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Maratón de cocción de leña en Dinamarca

Por • 29 de mayo, 2007 • Tema: José Antonio Sarmiento, Noticias, Recomendados

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anagama de gregory millerNORDIC WOOD-FIRE SIMPOSIUM
Horne – Dinamarca
del 1 al 25 de Junio 2007
Lugar: Hirstshals, Dinamarca “Gendo Keramic”
Director y comisario del evento: Gregory Hamilton Miller. Asistentes de la organización: Janice Hunter, y, Janne Hieck.

El primer éxito del curator y su equipo ha sido poder reunir en Dinamarca artistas-ceramistas especialistas en cocción de leña de Europa y Estados Unidos, y la participación de asistentes de todo el mundo para trabajar juntos e intercambiar experiencias.

Desde hace meses Gregory Miller (Gendo Keramik) y sus colaboradores están trabajando intensamente para que todo esté a punto para el maratón de cocción de leña que tendrá lugar durante el mes de Junio en el norte de Dinamarca.

Lista de artistas invitados (a cargo de las cocciones, workshops y presentaciones):

Helena Andersson (Suecia), Nic Collins (Reino Unido), Janne Hieck (Alemania/Dinamarca), Anne-Mette Hjortshøj (Dinamarca), Dale Huffman (Estados Unidos), Janice Hunter (Reino Unido/Dinamarca), Ann-Charlotte Ohlsson (Suecia/ Dinamarca), Gregory Hamilton Miller (Estados Unidos/Dinamarca/Japón), Marcus Rusch (Alemania), y José Antonio Sarmiento (España).

Colaboradores organización:

Pete (Noruega /Irlanda), Bede Clark (Estados Unidos), Keith Ekstam (Estados Unidos) y artistas residentes desde el hermanado evento de cocción de leña que tendrá lugar en el sur de Dinamarca, en Guldagergaard: “International Ceramic Research Center”, Skaelskor.

Exposición en Børglum Kolster:

WOOD FIRED CERAMICS / CERAMICAS COCIDAS CON LEÑA, 24 de Junio al 26 de Agosto 2007

Poul Jensen (Noruega/Dinamarca), Helena Andersson (Suecia), Anne-Mette Hjortshoj (Dinamarca), Ann-Charlotte Ohlsson (Suecia/Dinamarca) Markus Rusch (Alemania), Janne Hieck (Alemania/Dinamarca), Gregory Miller (USA/Dinamarca), Dale Hoffman (Estados Unidos), José Antonio Sarmiento (España), Dorte Visby,Catherine Collart, Else Rasmussen, Dorthe Hansen, Janice Hunter, Anna K. Johannsdottir

Enlaces relacionados:

Contactos:

Gendo Keramik

Gregory Hamilton Miller potter/ anthropologist
Old Horne Old Horne Station, Nøragervej 3
Horne, 9850 Hirtshals, Denmark
e-mail: nezumi[arroba]earthlink.net
phone: +45/ 98 93 29 39 mobile: +45/27361120

Exposición en Børglum Kolster

Janice Hunter
Tornby GL. Skole
Tornby
DK9850 Hirtshals, Denmark
e-mail: janicehunter20[arroba]hotmail.com
phone:+45/98 97 76 68



Lin Utzon: Retrospectiva

Por • 28 de mayo, 2007 • Tema: Artículos, Exposiciones

Lis UtzonExposición Retrospectiva
Hasta el 1 Julio de 2007
Ses Voltes
c/ Dalt Murada s/n; Palma de Mallorca
Horario: Martes a Sábado 10 – 17.45h. / Domingos y festivos: 10 – 13.45h.
(Instituciones: Colegio oficial de arquitectos de las Islas Baleares, Ayuntamiento de Palma, y CAM (Caja Mediteráneo)

Dibujo en tinta sobre tela o papel, pintura, cerámica, escultura, objetos (en cristal y porcelana), entre otros, son medios en los que se expresa desde muy joven la diseñadora y artista danesa Lin Utzon. Una obra inspirada en la naturaleza, en muchas ocasiones vinculada extrechamente con la arquitectura y los objetos. El encuentro de la belleza en la simplicidad, en la utilidad del cromatismo escueto y fuertemente vinculado con la tradición cerámica: el blanco de la porcelana y el azul cobalto, en la tinta china, en la apropiación de la tradición para construir una re-interpretación moderna.

A principios de este año una noticia recogida por los diarios de Mallorca comentaba que Lin Utzon inauguraba una pieza monumental de 5 m. de altura, Ses Palmeres, en una glorieta de la localidad mallorquina de Porto Petro (el monumento se compone de tres columnas helicoidales de hormigón revestidas con un trencadís de azulejo blanco rematadas en hojas de palmera); una obra «silenciosa» en palabras de su autora, realizada en homenaje a la mencionada localidad que la artista considera su segunda “patria”, y al arquitecto de la Llonja, Guillem Sagrera, («las columnas helicoidales de la Llonja -afirmaba en una entrevista con motivo de la inauguración- son un milagro»). Este mes la noticia es su primera exposición retrospectiva en la Isla. Exposición que puede contemplarse hasta el primero de Julio –con el patrocinio y gentileza de varias instituciones– y por la que ha merecido la pena el viaje que hicimos la semana pasada a Mallorca.

