Archivo de enero 2008

Presentamos la nueva web dedicada a José Antonio Sarmiento

Por • 31 de enero, 2008 • Tema: Artistas, José Antonio Sarmiento

Captura de joseantonio-sarmiento.comDesde mediados de esta semana está disponible –después de una primera fase de pruebas y ajustes– la nueva web dedicada en exclusiva a la obra y la trayectoria artística de José Antonio Sarmiento. A partir de ahora, se podrá acceder también desde este sitio web, al conjunto de la información sobre José Antonio que hemos ido publicando desde aquí los últimos años. Inauguramos de este modo, un portfolio que contiene en este momento una galería fotográfica formada por cuatro álbunes dedicados a la series “Reversibles” y “Paisajes y Esferas”, junto a otros dos álbunes que incluyen piezas realizadas en el anagama-noborigama de San Cibrián de Ardón: una selección de platos ‘escultóricos’ y la serie “Álamo Blanco” realizada en Marzo de 2007.

Estos contenidos visuales se complementan con textos críticos firmados por Kosme de Barañano o Javier Hernando. A lo largo de los próximos meses iremos introduciendo más contenidos para enriquecer el sitio, circunstancia de la que daremos cuenta aquí convenientemente. Así mismo, la versión inglesa de esta web irá recogiendo más información para acercarla de una manera más adecuada a los visitantes internacionales.



Arcadio Blasco, Happy birthday to you…

Por • 26 de enero, 2008 • Tema: Noticias

arcadi blasco_fondoCarmen González Borrás (Galería 100kubik) prepara, con la colaboración de Antonio Vivas (Revista Cerámica), una publicación para celebrar el 80 cumpleaños de Arcadi Blasco, con fotos y comentarios de sus muchos admiradores. Por supuesto nosotros también nos sumamos a la feliz idea, deseándole un Feliz 80 Cumpleaños en compañía de su familia.
En nuestra colección de cerámica contemporánea tenemos algunas obras de Arcadi Blasco que mantienen su presencia constante en nuestra vida diaria. Una de ellas es un mural de pequeño formato (52 x 52 x 10 cm.), realizado en una sola pieza de arcilla refractaria y empotrado en una estructura de madera. El motivo es una abstracción que se resuelve entre la geometría y el gesto, donde se aprecia: la recreación parcial de la suela de una zapatilla sobre la geométrica de un campo de labor, y una sugerencia -muy sutil- en la que se intuye un orificio que bien podría ser la boca de una vasija. Sin embargo, todo está integrado como si al mismo tiempo se fuese de un momento a otro a disolver en la misma tierra, o se fuese a sumir por el desagüe. La poética que trasciende, el movimiento, nos sugiere el paso del tiempo y la dureza de la existencia. La obra no tiene título, pero de tenerlo personalmente creo que podría ser algo así como “volver a la tierra”. Es una obra muy evocadora, y nos gusta cambiarla de lugar y hasta de posición de vez en cuando, no es que sea sistemático pero creo que suele coincidir con el cambio de las estaciones. Como es autoportante en ocasiones la coloco sobre una mesa baja (30cm. del suelo), otras apoyada sobre la pared e incluso posada en el suelo. Con el cambio de perspectivas las lecturas también son variadas y la obra continúa hablando, sin importarle que pase el tiempo.

arcadi blasco_01

La otra pieza que vamos a comentar es muy diferente, forma parte de una serie de dos cuadros de porcelana pintada con óxido de hierro, que nos recuerdan más al dibujo que a la escultura; una ligera curva de la placa proporciona una especie de blandura -como si se tratase de un pergamino-, y el dibujo realizado con óxido de hierro se recrea en la abstracción de unas vasijas (el tema de la alfarería, junto a los muros para defenderse, y el carácter de crítica social son temas constantes en la obra de Arcadio Blasco). Estas dos placas de porcelana, que hemos colgado en la pared -muy juntas- son de considerable belleza plástica y se recrean en el placer del dibujo, sin más.

arcadio blasco_porcelana y óxido

Nuestros mejores deseos para un feliz cumpleaños

Con nuestro afecto y admiración por una trayectoria tan prolífica e intensa
José Antonio y María Jesús Sarmiento

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a continuación reproducimos un extracto correspondiente a un texto publicado con motivo de la exposición de Arcadi Blasco celebrada en Zaragoza el año 2001
texto: Josep Pérez Camps

Arcadio Blasco Pastor (Mutxamel, Alicante, 1928) es un pintor que en la segunda mitad de la década de los 50 encuentra en la cerámica el material idóneo para la expresión plástica. Su formación artística como pintor tiene lugar en la Escuela de Bellas Artes de Madrid, donde llegó a los 19 años, terminando el curso de profesorado en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos de Valencia en 1953. Ese mismo año se traslada a Italia, en donde reside por dos años en la Academia de España en Roma, allí tiene su primer contacto con la cerámica a través de la obra de Nino Caruso y de Carlo Zauli.

