemplarse en Salamanca, tratan del Arte de la Vida, de la hospitalidad.

MJ. S.


CRÍTICA:

– El amable Sr. Shunsuke Fujimori después de ver esta exposición publicó una reseña en la web (en japonés). Según nos dijo su «impresión objetiva», e incluye al comentario imágenes de la misma.

Texto: Shunsuke Fujimori; traducción al español: Saori Takiguchi (ver la versión original con imágenes en “reseña”).

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