Lin Utzon I

Lin Utzon Mural y vasija con motivo vegetal

El magnífico espacio de Ses Voltes no podía resultar más adecuado para acoger una selección de obra que además de ser notable en sí misma, ha resultado completa en su conjunto y admirable por el exquisito gusto demostrado en su modo de presentación, incluso por la cuidada elección y disposición temática de cada una de las piezas que vertebran la exhibición. Un trabajo impregnado de aire puro que permite conocer a la autora con bastante precisión.

Lin Utzon II

Lin Utzon, cerámicas

En su obra trasciende una musicalidad que, en el ritmo, yo me atrevo a calificar de andante man no troppo. En la limpieza, el orden, el inusitado sonido atonal utilizado, como si de una partitura de Schönberg se tratase, disfruta de esos “acordes errantes” por medio de un tinte único de color. Resulta impredecible, porque no se sabe hasta qué punto podría proseguir la secuencia de continuidad. Y lo mismo que podría continuar se interrumpe bruscamente, o sale del cuadro para configurarse en volumen: materializándo el eco de una misma voz en forma de vaso. No debe considerarse esta inflexión como complemento sino como irrupción en el espacio, o estacato que da entrada al aire (viento o vacio) en la composición. Con elementos complemantarios (el blanco, el azul cobalto y el pan de plata) se establece un ritmo atonal, de un modo tan peculiar, que hasta puede incluso resultar familiar. Al menos tanto como lo es el ensimismamiento, o si se prefiere decir “vacio de la mente”, experimentado ante la visión de las aguas de un lago. Y también estan esas otras piezas de sabor popular: vasijas (como figuras femeninas con los brazos en la cintura, coloquialmente «en jarras»); mujeres joviales, vestidas cada una de modo diferente, ejecutando una danza festiva y encantadora.

Lin Utzon III

Lin Utzon, Mural y vasijas; porcelana, cobalto y pan de plata

En definitiva, una muestra que mediante un discurso expositivo coherente consigue resumir una basta trayectoria, en la cercania de un temperamento y un discurso tan líquido que empapa el conocimiento; de la credibilidad que trasciende en esta retrospectiva es como si se conociese a su autora familiarmente. Un reto conseguido que al final del recorrido se refuerza didacticamente con un interesante documento audiovisual (en formato DVD) sobre su obra monumental.

Lin Utzon IV

Lin Utzon Serie Cosmic Dance, 1996-2005

tinta sobre tela 200 x 300 cm.

Enlaces relacionados:

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Exposición en la Galería CuatroDiecisiete: Aproximaciones al paisaje

Por • 24 de mayo, 2007 • Tema: Exposiciones

Cuatro Diecisiete (Vista Vertical)Exposición colectiva, pintura y cerámica
Galería Cuatro Diecisiete
Príncipe de Vergara, 17
28001 Madrid
Tlf 91 435 30 29
Del 24 de mayo – 21 de junio de 2007

Pintura y Cerámica en la mirada de doce artistas hacia el Paisaje, y una exquisita selección de obras, es lo que en la exposición actual nos ofrece desde hoy la galería madrileña CuatroDiecisiete. Seis pintores y seis escultores cerámicos, en un diálogo expresivo inspirado en la naturaleza.

Pintura: Pepe Enguídanos (Albacete, 1962) y Miguel García Cano (Obejo -Córdoba, 1957), trabajos articulados a través de la representación onírica; Eduardo Millán (Jerez – Cádiz, 1979), el desarrollo de una narrativa tomando como referencia su entorno vital; David Casals (Centelles – Barcelona, 1976), la visión de un naturalismo renovado; Carmen Varela (Madrid, 1959) y González Olivares (Salobreña -Granada, 1976), dos reflexiones desde sus particulares visiones del paisaje urbano.