Al regresar a España, realiza sus primeras experiencias cerámicas y se interesa por la cerámica artesanal, lo que lleva a trabajar con el alfarero de Cuenca, Pedro Mercedes- con el que intercambia saberes-, y en otros talleres de cerámica popular de Agost y Triana (Cerámica Montalbán). En 1955 instala su primer taller en la nave -cedida por el arquitecto Luis Feduchi- el edificio a mitad construir del Museo de América situado en la Ciudad Universitaria de Madrid, que compartió con José Luis Sánchez, Jacqueline Canivet y Carmen Perujo; allí realizaría, entre otras obras, muchas vidrieras, mosaicos y murales cerámicos destinados, en gran parte, a ornamentar las iglesias que se construyeron por encargo del Instituto de Colonización de los Pueblos de España, colaborando con los arquitectos José Luis Fernández del Amo, Ignacio Gárate, Luis Cubillo, García Benito, Luis Feduchi, Fernández Alba y Fisac, entre otros. El inmenso espacio de este lugar de trabajo para la creatividad también fue utilizado ocasionalmente por pintores como José Vento, Hernández Mompó, Rafael Canogar, Antonio Saura, etc., que tenían necesidad de realizar obras de gran formato y no disponían de espacio suficiente en sus estudios. Este taller provisional llegó a convertirse en un lugar de encuentro de artistas de la joven vanguardia madrileña.

Precisamente, una de las características más destacables de la trayectoria como ceramista de Arcadio Blasco es su participación directa, entre los años 1945 y 1974, en el nuevo acontecer del arte contemporáneo (…)

(…) Efectivamente, Arcadio Blasco – que había mostrado durante los años 1955 y 1956 sus pinturas en exposiciones colectivas como la X Trienal de Milán o la itinerante Arte Joven junto a artistas como Rafael Canogar (Toledo, 1929), Antonio López (Tomelloso, 1936), Lucio Muñoz (Madrid , 1929), Luis Feito (Madrid, 1929), etc,.- continuó participando a partir de 1959, con obras realizadas en cerámica, en exposiciones como Jonge Spaanse Kunts (itinerante por Amsterdam, La Haya, Utrech, Nueva York, Madrid)en las que figuraban importantes pintores, que como él, participaban de la nueva vanguardia.

Después de una primera aproximación directa al quehacer cerámico, que consistió en emplear la superficie de recipientes como soporte de su vocabulario pictórico – realizando obras con cierta carga decorativa-, Arcadio Blasco se sentirá fuertemente atraído por las cualidades y expresividad de esta materia, y como consecuencia nacerán sus Cuadros cerámicos (1956-64). Se trata de pinturas cerámicas inmersas en el informalismo de carácter abstracto y gestual -realizadas sobre plaquetas, que en muchas composiciones serán el distinto tamaño y grosor-, en las que los esmaltes de colores son aplicados con la técnica del “driping” que el autor utiliza para dejar constancia del gesto en el acto pictórico, al tiempo que persigue conseguir determinadas calidades cromáticas y contrastes matéricos. Esta será la última serie que realizará totalmente con esmaltes coloreados, superficies brillantes y fuerte cromatismo. En todos sus ciclos de trabajo posteriores: Objetos idea (1969), Propuestas ornamentales (1969-74), Arquitecturas y Muros para defenderse del miedo (1970-86), Ruinas arqueológicas (1984-86), Ruedas de Molino para comulgar (1985). Homenajes (1992-95), las arcillas de distintas tonalidades, los engobes, vidriados – menos frecuentes y muy matizados-, y las aplicaciones de óxidos colorantes de tonos terrosos serán – muchas veces sometidos a una cocción reductora-, los materiales protagonistas de sus obras.

En aquel torbellino de búsquedas en que se convirtieron los años 50 para los artistas españoles más inconformistas, Acadio Blasco indaga en las posibilidades de la materia cerámica y encuentra en la arcilla cocida – despojada de sofisticados vidriados- el medio idóneo con el que realizar en volumen sus últimas investigaciones pictóricas, que desembocarán – en cerámica- a finales de los años 60 en relieves y esculturas de compromiso social y crítica política. El frecuente contacto de Arcadio Blasco con alfareros de la península contribuyó sin duda a enriquecer su vocabulario plástico y a encontrar soluciones para su obra, en algunos procedimientos que con una finalidad muy distinta empleaban los alfareros.