Escultura Cerámica: Madola (Barcelona, 1944), mediante un informalismo de gran potencia vital y presencia robusta su obra ofrece la configuración de un paisaje para la reflexión; María Bofill (Barcelona, 1937), en el verso de porcelana la poética nos transporta a lugares y parajes cuya escala íntima nos permite saborear el silencio; José Antonio Sarmiento (León, 1956), el fuego, y cómo este es aplicado, adquiere un carácter escultórico, plástico y pictórico en su obra: la fuerza de los volúmenes inspirados en los paisajes que habita –ya sea el páramo o la costa- no impide profundizar sobre el concepto de la vasija y la integración del arte en la vida; Carme Collell (Vic, 1951), explora un neoconstructivismo de suave textura con el que define la tensión de la geometría, musicalidad que se funde inspirada en la belleza del paisaje de su entorno; Eva Castaño (Madrid, 1964), se ocupa de un microcosmos de matices para mirar a través de los objetos de uso y descubrir cosas de sutileza oriental –aquellas que no son tan evidentes a primera vista, y, sin embargo, desde una contemplación más atenta nos desvela la grandeza que habita en lo pequeño-, la artista lo consigue a partir de un tono afinado en la tesitura de la profundidad de los esmaltes y barnices con los que forma delicados paisajes en el cuerpo de de un cuenco de gres o porcelana. Anna Blanco (Londres, 1961), artista multicisciplinar (escultura, pintura, fotografía y grabado), en esta ocasión ha pintado utilizando como lienzo la cerámica, contando con la colaboración de la ceramista Eva Castaño.

Cuatro Diecisiete

Pase de diapositivas con imagenes generales de la exposición

Disfrutamos de una buena exposición que sin duda agradecerán los clientes de la galería. La elección de cada cual sobre llevarse a casa, como poco una, y mejor dos obras será acertadísima. Además de por la excelencia de los autores que ha reunido, también por el rasgo de complementación entre las perspectivas de dos géneros. Y no lo decimos por ser pintura o cerámica, eso es lo de menos, sino por tener en cuenta la complejidad de la expresividad plástica y conceptual que estos autores nos proponen, desde su visión del presente: con mentalidad actual y reposada en un tema profundamente arraigado en la intemporalidad.



I Exposición en la web: Artistas de la Galería Azul

Por • 11 de mayo, 2007 • Tema: Anteriores portadas, Artistas, Destacados, Exposición en la web

Artistas de la Galería Azul
Madola / Carme Collell / María Bofill / Jordi Marcet & Rosa Vila-Abadal / José-Antonio Sarmiento

San Cibrián de Ardón 24232 LEON (España)
C/ Real, 1
Tlf/fax: 34+ 987 30 46 93
Visitas concertadas / by appointment:
Tlf/ (34) + 676 47 45 48 / 987 68 05 76 y 987 30 46 93

Desde 1995, Galería Azul ha orientado su línea de actuación a la difusión de la cerámica de arte (alfarería y escultura). Hoy, ampliando nuestra presencia en la web iniciada en 1998, emprendemos una nueva etapa con una primera exposición exclusiva a través de la red, en la que pueden contemplarse obras de Madola, María Bofill, Carme Collell, José Antonio Sarmiento y la obra en coproducción de Jordi Marcet & Rosa Vila-Abadal. Obras que ponemos a disposición de nuestros lectores: colecciones de arte, clientes-amigos, e interesados o conocedores de la cerámica de autor.

Galería Azul · Exposición en la web - Madola

Madola, Escritos de taller

Galería Azul · Exposición en la web - María BofillGalería Azul · Exposición en la web - Carme Collell

María Bofill, Nubes de porcelana | Carme Collell, Rosa Cúbica

Galería Azul · Exposición en la web - Marcet & Vila-AbadalGalería Azul · Exposición en la web - José Antonio Sarmiento

J. Marcet & R. Vila-Abadal, Plato | J-A. Sarmiento, Noche en el desierto I

Ver: I Exposición en la web

Para más información dirigirse por e-mail; envíos internacionales.
For more information please send an e-mail; international shipping.

Galería Azul ofrece desinteresadamente un servicio de asesoramiento y colaboración para galerías de arte, instituciones, y coleccionistas.



Joan Gardy Artigas

Por • 5 de mayo, 2007 • Tema: Artículos, Artistas

Gardy Artigas I JOAN GARDY ARTIGAS (Paris, 1938). Recibió el conocimiento de la cerámica de la mano de su padre, Josep Llorens Artigas, con quien colaboró desde su época de estudiante como asistente de las obras que Artigas y Joan Miró realizaron en Gallifa. 1953-1958.- Trabajó como ayudante de Joan Miró, en 1957 realizaron el mural de cerámica para la UNESCO en París. Miró falleció en 1983, pero hasta un año antes contaría con la colaboración de Gardy. Desde finales de la década de los cincuenta, Joan Gardy se instala entre Gallifa (Barcelona) y París, primero para estudiar un tiempo en L’ Ecole du Louvre, y establecer seguidamente un taller de cerámica en París donde, al tiempo que realiza su obra personal, continúa colaborando con Miró y con otros artistas de la vanguardia, entre ellos Braque y Chagall. Al lado de Artigas y Miró pudo tomar contacto con la esfera artística internacional más relevante. Desde muy joven, la calidad de su trabajo le introdujo en el grupo de jóvenes artistas de la prestigiosa Galería Maeght, junto a los nombres de los artistas consolidados entre los que figuraba Picasso, Miró, Giacometti o Calder, entre otros.

Gardy Artigas III

Joan Gardy Artigas, de la serie Monstres

Pintura, escultura y cerámica son los medios en los que Joan Gardy Artigas desarrolla su talento artístico. En 1960 realiza su primera escultura, y desde 1963 firma su obra con el apellido materno (Gardy) en primer lugar, seguido del segundo de su padre (Artigas), mediante el cual el maestro de la cerámica sería conocido internacionalmente (el apellido Llorens de su padre había quedado entendido como segundo nombre propio). Alberto Giacometti le ayudó a emprender la decisión de dedicarse a la escultura, y le enseñó el uso de otros materiales. Desde 1960 la obra de Joan Gardy Artigas ha estado presente en importantes exposiciones y galerías de España, Francia, Alemania, Suiza, Japón y Estados Unidos, entre ellas la Galería Lelong en París.

En 1961 viaja a Japón con una beca de la fundación March y allí trabaja con los maestros japoneses, aprendiendo las técnicas orientales de la cerámica. Entre su obra de carácter monumental podemos citar, a modo de resumen: Toleráncia, 1996 (Atlanta, Estados Unidos); Terra y foc, 1983 (Avda. Diagonal, Barcelona); Porta per una ciudad (11 m.), 1974 (Gerona, autopista A-17 entre Barcelona y Francia); La Porte Bleue (8.5 m.), Forme en femme (6 m.), 1973 Chamonix (Francia).
En varias ocasiones ha dirigido algunos workshop, en calidad de artista invitado en universidades de Estados Unidos, así como en la Fundación Miró de Palma de Mallorca.

Gardy Artigas IIGardy Artigas IV

Joan Gardy Artigas, El sueño de la razón

Gres, cocción anagama: 66 x 42 x 24 cm / 73 x 37 x 23 cm

Después de ceder el estudio de París a su hijo Isao Llorens Ishikawa, su obra más reciente se concentra especialmente en la materia cerámica; en el 2004 es invitado a la fundación del Ceramic Cultural Park, Shigaraki (Japón). Con la ayuda de unos amigos de Bizen, especialistas en hornos de leña de alta temperatura, construye en el 2004-2005 un horno anagama en el taller de la Fundación Artigas. La temática de algunas de las esculturas cocidas en el anagama, se agrupan en su mayoría bajo el enunciado de la serie Monstres (monstruos): un tema inspirado en el aguafuerte de Goya El sueño de la razón produce monstruos (Capricho nº 43 (1793-96), Museo del grabado de Goya).

Gardy Artigas V

Joan Gardy Artigas, Poisson

Utilizando un lenguaje fantástico y mitológico, Joan Gardy Artigas crea una serie de mostruos y personajes en torno a una reflexión constante sobre la condición humana y la vida. Esta temática le sirve de hilo conductor al artista para engarzar la agudeza del pensamiento crítico que le caracteriza, en pos de aplicar su expresión mediante el desarrollo de formas (zoomorfas o antropomorfas) de carácter expresionista.

Gardy Artigas VI

Joan Gardy Artigas

Gardy Artigas VII

Joan Gardy Artigas, Poisson

Formas extraídas de su vocabulario personal que trascienden en un profundo significado al desenmascarar los monstruos de la sociedad (la representación del pez está muy presente en la trayectoria de su obra, siendo característica de su trabajo del modo en que también lo es la utilización de la mitología mediterránea de inspiración arcaica).

Gardy Artigas VIII

Joan Gardy Artigas, Poisson

La fuerza de la expresividad formal adquiere y se impregna de un mayor dramatismo por medio de la elección del procedimiento técnico con que la mano y la percepción de Joan Gardy Artigas ha decidido llevar estas esculturas a término, tras consolidar la tensión del modelado mediante una patente presencia del gran fuego, aplicado éste no solo como método de consolidación de la materia sino desde el sentido pictórico como un sombreado efectuado por el flameado de las llamas producidas en el anagama (un horno donde la leña ardiente y las formas del gres comparten un único espacio). En este tipo de horno de leña, el viento, la llama y la ceniza son elementos manejados creativamente de una determinada manera, para imprimir una pátina que pone de manifiesto el color de la tierra y su textura, grabando los acontecimientos del proceso y la interacción con los elementos de la naturaleza.



La luz de la oscuridad, Jordi Marcet y Rosa Vila-Abadal

Por • 27 de abril, 2007 • Tema: Exposiciones

Del 20 de abril al 8 de julio de 2007
Exposición: La Lum de la foscor (La Luz de la oscuridad)
obra cerámica de Jordi Marcet y Rosa Vila-Abadal
Muestra comisariada por: Fina Valldaura

Lugar: L’Albergueria, Centro de Difusión Cultural del Obispado de Vic
Carrer de l’Albergueria,1
08500 Vic (Barcelona) tlf/ 93 889 18 57
Horario: martes a viernes 16.30 a 19.30 h; sábados 11 a 14 h. / 16.30 a 19.39 h; domingos y festivos 11 a 12 h.