Enlaces relacionados:



Estancia y trabajo en Gotemburgo

Por • 18 de enero, 2008 • Tema: Anteriores portadas, José Antonio Sarmiento

r_jas_goteborg1.JPGEn las imágenes con las que abrimos este post podemos ver al ceramista leonés José Antonio Sarmiento, junto algunas de sus obras en proceso (esculturas y otras piezas de torno), realizadas durante el mes de octubre y diciembre de 2007 en Gotemburgo (Suecia). Una experiencia, sin duda, estimulante y que próximamente continuará para él durante el próximo mes de febrero (en el encuentro que en la citada ciudad se prepara, con la participación de otros conocidos ceramistas de los países nórdicos). Durante este tiempo en Suecia, J-A. Sarmiento, realiza su obra como artista invitado en el estudio de Helena Andersson, Hanna Järlehed-Hyving y Eva Zethraeus.

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Las tres ceramistas: Helena, Eva y Hanna, obtuvieron en 1998 su Master en Fine Art, en la especialidad de cerámica (HDK) del departamento de artes aplicadas de la Universidad de Gotemburgo (Göteborg). Al graduarse decidieron establecerse por su cuenta compartiendo estudio, y, aunque realizan individualmente su trabajo, la fórmula de compartir taller es muy estimulante y además les sirve para reducir gastos. En un inmueble rehabilitado para artistas y artesanos, junto a los locales de otros colegas, el lugar -a poco más de un cuarto de hora a pie del centro de la ciudad- está situado en una zona tranquila frente a un frondoso parque. No es un espacio demasiado grande pero ellas lo tienen muy bien ordenado y le sacan mucho partido. El pasado verano les hicimos una visita para conocer sus respectivos trabajos. Como se puede apreciar sus obras son de una calidad excelente.
En este sentido, H. Andersson, E. Zethraeus y H. Järlehej-Hyving, son tres artistas que utilizan lenguajes cerámicos muy diferentes, no solamente en el aspecto técnico sino también en su discurso. Sin embargo hay un cierto sabor en sus respectivas temáticas que determinan un punto coincidente, me refiero a una determinada gramática [confrontada (HA), reflejada (EZ), e insinuada (H.J-H)] que se desarrolla como reflejo de la relación que cada una mantiene con la naturaleza. Y no he aplicado estos términos de modo aleatorio, sino con toda intención y en el orden preciso junto a las iniciales de sus nombres. Así es que lo que vamos a encontrarnos a través de sus obras son difererentes modos de mirar un mismo paisaje.

 

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Helena Andersson, Resonance

La obra de Helena Andersson -sobre la que hemos hablado en anteriores entradas del blog- contiene una consistente fuerza expresiva. Nos habla de aspectos cambiantes, del ritmo de las estaciones, de lo inesperado. Se diría que confronta la forma con la vibración de su musicalidad interior. Y lo hace extrayendo las esencias de la tierra, de un modo a como una sinfonía sacude nuestros sentidos.

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Eva Zethraeus, Coral

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Eva Zethraeus, Instalación de pared


El trabajo de Eva Zethraeus
, es de un gran virtuosismo y cuidada factura. Consigue, lo que no es nada fácil por cierto, que sus formas perfectas se reflejen hasta trascender en su proyección pictórica. En su trabajo la forma es importante, pero no menos lo es la tonalidad y la textura. Con todo recoge la configuración de un cuerpo único que se ha formado por muchas células, hasta disolverse en su propio reflejo y componer un solo elemento. Emplea EZ una temática de motivos marinos, potenciando aun más este contenido sensitivo de lo acuoso. La proyección del conjunto de sus instalaciones literalmente se esparrama por el suelo, o tapiza el muro, dejando en el espectador una sensación de tranquilidad y placer… hasta olvidar el peso corporal (como si flotase en el fondo de un paisaje marino).

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Hanna Järlehed-Hyving


La obra de Hanna Järlehed-Hyving
, es muy diferente de todo lo que hasta ahora hemos comentado. Lo que no quiere decir que sea menos importante. La artista interpreta formas propias de la alfarería (platos o cuencos), para encontrar en la observación detenida aspectos de consistencia: la vibración de la arcilla y el estudio del esmalte. Matices que son apreciables en la corta distancia. Muy interesantes en cuanto su expresión plástica y su encuentro con otra especie de minimalismo, el minimalismo poético.Estas piezas adquieren relevancia en el cuerpo a cuerpo, requiriendo la atención del espectador atento pues transcienden un lenguaje de introspección, que a cambio de la atención prestada nos recompensa con el descubrimiento de lo sutil. Hanna nos abre los ojos al microcosmos de estas esencias a través de la suavidad y el movimiento de la porcelana.