Marcet y Vila Abadal II Dentro del ciclo Orígenes, se han programado por la Obra Cultural del Obispado de Vic, tres exposiciones: La Llum de la Foscor (de Jordi Marcel y Rosa Vila- Abadal) de la que aquí nos vamos a ocupar, a la que le seguirán La luz de la tierra de los mismos autores (programada para el otoño) y Paraíso (de Jorge Rojas-Golsack, programada para el verano), más dos conferencias (El Génesis a cargo de M. Grané, y La cerámica, vehículo de expresión contemporánea a cargo de Carme Collell, y una audición musical comentada (La Creación, de Haydn); exposiciones y actos que desde la primavera al otoño irán aconteciendo en la mencionada ciudad, a propósito de una reflexión sobre el Génesis.

«Gotas de luz salpican las piezas que caminan con el espectador hacia una mirada que todavía no ha nacido. / La no luz, las humedades, la aparición de la vida vegetal -los indicios- nos acompañan para intuir una vida humana que todavía no ha llegado a la plenitud; permanece incipiente» (…)

Con estas palabras comienza el encarte que presenta la exposición de Jordi Marcet y Rosa Vila-Abadal que abre el ciclo Orígens, una instalación que expresándose a través de la cerámica nos pre-dispone a reflexionar sobre los orígenes, bajo la pauta del relato bíblico del Génesis.

Entramos en la exposición. Estamos bajo la bóveda de piedra de la antigua alberguería, arropados en la penumbra y acompañados por las notas de las Variaciones de Elena Karandrov (compuestas para la banda sonora de La Mirada de Ulises). Las cerámicas creadas conjuntamente por Jordi y Rosa parecen flotar sobre un manto de fieltro que, como un pentagrama, recoge la cadencia atonal de un ritmo pausado. El espectador se encuentra en el recinto sumergido en una atmósfera de tranquilidad, mientras descansa la mirada en cada pieza estableciendo con el pensamiento una relación entre cada una de las cinco obras presentadas y las palabras extraídas del Génesis que a la entrada de la muestra se nos han sugerido:

Pero un manantial brotaba de la tierra y regaba toda la superficie del suelo
Gn. 2.6

Marcet y Vila Abadal I

Vista general de la exposición

Recibe al visitante, un monolito en el que se han dispuesto juntos y en vertical cuatro plafones cerámicos (80 x 80 cm cada uno) formando un único lienzo (la obra se ha colocado a partir de aproximadamente medio metro del suelo y se alza casi hasta la bóveda). Cada plafón está conformado a su vez por cientos de diminutas piezas cerámicas que, por acumulación, componen una masa compacta, en una cadencia de tonalidades oscuras de textura aterciopelada por un esmalte gresificado; entre los fragmentos oscuros, de modo aleatorio, se han insertado pequeños destellos de luz mediante otras piezas de igual medida y forma, esmaltadas con colores casi primarios (cada mural contiene precisamente cinco puntos de esos colores más llamativos, que sin repetirse salpican la oscuridad en lugares diversos). «La elección del número cinco –me explica Rosa Vila-Abadal, coautora de la obra- se utiliza en la numerología como símbolo de la sabiduría; el nº 5 es el número del ‘maestro’».

La presencia vertical, personalmente me sugiere una gran fuerza generadora de vida: la luz en la oscuridad donde explosiona el principio del Universo. Detrás del monolito, literalmente a su sombra, se ha dispuesto a poco más de un palmo del suelo un grupo de recipientes con agua, “vasos-bandeja” donde han brotando delicados tallos que anuncian el comienzo de la vida. La secuencia continua con dos bandejas de madera que, en un salto sincopado, se han elevado en altura para acercarnos a la mirada un grupo abigarrado de pequeñas flores, dispuestas como en un semillero (rojas trompetas de agua en una bandeja y azules en la otra). Los artistas utilizan estos dos colores como representación de lo material y lo espiritual (tierra/agua).

Marcet y Vila Abadal IIIMarcet y Vila Abadal IV

Detalles de las obras

La siguiente pieza de la composición es una bandeja situada a pocos centímetros del suelo, en la que mediante un volumen acromático se simula el movimiento de un campo de arroz mecido por el viento; sin embargo, una mirada más atenta descubre que en realidad lo que parecen hierbas son una representación surrealista de un campo, bajo la figuración de dedos únicamente femeninos (dedos de maniquí dispuestos como una masa vegetal), con cuyo significado o figuración plástica el espectador puede plantearse diversas especulaciones. Concluye el discurso compositivo con una última obra: un cuadro colgado (aparentemente suspendido en el aire), y materialmente construido por un rompecabezas de pequeños triángulos, representación abstracta de rostros humanos; caras diminutas y apretadas unas contra otras en un trencadís de cromatismo suave, en blanco y tonalidades pastel. Un cuadro que absorbe toda la luz en la resonancia de un acorde sostenido, como eco de reflexión social.

El discurso conceptual de la instalación emplea elementos de la naturaleza para expresarse. Se alimenta en el optimismo, y, encuentra la esperanza en el nacimiento de un hombre nuevo. Un hombre más completo que ha de surgir desde el cultivo de la espiritualidad, «de una reflexión artística y social nacida de nuestra realidad contemporánea», sin dejar de contemplar la realidad material de nuestro tiempo.



Escultura. Cerámica ibérica contemporánea

Por • 18 de abril, 2007 • Tema: Exposiciones

Exposición: Escultura. Cerámica Ibérica Contemporánea
Comisario: Antonio Garrido Moreno

Pazo de Cultura
C/ Alexandre Bóveda s/n
Pontevedra
Del 11 de abril al 13 de mayo de 2007

Martes a Viernes: 18-21 h. / Sábados: 11-14 h. y 18-21 h. / Domingos y Festivos: 11 a 14 h.

Escultura Cerámica Ibérica Contemporánea IEscultura Cerámica Ibérica Contemporánea II

Rosa Amorós Gea, 2000/ Heitor Figueiredo Só vendo, 2005

El proyecto en que se desenvuelve esta exposición, según Antonio Garrido, doctor en Historia del Arte, profesor en la Universidad de Santiago y comisario de la muestra, «tiene la intención de realizar una aproximación al estado de la cuestión de la escultura realizada con material cerámico, en España y Portugal». La muestra ofrece, por consiguiente, algunos de los nombres más conocidos y representativos de esta dedicación plástica en la Península Ibérica: Rosa Amorós, Xela Aréa, Arcadi Blasco, María Bofill, Caxiguiero, Heitor Figueiredo, Virginia Frois, Angel Garraza, Antonio González, Emilia Guimeràns, Madola, Benjamín Menéndez, Enric Mestre, Rafa Pérez, Agustín Ruíz de Almodóvar, Cecilia de Sousa, Xavier Toubes, Miguel Vázquez, Sergio Vicente, Xohan Viqueira, Hisae Yanase.

Y aun reconociendo que por limitaciones de espacio o disponibilidad de los artistas, salvedad derivada de los condicionantes que toda exposición colectiva conlleva, si no es posible que estén todos los que por su trayectoria, creatividad e innovación pudiesen participar, subraya que por los mismos motivos antes mencionados todos los que sí están son merecedores de esta distinción.

Escultura Cerámica Ibérica Contemporánea III

Hisae Yanase Flora, 2004

Con esta intención, ha reunido a varios escultores, que el comisario sitúa en el tiempo bajo el epígrafe de tres generaciones, marcando una aproximación del presente y augurando un futuro esperanzador para el horizonte de la cerámica como material escultórico.

Escultura Cerámica Ibérica Contemporánea IV

Arcadi Blasco Homenaje a Paolo Ucello, 2001

Enlaces relacionados:

Post scriptum (12/07/2007)

Itinerancia de esta exposición:

Se ha confirmado que la exposición viajará a Portugal para la Feria de Caldas da Rainha, donde permanecerá dos meses; Inauguración: 16 de agosto 2007 a las 20:00 h.
En octubre y hasta diciembre 2007 podrá verse en el Museo Nacional del Azulejo de Lisboa (20 noviembre hasta el 7 de febrero de 2008).



Exposición en el González Martí resultado de los encuentros en Boassas

Por • 12 de abril, 2007 • Tema: Exposiciones

“II Encuentros Internacionales de Ceramistas en Boassas”
Exposición temporal en el Museo Nacional de Cerámica “González Martí”
Calle Poeta Querol, 2
46002 Valencia (España)
Comisario: Manuel da Cerveira Pinto
Fechas: del 4 de abril al 3 de junio de 2007

“Fomentar el intercambio de experiencias entre los artistas participantes, tras dos semanas de trabajo y convivencia en la localidad portuguesa de Boassas” ha sido, según la organización del evento, el objetivo principal de estos encuentros. Una segunda edición que en esta ocasión ha reunido dos ceramistas de Portugal: Hector Figueiredo y Sofía Beça, con otro procedente de Alemania: Thomas Weberd, y seis de España: Fernando Malo, Jesús Castañón, Juan Ortí, Juan Luis Tortosa, Myriam Jiménez y Xavier Montsalvaje.

Boassas II

Thomas Weber, De la serie “Cajas portuguesas”
Gres refractario, cocción en horno de leña a 1135 ºC.

Boassas I

Myriam Jiménez, Piedras blancas
Gres refractario, cocción en horno de leña a 1135 ºC.