Cocción de leña en los hornos de Nääs

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Hornos al aire libre en Nääs

De los autores que anteriormente hemos citado, Helena Andersson y José Antonio Sarmiento utilizan hornos de leña. Realizan la cocción en el campo, en los hornos construidos en Nääs en cooperación con la escuela de arte del lugar y el departamento de artes aplicadas de la facultad de bellas artes de Gotemburgo.

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Helena Andersson y José Antonio Sarmiento, estibando un horno en Nääs

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Helena Andersson, escultura de pared

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José Antonio Sarmiento, tableware

(Más imágenes: sobre la cocción de diciembre de 2007 en Nääs)

Galería Anna H - Andersson & Gustafson

Galería Anna H



Veinte años de la producción artística de Chillida en el CaixaForum de Palma

Por • 7 de enero, 2008 • Tema: Exposiciones, Noticias

Por Oscar García García

Chillida en el CaixaForum de PalmaEl CaixaForum de Palma presenta a partir del día 28 de diciembre la exposición Chillida 1980-2000, que muestra los últimos veinte años de la obra de Eduardo Chillida (San Sebastián, 1924-2002), fruto de la colaboración entre la Fundación “la Caixa” y el Museo Chillida-Leku. La muestra con 58 piezas se compone de esculturas, relieves, dibujos y obra gráfica, repasa la carrera de este gran escultor desde 1980 hasta el año 2000. Este periodo temporal se caracteriza por un giro en la producción artística de Chillida, será a partir de los años 80 cuando comience a utilizar otros materiales como el hormigón, la terracota o las maderas antiguas, profundice en la dimensión arquitectónica de la escultura y estudie la relación de estas piezas con el entorno que las rodea. En 1980 Chillida ya era un artista internacionalmente conocido, su obra ocupaba grandes museos de Europa y Estados Unidos, y varias de sus intervenciones en espacios públicos habían contribuido a la renovación de la escultura monumental. El resultado de la exposición es un extraordinario conjunto de obras representativas de uno de los periodos más prolíficos y creativos del artista.

Chillida en el CaixaForum de PalmaChillida en el CaixaForum de Palma

Chillida 1980-2000 da la bienvenida al espectador con la obra “Homenaje al mar” realizada en alabastro, un material muy utilizado por el escultor por su capacidad de recoger y expulsar la luz. A continuación la muestra se divide en tres apartados reflejo de diferentes facetas del artista vasco: las tierras, gravitaciones y obra pública. La tierra o el barro es un material que en un principio Chillida había negado, pero finalmente quedará fascinado con él , creando obras como “La casa del poeta I” o sus lurras de arcilla. Las gravitaciones exploran las posibilidades escultóricas del papel y el dibujo, a través de capas que se superponen y que generalmente están sujetas por hilos “gravitando”. La faceta de la obra pública, esencial en su producción artística y sobre todo a partir de los 80, queda representada por seis maquetas a escala de acero, de proyectos que posteriormente alcanzarían un tamaño monumental, como “La casa de Goethe”, situada en Frankfurt; o el “Homenaje a Hokusai” de Matsuda, en Japón. En este recorrido por 20 años de evolución creativa vemos como las formas se vuelven cada vez más densas y compactas, reduciéndose los espacios que ocultan e invitándonos a la meditación metafísica; se trata de formas que cada vez tienen más inspiración y relación con la naturaleza. También podemos percibir un concepto básico para esta época, la idea de habitar, la obra se inscribe en un paisaje natural o urbano creando un lugar nuevo.

Chillida en el CaixaForum de PalmaChillida en el CaixaForum de Palma

La muestra que podrá verse hasta el 24 de febrero en el CaixaForum de Palma de Mallorca, recorrerá posteriormente otras ciudades españolas, empezando por Tarragona y Alicante. Y contará con un servicio de visitas guiadas con tres modalidades: visitas familiares, comentadas y dinamizadas.

Información esencial

  • Exposición: Chillida 1980-2000
  • Fecha de la exposición: 28 de diciembre 2007 – 24 de febrero 2008
  • Comisario: Eduardo Chillida Belzunde
  • Lugar: CaixaForum Palma. Plaza de Weyler, 3 (Palma de Mallorca)

Fuentes: Masdearte; Obra Social “La Caixa”.

Nota: Esta noticia fue originalmente publicada en Art Signal E-News. La compartimos con nuestros lectores gracias a la cortesía de Art Signal Magazine.

Enlace a otros textos sobre la obra de Eduardo Chillida