Boassas III

Sofía Beça, Refugio
Gres, técnica mixta, cocción en horno de leña a 1150 ºC.

El resultado del encuentro, tras su anterior exhibición en la Casa Municipal de Cultura del concejo de Cinfaes (Oporto, Portugal) y su paso por Asturias en el Centro Municipal de Arte y Exposiciones de Avilés, cerrará su itinerante ciclo expositivo en Valencia. En el Museo González Martí es donde ahora puede contemplarse, tras su presentación en la mesa redonda “Tendencias actuales de la cerámica”, en la que participaron junto al comisario de la muestra Manuel da Cerveira Pinto, Jaume Coll Conesa (director del Museo Nacional González Martí) y Josep Pérez Camps (director del Museo de Cerámica de Manises). Hasta el próximo 3 de junio, en la sala de la tercera planta que la mencionada institución destina a exposiciones temporales, las obras que se exhiben son fruto de este segundo encuentro celebrado en la pintoresca aldea de Boassas.

boassas IV

Aspecto de la exposición
Sala exposiciones temporales, MNC González Martí

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MADOLA: Tierras y plomo

Por • 18 de marzo, 2007 • Tema: Artículos, Artistas

Obras que resisten el tiempo, obras con significado

«(…) en mi trabajo se necesitan diez años para aprender una técnica, diez años para llevarla a cabo y diez años para saber lo que quieres hacer con ella» (Madola, en una conversación con Montserrat Nomen)

MADOLA, nombre artístico de Mª Angels Domingo Laplana (Barcelona 1945), es una de las referencias importantes de la escultura cerámica. La tierra cocida en alta temperatura, el tachismo pictórico potenciador de su gesto de modelado informal (con predilección por tonalidades sobrias: negro, blanco y azul, junto con el color propio de la arcilla), o el empleo de la lámina de plomo presente en sus últimos trabajos –abrazando la materia cerámica–, definen el procedimiento técnico y matérico en el que se desarrolla el universo de esta singular escultora. Además, a todo lo dicho hay que añadir el lenguaje objetual que expresa la configuración del «sentido» en su inquietante y misteriosa obra, mediante la profundidad del «significado».

Serie “Aguas Perdidas” BROCAL 1999
Tierra chamotada, óxidos y esmalte; 80 x 53 x 50 cm

¿Cómo definir el tema, y el significado? Aunque en ocasiones la escala elegida sea de carácter monumental, sería muy poco decir que la obra se describe por su carácter arquitectónico; incluso si se inspira en formas propias de la arquitectura (columna, arco, menhir, dolmen, altar, puerta…), personalmente entiendo que la profundidad de su lenguaje articula estas formas más como símbolo que como representación. Y aunque en ocasiones toma para sí la resonancia de los objetos o enseres de la vida (en forma de libro, copa, urna…), tampoco considero exacto clasificar su obra como figurativa.

Madola

Serie “Aguas Perdidas” FONTBLAVA 2003
Tierra chamotada, óxidos y colorantes; 120 x 25 x 40cm

En un fugaz repaso por las diversas Series (siempre compuestas por piezas únicas) y otras esculturas aisladas que a lo largo de los últimos cuarenta años de dedicación plena Madola ha realizado –comenzó muy joven-, me parece interesante citar algunos de los títulos y cronología de las mismas, para situarnos en el lenguaje de la artista: Copa (1966); Serie “Bonys” 1977-78; Serie “Esteles” (Estelas) 1985; Serie “Aigües Perdides” (Aguas Perdidas)1999-2003; Serie “Urnes” (Urnas) 2003; Serie “El Cos” 2005; Serie “Llibres” (Libros) 2005. También citaré algunas piezas aisladas que representan el sentido de su trabajo: LEKU 2002 (tierras y plomo/ dolmen sagrado de memoria, del eco del viento); AFRICANA 2003 (Tierras y plomo/ que arrastra hacia la tierra virginal, primer lugar); CAP DE JOAN 2003 (Tierras y plomo/ dientes contra dientes, y siempre sangre, sangre y más sangre); LLIBRE BLAU. EL LIMIT DE LA MATERIA. HOMENATGE A JOAN MIRÓ 2004 (tierras y plomo/ límite de color y movimientos, y de alegría); MEMORY I 2004-2005 (Tierras y plomo/ dentro jarras grandes de barro rojo con un gran vientre); MEMORY II, 2004-2005 (Tierras y plomo, depósito de grano con dibujos, o sepultura); PESCI GUIDANO LA NOSTRA NAVEGAZIONE… HOMENATGE A ESTHER ALBARDANÉ, 2004 (Tierras y plomo/ ¿qué podemos hacer sino un pez azul? ¿la retendremos?).

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Miquel Barceló, cerámicas y acciones

Por • 19 de febrero, 2007 • Tema: Exposiciones, Noticias

Miquel BarcelóAl principio imaginé una obra de cerámica, como cuadros que crecían, con unas dimensiones humanas, de unos dos metros, y después la obra fue creciendo. Era una necesidad de la obra, del espacio y del lugar

Miquel Barceló, sobre su intervención en la Catedral de Palma, febrero 2007

Miquel Barceló ha trabajado con los medios y la visión del siglo XXI explorando la materia cerámica desde su estrato primigenio. Ha puesto su mano y expresividad en el interior de una catedral del siglo XIII-XIV; esta obra que ahora contemplamos es el resultado de siete años de trabajo. Según ha dicho le dejaron hacer con absoluta libertad, al enfrentarse al tema de la multiplicación de los panes y los peces.

Barceló - CatedralFrutas(detalle)

Vista general de la Capilla y detalle del mural, Catedral de Palma

Hace unos meses también escribíamos en este blog sobre esta noticia y entonces esperábamos que el artista completase la ejecución de los vitrales en los que estaba trabajando (5 vitrales de 12 metros de altura). Hoy, finalizado el trabajo del retablo de terracotta, las vidrieras y el mobiliario por parte del artista, y efectuadas las complejas labores de instalación de todos los elementos (incluida la iluminación, por cierto, muy cuidada y respetuosa con la obra), la capilla está abierta al público. Su expresividad plástica habla de la naturaleza (del aire, del mar y de la tierra), pero también incita a la reflexión.

Agnósticos o creyentes, cada cual extraerá sus conclusiones para encontrar su “utilidad”. El mural, resuelto plásticamente de un modo muy notable, se expresa libremente en el estilo y gesto que caracteriza a su autor. Si cuando pinta Barceló realiza el volumen superponiendo capas y chorreones de pintura (modela la pintura), en esta obra ha proyectado los volúmenes trabajando por delante y por detrás del paño de arcilla «han sido miles de manotazos, de puñetazos» (Barceló); para dar color ha aplicado en ciertas zonas el engobe como una pasta, en otras como una aguada, y también ha dejado la piel de arcilla roja al descubierto. En la concepción plástica de este mural la «grieta» también tiene un papel importante, en tanto que permite dejar el discurso orgánico de la materia al descubierto, como referente –según sus palabras- de «la idea del artista trabajando en su taller». El mural se ha modelado en paños enteros, se le ha dejado agrietar de forma natural en el proceso de secado para proceder a su fragmentación. El tema, como también es habitual en el lenguaje de Barceló, estalla en una celebración de la naturaleza (el aire, el agua, los frutos del mar y de la tierra): insistiendo en «su» continua reflexión sobre el ciclo natural de la vida.

Teniendo en cuenta que el autor ha declarado no ser católico practicante, aunque si perteneciente a una cultura de creencias cristianas por tradición, entendemos que ha ido más allá de las “creencias” personales, hasta reflexionar sobre valores de sentido universal. En la metáfora de la «existencia» que plantea, sin embargo la escena se detiene en el pasaje bíblico del milagro de la multiplicación de los panes y los peces: los frutos del mar y la tierra ofrecidos en un deseo de abundancia para todos. La figura central del retablo representa la Luz bajo la imagen de Cristo resucitado [desde el suelo se ve como si tuviese la altura de un hombre] elevado sobre un osario de calaveras. Por tradición nuestro país se identifica con las creencias cristianas; esto significa que incluso desde el agnosticismo ciertos símbolos han penetrado en nuestra ética o espiritualidad, cómo reflejos internos que se encuentran fuertemente instalados en la conformación de nuestra cultura. Vemos a los pies de esta figura (Dios y hombre) un libro dorado a modo de pedestal, es la puerta del Sagrario de la capilla; un Sagrario, o lugar sagrado, que se muestra custodiado por cántaros. Las vasijas son precisamente las primeras formas creadas por el hombre y por consiguiente el primer símbolo de su cultura y trabajo: en el destino del hombre está la necesidad de provisión. La metáfora del tiempo parece describirse en las formas de las vasijas; de este modo, quiero decir en forma de cántaro, también se ha representado en muchas obras importantes de la historia del arte universal. Tampoco es casualidad que, el cántaro, sea una forma profundamente arraigada en la cultura mediterránea: países bebedores de agua, de vino y aceite.

En los días precedentes al 2 de febrero, fecha de la inauguración de esta capilla de la Seu de Palma de Mallorca, otrora de San Pere y ahora «Capilla del Santísimo», su autor estuvo muy ocupado atendiendo a todos los medios de comunicación. La intervención artística ya está siendo contemplada como obra fundamental de nuestro tiempo. En sus declaraciones, el autor, ha querido subrayar la importancia de haber podido contribuir con una obra contemporánea dentro de una catedral -entendiendo que en nuestra cultura representa el símbolo de la espiritualidad por excelencia-, «el mejor lugar para el “encuentro”».

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